MUSICA&SOM

segunda-feira, 2 de junho de 2025

RARIDADES

After Shave - Strange Feeling (1974)

don't hang around, enjoy good music!

RUSH - 1986 1994 "Come To A Standstill" [2 CD]

Track listing:

CD 1
01 - Dreamline
02 - The Spirit Of Radio
03 - The Analog Kid
04 - Cold Fire
05 - Time Stand Still
06 - Nobody's Hero
07 - Roll The Bones
08 - Animate
09 - Stick It Out
10 - Double Agent
11 - Limelight
12 - Mystic Rhythms
13 - Closer to the Heart

CD 2
01 - Show Don't Tell
02 - Leave That Thing Alone
03 - The Rhythm Method
04 - The Trees
05 Xanadu
06 - Tom Sawyer
07 - Force Ten
08 - YYZ
09 - Manhattan Project
10 - Middletown Dreams
11 - Red Sector A
12 - Marathon

Personnel:

Alex Lifeson - Guitar
Geddy Lee - Bass
Neil Peart - Drums

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RUSH - 2017 "Live on Air - Legendary Radio Broadcast" [4 CD]

Track listing:

CD 1
01 Finding My Way
02 The Best I Can
03 What Your Doing
04 Anthem
05 Beneath, Between and Behind
06 In The End
07 Fly By Night
08 Working Man
09 In The Mood
10 Need Some Love
11 Bad Boy

CD 2
01 Opening
02 Anthem
03 Passage To Bangkok
04 By-Tor and the Snow Dog
05 Xanadu
06 Something For Nothing
07 The Trees
08 Cygnus X-1
09 Cygnus X-1 Book II - Hemispheres
10 Closer To The Heart

CD 3
01 Circumstances
02 A Farewell To Kings
03 La Villa Strangiato
04 2112
05 Working Man
06 Bastille Day
07 In The Mood
08 Drum Solo

CD 4
01 2112- Overture
02 The Temples Of Syrinx
03 Discovery
04 Presentation
05 Soliloquy
06 Grand Finale
07 By-Tor And The Snow Dog
08 Xanadu
09 The Spirit Of Radio
10 Natural Science
11 Beneath, Between, Behind
12 Working Man
13 Finding My Way Intro
14 Anthem
15 Bastille Day
16 In The Mood
17 Drum Solo
18 La Villa Strangiato

Personnel:

Alex Lifeson - Guitar
Geddy Lee - Bass
Neil Peart - Drums

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AUTECHRE: NTS SESSION 3 (2018)

1) clustro casual; 2) splesh; 3) tt1pd; 4) acid mwan idle; 5) fLh; 6) glos ceramic; 7) g1 e1; 8) ninefly; 9) shimripl air; 10) icari.

Veredito geral: Mais do mesmo de sempre: esta é principalmente para todos os fãs de bolas digitais batendo umas nas outras.

Nesta terceira sessão, a decadência continua: ela tem ainda menos identidade pessoal do que a segunda, e a maioria das faixas intuitivamente parecem variações desnecessárias de ideias que já foram apresentadas de forma melhor. Então, em vez de tentar fazer generalizações que podem soar pomposas e sem sentido, deixe-me fazer alguns breves comentários sobre cada faixa aqui:

ʽclustro casualʼ — onze minutos de partículas explodindo em um pequeno contêiner eletrificado, com traços de ritmos de baixo e ambiente sintetizado; a faixa perde sua frieza no final do segundo minuto. ʽspleshʼ — nove minutos de Pong em uma caverna subterrânea profunda; pelo menos há novos jogadores ocasionais com bolas que soam originalmente entrando no jogo de vez em quando, então os nove minutos não são um desperdício completo. ʽtt1pdʼ — vinte e dois minutos de eletricidade crepitante e fios zumbindo, quase assustador em alguns lugares onde a dublagem sai do controle, mas leva MUITO tempo para chegar a esses lugares de qualquer lugar. ʽacid mwan idleʼ — doze minutos de um pulso complexo, mas único e repetitivo que pode ser a ideia deles de um SOS alienígena gerado automaticamente; em qualquer caso, acreditar nessa interpretação e entrar nesse jogo pode ser a única maneira de você realmente aproveitar todos os doze minutos dele.

ʽfLhʼ: Esta aqui é uma faixa que eu realmente gosto. Ela quase parece presa a um andamento básico de 4/4 (embora o groove seja, na verdade, distorcido), contra o qual os pulsos eletrônicos se envolvem em padrões complexos e distorcidos, ao estilo do King Crimson. A combinação andamento/melodia parece bastante incomum para Autechre, e as leves e sutis mudanças de tom dos pulsos do começo ao fim são divertidas de acompanhar. Mais leve e menos típica do que tudo aqui, embora as qualidades especiais da faixa inevitavelmente se percam neste oceano de sons.

Seguindo em frente, ʽglos ceramicʼ são mais treze minutos de fios elétricos zumbindo, embora no meio eles mudem de direção e a faixa se torne mais industrial por natureza, com percussão de martelo pneumático em abundância, e o zumbido em grande parte substituído por clangor. A mudança é curiosa, mas só acontece uma vez, e eu preferiria voltar aos meus discos do Einstürzende Neubauten do que ouvir a segunda metade novamente. ʽg 1 e 1ʼ é outra faixa ligeiramente incomum que pode ou não mostrar alguma influência de Fripp/Eno, começando com uma melodia minimalista de «piano» e então transitando para um «solo de guitarra» de vanguarda estendido (ou talvez «solo de gaita de foles», qualquer que seja a analogia que você achar mais próxima) — outro destaque relativo que não me lembra nem um pouco das glórias passadas de nenhum desses caras.

As últimas três faixas, no entanto, são um tédio. ʽnineFlyʼ são mais dez minutos de Pong, só que desta vez sem o som real da bola batendo na parede e apenas os ecos de suas trajetórias audíveis para nós, vítimas. ʽshimripl airʼ são sete minutos de ambiência simbólica — simbólica, porque o som é quase inaudível; é como uma imagem musical de uma corrente de ar silenciosa que tenta retratá-la realisticamente — não é a experiência de áudio mais interessante, acredite. Finalmente, ʽicariʼ é... adivinhe, mais vinte minutos de Pong, embora com trajetórias um pouco mais complexas do que antes.

Como você pode ver, novas ideias ocasionais ainda aparecem de vez em quando (ʽfLhʼ e ʽg1 e1ʼ em particular, embora eu tenha visto vários fãs rejeitarem ʽg1 e1ʼ como algo muito «não-Autechre», que é provavelmente o motivo pelo qual eu destaquei e gostei da faixa), mas, na maioria das vezes, continua parecendo que a inspiração/inovação/planejamento cuidadoso foram em grande parte gastos nas primeiras duas horas, e agora os meninos estão em grande parte de volta ao piloto automático.

George Harrison: THIRTY-THREE & 1/3 (1976)

1) Woman Donʼt You Cry For Me; 2) Dear One; 3) Beautiful Girl; 4) This Song; 5) See Yourself; 6) Itʼs What You Value; 7) True Love; 8) Pure Smokey; 9) Crackerbox Palace; 10) Learning How To Love You.

Veredito geral: É aqui que George Harrison finalmente se entrega aos grooves funky, refrões cativantes e humor britânico — e acho que estou adorando.

Supostamente, temos que agradecer a Olivia Trinidad Arias, secretária da Dark Horse Records e, a partir de 1976, ainda não exatamente Sra. Olivia Harrison, mas chegando lá, por reacender a chama da vida no querido George. Embora seus problemas de saúde, questões financeiras, problemas legais e reputação crítica estivessem longe de serem restaurados no final de 1976, Thirty Three & 1/3 (o título, na verdade, se refere à sua idade de Cristo, em vez de simplesmente à velocidade com que tocava o LP) é um disco muito mais brilhante e animado do que seus dois antecessores — na verdade, poderia ser o disco mais brilhante e animado até então em toda a carreira solo de George. Enquanto John Lennon preferia marcar sua adaptação ao mundo ao seu redor se aposentando completamente da indústria musical, George não tinha inclinações tão radicais — mas ele também parece ter se voltado para a calma e a paz mais ou menos na mesma época que John. Vida familiar — onde estaríamos sem ela?

Curiosamente, o álbum faz sucesso apesar do fato (ou, talvez, como costuma acontecer, por causa do fato) de apresentar relativamente pouco material novo. Muitas dessas músicas são, na verdade, outtakes de sessões mais antigas, algumas remontando a ideias tão antigas quanto 1967 ('See Yourself'), e uma delas é um cover (embora drasticamente retrabalhado) de um antigo standard de Cole Porter. Por outro lado, esta não foi a primeira vez que George se viu mergulhando nos arquivos antigos; o que é realmente importante é que as ideias antigas sejam apresentadas com tons mais leves e pop — ocasionalmente beirando o dance-pop, já que o baixista Willie Weeks às vezes é encontrado disfarçadamente inserindo uma ou duas linhas de baixo disco... e o mestre, ao que parece, quase acaba o encorajando.

Você pode ver a diferença imediatamente na música de abertura; uma tomada acústica inicial das sessões de All Things Must Pass mostra como ``Woman Donʼt You Cry For Meʼ começou como uma peça bastante estereotipada de country-blues acústico. Mas a tomada final abre com um groove de seção rítmica bem fechado — tão fechado, na verdade, que a interação entre a bateria de Alvin Taylor, o baixo de Weeks, o clavinete de David Foster e o slide lead de George ficou para sempre gravada na minha cabeça como um dos grooves funk mais cativantes já gravados (com toda a honestidade, minha mente o colocou praticamente na mesma prateleira que ``Superstitionʼ de Stevie Wonder). Em nenhum disco antes deste o conjunto de George Harrison tocou tão rápido, tão fechado e tão voltado para o groove — a ponto de as letras deixarem de importar completamente, e simplesmente vermos George Harrison se deliciando em fazer música pura com sua banda de apoio, sem sermões e sem nenhuma espiritualidade com S maiúsculo à vista. Você só pode imaginar os profundos suspiros de alívio que tantos fãs e críticos devem ter soltado dez segundos depois de colocar a agulha no toca-discos.

Talvez não seja coincidência que a música, que começou em 1969, tenha sido finalmente escolhida como faixa principal em 1976 — é fácil interpretar os versos iniciais ("Vou te deixar aqui / Vou te deixar na estação") como um último adeus a Patti, enquanto George finalmente aceita que não deu certo e segue em frente com sua vida. Mas mesmo que você não saiba nada sobre as circunstâncias pessoais de George na época, não é preciso ser um gênio para reconhecer, ao ouvir Extra Texture e Thirty-Three consecutivamente, que "Woman Don't You Cry For Me" anuncia um reboot decisivo da franquia George Harrison. A balada lenta, densa, moralista e trágica não vai a lugar nenhum, mas não detém mais o monopólio completo do processo criativo desse homem, e é bom saber disso — mesmo que isso possa prejudicar a reputação do artista entre as multidões de fanáticos impassíveis, que se horrorizam com a simples ideia de um homem espiritual como George Harrison sair por aí se divertindo. (Não tenho certeza se "multidões" é a palavra certa, porque não tenho ideia do que o fã médio de rock cristão pensa de George Harrison e sua adoração suspeitamente pan-religiosa a Krishna-Jesus).

Outra música aqui onde o groove musical é mais importante (ou pelo menos mais evidente) do que a mensagem é "It's What You Value". O pretexto para escrever essa música foi aparentemente o presente de George, uma Mercedes 450 SL, para o baterista Jim Keltner, e a mensagem é sobre os valores altamente relativos dos bens materiais, mas o ponto é simplesmente deixar a banda curtir esse groove R'n'B de andamento médio, com pausas e retomadas, por cinco minutos — o último dos quais não apresenta vocais e apenas Tom Scott soprando maniacamente seu sax sobre o padrão ascendente e descendente do groove. Não é genial, mas nunca consigo resistir a bater o pé no ritmo da bateria estilosa de Alvin Taylor nessa música.

Em sua maior parte, porém, o álbum é lembrado por seus dois primeiros singles, ambos acompanhados de vídeos promocionais feitos com a ajuda dos amigos de George do Monty Python. `This Songʼ é a palavra final de George sobre a controvérsia ``My Sweet Lordʼ / ``Heʼs So Fineʼ: ao ser considerado culpado de plágio, o homem respondeu com humor amargo, não apenas filmando a si mesmo sendo arrastado algemado para o tribunal, mas também criando um ótimo conjunto de letras com uma melodia pop rápida, chamativa e ultra-cativante. O que o torna tão vencedor é a facilidade com que ele combina miséria e sarcasmo em sua entrega vocal, a habilidade com que Tom Scott os imita em seu solo de sax brincalhão e desesperado, e como a reviravolta lírica final ("esta música pode muito bem ser / uma razão para ver / que sem você não há sentido para esta música") de repente torna você, o ouvinte, uma parte tão vital do show. (Embora, para dizer a verdade, eu também esteja um pouco feliz com The Chiffons, porque sem essa provação eu nunca saberia da existência deles).

O segundo single foi "Crackerbox Palace", outra música em que você realmente não precisa saber todas as trivialidades (sobre como ela foi inspirada pelo encontro de George com o empresário do falecido comediante Lord Buckley e sua visita à residência de Lord Buckley) para considerá-la uma alegoria geral sobre a vida e a morte, ou mesmo ignorar a letra completamente e apenas admirar o fabuloso riff de slide que compõe a música — aquele que soa como alguém subindo correndo as escadas que levam ao "Crackerbox Palace" em questão e então lançando um olhar maravilhado ao redor. Mas se você prestar atenção à letra, é outra constatação impressionante de que George agora está escrevendo canções filosóficas que são quase dançantes e que te instigam com ironia sutil em vez de te sobrecarregarem com sermões e moralismo pesado.

Ainda há elementos de pregação no álbum, é claro: ``See Yourself'' usa muitos clichês bíblicos e soa como uma tomada ligeiramente acelerada das sessões de Extra Texture (embora, na realidade, como eu já disse, a música seja de 1967), e ``Learning How To Love You'', escrita originalmente para Herb Alpert, nos ensina exatamente como fazer isso nos mesmos termos de sempre, ao mesmo tempo em que soa como a peça mais claramente inspirada em Bacharach no arsenal de George (é por isso que eu nunca consegui lembrar como ela é, provavelmente). Mas elas agora são elegantemente superadas pelas partes engraçadas e/ou energéticas, bem como por belas baladas de amor rítmicas (`Beautiful Girl'' — outra antiga, trazida à vida nova pelo romance de Olivia; a reinvenção acelerada de ``True Love'' de Cole Porter) e até mesmo uma homenagem soul sincera a Smokey Robinson (``Pure Smokey'').

Tudo isso faz de Thirty-Three & 1/3 , apesar de sua brevidade (embora, com severa indignação, eu deva reclamar que o álbum dura 39 minutos em vez dos esperados 33 minutos e 20 segundos!), facilmente o álbum mais diverso de George Harrison até hoje, e justifica plenamente chamá-lo de "retorno"; temporário, talvez, já que George não faria outro lançamento com esse nível de consistência até pelo menos Cloud 9 (e esse só funciona se você for tão fã de Jeff Lynne quanto é de George), mas profundamente agradável, nos mostrando como é possível produzir música realmente boa em um período de convalescença espiritual, e que nem sempre é preciso estar em um estado de crise profunda para libertar o gênio artístico. Com muita frequência, esquecemos que "o Beatle quieto" realmente amava esta vida (no mundo tão material) não menos do que a maioria de nós; Thirty-Three & 1/3 faz um bom trabalho em refrescar essa informação em nossa memória.

TALKING HEADS: LITTLE CREATURES (1985)

1) And She Was; 2) Give Me Back My Name; 3) Creatures Of Love; 4) The Lady Donʼt Mind; 5) Perfect World; 6) Stay Up Late; 7) Walk It Down; 8) Television Man; 9) Road To Nowhere.

Veredito geral: Talking Heads em sua fase "We donʼt want no syncopation" — perfeitamente aceitável para quem quer saborear um prato de ganchos pop salteados na filosofia artística de David Byrne.

E aqui vem — o infame álbum "pop esgotado". Aliás, é engraçado que algumas pessoas ainda se lembrem vagamente de Little Creatures como o ponto em que o Talking Heads "se esgotou", porque o álbum alcançou posições inferiores às de Speaking In Tongues (embora tenha vendido mais cópias a longo prazo), e nenhum de seus singles fez tanto sucesso quanto "Burning Down The House". Toda a ideia de esgotamento parece estar enraizada principalmente na mudança de estilo da banda: de repente, o Heads começou a tocar de uma forma muito mais tradicional, convencional, baseada em 4/4, eliminando todo o funk e todo o electropop e adotando um som pop-rock que aproximou seu som muito mais de, digamos, The Pretenders do que de, digamos, Afrika Bambaataa.

É altamente improvável, no entanto, que essa mudança imprevisível de estilo tenha algo a ver com o comercialismo da banda — na verdade, esse som em particular estava drasticamente fora de moda em 1985, o ano de "Careless Whisper" e "Like A Virgin". Muito mais provável é que David simplesmente quisesse tentar algo diferente para variar, e para uma banda tão consistentemente inovadora e transformadora como o Talking Heads, "radicalmente diferente" só poderia significar "antiquado". Não tão antiquado quanto às vezes sugerem as pessoas que omitem a palavra "Americana" em suas descrições do álbum — alguns toques de guitarra de aço aqui e ali não devem induzir você a pensar que o Talking Heads está se transformando aqui no The Band ou algo assim. Mas antiquado o suficiente no sentido de que a banda ousa fazer a pergunta — então você ainda pode gostar do Talking Heads se nos afastarmos intencionalmente da vanguarda?

Na verdade, toda a mensagem de Little Creatures já havia sido apresentada dois anos antes: o álbum começa exatamente do mesmo ponto em que paramos com ``This Must Be The Place''. Essa música em particular introduziu e aperfeiçoou a vibração pop relaxada, suavemente rítmica e alegremente cativante que permeia todo o álbum — apenas mais um capítulo, ainda bastante significativo, na vida daquele protagonista peculiar da história do Talking Heads, a quem poderíamos chamar de The Byrne City Dweller. À medida que o BCD envelhece, e a vida eventualmente o força a se adaptar ao seu ambiente desconfortável e estressante, e à medida que ele encontra cada vez mais maneiras de lidar consigo mesmo e com a vida cotidiana, a música se torna menos estressante e paranoica: por mais surpreendente que seja, Little Creatures é uma evolução perfeitamente orgânica do som da banda e, o mais importante, as músicas aqui soam tão sinceras quanto tudo o que veio antes. Elas até começam a fazer mais sentido — felizmente, apenas o suficiente para que possamos entender o que está acontecendo, sem cair em banalidades e lugares-comuns.

De certa forma, há certas semelhanças líricas e de atitude entre Little Creatures e o álbum de estreia da banda — em 1977, a música já podia ser funky e enérgica, mas o bebê BCD tinha acabado de nascer, e ele olhava para o mundo com uma mistura de constrangimento, terror, espanto e simpatia. Com o passar do tempo, o espanto e a simpatia foram geralmente relegados a segundo plano em relação ao constrangimento e ao terror, culminando em Fear Of Music . Mas então algo aconteceu com o BCD — ele pode ter começado sessões de psicoterapia, ou engolido Prozac, ou se estabelecido e tentado criar uma família, ou todas essas coisas ao mesmo tempo — e eventualmente ele recuperou um pouco daquela inocência perdida, incluindo a capacidade de perceber não apenas a grosseria e o perigo, mas também o charme e a beleza de algumas das criações da vida. "Uma mulher fez um homem / Um homem fez uma casa / E quando eles se deitaram juntos / Todas as pequenas criaturas saíram". (Se você precisa de um argumento mais direto, que tal os na-na-naʼs de ``The Book I Readʼ fazendo um retorno surpresa como os ooh-ooh-oohʼs de ``Perfect Worldʼ''?).

Se há um problema com tudo isso, é principalmente que não vemos muitos sinais do Talking Heads, a banda, cobrindo os flancos do The Byrne City Dweller. A maioria das músicas foi escrita apenas por David, e embora os membros da banda tenham gravado tudo diligentemente, pouco nesses arranjos em particular diz que eles não poderiam ter sido feitos sem a participação de Jerry, Tina ou Chris. Com certeza, assim que algo como, digamos, os acordes iniciais de "Walk It Down" te faz um saco de pancadas, você pode ver como é a mesma banda que fez "Psycho Killer" e "Memories Can't Wait" — mas, verdade seja dita, até mesmo "Walk It Down" não depende mais tanto da química particular dessa seção rítmica específica. Nem podemos esperar depender da gentileza de estranhos: grandes músicos como Adrian Belew e Bernie Worrell foram substituídos por Eric Weissberg, um tocador de banjo e guitarra de aço que é mais conhecido pelos fãs de bluegrass (daí toda essa coisa de "americana", embora ele esteja tocando apenas em duas faixas e nenhuma delas soe muito "americana").

Mas maltratar os colegas de banda é uma coisa, e fazer música ruim é outra bem diferente. Acontece que Little Creatures é totalmente consistente e coesa — na verdade, poderia ser uma conclusão tão natural e perfeita para a história de The Byrne City Dweller que quase parece que a banda sobreviveria à sua idade adequada por três anos. ``Creatures Of Love'' é o novo hino do nosso protagonista, seguido por ``Stay Up Late'' — duas músicas que mostram um novo e estranho interesse em procriação e cuidados com bebês (primeiro suspeitei que pudessem ter algo a ver com a própria família de Byrne, mas aparentemente sua filha só nasceu em 1989) — e ambas são pequenas vinhetas pop encantadoras que fazem muito sentido. Ninguém além de David consegue cantar o verso "somos criaturas de amor" de uma forma que sugira "Ei, sabe de uma coisa? Tenho pensado nisso ultimamente e me ocorreu que, tipo, sabe, não somos apenas esses estranhos, fedorentos e grotescos pedaços de carne que andam eretos... nós, tipo, temos esse AMOR dentro de nós! Não é a coisa mais legal do mundo ? Ok, vou escrever uma música sobre isso antes que eu tenha outro ataque de pânico!"

É claro que ainda há pequenos ataques de pânico ocasionais espalhados por todo o disco — mais obviamente, em "Television Man", uma saga quase épica de personalidades divididas que talvez seja o melhor exemplo do gênero "terror televisivo" desde "TVC15", de Bowie. Mas com uma redução tão drástica do funk e elementos tão fortes de melodia vocal no refrão, a música se torna mais Kinks do que Talking Heads (eu poderia imaginar Ray Davies fazendo um cover dessa música — aliás, da maioria das músicas deste álbum). Mas quando o álbum terminar, não serão eles que você mais lembrará — mais provavelmente, serão os ganchos misteriosamente extáticos de ``And She Wasʼ'' e ``The Lady Donʼt Mindʼ'', com The Byrne City Dweller em modo apaixonado e sua musa pessoal "vagando pelo quintal", "subindo acima da terra", "pulando pela janela" e "flutuando sempre que quiser"... bem, então, novamente, não há nada de surpreendente no fato de The BCD desenvolver um fetiche por borboletas.

Se você acha que há uma superabundância de notas românticas no álbum, provavelmente está certo, mas já faz tanto tempo que o Talking Heads não compõe canções de amor de verdade em números significativos que certamente eles teriam o direito de se dar ao luxo — afinal, um aspecto tão importante nunca deveria ter sido deixado sob propriedade exclusiva do Tom Tom Club — e o que há de errado nisso, eu gostaria de saber, se os ganchos são tão insanos? ʽAnd She Wasʼ é sobre guitarras vibrantes e ritmos de baixo suaves e saltitantes, construindo uma atmosfera ensolarada, vertiginosa e leve como uma pena de um dia ensolarado. ʽThe Lady Donʼt Mindʼ é sobre bends de cordas cheios de suspense e percussão suave no estilo jungle, criando a sensação de um mistério ligeiramente emocionante, mas inofensivo. Ambas as músicas foram excelentes escolhas para singles, mesmo que nenhuma delas tenha alcançado muito sucesso — esse estilo musical estava completamente fora de sintonia com as tendências de 1985.

Não seria realmente Talking Heads, no entanto, se eles não tivessem dado ao álbum o final proverbialmente ambíguo — e assim, `Road To Nowhereʼ é, por um lado, uma conclusão comemorativa e antológica para toda a experiência, com um coro soul para amplificar a mensagem e um ritmo galopante alto e triunfante para levá-lo ao pôr do sol do futuro; por outro lado, "estamos em uma estrada para lugar nenhum, entre" não parece exatamente a mensagem mais positiva que existe. Meio chamado à ação, meio sátira amarga, ainda continua a nova tendência de terminar o disco com uma nota emocionalmente otimista, mas está mais em linha com `The Big Countryʼ do que com `This Must Be The Placeʼ. Em outras palavras, por trás de toda a leveza e pop de Little Creatures, ainda vemos os mesmos velhos medos e julgamentos cínicos — tudo o que você precisa fazer é trazer uma lupa um pouco mais poderosa desta vez.

Ouso dizer que, se você só curte Talking Heads pelas inovações musicais que eles trouxeram para esta vida, Little Creatures será uma experiência mortalmente entediante; nem mesmo os fortes ganchos pop nessas músicas salvarão a cara deles para você. Mas para aqueles que estavam interessados não apenas na evolução das melodias funky conforme elas gradualmente se construíam em direção ao casamento definitivo do antigo e do moderno em Remain In Light , mas também na evolução da narrativa artística de David Byrne, Little Creatures pode ser um capítulo tão divertido nessa história quanto qualquer outro que o precedeu. Mesmo que você discorde de suas avaliações de amor e sexo. (E espero que você discorde de suas avaliações de amor e sexo).