BIOGRAFIA DE France Gall

 

France Gall

France Gall, nome artístico de Isabelle Geneviève Marie Anne Gall (Paris, 9 de outubro de 1947 — Neuilly-sur-Seine, 7 de janeiro de 2018),^[1] foi uma cantora francesa.

Um ídolo da juventude francesa ao longo das décadas de 1960, 70 e 80, a cantora faleceu em 2018, aos 70 anos, em decorrência de um câncer.^[2]

Biografia

Gall foi criada numa família de músicos, o seu avô foi o co-fundador de uma de formação de jovens cantores chamada "Pequenos Cantores da Cruz de Madeira".

Em 1965, France Gall representou o Luxemburgo no Festival Eurovisão da Canção, cantando Poupée de cire, poupée de son (Boneca de cera, boneca de som) e obteve a vitória para o Grão-Ducado.

Em 1988, alcançou outra vez sucesso em vários países com a canção Ella, Elle l'a.

France Gall foi muito popular em França durante a década de 1960, interpretando canções como Les sucettes de Serge Gainsbourg e o seu sucesso chegou ao Reino Unido.

A sua última aparição pública foi na cerimónia dos Globos de Cristal a 30 de janeiro de 2017 no Lido de Paris.

France Gall, que sofreu vários dramas pessoais, descobriu ter cancro da mama após a morte súbita do seu marido, Michel Berger, falecido em 1992 aos 44 anos devido a um ataque cardíaco. Ela, no entanto, foi operada e logo se recuperou.

Carreira

Sua família estava profundamente enraizado na música: seu pai Robert Gall escreveu, canções para Charles Aznavour e Édith Piaf. Apoiada por seus pais, deixou a escola com a idade de 15 anos, quando tomou suas primeiras canções. Seguindo o conselho de um técnico, foi escolhido o nome "France", uma vez que o seu primeiro nome, Isabelle, já era conhecido por outra cantora francesa, Isabelle Aubret.

O seu primeiro single, Ne sois pas si bête (Não sejas tão besta) foi um grande sucesso. Seu início de carreira foi especialmente promovido pela familiaridade com o cantor e compositor Serge Gainsbourg.

Grande Prêmio Eurovisão da Canção de 1965

Em 1965, France Gall foi selecionada para representar Luxemburgo no Grande Prêmio Eurovisão da Canção, em Nápoles. De uma seleção de dez músicas, Poupée de cire, poupée de son, escrita por Serge Gainsbourg, foi a vencedora. Na época, ela tinha um relacionamento com o cantor Claude François (* 1939, † 1978).

Também de Gainsbourg vem a canção ambígua Les Sucettes.  Mais tarde, France Gall disse que ela nunca teria cantado a canção se, naquele tempo, tivesse o conhecimento do verdadeiro significado da música.

Carreira na Alemanha

Em 1966, France Gall deixou a França e foi para a Alemanha, onde trabalhou juntamente com o maestro Werner Müller, principalmente, mas também com Horst Buchholz e Giorgio Moroder.  Com Zwei Apfelsinen im Haar (sua versão alemã de A Banda, originalmente interpretada por Chico Buarque), recebeu, em 1968, um disco de ouro. Devido à sua popularidade, recebeu, em 1969 e 1971 o bronze e, em 1970, a prata Bravo Otto na revista juvenil alemã Bravo.

Posteriormente, France Gall admitiu que o tempo de sua carreira na Alemanha não foi o melhor de sua vida, uma vez que a sua fama e as suas aparições constantes não permitiram que ela tivesse uma juventude normal. Seu alemão bateu estilisticamente em contraste com a sua carreira, mais tarde, na França.

Em 1988, após mais de 15 anos, France Gall conseguiu o seu maior hit na Alemanha com Ella elle l'a ( "Ella, ela tem"), um tributo à cantora de jazz Ella Fitzgerald. Durante quatro semanas, foi a música mais ouvida na Alemanha . Seu ábum foi quinto mais vendido na Alemanha, tendo superado o sucesso na França.

Entre as canções mais famosas do idioma alemão estão Dwei Verliebte zieh’n durch Europa, Unga Katunga, Kilimandscharo, Mein Herz kann man nicht kaufen, Ali Baba und die 40 Räuber, Ein bißchen mogeln in der Liebe, Ich singe meinen Song, Ich hab’ einen Freund in München, Ich bin zuckersüß, Wassermann und Fisch, Links vom Rhein und rechts vom Rhein, Das war eine schöne Party, Wir sind keine Engel, oder Ich liebe dich, so wie du bist.

De 1969 a 1974 namorou com o cantor Julien Clerc (*1947).

My Way

O compositor e cantor Claude François escreveu, no final de 1966, a música For You, na qual, processou musicalmente o seu relacionamento fracassado com France Gall. Em colaboração com seus colegas compositores Jacques Revaux e o trompetista e compositor Gilles Thibault, em 1967 Claude fez uma fácil modificação na melodia, o que originou a canção Comme d'habitude. My Way, que fez sucesso mundial nas vozes de cantores como Frank Sinatra e Elvis Presley, é uma versão em inglês feita por Paul Anka de Comme d'habitude.

Concursos Musicais

1965: 1º Lugar do Festival Eurovisão da Canção, com Poupée de Cire, Poupée de Son.

1968: 3º Lugar do Festival Deutscher Schlager-Wettbewerb, com Der Computer N. 3.

1968: Participou do Festival Star-Und Schlager-Parade, com A Banda.

1969: Participou do Festival Gala-Abend der Schallplatte, com Die Playboys bei den Eskimos.

1969: Participou do Festival dei complessi di Rieti, com Il Mio Amore è Una Ruota.

1969: 3º Lugar do Festival Deutscher Schlager-Wettbewerb, com Bißchen Goethe, Bißchen Bonaparte.

1969: 6º Lugar do Festival de Sanremo, com La Pioggia.

1970: 11º Lugar, do Festival Deutscher Schlager-Wettbewerb, com Dann schon eher der Piano-Player.

Discografia

Disco de 45 rotações

• Ne sois pas si bête (Oct. 1963)
• Laisse tomber les filles (1964)
• Sacré Charlemagne (1964)
• Poupée de cire, poupée de son (1965)
• Attends ou va-t'en (1965)
• Baby pop (1966)
• Les sucettes (1966)
• Bebé requin (1967)
• Toi que je veux (1967)
• La déclaration (1974)
• Comment lui dire ? (1975)
• Donner pour donner (com Elton John, 1980)
• Tout pour la musique (1982)
• Babacar (1987)
• Ella, elle l'a (1987)
• Évidement (1988)
• Laissez passez les rêves (1992)

Álbuns

• France Gall (1975)
• Dancing disco (1977)
• Tout pour la musique (1981)
• Débranche (1984)
• Babacar (1987)
• Le Tour de France 88 (Live-Álbum, 1988)
• Double jeu (avec Michel Berger 1992)
• France (1995)

Compilações

• 1990 : Les Années musique — 2 CD, compilation 1974-1988, Warner Music
• 1992 : Poupée de Son — 1 CD, les années Philips 1963-1968, Polydor
• 1992 : Poupée de Son
• 2000 : 1968 — Polydor
• 2001
• 2002 : Best Of — 2 CD, Polydor
• 2003 : France Gall — 2 CD, les années Philips 1963-1968, Polydor
• 2003 : Baby Pop — 1 CD, Polydor
• 2004 : Évidemment — 1 CD, antologia dos anos Berger, Warner Music
• 2005 : Quand on est ensemble — 2 CD, Warner Music
• 2006 : Gold — 1 CD, Polydor

MUSICA&SOM ☝

Soundgarden – Superunknown (1994)

 

O dia era 8 de Março de 1994. A morte de Cobain ainda estava a um mês de distância. Os Pearl Jam tinham editado uns meses antes o aclamado Vs e os Alice in Chains preparavam o sucessor de Dirt. Business as usual em Seattle, a meca do Grunge, a Liverpool dos anos 90, a “mãe” do género musical que continuava a fazer mossa na indústria e na juventude dos anos 90 do século passado.

Quanto aos Soundgarden o sucesso de Badmotorfinger (1991) abria portas que os discos anteriores (Ultramega OK e Louder than Love) não haviam conseguido. Quem os viu em Alvalade em 1992 a abrir para Faith No More e Guns N’ Roses certamente que não tinha ficado indiferente às guitarras de “Rusty Cage” ou ao poder de canções como “Jesus Christ Pose”.

Para o disco seguinte, chegava a hora de olhar para cima e dar um passo em frente. Chegou no início de 1994, Superunknown essa espécie de Exile on Main St. da geração rasca. Um disco eclético, inspirado, variado musicalmente e que estava em plena sintonia com os tempos.

Para Chris Cornell, o vocalista esta era a sua coroa de glória. Agora de cabelo cortado estava preparado para ser uma superestrela para rodar 24/7 na MTV (nos tempos em que estes ainda passavam: música). A começar pela rocalhada imediata, “Spoonman”, homenagem a um artista de rua “Artis Spoonman”, que inclusive fez uma aparição especial no vídeo promocional.

Sob a batuta do produtor Michael Beinhorn, o grupo disparou em todas as direcções, alternando entre as habituais canções mais típicas do rock-grunge como “My Wave”, “Let Me Drown”, “Superunknown” e Limo Wreck”; temas mais calmos, pseudo-baladas como “Fell On Black Days” ou “The Day I Tried to Live”, perfeitas para rodar nas rádios.

Mas falando de hit-singles, nada bate “Black Hole Sun” que faz a sua aparição a meio do disco e que rapidamente catapultaria os Soundgarden para as bocas do mundo. Empurrado por um teledisco marcante, com recurso a imagens distorcidas, o grupo tinha aqui a sua oportunidade de agarrar um “Jeremy” (Pearl Jam) ou um “Come as You Are” (Nirvana).

O single elevou o estatuto do disco a platina e fez com que “Superunknown” atingisse uns anos depois a impressionante marca das 10 milhões de unidades vendidas. Para Cornell juntamente com o guitarrista Kim Thayl, o baixista Ben Shepherd e o baterista Matt Cameron a chegada do estrelato coincidia com a desorientação e a sensação de vazio. Não demoraria muito para que surgissem os sinais de desintegração na banda que se separou abruptamente três anos depois.

Por enquanto, gozavam um relativo mas temporário mar de rosas. A prova era da liberdade que Cornell, dava aos outros para trazerem as suas ideias. Muito interessantes as abordagens ao psicadelismo como em “Half” escrita por Shepherd; o som mais à Black Sabbath de “Mainman” da autoria de Cameron. Para Kim Thayl deixo os louros dessa pérola negra chamada “4th of July”. Se houvesse um Top 10 para músicas sobre o tema do apocalipse esta seria uma das mais sérias candidatas à lista.

“Like Suicide”, a faixa bónus fecha com chave de ouro, a obra-prima dos Soundgarden e um dos melhores discos da década de 90. Aliás em Março de 94, quando tudo parecia normal não auguraríamos melhor futuro a esta geração de bandas. Até que um belo dia…um homem chamado Kurt escreveu uma carta que acabava citando Neil Young: “It’s better to Burn Out than To Fade Away”…

Soundgarden – Down on the Upside (1996)

 

Down on the Upside é o final feliz de uma bonita história, qual princípe e princesa a cavalgar em direcção ao pôr-do-sol. Ou então não.

Comecemos pelo meu ódio de estimação ao termo/expressão/rótulo grunge – é absolutamente rídiculo terem colocado num mesmo saco bandas com sonoridades tão diferentes só porque eram de uma mesma cidade. É essencial ver-se o documentário Hype! para se perceber isto mesmo, a forma como o termo foi gozado pelos próprios “actores” do enredo, como foi criado por alguém exterior para mais facilmente poder vender a coisa. No final desse mesmo filme, Eddie Vedder aparece a dizer que “a tragédia seria se nada se mudasse depois disto tudo”, sendo o “disto” a bomba que explodiu para todos os lados – o suícidio de Kurt Cobain, pondo a descoberto tudo o que estava errado com a exploração de pessoas pela indústria musical. Temo dizer que hoje, olhando para trás, de facto houve mudanças. Também temo dizer que essas mudanças terão sido para pior, já que:

• MTV optou por renegar o seu nome próprio e transformou-se em mais um canal de reality shows;
• Indústria musical continua a explorar artistas, cobrando preços elevadíssimos pelos seus produtos físicos, e assim levando a que sofram as naturais consequências de opção por meios mais baratos ou mesmo grátis para se ouvir música;
• A herança do rock que já vinha do tempo dos Led Zeppelin, com várias ramificações pelo meio entre as quais as bandas de Seattle, está hoje amorfa e domesticada;
• A grande maioria dos ouvintes estão, também eles, domesticados, a ouvir o que se lhes põe na frente, com pouco exercício crítico sobre a qualidade das mesmas.

Ou seja, todos ficaram a perder. Resta-nos a música e a nostalgia desses tempos, de ir para as lojas nos dias de lançamento para comprar o CD, chegar a casa e ouvir vezes sem conta, gravar para cassette para podermos levar no walkmen, incluir aquela e a outra música numa mixtape perfeita.

Em 1996, quando é lançado Down on the Upside, já o mundo era outro. O quinto álbum dos Soundgarden carrega o peso de ser o último de uma era, o capítulo final desta bonita história de um tempo em que o rock reinou sobre o planeta Terra, desde as tundras do Alasca aos deserto da Austrália, desde o topo do Monte Fuji às correntes impossíveis do Estreito de Magalhães. Os Soundgarden acabaram por ser a única banda que nasceu na Seattle desconhecida, perdida no nordeste americano, e como Soundgarden se manteve até ao fim, para cantar “Vitória, vitória, acabou-se esta história”, em forma de “Boot Camp”, que encerra os 65 minutos deste disco, com as suas constantes curvas e contra-curvas, indo desde a pura tranquilidade de “Zero Chance” à insanidade de “Ty Cobb”, desde o minimalismo de “Applebite” à riqueza de textura e mudança de ritmo de “Blow Up the Outside World”, desde a aridez de deserto a que nos leva “Burden in My Hand” (impossível que é separar as imagens do videoclip da própria música) ao rock simples e eficaz de “Pretty Noose”. É um disco que demonstra a diversidade e evolução da banda desde os primórdios, produzido pelos próprios de forma a soar mais crus, mais próximos de si mesmos.

Apesar de continuarmos a ter por aí uns Pearl Jam e uns Mudhoney a lançar discos, o que é certo é que o ciclo se fechou no dia 21 de Maio de 1996, há 21 anos e uns dias. O mundo continuou a girar e os humanos por aqui ainda andam, mas é pena que não tenha sido possível aos Soundgarden mostrar por mais uns anos, por esse mundo fora (e especialmente por Portugal), a excelente banda que foram. Raios te partam Cornell.

Temple of the Dog – Temple of the Dog (1991)

 

Temple of the Dog é o elo perdido que juntou membros dos Soundgarden do que viriam a ser os Pearl Jam. Um disco fundamental para entender a explosão do grunge, poucos meses depois.

Os Temple of the Dog foram um cometa fugaz no panorama musical e merecem ser lembrados por vários motivos. Pela sua música e pelo facto de, geográfica e temporalmente, terem existido num período absolutamente crítico para a grande vaga musical dos anos 90, o grunge.

Tudo começa, como muitas grandes histórias, com uma tragédia, a morte por overdose de Andrew Wood, vocalista dos Mother Love Bone, de Seattle. Wood dividia casa com Chris Cornell, já na altura ao leme dos Soundgarden, a banda mais bem sucedida da cidade, embora sem um impacto muito relevante fora dela. Estávamos em Março de 1990, na jovem manhã de uma nova década, e Seattle fervilhava de bandas, entre elas uns Nirvana que o mundo ainda não descobrira.

Cornell voltou de uma digressão para encontrar morto o seu grande amigo. Como explicou, já em 2016, foi naturalmente atingido por uma dor extraordinária, e a forma que encontrou de a combater foi através da música. Compôs de imediato alguns temas de homenagem a Wood, e chamou para junto de si alguns membros dos Mother Love Bone, desorientados e sem a noção do que fazer a seguir. Os mais tarde famosos Stone Gossard (guitarra ritmo) e Jeff Ament (baixo) receberam a companhia de Mike McCready (guitarra solo) e Matt Cameron, baterista da banda de Cornell, os Soundgarden.

A ideia original seria fazer um single de homenagem a Wood. Depois a ideia evoluiu para um EP, mas o material que foi surgindo era tão bom e os ensaios da nova banda estavam a rolar tão bem que foi decidido que haveria um álbum. A esmagadora maioria dos temas são da autoria de Cornell, que foi buscar algumas ideias antigas que não tinha concretizado. Chegou a ponderar-se trabalhar algumas maquetas deixadas pelo próprio Wood, mas o perigo de se pensar que estariam a explorar o legado do amigo fê-los abandonar essa via.

Na prática, como diz Cornell, a banda existiu por pouquíssimos meses, o tempo de sentar, aprimorar os temas e gravá-los. As sessões decorreram nos últimos meses de 1990, e contaram com dois jokers que viriam a dar muito que falar. O produtor Rick Parashar, que veio no ano seguinte a assinar o magnífico disco de estreia dos Pearl Jam, Ten; e o próprio Eddie Veder, que contribuiu com vozes em alguns dos temas.

Vedder estava em Seattle quase por coincidência. Havia viajado de San Diego para uma espécie de audição no projecto que viria a ser os Pearl Jam. Na verdade, conhecia Ament e Gosssard havia muito pouco tempo, mas rapidamente convenceu e assegurou o seu lugar. A sua participação, esparsa mas marcante, no disco de Temple of the Dog é uma coincidência feliz, e na verdade contribui para fazer do disco uma importante parte da história do grunge: foi a primeira vez que Vedder e os seus futuros companheiros gravaram juntos.

O disco dos Temple of the Dog, homónimo – e assim chamado a partir de uma letra de Wood para os Mother Love Bone – saiu para as lojas em Abril de 1991, e só teve impacto localmente. Vendeu menos de 100 mil cópias. Nessa data, já os Pearl Jam se haviam oficialmente formado, integrando quatro músicos das sessões de Temple of the Dog: Ament, Gossard, Vedder e McCready. Poucos meses depois editariam Ten, enquanto Cornell e Cameron haviam regressado aos seus compromissos com os Soundgarden. Ou seja, enquanto banda, os Temple of the Dog praticamente não existiram.

Em Agosto, os Pearl Jam editam Ten; os Nirvana metem na rua o seu Nevermind, no final de Setembro, e o resto é história:o grunge explodiu, e com ele toda a cena alternativa de Seattle que dominaria os anos seguintes da cena musical mundial.

De tal forma assim foi que a editora que lançou o ignorado disco de Temple of the Dog decidiu reeditá-lo em 1992, ao aperceber-se que tinha ali o único álbum de um supergrupo composto pelos Pearl Jam e pelos Soundgarden. Resultado: nessa segunda edição, o disco chegou a platina, e viria a vender mais de um milhão de cópias em todo o mundo.

Musicalmente, o disco é uma espécie de elo perdido entre o grunge mais pesado – que os Soundgarden praticavam – e o tom mais melódico que os Pearl Jam viriam a apresentar.

O grande destaque é naturalmente o enorme single “Hunger Strike”, com as vozes entrelaçadas de Cornell e Vedder, mas há muito mais. O arranque com “Say Hello 2 Heaven” é a dedicatória mais evidente ao malogrado Andrew Wood; temos “Call me a dog”, uma belíssima balada que não destoaria no reportório dos Mother Love Bone (que sempre oscilaram entre o rock pesado e alguns tiques remanescentes do “hair-rock” que havia dominado a década anterior); e a ainda a enérgica “Pushing Forward Back”, entre vários outros temas sempre com uma qualidade acima da média.

Com os Soundgarden e os Pearl Jam a levantarem voo, não foi possível dar seguimento aos Temple of the Dog. Pelos anos fora, foram acontecendo algumas reuniões esporádicas, até à pequena digressão americana de 2016, na qual foram tocadas músicas de outras lendas desaparecidas de Seattle, como o saudoso Layne Staley, o extraordinário vocalista original dos Alice in Chains. Como dizia Cornell ao Guardian, no ano passado: “tem a ver com o tempo e com as nossas idades. O tempo mata muitos artistas que nós ouvíamos quando éramos putos”. Mal saberia ele que, em 2017, seria a sua vez de abandonar definitivamente o palco desta vida.

Temple of the Dog, o disco, é o testemunho escrito em pedra do momento em que tudo começava a mudar. Uma homenagem a um amigo caído que lançou as pedras para o futuro. O encontro de um grupo de rapazes que iriam fazer parte da banda sonora das nossas vidas nos anos seguintes. Um disco com um som ligeiramente datado – admita-se – mas que continha as sementes do domínio global do grunge enquanto som e enquanto atitude.

Um disco incontornável, portanto.

Jane Weaver – Modern Kosmology (2017)

 

Talvez não estejam preparados para este bom lote de canções. Sobretudo pela novidade krautiana que algumas delas carregam, fazendo deste Modern Kosmology um surpreendente disco de Jane Weaver.

Pois é, Jane Weaver turns into kraut and pshych. É isto que apetece dizer (em voz alta) no arranque deste texto. As suas performances mais acústicas, de pendor mais folk alternativo, que sempre pudemos encontrar desde o inicial Like An Aspen Leaf (2002), parecem ser chão que deu uvas. As de agora, se quisermos insistir na frutícola ideia, dão outro sumo, um quase vinho inebriante em que as tonalidades sonhadoras de uma quase constante estrutura psicadélica (mas sem alardes, sem artifícios de monta) se fazem notar, e bem, durante a maior fatia do disco. A par disso, uma dose muito simpática de motorika faz-se igualmente ouvir, engrossando o corpo de algumas canções. Mas há mais: sintetizadores a meio caminho entre os anos setenta e os da década seguinte (na belíssima “Slow Motion”, por exemplo, tão cantarolável que apetece andar por aí a espalhá-la aos sete ventos), assim como um ou outro lugar de maior recolhimento (sendo a canção “Valley” bom exemplo do que digo).

No entanto, aquilo que mais fascina é a pulsação quase constante da batida kraut que Jane Weaver decidiu trazer para os seus sons de 2017. Em muito boa hora, claro. São vários os temas onde se escuta esse pulsar mágico, vibrante, cheio de tensão. Desde logo através da canção que abre Modern Kosmology (“H>A>K”), passando por algumas mais, como “Did You See Butterflies?”, talvez a minha preferida entre todas, ou ainda “The Lightning Back” a fazer lembrar as deliciosas Au Revoir Simone dos primeiros tempos (por onde andarão agora as três beldades e os seus versos de comfort, assurance & salvation?).

Modern Kosmology traz consigo bastantes boas ideias, todas elas elegantes, por vezes recheadas de um certo minimalismo, o que lhes confere um inegável e irresistível charme. Uma outra fascinante canção, que nos remete para o fim anunciado da condição humana, é “Ravenspoint”. Com uma linha de baixo tão pungente quanto hipnótica (sim, o space-rock também pode ter estes suaves contornos), “Ravenspoint” não se cansa de nos informar o que sabemos desde sempre: “We’re on our way to dust”, pedindo-nos, mesmo assim, que abramos os olhos ao que nos rodeia (“É no ar que ondeia tudo! É lá que tudo existe!…”, como bem lembrava Mário de Sá-Carneiro, enquanto ia pulindo as suas unhas).

Já próximo do fim, a moderadamente eletrizante “I Wish” encerra o álbum da melhor maneira, nunca deixando que o brilho do seu ritmo se perca ou se mostre vulgar. Se o disco abre com a já referida “H>A>K”, estranha e suja canção, fecha com a clareza limpidez de “I Wish”. Tudo perfeito, portanto.

Confesso que não esperava ouvir ecos de Neu!, Cluster ou La Düsseldorf num disco de Jane Weaver, apesar de lhe reconhecer capacidades de grande viajadora, digamos assim. Mas fica-lhe muito bem esta roupagem. Tanto assim que o que mais desejo é que volte a efetuar voos semelhantes, rumo a paragens sem tempo e sem lugar. Que este Modern Kosmology se faça ouvir e que dê frutos por esse espaço fora. Até porque os que dele colhi são deliciosamente suculentos.

Douglas Germano – Golpe De Vista (2016)

 

O velho samba em novas mãos: Golpe de Vista é uma obra onde a modernidade transforma a tradição em algo que não é uma coisa nem outra.

Há muito que o samba deixou de ser samba, na concepção ortodoxa que estereotipou um povo inteiro. Nos anos 60, a bossa nova transformou-o em música de clubes fumarentos e caipirinhas desgustadas junto ao mar e à areia, conquistando o mundo. Nos anos 70, o samba foi alvo de uma saudável injecção de psicadelismo e estranheza estrangeira, convertendo-o em tropicália e conferindo-lhe uma direcção mais avant-garde (como exemplo, o óptimo Estudando O Samba (1976), de Tom Zé). Mais recentemente, a “veterana” Elza Soares aliou-se a um grupo de novos compositores contemporâneos, para quem o punk e o seu pós- não são segredos, escancarando as portas desta música ao século XXI. Insere-se Golpe De Vista neste último campo; o samba a largar a roupa velha e a apresentar-se mais modernaço.

Douglas Germano não é propriamente um novato na cena musical brasileira. É ele o responsável criativo por alguns dos temas dos fabulosos Metá Metá. Do seu círculo de amigos ou almas gémeas musicais, contam-se nomes como Crioulo, Marcelo Pretto ou a própria Elza Soares, que transformou a sua “Maria De Vila Matilde” – que surge, neste disco, menos desgarrada – num verdadeiro hino feminista (arrisca-se, até, dizer que depois da versão de Elza o original de Douglas parece uma simples versão de quarto). Há trinta anos a beber do samba, Douglas recusa-se rotular como sambista. Lá está; é a fuga ao estereótipo. O que há aqui são canções, belas canções, num disco que é o seu segundo e que surge como uma explosão.

No tema-título, com as palmas a dar lugar ao violão, canta assim Germano: “Meu samba não porta bandeira / Meu samba não é p’ra rezar / Meu samba não serve p’ra roda / P’ra outro sambista cantar / Meu samba tem sua maneira / Meu samba é do jeito que dá…” Isto não são “simples” palavras conectadas em verso e métrica; são uma declaração de interesses, um grito claro de que Douglas Germano absorve a tradição mas rejeita os seus dogmas. O samba é, antes de mais, sintoma de liberdade, e afixá-lo a uma única forma correcta seria insultar a sua génese. É um samba que não se dança, ou que talvez se dance, mas antes disso há que pensá-lo, senti-lo como a força que é.

Ao longo de 25 escassos minutos e vários instrumentos – em particular uma caixa de fósforos –, é sobretudo o violão que, as mãos de Douglas Germano, mais nos cativa. Acontece no tema-título, acontece em “Canção Pra Ninar Oxum”, na tensão em cordas presente em “You S/A” ou no balanço gostoso de “Lama”, que termina o disco com desejo envolto em promessa, ou vice-versa: “Um samba que fale das coisas do mundo / Um samba que ninguém precisa explicar / Há-de vir com a simplicidade / De qualquer amor…”

Em Golpe De Vista há espaço para tudo, desde que esse espaço seja conquistado através de um salutar orgulho libertário. Samba sem amarras, mas cheio de cor, como o futebol total dos holandeses – e o futebol é, evidentemente, influência para Germano, assim como as religiões e mitos afro-brasileiros, assim como a vida o é em geral. As canções aqui escutadas foram todas interpretadas conforme Germano as concebeu, mas deixando a porta aberta para que qualquer outro possa beber do seu espírito e criar algo ainda mais distinto, solto. Golpe De Vista na verdade é um aviso (e está disponível para download gratuito aqui): sejam originais, sempre.

The Rita – Thousand Of Dead Gods (2006)

 

The Rita existe como a expiação carnal do ruído para Sam McKinley. Desde a década de 1990 que McKinley tem vindo a editar e a lançar numerosas cassetes e discos daquela que poderá eventualmente ser considerada uma emancipação fervorosa e dilacerante da cena harsh noise. O som revela-se disforme, acutilante, mas próximo: os registos quotidianos e desviantes figuram-se-lhe na apropriação – e consequente manipulação – das vísceras idiossincráticas em que cada homem e mulher se tem na sua relação com o sentido fenomenológico da distorção sonoro-espacial.

Em Thousands Of Dead Gods, lançado em 2006, The Rita distorce os arremessos carnais daquilo que objectivamente são os field recordings de cage divings junto de tubarões-branco. O mar, que existe para lá de tudo, retrai-se ante o excesso muscular e sem grau de proximidade sónica que a tudo incita para lá da prostração de pouca monta. Trata-se de uma única peça de 59 minutos de duração que se condensa sob uma aspereza sonora volumosa extravasada para lá dos estados de matéria de natureza indeterminada. O som retém-se sem disposição natural e ante a carga emprenhada de ruído materializa-se na parcimónia de um ideal de temperança inversa: estira-se a
humilhação sobre um estado sem características corporais, desarmónico, perturbado – o som deixa de existir, enegrece-se acima da ostentação qual ossificação desconjunta.

“Longe Demais das Capitais” (RCA, 1986), Engenheiros do Hawaii

 

Em 1986, o rock brasileiro vivia seu auge. O movimento, que começou a tomar forma no início da década, já dominava as paradas de sucesso, as rádios e a programação televisiva. Naquele momento, o rock carioca e o rock paulista se destacavam no cenário brasileiro com suas bandas. Porém, grupos oriundos de Brasília, como Legião Urbana, Capital Inicial e Plebe Rude, começavam a despontar e a conquistar espaço no gosto do público jovem da época. De Salvador, o Camisa de Vênus era a única representação do rock baiano, mas fazia barulho com seu som irreverente e desbocado. 

Dentro desse caldeirão efervescente, o rock gaúcho começou a ganhar destaque. Nos meados da década de 1980, Porto Alegre contava com uma cena roqueira diversificada e em plena ebulição. A rádio Ipanema FM teve um papel fundamental na projeção de novas bandas no circuito roqueiro gaúcho, entre elas Taranatiriça, Júlio Reny e KM 0, Os Eles, Astaroth, Prise, Banda de Banda, entre muitas outras. Foi dessa geração que o trio Engenheiros do Hawaii emergiu. 

Da arquitetura ao rock

Os Engenheiros do Hawaii surgiram em 1984, de forma quase “acidental”, como uma brincadeira entre colegas da Faculdade de Arquitetura da UFRGS (Universidade Federal do Rio Grande do Sul). A banda, a princípio, era um quarteto formado por Humberto Gessinger (vocal e guitarra), Carlos Stein (guitarra), Marcelo Pitz (baixo) e Carlos Maltz (bateria) começaram tocando por diversão, mas o talento logo os destacou. O nome inusitado foi inspirado na rivalidade entre os estudantes de Arquitetura e Engenharia, mas a ironia do título logo se tornaria uma das características marcantes da banda. 

A primeira apresentação ocorreu em um festival da faculdade em janeiro de 1985, onde a performance despretensiosa chamou a atenção do público local. Após a segunda apresentação, em fevereiro de 1985, Carlos Stein deixou os Engenheiros do Hawaii, transformando o grupo de um quarteto em um trio. No ano seguinte, Stein ajudou a formar a banda Nenhum de Nós. 

Com o sucesso inicial no circuito roqueiro de Porto Alegre, os Engenheiros do Hawaii começaram a gravar demos que ganharam espaço na programação da rádio Ipanema FM. Em setembro de 1985, os Engenheiros participaram do festival Rock Unificado, consolidando sua presença no cenário local. Das dez bandas que participaram do festival, cinco — Engenheiros do Hawaii, TNT, Os Replicantes, DeFalla e Garotos da Rua — foram selecionadas pela gravadora RCA para uma coletânea. 

E foi com a coletânea Rock Grande do Sul, lançada em janeiro de 1986 pela gravadora RCA, que os Engenheiros do Hawaii ganharam seu primeiro grande impulso. O disco, que reuniu bandas emergentes do cenário gaúcho e projetou os Engenheiros além das fronteiras gaúchas, abriu caminho para a gravação de Longe Demais das Capitais, o álbum de estreia do power trio gaúcho.

 

Capa da coletânea Rock Grande do Sul que apresentou ao Brasil bandas
emergentes do rock gaúcho em meados anos 1980 como os Engenheiros do Hawaii. 

Gravação e produção 

As gravações de Longe Demais das Capitais ocorreram entre maio e junho de 1986, nos estúdios da RCA em São Paulo, sob a direção do experiente produtor Reinaldo “Barriga” Brito. Reconhecido por seu trabalho com outras bandas do rock nacional, Brito trouxe ao disco uma abordagem prática, focada em valorizar as características simples e diretas dos arranjos da banda, garantindo que soassem contemporâneos e atrativos ao mercado emergente do rock brasileiro. 

O processo de gravação foi tranquilo, mas marcado por escolhas estratégicas. Uma delas foi a exclusão da faixa “Spravo”, que apresentava referências locais consideradas fortes demais, vistas como limitadoras para uma banda que buscava conquistar um público nacional. Essa decisão refletia a busca por equilíbrio entre identidade regional e apelo comercial. 

Musicalmente, o álbum foi moldado pela simplicidade instrumental do trio, com ênfase no baixo melódico e intenso de Marcelo Pitz, na bateria precisa de Carlos Maltz e nos riffs de guitarra de Humberto Gessinger. Elementos de ska e reggae permeiam o disco, influências que dialogavam com o contexto do rock nacional da época, marcado pela diversidade rítmica e pela busca por uma linguagem acessível. Essa combinação ajudou a posicionar os Engenheiros do Hawaii como uma banda inovadora, mas alinhada ao mainstream em ascensão.

Uma viagem pelas canções de Longe Demais das Capitais

"Toda Forma de Poder" abre o álbum como um cartão de visitas perfeito para os Engenheiros do Hawaii. Humberto Gessinger exibe sua habilidade de captar o zeitgeist com uma letra que reflete as inquietações sociais da época. A participação de Nei Lisboa na canção acrescenta uma camada de sofisticação musical, com seu estilo único complementando a atmosfera da faixa. A letra, que combina crítica social e reflexões sobre poder e conformismo, ressoou com um público que buscava uma voz em tempos de reconfiguração política no Brasil. 

Depois de "Toda Forma de Poder", "Segurança" é a faixa mais famosa do disco, tendo integrado a coletânea Rock Grande do Sul. "Segurança" mistura elementos de rock, jazz e reggae, com o saxofone de Manito (ex-Incríveis;1944-2011) adicionando uma sonoridade peculiar à faixa. A música propõe uma reflexão sobre as noções de proteção e liberdade, enquanto se destaca pela leveza de seu arranjo. 

"Eu Ligo pra Você" apresenta um instrumental marcante, com uma pegada descontraída que oferece um alívio dentro do contexto mais denso do álbum. A simplicidade melódica e os acordes de guitarra são cativantes, garantindo que a faixa permaneça acessível sem perder a personalidade da banda. Em termos de letra, é uma das músicas mais diretas: uma balada com nuances românticas, mas marcada pela interpretação pessoal e quase confessional de Gessinger. 

Com um ritmo que transita entre o reggae e o ska, "Nossas Vidas" se destaca pela reflexão filosófica e existencialista de sua letra. Gessinger utiliza a musicalidade do reggae para explorar escolhas, incertezas e os caminhos que moldam nossas histórias, destacando o impacto das decisões individuais no curso da vida. 

Em "Fé Nenhuma", a banda utiliza o talkbox, combinando-o a uma sonoridade ousada e distorcida, o que faz desta faixa uma das mais experimentais do álbum. A letra, com seu tom desafiador e questionador, aborda a ausência de fé e o ceticismo com uma força visceral, refletindo a revolta de uma geração que enfrentava as incertezas políticas e sociais da época. 

"Beijos pra Torcida" encerra o lado A do álbum com um ritmo que remete sutilmente ao rockabilly. Seus versos trazem uma crítica à banalização da violência e ao estado de caos constante na sociedade contemporânea, incluindo referências à Guerra Fria, então marcada pela rivalidade entre Estados Unidos e União Soviética. 

O lado B do álbum abre com "Todo Mundo É Uma Ilha", que reflete sobre a solidão, a incompreensão e a dificuldade de estabelecer conexões emocionais genuínas entre as pessoas. A faixa-título, "Longe Demais das Capitais", é um rock acelerado que traduz a busca por identidade e significado em meio ao isolamento e ao caos da vida urbana, evidenciando a distância cultural e existencial em relação às grandes metrópoles.

 O reggae "Sweet Begônia" aborda um relacionamento conturbado e desigual, marcado pela incompreensão, pela dependência emocional e pela frustração de tentar entender o outro. 

"Nada A Ver" explora a complexidade dos relacionamentos amorosos, navegando entre desconexão e liberdade, enquanto investiga sentimentos de incerteza, saudade e a busca por propósito. O refrão enfatiza a dualidade entre a falta de conexão e a possibilidade de viver experiências sem compromissos. 

Em "Crônica", os Engenheiros do Hawaii tecem uma crítica à alienação e à violência presentes na sociedade contemporânea, evidenciando a repetição de padrões de comportamento humano e a aparente estagnação, mesmo com mudanças superficiais. 

O álbum chega ao fim com "Sopa de Letrinhas", um rock agitado e de refrão cativante, que mergulha nas nuances existencialistas características dos versos de Gessinger. A letra descreve um amor caótico e contraditório, marcado por intensas oscilações emocionais, imagens surrealistas e uma crítica à confusão e ao vazio das relações pós-modernas.

 

Carlos Maltz, Marcelo Pitz e Humberto Gessinger na redação do jornal
Folha de São Paulo, em novembro de 1986.

Recepção e divulgação 

Lançado em 13 de outubro de 1986, Longe Demais das Capitais surpreendeu tanto a banda quanto a gravadora pela recepção positiva, ainda que a crítica especializada o tenha inicialmente recebido de forma “morna”. Visto no início como um projeto modesto de uma banda emergente, o álbum rapidamente ganhou notoriedade graças a uma estratégia de divulgação bem planejada. 

O single "Toda Forma de Poder" foi o principal motor do sucesso do disco, conquistando espaço significativo nas rádios e em programas televisivos. O videoclipe da faixa destacou a postura irônica e questionadora da banda, ampliando ainda mais seu alcance. A música também foi incluída na trilha sonora da novela Hipertensão, da TV Globo, o que contribuiu para difundir os Engenheiros do Hawaii por todo o Brasil. Essas iniciativas ajudaram o álbum a atingir a marca de 130 mil cópias vendidas. 

A turnê de promoção do álbum, embora limitada no início, logo se expandiu à medida que o disco ganhava tração nas paradas, levando os Engenheiros a se apresentarem em importantes cidades fora de seu estado natal, o Rio Grande do Sul. A simplicidade e o carisma dos shows, aliados à identificação do público jovem com as letras politizadas e reflexivas, solidificaram a reputação da banda como uma das promessas do rock nacional. 

Em abril de 1987, no auge do sucesso alcançado pelo álbum dos Engenheiros do Hawaii, Marcelo Pitz comunica aos seus companheiros de banda que pretende deixar o grupo. No entanto, ele firma um acordo com eles para cumprir as datas restantes da turnê do álbum de estreia. 

Concluída a turnê em junho de 1987, Pitz se desliga oficialmente da banda. O guitarrista Augusto Licks, que havia sido membro da banda de apoio do cantor Nei Lisboa, passa a ser o novo integrante dos Engenheiros do Hawaii. Humberto Gessinger deixa de ser guitarrista e passa a ser baixista. Com a chegada de Licks, os Engenheiros ganham a sua consagradora formação, que tornaria a banda gaúcha uma das mais populares da história do rock brasileiro. 

O impacto e o legado do álbum

Longe Demais das Capitais foi o ponto de partida para uma das carreiras mais consistentes do rock brasileiro. O álbum trouxe ao público a estética singular dos Engenheiros do Hawaii, com letras que mesclavam ironia, crítica social e introspecção, sustentadas por arranjos acessíveis, mas inteligentes. Ele estabeleceu a banda como uma voz original no cenário musical dos anos 1980 e pavimentou o caminho para álbuns mais ousados e elaborados, como A Revolta dos Dândis (1987), onde a banda exploraria temas filosóficos e uma instrumentação mais sofisticada. 

No contexto do rock gaúcho, Longe Demais das Capitais desempenhou um papel fundamental. Ao lado de lançamentos de bandas como Nenhum de Nós e Replicantes, o álbum ajudou a projetar a música do Rio Grande do Sul para além das fronteiras regionais, reforçando a diversidade do rock brasileiro e mostrando que a cena não estava restrita aos grandes centros urbanos como São Paulo e Rio de Janeiro.

 

Faixas

Todas as faixas escritas e compostas por Humberto Gessinger, exceto onde indicado.

Lado A

1."Toda Forma de Poder"      

2."Segurança"              

3."Eu Ligo pra Você" 

4."Nossas Vidas" 

5."Fé Nenhuma"         

6."Beijos pra Torcida"             

 

Lado B

1."Todo Mundo É uma Ilha"               

2."Longe Demais das Capitais"                         

3."Sweet Begonia"                   

4."Nada a Ver"                          

5."Crônica"                   

6."Sopa de Letrinhas" (Humberto Gessinger / Marcelo Pitz)            

 

Engenheiro do Hawaii: Humberto Gessinger (voz e guitarra), Marcelo Pitz (baixo e vocais) e Carlos Maltz (bateria, percussão e vocais). 

Convidados: Nei Lisboa: voz (em "Toda Forma de Poder") e Manito: saxofone (em "Segurança") 

Ouça na íntegra o álbum 

Longe Demais das Capitais