Ablaze - Sink Ya Teeth In (2025) Austrália

 

Os Ablaze, a banda australiana que opera no território do hard rock e heavy metal, apresentam o seu mais recente álbum, "Sink Ya Teeth In". Este trabalho é uma demonstração de força e uma prova de que a banda não tem medo de mergulhar na essência do rock and roll mais musculado, mas com uma produção moderna e uma atitude inabalável.

Desde o primeiro acorde, "Sink Ya Teeth In" atinge o ouvinte com a força e a energia de um soco. A produção é robusta e cristalina, permitindo que a agressividade das guitarras e a potência da secção rítmica se destaquem sem soar diluído. Há um equilíbrio notável entre a crueza do rock de garagem e a polidez necessária para um som de grande escala.

As guitarras são o coração pulsante do álbum, com riffs pesados e cativantes que remetem a gigantes como AC/DC e Judas Priest, mas com uma identidade própria dos Ablaze. Os solos são incendiários, cheios de shredding e feeling, e são perfeitamente integrados na estrutura das canções. A secção rítmica é uma máquina de ritmo, com a bateria a marcar um andamento implacável e o baixo a fornecer uma base sólida e dinâmica.

O vocalista é uma força central, com um timbre que se encaixa perfeitamente na agressividade do álbum. A sua voz é rasgada e cheia de atitude, entregando letras que celebram a vida, a rebeldia e a paixão pelo rock. Os refrões são viciantes e feitos para serem cantados a plenos pulmões, mostrando a capacidade da banda em criar hinos de rock memoráveis.

"Sink Ya Teeth In" é um álbum que brilha pela sua consistência e coesão. As músicas fluem bem umas para as outras, mantendo um nível de energia constantemente elevado. Embora os Ablaze operem dentro de uma linguagem familiar para os amantes do heavy metal e hard rock clássico, eles conseguem imprimir a sua própria marca, com composições que são ao mesmo tempo clássicas e cheias de vida.

Para os fãs de bandas como Judas Priest, AC/DC, e outros gigantes do heavy metal tradicional, "Sink Ya Teeth In" será uma audição extremamente gratificante. É um álbum que celebra a essência do género: riffs poderosos, uma atitude desafiadora e uma paixão inegável.

Em resumo, "Sink Ya Teeth In" é um triunfo para os Ablaze. É um álbum que entrega o que promete: uma dose generosa de hard rock e heavy metal puro e sem concessões, feito com paixão e uma execução impecável.

Já teve a oportunidade de ouvir "Sink Ya Teeth In" dos Ablaze? Qual a sua faixa favorita e o que mais o atraiu neste álbum?

Temas:

01. Gasoline
02. Old Scratch
03. Siren's Call
04. Different Kind of Nightmare
05. Next Train Out
06. Unleash
07. Menace for the Medicine
08. End of the Day

Banda:

Danny Slaviero - Vocals
Ben Anderson - Lead Guitar
Matt Dynon - Rhythm Guitar
Paris Rowe - Bass
Dan 'Mango' Mangano - Drums

In Theory - Retribution (2025) USA

 

Os In Theory, a banda americana, apresentam o seu mais recente trabalho, "Retribution", um álbum que promete mergulhar nas profundezas do metal progressivo com uma abordagem que combina complexidade técnica, melodias envolventes e uma intensidade emocional. Lançado em 2025, este disco é uma declaração de ambição e um convite a uma audição atenta.

Desde os primeiros acordes, "Retribution" estabelece uma atmosfera densa e intrincada. A produção é impecável e cristalina, permitindo que cada camada instrumental se revele com clareza. Há uma grandiosidade que permeia o álbum, com arranjos complexos que demonstram a perícia dos músicos em compor e executar música desafiadora.

As guitarras são um dos pilares deste trabalho, com riffs que variam de pesados e contundentes a linhas mais intrincadas e melódicas. Os solos são bem construídos, técnicos, mas sempre a serviço da canção, adicionando momentos de virtuosismo sem desviar o foco da emoção. A secção rítmica é robusta e versátil, com a bateria a fornecer ritmos complexos e o baixo a preencher o espaço com linhas inventivas.

O vocalista é uma força central, com um timbre que tem tanto poder quanto emoção. Ele narra as histórias do álbum com convicção, transitando entre momentos de maior agressividade e passagens mais melódicas e suaves, o que se encaixa perfeitamente na dinâmica do metal progressivo. As letras, como sugere o título "Retribution", parecem explorar temas de justiça, consequência e talvez até vingança, o que confere uma profundidade lírica que se alinha perfeitamente com a ambição musical.

"Retribution" brilha na sua coerência e capacidade de manter o ouvinte envolvido. As canções são bem construídas, com transições fluidas e mudanças de ritmo que, embora complexas, nunca parecem forçadas. O álbum consegue ser ao mesmo tempo desafiador e acessível, o que é um dos maiores méritos do género.

Para os fãs de metal progressivo que apreciam bandas como Dream Theater, Symphony X, Haken ou Evergrey, "Retribution" é uma audição obrigatória. É um álbum que honra os gigantes do género, ao mesmo tempo que injeta uma frescura e uma identidade própria.

Em resumo, "Retribution" é um lançamento notável dos In Theory. É um álbum que demonstra um talento musical notável, com composições ambiciosas e uma execução impecável. Uma verdadeira obra de arte progressiva que merece ser explorada com atenção.

Já teve a oportunidade de ouvir "Retribution" dos In Theory? Qual a sua faixa favorita e o que mais o impressionou neste álbum?

Temas:

01. Retribution 04:08
02. Stain On My Soul 03:37
03. The River 04:09
04. Get Me Higher 04:22
05. Promise Land 04:34
06. Down 03:06
07. World's On Fire 03:57
08. Heroes 04:01
09. Raise Me Up 04:49
10. Since I've Been Loving You 07:24

Banda:

Lead & rhythm Guitars: Mike Mostert
Lead Vocals: Tony Covino
Guitar, Bass, Keyboards: Tommy Henriksen

Albert Ginés y sus Oceánicos "En La Isla Del Fin Del Mundo" 2021

 Esta música me faz viajar no tempo e no espaço, me faz lembrar de paraísos perdidos onde não estive. Beleza atemporal. 

Com Alberto Bigotes (Stand up Drummer), Clara Bell (Baixo), Amalia Casas Mas (Piano, Teclados), Albert Ginés (Guitarra, Baixo, Teclado, Percussão) Artista Convidado Xavier Losada (Teclado Meca) .

trax:
01 Genroku Hanami Odori 02 Nautilus 03 La Danza Del Sable 04 Ilha Deserta 05 Fue Un Buen Año 06 Meca 07 La Rumba Del Tiki 08 El Desierto 09 La Caravana 10 Madrid Nocturno

 

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Robyn Hitchcock "Groovy Decay" 1982

 

Fora de catálogo por mais de uma década, Groovy Decay se destaca como um lançamento quase impossível de ser encontrado na vida criativa do excêntrico compositor inglês.

 Groovy Decay foi o segundo álbum solo de Robyn Hitchcock, lançado em 1982. Sua banda de apoio para o disco contava com Sara Lee, do Gang of Four, no baixo e Anthony Thistlethwaite, do Waterboys, no saxofone.
Hitchcock não gostou das gravações, apesar da presença do ex-membro do Gong, Steve Hillage, na cadeira do produtor, e posteriormente lançou uma versão revisada do álbum intitulada Groovy Decoy; esta tinha uma capa completamente diferente, substituiu versões demo de cinco das faixas e mudou a ordem de execução. Uma reedição em CD da Rhino em meados da década de 1990 incorporou os dois conjuntos de faixas sob o título Gravy Deco.
Em 2007, a Yep Roc Records remasterizou Groovy Decay e o disponibilizou exclusivamente para download digital em seu site. O download inclui as faixas bônus "How Do You Work this Thing?", "It Was the Night" e "Falling Leaves", além de versões demo de quatro faixas do álbum, lançadas anteriormente pela Groovy Decoy. A demo de "Midnight Fish" é a única faixa da Groovy Decoy não incluída nesta reedição. - dos

músicos da wiki:
Robyn Hitchcock - guitarras, vocais / Sara Lee - baixo / Matthew Seligman - baixo / Anthony Thistlethwaite - saxofone / Rod Johnson - bateria / Chris Cox - trompete em "America"

traxfromwax:
01 Night Ride to Trinidad 02 Fifty Two Stations 03 Young People Scream 04 The Rain 05 America 06 The Cars She Used To Drive 07 Grooving On An Inner Plane 08 St. Petersburg 09 When I was A Kid 10 Midnight Fish

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Dan Penn - Nobody's Fool 1973

 

À primeira vista, não é absurdo pensar que  a estreia solo do  compositor e produtor Dan Penn , Nobody's Fool , de 1973 , seja um pouco cafona. As músicas estão lá, mas em meio a toda a pompa do estúdio, é difícil perceber o toque hábil que  Penn  trouxe a clássicos do soul como "I'm Your Puppet" e "The Dark End of the Street". Desistir cedo demais, porém, seria negligenciar o que é uma tentativa ambiciosa e apaixonada de abranger toda a tradição musical sulista em uma única declaração musical.  Penn  soa como  Elvis da era "Suspicious Minds"  em faixas orquestradas de R&B como "Time" e "Ain't No Love", e embora "Prayer for Peace" soe como um interlúdio de uma ópera rock gótica sulista, fica claro que  Penn  leva a sério cada palavra de seu apelo. Com exceção de um  cover da CCR  ,  Penn  escreveu (ou coescreveu) e produziu o álbum inteiro, e conta com o apoio de uma equipe formada pelos melhores de Memphis. Como costuma acontecer com álbuns de quem se tornou famoso trabalhando nos bastidores,  Nobody's Fool  sofre um pouco de excesso, como se cada ideia na  cabeça de Penn tivesse que ser gravada imediatamente. Mas o amor do homem pela música (toda ela: rock, pop, country, gospel, blues, soul, etc.) é tão genuíno e tão cego a categorias, que é impossível não se deixar levar por esta obra-prima silenciosa.

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Wayne Shorter - Adam's Apple 1966

 

Com a possível exceção de sua canção, "Footprints", que se tornaria um clássico do jazz, Adam's Apple recebeu bem menos atenção em seu lançamento do que alguns dos álbuns anteriores do catálogo de Wayne Shorter. É uma pena, pois ele realmente se classifica entre os melhores de sua produção desse período incrivelmente fértil. Desde os primeiros momentos em que o sax de Shorter se destaca na faixa de abertura homônima, com seu calor, suavidade e potência, é difícil não gostar deste álbum. Pode não apresentar uma mudança tão brusca em termos de estilo quanto alguns de seus trabalhos anteriores, como Speak No Evil, mas seu impacto só é atenuado pelo fato de Shorter já ter atingido o auge de sua força. Isoladamente, este é um dos grandes trabalhos do jazz de meados dos anos 60, mas quando Shorter já alcançou um estilo de execução único, excelência composicional e um relacionamento perfeitamente equilibrado com seus músicos de apoio, é difícil ficar impressionado com o fato de ele conseguir continuar fazendo tudo isso álbum após álbum. Mas Shorter brilha aqui, ao mesmo tempo em que permite que músicos fortes como Herbie Hancock também tenham seu lugar ao sol. Duas músicas bastante distintas são especialmente hipnóticas: a balada "Teru" e o tributo de Shorter a John Coltrane, "Chief Crazy Horse", ambas dando a Hancock a chance de mostrar do que era capaz.

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Yes - Time And A Word 1970

 

O segundo (e menos bem-sucedido) álbum do Yes foi um esforço de transição; o grupo buscava um som mais produzido e sofisticado por meio do uso de uma orquestra. Mesmo assim, os resultados não foram convencionais, pois o grupo não diminuiu o tom ou diminuiu o volume do som. Grande parte de "  Time and a Word"  se baseia em performances ousadas e animadas de  Bill Bruford ,  Chris Squire e  Tony Kaye . Além disso, nessa época, o grupo já estava desenvolvendo um conjunto muito mais equilibrado do que o evidente em seu primeiro LP, então não falta entusiasmo visceral. "No Opportunity Necessary, No Experience Needed" foi uma abertura ousada, uma adaptação frenética e altamente amplificada da  música de Richie Havens  , mesclada com  a música-título de Jerome Moross , do filme "The Big Country". Um pouco mais bem-sucedida musicalmente é "Then", que mantém o acompanhamento orquestral no mínimo e permite que  Kaye  e  Banks  se estendam no órgão e no violão. "Everydays" é destacado pelos  vocais etéreos de  Anderson e pelo dueto de Kaye com a orquestra. Uma quantidade surpreendente do material aqui parece um tanto desafinada, mas o grupo estava solidificando seu som e, no processo, forçando  Banks  a sair da formação, apesar de alguns belos momentos para ele (e  Tony Kaye ) nas partes mais bonitas de "The Prophet", uma peça que também contém fragmentos musicais que antecipam  o trabalho do Yes até "  Tales from Topographic Oceans" . "Astral Traveller", como título, antecipa os temas de futuros trabalhos do grupo, embora eles ainda não tenham a destreza necessária para realizar as mudanças de andamento que buscam. Quando o disco foi concluído,  Banks  já estava fora da banda, e é por isso que  Steve Howe , seu sucessor, acabou retratado na capa da maioria das edições.

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Eric Quincy Tate - Drinking Man's Friend 1972

 

Eric Quincy Tate  não era uma pessoa, era uma banda — um quarteto de roqueiros do pântano, reservistas da Marinha alocados em Quincy, Massachusetts, mas baseados no Sul, tocando regularmente no Texas, onde foram descobertos por  Tony Joe White , que compartilhava um gosto semelhante por blues, R&B e soul.  White  ajudou a contratá-los com a Capricorn e produziu seu primeiro álbum autointitulado de 1971, que caiu no status de cult de colecionador não muito tempo depois de seu lançamento e permaneceu lá até a Rhino Handmade relançá-lo em 2006. Após essa reedição, o disco foi revelado como uma verdadeira joia perdida, algo que poderia se comparar aos  álbuns clássicos do Monument, de Tony Joe White , dos quais ele lembra muito. Assim como  Tony Joe ,  Eric Quincy Tate  é puro swamp pop, misturando soul, blues, country e rock & roll em uma mistura explosiva de roots rock denso e funky.  EQT  realmente sabia tocar, o que torna o fato de eles não terem tocado em seu primeiro álbum ainda mais estranho. Quando  EQT  entrou no estúdio, o quarteto encontrou  os Dixie Flyers  — o nome da banda de estúdio do engenheiro  Stan Kesler no estúdio Sounds of Memphis — todos montados, prontos para tocar. Apenas o vocalista/baterista  Donnie McCormack  e o guitarrista  Tommy Carlisle ,  os dois compositores de EQT , foram autorizados a tocar no álbum, com  os Memphis Horns  adicionados posteriormente como overdubs. De acordo com as  notas de Bill DeYoung para a reedição de Handmade de 2006, ninguém se lembra de quem tomou a decisão de usar  os Dixie Flyers  como a banda principal —  Tony Joe White  e  Jerry Wexler  dividem os créditos de produção com  Tom Dowd , que trabalhou na parte final do disco — e a decisão de usar profissionais de estúdio é um pouco estranha, já que as três demos, takes alternativos e cortes inéditos apresentados na reedição mostram uma banda de Southern rock & roll corajosa, mais solta e funk do que aquela que terminou o disco, mas ainda mais atraente por causa disso. A  reedição de Eric Quincy Tate  também conta com a presença de ninguém menos que  Duane Allman , que por acaso estava no estúdio a convite de  Wexler , e tocou um slide improvisado na demo de "Goin' Down", revelada aqui pela primeira vez. Não é apenas  Allman  que dá às demos um toque mais sujo e blueseiro: sem os overdubs dos instrumentos de sopro e o ataque firme dos  Dixie Flyers , este é um rock rítmico, pesado e enxuto, em vez da alma impactante do álbum finalizado. Não que haja algo de errado com o original. Eric Quincy Tate  como um álbum -- longe disso, na verdade.  McCormack  e  Carlisle  eram excelentes compositores com um ouvido para misturar soul, blues e rock, então não havia fronteiras entre os estilos, e  os Dixie Flyers  ajudaram a dar à música um impulso seguro que a tornou mais comercial em 1971, mesmo que o álbum não tenha chegado a lugar nenhum nas paradas. Apesar da falta de sucesso,  Eric Quincy Tate  envelheceu muito bem -- as músicas soam como joias enterradas e a música em si é o tipo de roots rock profundamente enraizado que sustenta seu apelo, até mesmo o aumenta, após repetidas reproduções. Felizmente, a Rhino Handmade o colocou de volta em circulação -- talvez como uma edição limitada que saiu de catálogo rapidamente, mas ajudou a espalhar a notícia e aguçar o apetite pelos outros dois álbuns igualmente esquecidos do grupo.

David Bowie - Aladdin Sane 1973

 

Ziggy Stardust  escreveu o modelo para  o glam hard-rock de  David Bowie , e Aladdin Sane  essencialmente segue o padrão, para o bem e para o mal. Mais leve que  Ziggy Stardust ,  Aladdin Sane  é, na verdade, um álbum mais estranho que seu antecessor, impulsionado por floreios bizarros de lounge-jazz do pianista  Mick Garson  e um punhado de canções sinuosas e vagamente experimentais.  Bowie  abandona suas obsessões futuristas para se concentrar no cool descolado dos hipsters de Nova York e Londres, como nos compactos roqueiros "Watch That Man", "Cracked Actor" e "The Jean Genie".  Bowie  segue o material pesado com as expansões jazzísticas e dissonantes de "Lady Grinning Soul", "Aladdin Sane" e "Time", todas as quais conseguem ser simultaneamente exageradas e vanguardistas, enquanto o arrebatadoramente cinematográfico "Drive-In Saturday" é uma fusão arrebatadora de doo-wop de ficção científica e glam adolescente melodramático. Ele deixa sua paranoia transparecer nos ritmos tensos de "Panic in Detroit", assim como em seu cover estranhamente desorientado de "Let's Spend the Night Together". Apesar de todos os prazeres de  Aladdin Sane , não há um som ou tema característico que torne o álbum coeso; é  Bowie  surfando na onda de  Ziggy Stardust , o que significa que há uma riqueza de material clássico aqui, mas não foco suficiente para tornar o álbum em si um clássico.

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