O selo RN e a produção de Raimundo Nonato trás boa referência. Esse exemplar, ao que indicam os carimbos nos selos pertenceu a Rádio Quilombo. Que não sei se é a mesma que ainda existe em Palmares – PE.
Acordeons de Oswaldinho e zabumbas de Chiquinho de Queiroz.
Duda Santos – Vai Ter Amor Aqui 1986 – RN Discos
01. Claridão (Duda Santos – J. Roberto Santos – Dr. W. Leão) 02. Forrock Of United States (Beto Teclla – Duda Santos – Nelson da Sanfona) 03. Passeio na Fazenda (Duda Santos – Zé Honório – Milton Lessa) 04. Moça Morena (Beto Teclla – Duda Santos – Nelson da Sanfona) 05. Canto das Raças (Beto Teclla – Duda Santos – Cláudio Gomes) 06. Vai Ter Amor Aqui (Beto Teclla – Duda Santos – Zuino) 07. Vambora Vê (Beto Teclla – Duda Santos) 08. Nos Quatro Cantos do Mundo (Duda Santos – Jacoo – Jell) 09. Não Tenho Você (Beto Teclla – Duda Santos) 10. Vida de Caçador (Duda Santos – Ferreira Neto – M. Teixeira) 11. Cidade Carinho (Duda Santos – Edmilson Vieira – Lucinho) 12. Cavaleiro do Tempo (Zé Maria – Duda Santos – Nado Santos)
Gravado em 16 canais, nos estúdios Rozemblit, em Recife – PE.
Ivan Ferraz – Vamos forrofiá 1982 – Copacabana
01 Casamento do Osório (Luiz de França – Ivan Ferraz) 02 Vamos forrofiá (Onildo Almeida) 03 Mal pagador (Walmir Silva – Ivan Ferraz – Fernando Borges) 04 Chegou se julgando (Brito Lucena) 05 Arrocha o nó (Brito Lucena – Ivan Ferraz) 06 Rio Grande do Norte (Ivan Ferraz – Nilton Marcolino – J.E.Valença) 07 Morrendo de inveja (Juarez Santiago) 08 O aposentado (Manoel Alves – Ivan Ferraz) 09 Nas voltas do mundo (Ivan Ferraz – Giuseppe Ferraz – José Bartolomeu) 10 Homem aos 37 anos (Luiz de França) 11 Homenagem as mães (Ivan Ferraz – Giuseppe Ferraz – Maria Merces) 12 Carpina (Ivan Ferraz – Fernando Spencer)
A pedido, aqui está mais de David Galas; especificamente, seu segundo e possivelmente melhor disco, The Happiest Days of My Life . Ele se apoia fortemente nas influências do doom que marcaram seu primeiro disco, e então, no meio do caminho, o violão acústico se torna central, e as influências subjacentes dos Swans de meados da era vêm à tona.
Uma versão matadora, com influências industriais/punk/darkwave, do rock espacial estilo Hawkwind. Baterias eletrônicas nervosas, estilo Suicide, sintetizadores analógicos, guitarras pesadas e vocais cheios de efeitos especiais. Há também um discurso racista sampleado e incoerente em "Dead Air", que a banda claramente não endossa — só achei que deveria mencionar.
O domínio dos Beatles no mercado de música popular dos EUA em 1964 foi absoluto. Suas músicas conquistaram o primeiro lugar na parada Top 100 da Billboard por 18 semanas, 14 delas consecutivamente entre fevereiro e maio. Os números são ainda mais impressionantes quando se trata de álbuns. A banda liderou a parada de álbuns por mais da metade do ano – 30 semanas. Três de seus álbuns entraram nas paradas em 1964, começando com "Meet the Beatles!" e "The Beatles' Second Album". Mas foi o álbum seguinte, e o filme que o acompanha, que realmente impulsionaram a disseminação da Beatlemania nos EUA.
A Hard Day’s Night
O primeiro filme dos Beatles já estava em produção havia um mês e meio, faltando apenas uma semana para a conclusão das filmagens, antes que seu nome final fosse definido. Desde o início, a intenção era dar-lhe o título óbvio "Beatlemania". John Lennon lembra como o nome mudou: "Eu estava indo para casa no carro e [o diretor de cinema] Dick Lester sugeriu o título 'A Hard Day's Night' a partir de algo que Ringo havia dito. Eu o havia usado em 'In His Own Write', mas foi um comentário improvisado de Ringo. Sabe, um daqueles impropérios. Um ringoísmo, onde ele disse que não era para ser engraçado, apenas disse. Então Dick Lester disse que usaríamos esse título."
Segundo Ringo, ele cunhou a frase em março de 1964, após um dia exaustivo de filmagens no Twickenham Film Studios: "Trabalhamos o dia todo e, por acaso, trabalhamos a noite toda. Acordei ainda pensando que era dia, suponho, e disse: 'Foi um dia difícil...' e olhei ao redor e vi que estava escuro, então disse: '... noite!'". John Lennon de fato usa a frase em seu livro In His Own Write, publicado no final do mesmo mês. Um dos poemas do livro, Sad Michael, inclui o seguinte parágrafo:
Não havia motivo para Michael estar triste naquela manhã, (o pequeno miserável); todos gostavam dele, (a crosta). Ele teve uma noite difícil naquele dia, pois Michael era um Vigilante Arrogante.
É improvável que a frase tenha sido cunhada, absorvida em um poema e publicada em apenas algumas semanas, mas isso foi há 60 anos, e as coisas ficam nebulosas. Seja como for, o novo título do filme exigiu uma música-tema com o mesmo título para abrir o filme, trazendo uma novidade para os Beatles: uma música feita sob encomenda. Lennon foi rápido na tarefa, como comentou mais tarde: "Na manhã seguinte, eu trouxe a música. Porque havia uma pequena competição entre Paul e eu para ver quem ficaria com o lado A, quem ficaria com os singles de sucesso."
O produtor de cinema Walter Shenson relembrou a mesma reviravolta: “Certa noite, mencionei a Lennon que precisávamos de uma música chamada 'A Hard Day's Night'. A reação dele foi perguntar do que eu estava falando. Expliquei perguntando que tipo de produtor eu seria se tivesse um filme chamado 'A Hard Day's Night', estrelado pelos Beatles, e não tivesse uma música dos Beatles chamada 'A Hard Day's Night'. Na manhã seguinte, ele e Paul me chamaram no camarim deles – ainda estávamos filmando – e tocaram e cantaram para mim sua nova música, 'A Hard Day's Night'. Agora, pense nisso: eu consegui um sucesso sob encomenda! Isso é quase impossível. E foi um dos maiores sucessos deles até hoje.”
A música foi gravada no Abbey Road Studios em 16 de abril de 1964, com nove tentativas de takes, sendo o último escolhido como o único. Assim como em outras músicas gravadas para a trilha sonora do filme, George Martin aproveitou ao máximo o equipamento de gravação de quatro canais recentemente adquirido no Abbey Road: “Com o grande avanço do quatro canais, pudemos fazer overdubs e adicionar vozes secundárias e solos de guitarra posteriormente. Quando fizemos A Hard Day's Night, certamente gravávamos a faixa básica e fazíamos os vocais depois. Invariavelmente, eu colocava todos os instrumentos base em uma ou duas faixas, então o baixo ficava junto com a guitarra. Só mais tarde é que começamos a adicionar o baixo também, dando a Paul a oportunidade de usar mais a voz.”
A música abre com um estrondo, liberando um dos acordes de abertura mais famosos da história da música popular. George Martin relembra: “Sabíamos que abriria tanto o filme quanto o LP da trilha sonora, então queríamos um começo particularmente forte e eficaz. O acorde estridente da guitarra foi o lançamento perfeito. Precisávamos de algo marcante, para dar um empurrão repentino na música.” Os Beatles fizeram ótimo uso de suas guitarras Rickenbacker recém-adquiridas, George com sua guitarra elétrica 360 de doze cordas e John com uma Rickenbacker Capri. Paul não foi menos importante com uma nota dedilhada em seu baixo Höfner. A guitarra de doze cordas de George Harrison foi fundamental para o resto do álbum e pode ser ouvida em músicas como 'I Should Have Known Better' e 'You Can't Do That'. Foi uma grande influência para bandas como The Byrds e The Searchers.
Outro momento marcante da música é o solo de guitarra e piano, tocado por George Harrison e George Martin. Harrison teve dificuldades com isso, mas a engenhosidade do estúdio salvou o dia. O engenheiro Geoff Emerick lembra: “Disseram-me para rodar a fita na metade da velocidade enquanto George Martin descia para o estúdio e duplicava o solo de guitarra em um piano vertical desafinado. Ambas as partes tiveram que ser tocadas simultaneamente porque havia apenas uma faixa livre, e foi fascinante assistir os dois Georges — Harrison e Martin — trabalhando lado a lado no estúdio, testas franzidas em concentração enquanto tocavam o solo ritmicamente complexo em uníssono firme em seus respectivos instrumentos.” O solo foi significativo o suficiente para ser mencionado na edição de junho da revista Disc: “No meio do caminho, há uma pausa fascinante. Ela mistura piano com duas guitarras (Paul e George) e o resultado é um efeito delicado e encantador.”
Programa de televisão Around The Beatles, 28 de abril de 1964
Como de costume com os Beatles, os vocais ficaram a cargo do compositor. John entrega uma ótima performance, mas a melodia que ele compôs o desafiou a ponto de ele ter que dividir a parte principal. Ele lembra: "O único motivo pelo qual Paul cantou em 'Hard Day's Night' foi porque eu não conseguia alcançar as notas. 'Quando estou em casa, tudo parece estar certo. Quando estou em casa...' – que era o que fazíamos às vezes. Um de nós não conseguia alcançar uma nota, então ele pedia para o outro fazer a harmonia."
A música é única por compartilhar os créditos musicais com uma sexta pessoa. Se você ouvir com atenção, ouvirá o som de bongôs tocando um ritmo rápido em várias partes da música. O engenheiro de som e posteriormente produtor Norman Smith, que no início de sua carreira tocava bateria, é quem toca as peles. Ele explica: "Eu só toquei em uma música dos Beatles, e essa foi 'A Hard Day's Night'. Eu toquei os bongôs. Ringo não conseguiu. Fui ao estúdio e mostrei a ele o que fazer, mas ele simplesmente não conseguia manter aquele ritmo contínuo. Então eu disse: 'Ok, esquece, eu faço.'"
Os Beatles no Abbey Road Studios, 1964
Mais uma curiosidade sobre a música e o final interessante da canção. Inesperadamente para uma música tão energética, ela termina com um padrão calmo e arpejado na guitarra. Os Beatles talvez não tivessem escolhido terminar a música dessa forma se a intenção fosse apenas torná-la um sucesso de rádio, mas combina perfeitamente com o filme. O diretor Richard Lester pediu um fadeout "sonhador" para a primeira cena do filme. George Harrison entregou o resultado com sua guitarra Rickenbacker de doze cordas.
Menos de dois anos depois de pisarem pela primeira vez na Abbey Road, todos os membros dos Beatles demonstram enorme progressão musical e maturidade em 'A Hard Day's Night'. Geoff Emerick vivenciou essa evolução em primeira mão: "Eu não participava de uma sessão de gravação com os Beatles há cerca de seis meses e fiquei impressionado com o quanto eles se profissionalizaram nesse período relativamente curto. Não só estavam tocando com mais precisão, como também atuavam como veteranos experientes no estúdio, sabendo exatamente o que estavam tentando realizar e conseguindo com o mínimo de esforço." A música foi concluída em uma única sessão de gravação de três horas, com apenas cinco tentativas de takes completos.
Os Beatles nos bastidores do L'Olympia de Paris, em 15 de janeiro de 1964
Como esperado, A Hard Day's Night foi um sucesso estrondoso em ambos os lados do Atlântico. 250.000 cópias antecipadas foram encomendadas no Reino Unido. Até o final de 1964, havia vendido 600.000 cópias. Quando lançado no Reino Unido em julho de 1964, liderou a parada de singles por impressionantes 21 semanas consecutivas e permaneceu nas paradas por 38 semanas. Nos EUA, o álbum vendeu um milhão de cópias antes mesmo de ser lançado. As vendas dobraram após três meses, tornando-se um dos álbuns mais vendidos de todos os tempos. Os Beatles detêm um recorde incomparável de manter a primeira posição nas paradas de singles e álbuns dos EUA e do Reino Unido simultaneamente com lançamentos todos intitulados A Hard Day's Night. Eles são os únicos a alcançar esse feito.
Things We Said Today
No Reino Unido, o single "A Hard Day's Night" incluiu a música "Things We Said Today" como lado B. Esta é uma das minhas músicas favoritas de Paul McCartney, demonstrando sua crescente maturidade como compositor. Foi escrita em maio de 1964, quando ele estava de férias em um iate nas Ilhas Virgens com sua namorada Jane Asher. A bordo também estavam Ringo Starr e sua futura esposa Maureen. Paul falou sobre a composição da música: "Naquele dia específico no barco, comecei com um acorde de Lá menor. De Lá menor para Mi menor para Lá menor, o que me deu uma espécie de mundo folclórico e caprichoso. E então, no meio, em 'Me, I'm just the lucky kind', a música muda para maior e fica esperançosa. O que eu sempre amei e ainda amo em compor uma música é que, ao final de duas ou três horas, tenho um bebê recém-nascido para mostrar a todos. Eu quero mostrar isso ao mundo, e o mundo naquele momento eram as pessoas no barco."
A maturidade da composição também é evidente nas letras. Não mais histórias sobre dança, beijos e mãos dadas, mas desta vez uma viagem pela memória. Paul: "Já era uma coisa um pouco nostálgica, uma nostalgia do futuro: vamos nos lembrar das coisas que dissemos hoje, em algum momento no futuro, então a música se projeta para o futuro e então é nostálgica sobre o momento que estamos vivendo agora, o que é um truque muito bom."
Você pode se perguntar como uma música escrita em um iate, sem meios de gravá-la em fita, não é esquecida até a data da gravação. Paul tem a resposta: “Eu tinha que me lembrar dela, porque eu não a escrevi. Eu não escrevi música – porque eu não conseguia. Estava tudo na cabeça. Quando uso um pequeno gravador de cassetes ou algum outro dispositivo de gravação, acho difícil me lembrar das músicas porque não me forcei a me lembrar delas. Anos depois, enquanto tento explicar por que não leio partituras nem as escrevo, culpo minha tradição celta, a tradição bárdica. As pessoas de onde venho se treinaram para confiar em suas memórias.”
Can’t Buy Me Love
Duas músicas foram lançadas antes do álbum, em dois lados de um single, em março de 1964. O lado A se tornou um grande sucesso para os Beatles naquele ano, liderando as paradas nos EUA e no Reino Unido. Can't Buy Me Love foi escrita e gravada durante a primeira visita dos Beatles a Paris. Eles fizeram uma residência no salão L'Olympia em janeiro e fevereiro, fazendo dois shows quase todos os dias durante três semanas. Uma raridade na época, não foi gravado na Abbey Road, mas sim no Pathé Marconi Studios da EMI, em Paris. Na mesma sessão, eles também gravaram versões em alemão de "She Loves You" ("Sie Liebt Dich") e "I Want To Hold Your Hand" ("Komm, Gib Mir Deine Hand").
Os Beatles e Sylvie Vartan no L'Olympia de Paris, 15 de janeiro de 1964
A canção foi escrita por Paul McCartney, que é o único cantor, uma estreia para os Beatles, que até então sempre tiveram mais de um vocalista cantando, seja como vocalista principal ou como backing vocal. Paul disse sobre a canção: “'Can't Buy Me Love' é minha tentativa de compor em um estilo blues. A ideia por trás dela era que todos esses bens materiais são muito bons, mas não vão me comprar o que eu realmente quero. Era uma canção muito viciante. Ella Fitzgerald mais tarde fez uma versão dela, o que me deixou muito honrado.” Dissipando um boato, ele acrescentou: “Pessoalmente, acho que você pode dar a interpretação que quiser a qualquer coisa, mas quando alguém sugere que 'Can't Buy Me Love' é sobre uma prostituta, eu traço o limite. Isso é ir longe demais.”
Detalhes das sessões de gravação dos Beatles sempre lançam luz sobre o processo criativo dos Fab Four. Desta vez, foi o quinto Beatle que teve uma ideia bacana. George Martin: “Achei que precisávamos mesmo de uma legenda para o final da música e uma legenda para o começo; uma espécie de introdução. Então, peguei os dois primeiros versos do refrão, mudei o final e disse: 'Vamos ficar só com esses versos e, alterando a segunda frase, podemos voltar ao verso bem rápido'. E eles disseram: 'Não é uma má ideia, vamos fazer assim'.” A música de fato começa a todo vapor com o refrão, tocando direto nos ouvidos. Um sucesso garantido nas paradas.
Norman Smith novamente contribui com suas habilidades de percussão nesta música, desta vez por necessidade técnica. Quando as fitas vieram de Paris para a Abbey Road para uma sessão de mixagem, elas não estavam no padrão praticado pelo famoso estúdio londrino. Geoff Emerick lembra: "Talvez por ter sido enrolada incorretamente, a fita tinha uma ondulação, resultando na perda intermitente dos agudos no prato de chimbal de Ringo. Havia uma tremenda pressão de tempo para mixar a faixa e entregá-la à prensagem, e devido a compromissos de turnê, os próprios Beatles não estavam disponíveis." O que se seguiu foi uma troca que colocou o jovem Emerick pela primeira vez na cadeira de engenheiro, para substituir Norman Smith, que foi ao estúdio para fazer o overdub da parte do chimbal. Emerick: "Graças às consideráveis habilidades de Norman como baterista, o reparo foi feito de forma rápida e perfeita."
Há 57 anos, em 1°. de julho de 1968, The Band lançava Music From Big Pink, primeiro álbum de estúdio da banda canadense.
The Band foi formada por músicos que acompanharam Bob Dylan em turnês antes de consolidarem carreira própria, tendo surgido a partir do grupo The Hawks, que era banda de apoio do cantor de rockabilly Ronnie Hawkins no início dos anos 1960. Seus integrantes eram Rick Danko (baixo, violino e vocais), Levon Helm (bateria e vocais), Garth Hudson (teclados e saxofone), Richard Manuel (piano, bateria e vocais) e Robbie Robertson (guitarra e vocais ocasionais). Embora Levon fosse americano, do Arkansas, o restante da banda era canadense, o que dava ao grupo uma mistura cultural que acabou refletida em sua música, profundamente enraizada na tradição americana, mas com uma sensibilidade própria.
Produzido por John Simon, Music From Big Pink foi gravado principalmente no A&R Studios, em Nova Iorque, ao longo de 1967 e início de 1968, após sessões caseiras no famoso chalé rosa (“Big Pink”) localizado em West Saugerties, no estado de Nova Iorque, que inspirou o título do disco. Musicalmente, o álbum transita entre rock, folk, country e blues, com uma sonoridade terrosa e intimista que contrastava com a psicodelia dominante da época. Suas letras abordam histórias e personagens do interior norte-americano, quase como crônicas musicais. Entre os singles estão “The Weight”, que se tornou o maior clássico do álbum, além de “I Shall Be Released” (escrita por Bob Dylan, que também contribuiu com outras canções e artes visuais, pintando a capa do disco).
Music From Big Pink foi lançado pelo selo Capitol Records e recebeu aclamação da crítica por sua autenticidade e pelo som inovador que, de certa forma, inaugurou o gênero conhecido como “Americana”. Embora as vendas iniciais tenham sido modestas, alcançando a posição #30 na Billboard 200, seu prestígio cresceu enormemente com o tempo, influenciando artistas como Eric Clapton, George Harrison e toda a geração do country rock e do rock de raízes. É frequentemente citado como um dos discos mais importantes dos anos 60.
Há 41 anos, em julho de 1984, Marina Lima lançava Fullgás, quinto álbum de estúdio da artista fluminense.
Marina Lima surgiu em 1979, quando foi lançado pela Warner seu LP de estreia, Simples Como Fogo; em 1980, já com a Ariola, foi a vez de Olhos Felizes -- com Lobão, inclusive, começando a integrar sua banda como baterista. Nessa época, a artista, que ainda assinava simplesmente como Marina, era vendida como "uma garota zona sul meio que sem nada na cabeça", mas logo perceberam que com ela o buraco era mais embaixo: Marina teve a canção "O Lado Quente Do Ser", composição sua com seu irmão e parceiro musical Antônio Cícero, regravada por Maria Bethânia, e ainda participou de especiais importantes da Rede Globo, como Mulher 80 e A Arca De Noé. Em 1981, com a música "O Charme Do Mundo" incluída na trilha sonora O Sétimo Sentido, Marina se tornou ainda mais conhecida, lançando ainda Desta Vida, Desta Arte (1982) no ano seguinte.
Depois de lançar três discos pela Ariola, Marina se mandou de mala e cuia para a PolyGram (atual Universal Music), porque na Ariola e na Warner ela não se sentia plenamente no controle de suas obras: a Warner, gravadora com a qual lançou seu primeiro LP, queria fazer de Marina um símbolo sexual, enquanto a Ariola, segundo a artista, tinha um lado "elitista" que não a agradava. Fullgás, quinto álbum de estúdio de Marina, portanto, foi sua estreia na PolyGram, e primeiro disco de que a artista, então com 27 anos de idade, sentiu ser dona de verdade.
Com produção de João Augusto, o novo LP diversificou as parcerias de Marina -- se antes a maioria era com Antônio Cícero, agora ela também compunha com Ana Terra, Lobão, além de ter gravado músicas de outras pessoas, como Lulu Santos, Nelson Motta e da dupla Roberto e Erasmo Carlos. "Fazer esse disco foi uma delícia, foi uma relação de amor mesmo com os músicos", declarou Marina ao jornal O Globo.
No período de gravação, Marina também estava muito interessada em bateria eletrônica, com a artista declarando que a opção sintetizava o que ela procurava, que era uma "bateria tranquila e sem viradas, sem perturbar o canto", declarou, encontrando no produtor João Augusto o parceiro ideal para desenvolver sua proposta. A única canção gravada com um baterista foi "Me Chama", composição do próprio Lobão que se tornaria uma das canções mais conhecidas na voz de Marina. A artista, que se cercou de ótimos músicos, teve Liminha no baixo, inclusive tocando o solo da faixa-título "Fullgás", enquanto Lulu Santos gravou a guitarra de "Mais Uma Vez"; Nelson Motta foi responsável pela versão em português de "Veneno" (originalmente "Veleno"), enquanto "Mesmo Que Seja Eu", de Roberto e Erasmo, que já era cantada por Marina nos shows anteriores a Fullgás e um clássico de seu repertório ao vivo, finalmente ganhou sua versão definitiva em estúdio, com um arranjo mais intimista.
Fullgás foi lançado pela PolyGram em julho de 1984 e logo tornou-se um dos maiores sucessos da cantora Marina Lima, que incursionava em um pop rock urbano e eficiente. O álbum foi aclamado pela crítica, com elogios à sensibilidade dos arranjos e letras ao mesmo tempo que explora com maestria as novas possibilidades dos teclados eletrônicos e da bateria sintetizada, e emplacou a faixa-título, "Mesmo Que Seja Eu", "Me Chama" e "Veneno (Veleno)". O sucesso alcançado pelo álbum na época de seu lançamento lançou Marina ao estrelato e a tornou uma das grandes vendedoras de discos no Brasil.
Há 23 anos, em 1°. de julho de 2002, o Oasis lançava Heathen Chemistry, quinto álbum de estúdio da banda britânica.
Gravado em Londres sob produção do próprio grupo, o álbum foi planejado e gravado como um retorno a uma sonoridade mais simples, com uma pegada mais rock -- a abordagem mais bruta e simples difere da grandiosidade musical dos discos anteriores do Oasis, Be Here Now (1997) e Standing On The Shoulder Of Giants (2000), sendo mais comparável aos seus primeiros trabalhos, em meados da década de 1990.
O disco também é notável por ser o primeiro álbum do Oasis gravado com o guitarrista Gem Archer e o baixista Andy Bell, que se juntaram à banda depois que o trabalho no álbum anterior; e também por ser o último a apresentar o baterista de longa data do Oasis, Alan White, que deixou a banda no início de 2004.
Heathen Chemistry obteve avaliações bastante positivas dos críticos após o lançamento, que elogiaram o retorno do Oasis a uma sonoridade mais básica. O álbum chegou ao #1 no Reino Unido e ao #23 na Billboard 200, nos Estados Unidos, vendendo quase 5 milhões de cópias ao redor do mundo até hoje.
