Trilha alternativa inspirada no Cult movie Lúcifer Rising do diretor Kenneth Anger. A trilha original foi composta por Jimmy Page que por motivos de desentendimentos com o diretor não foi lançada. A trilha que consta no filme é de Bobby BeauSoleil and the Freedom Orchestra.
O disco foi originalmente composto para apresentação na mostra Play The Movie do festival No Ar Coquetel Molotov 2010 Recife.
O lançamento terá tiragem de 500 cópias com distribuição na Europa pelo selo Pactus Records e no Brasil pela Ripohlandya e Rock Company.
Track List:
Lado A - Lucifer Rising Part I
Lado B - Lucifer Rising Part II
Total time: 30 minutes
Gravado em sistema analógico no Berlim Studio, São Paulo por Jonas Morbach.
Mixagem analógica no Estúdio Mr Mouse por Anjo Gabriel e Leo D
Ano: novembro de 1971 (CD 24 de abril de 2013) Gravadora: Universal Music (Japão), UICY-75561 Estilo: Rock, Classic Rock País: Los Angeles, Califórnia, EUA Duração: 57:39
Steppenwolf é como o clube de futebol que sempre ganha mais do que perde e que sempre termina em segundo ou terceiro lugar na conferência — algo como Purdue. Sólido nas habilidades, mas raramente brilhante. Sempre na disputa, mas nunca campeão. O Steppenwolf tem um quarterback talentoso em John Kay, cuja voz sempre me pareceu o rosnado do vocalista arquetípico. Kay normalmente compõe ou coescreve a maioria das músicas; ele também dirige o grupo na maioria de suas empreitadas. Ironicamente, é Kay, o componente mais forte do Steppenwolf, quem mais frequentemente destaca a eficácia do grupo como uma banda de rock & roll pouco sofisticada, mas imponente. Ele nunca se contentou com uma coleção maior de boas músicas de rock — ele precisa uni-las sob um tema geral. Kay sempre foi ambicioso demais para o seu próprio bem — ou para o bem do Steppenwolf como um todo. Foi isso que descarrilou um Steppenwolf aparentemente imparável após dois excelentes álbuns diretos na forma de um abominável álbum pseudoconceitual chamado Birthday Party. E foi a ambição que levou o Steppenwolf a explorar o clichê político em Monster. Bem, aconteceu de novo. Desta vez, porém, os outros quatro membros do grupo são igualmente responsáveis, tendo dividido as tarefas de composição democraticamente com o chefe. Depois de um retorno animador com um álbum ao vivo surpreendentemente poderoso e uma gravação de estúdio irregular, mas muito melhorada (Steppenwolf 7), eles decidiram mais uma vez sacrificar a relevância do rock & roll em For Ladies Only. É outro revés crítico, tornado ainda mais triste pela inclusão de algumas ótimas canções de rock pungente, uma das quais se classifica entre as melhores do início do Steppenwolf. O bom Steppenwolf geralmente é um Steppenwolf curto: esta é uma excelente banda de singles quando quer ser. O mau Steppenwolf é interminável: quando este grupo faz uma de suas "grandes declarações", um lado do álbum de 15 minutos pode parecer interminável. Conclui-se, portanto, que os momentos monumentais de For Ladies Only — "Ride with Me", de Mars Bonfire, e "Sparkle Eyes", de Kay e George Biondo — se movem rapidamente, enquanto as partes ruins — a faixa-título e a grosseira "Jaded Strumpet" — persistem tenazmente. "Ride with Me" é o hino mítico definitivo do motociclista bucaneiro. É irônico que Steppenwolf, cujo trabalho memorável é romanticamente reacionário (a editora de Kay é a Black Leather Music), faça um álbum sobre a opressão das mulheres. Mas não se preocupem, fãs de Steppenwolf — os rapazes fazem isso de uma forma gloriosamente reacionária. Depois de ouvir o álbum, ainda não tenho certeza se os caras são a favor ou contra, mas as músicas contidas nele pouco fazem para dissipar esse sentimento de hostilidade latente em relação às mulheres. Devo admitir que me encontro sem o desejo ardente de descobrir a posição do Steppenwolf em relação à libertação feminina: a música que acompanha as políticas do grupo não é muito mais emocionante do que as questões cansativas discutidas nas letras. Na faixa-título, por exemplo, um rock razoável é interrompido por uma seção de piano que tenta bravamente criar um efeito semelhante ao de "Layla", mas acrescenta pouco à música em si (exceto pela duração — a ponte de piano é mais longa do que a música que a envolve, ultrapassando nove minutos no total). Em "Tenderness", do Bonfire, Kay tenta, não sem algum sucesso, soar como uma cantora country, mas há pouco mais de notável nisso. O grupo até faz uma instrumental, "Black Pit", que não é nada disso — alguém toca vibrafone nela. "Jaded Strumpet" seria ofensivo se não fosse tão chato, e isso é pior.
01. For Ladies Only (09:15) 02. I'm Asking (04:27) 03. Shackles And Chains (04:59) 04. Tendermess (04:54) 05. The Night Time's For You (02:58) 06. Jaded Strumpet (04:43) 07. Sparkle Eyes (04:31) 08. Black Pit (03:48) 09. Ride With Me (03:25) 10. In Hopes Of A Garden (02:14) 11. For Madmen Only / Bonus Track (08:49) 12. For Ladies Only (Single Version) / Bonus Track (03:31)
Ano: 2 de outubro de 2009 (CD 2009) Gravadora: Polydor Records (Alemanha), 0602527194851 Estilo: Synth Pop, Electro Pop, Techno Electronic País: Zurique, Suíça Duração: 54:48
Faz todo o sentido que o Yello tenha durado mais e envelhecido melhor do que qualquer outro grupo de synth pop. Quando o grupo suíço começou em 1979, os integrantes já eram mais velhos e mais sábios do que a maioria de seus pares — o vocalista Dieter Meier já estava na casa dos trinta e poucos anos na época, e o Touch Yello o encontra como um sexagenário sensual e de voz rouca. Ele se tornou efetivamente o Leonard Cohen do electro-pop europeu, com um toque da classe continental de Paolo Conte e talvez uma pitada da sordidez gentil de Serge Gainsbourg, e os vocais femininos convidados que surgem ao longo do álbum criam um contraste perfeito entre Gainsbourg e Jane Birkin. No que é apenas o segundo álbum do Yello nos últimos dez anos, a dupla Meier e o mago do synth Boris Blank seguiu um caminho um tanto esquizofrênico; cerca de metade do Touch Yello é baseada no tipo de grooves dance-pop eletrônicos pulsantes que têm sido a força do grupo por três décadas. Na outra metade, eles se aventuram demais em faixas melancólicas e downtempo, repletas de atmosferas chillout e bathtub jazz. No final, é de se desejar que as contribuições do trompetista alemão Till Bronner tivessem sido deixadas na lata de lixo do laptop de Blank, já que suas partes se aproximam demais do território do smooth jazz. Felizmente, as faixas mais funk e dançantes, onde a voz profunda e sombria de Meier está bem à frente, praticamente salvam o dia. Ouvindo faixas como a disco "Part Love", onde Meier soa como uma combinação febril de Barry White e o cara do Trio, é difícil imaginar por que alguém iria querer mexer com uma fórmula tão vencedora. Ainda assim, quando você está na ativa há tanto tempo quanto o Yello, deveria ter permissão para fazer alguns desvios, mesmo que alguns deles acabem te levando a um beco sem saída ocasional.
01. The Expert (02:54) 02. You Better Hide (04:08) 03. Out Of Dawn (03:10) 04. Bostich (Reflected) (03:57) 05. Till Tomorrow (04:16) 06. Tangier Blue (02:39) 07. Part Love (03:43) 08. Friday Smile (03:30) 09. Kiss In Blue (03:33) 10. Vertical Vision (04:19) 11. Trackless Deep (03:19) 12. Stay (03:02) 13. Electric Frame (03:35) 14. Takla Makan (08:35)
Ano: Gravado em 29 de agosto de 1962/Lançado no início de outubro de 1964 (CD 2006) Gravadora: Blue Note Records (Europa), 0946 3 55501 2 2 Estilo: Jazz, Bop, Saxophone Jazz País: Los Angeles, Califórnia, EUA (27 de fevereiro de 1923 - 25 de abril de 1990) Duração: 38:29
A Swingin' Affair foi a segunda das sessões gravadas por Gordon na Blue Note em 1962, gravada um dia após a igualmente icônica Go. Os conhecedores da gravadora sem dúvida se lembrarão com carinho da foto original da capa, em vermelho, com um Dexter risonho, e das notas evocativas da capa de Barbara Long. Os compradores desta reedição encontrarão as primeiras adicionadas – em tamanho diminuto e aparentemente como uma reflexão tardia – na contracapa, enquanto as últimas estão cortadas ao meio sem motivo aparente. Só podemos esperar que os atuais donos do catálogo da Blue Note encontrem a resposta definitiva para todo esse absurdo revisionista no ano em que a gravadora comemora 80 anos. Dedos cruzados. Tirando a adição totalmente desnecessária de uma faixa solo de Sonny Clark gravada dois anos antes, as virtudes musicais do álbum felizmente permaneceram como estão, confirmando que a década de 1960 foi o auge de Gordon. Tudo, desde a alegre faixa de abertura "Soy Califa", passando pela balada melancólica de "Don't Explain", até a groovy "The Backbone", é o material com o qual a lenda do líder foi esculpida. No entanto, é um pouco difícil avaliar quem compraria esta versão, que, na opinião deste escritor, está apenas um passo à frente da linha de bootlegs italianos horrivelmente refeitos que proliferaram nos anos 1980. Os Blue Notes sempre foram discos que se podia julgar (e que vendiam) pelas capas: simplesmente não consigo deixar de pensar que há algo um tanto desonroso em tentar se aproveitar de uma capa dupla e algumas fotos que já vimos como um diferencial. Você paga o seu dinheiro. (jazzwise.com/reviews/review?slug=dexter-gordon-a-swingin-affair)
01. Soy Califa (06:27) 02. Don't Explain (06:06) 03. You Stepped Out Of A Dream (06:34) 04. The Backbone (06:48) 05. Until The Real Thning Comes Along (06:49) 06. McSplivens (05:43)
Ano: 5 de outubro de 1973 (LP 1980) Gravadora: Direct Disk Labs (EUA), SD-2-16614 Estilo: Rock, Pop Rock, Glam Rock País: Pinner, Middlesex, Inglaterra (25 de março de 1947) Duração: 76:10
Goodbye Yellow Brick Road é o sétimo álbum de estúdio do cantor, pianista e compositor inglês Elton John, lançado em 5 de outubro de 1973 como um álbum duplo pela DJM Records. O álbum vendeu mais de 20 milhões de cópias em todo o mundo e é amplamente considerado a obra-prima de John. Entre as 17 faixas, o álbum contém os sucessos "Candle in the Wind", o single número um nos EUA "Bennie and the Jets", "Goodbye Yellow Brick Road" e "Saturday Night's Alright for Fighting", além da favorita ao vivo "Funeral for a Friend/Love Lies Bleeding". Gravado no Studio d'enregistrement Michel Magne no Chateau d'Herouville, na França, o álbum se tornou um LP duplo quando John e sua banda se inspiraram no local. O álbum foi introduzido no Hall da Fama do Grammy em 2003 e continua sendo altamente considerado em vários rankings. Ficou em 112º lugar na lista de 2020 da Rolling Stone dos "500 Melhores Álbuns de Todos os Tempos".
01. A1a Funeral For A Friend (05:27) 02. A1b Love Lies Bleeding (05:40) 03. A2 Candle In The Wind (03:48) 04. A3 Bennie And The Jets (05:20) 05. B1 Goodbye Yellow Brick Road (03:14) 06. B2 This Song Has No Title (02:22) 07. B3 Grey Seal (04:00) 08. B4 Jamaica Jerk-Off (03:37) 09. B5 I've Seen That Movie Too (05:57) 10. C1 Sweet Painted Lady (03:53) 11. C2 The Ballad Of Danny Bailey (04:22) 12. C3 Dirty Little Girl (05:02) 13. C4 All The Girls Love Alice (05:08) 14. D1 Your Sister Can't Twist (But She Can Rock And Roll) (02:42) 15. D2 Saturday Night's Alright For Fighting (04:54) 16. D3 Roy Rogers (04:08) 17. D4 Social Disease (03:41) 18. D5 Harmony (02:46)
The Ceyleib People, um grupo da Costa Oeste, um projeto de estúdio muito curioso, concluído para a gravadora Vault em 1967. Produzido por: Mike Deasy.
O álbum é uma fusão notável de sons psicodélicos baseados em instrumentos orientais (cítara) e a "aspereza" da guitarra, à la Captain Beefheart. A banda gravou apenas este álbum, e a maioria dos integrantes alcançou conquistas maiores. Osborne, como membro do The Dillards e, mais tarde, como músico de estúdio de Simon e Garfunkel, entre outros; Knechtel, como membro do Bread e músico de estúdio de Dave Mason, Lee Michaels, Art Garfunkel e Neil Diamond, entre outros; e Cooder, é claro, fez muitos álbuns solo significativos e realizou trabalhos de estúdio para vários artistas. O álbum é uma excelente coleção de instrumentais com influência indiana. É definitivamente música experimental hippie, saltando de riffs de guitarra a zumbidos de cítara e divagações de mellotron, sem levar em conta convenções. É quase como se houvesse a intenção de fundir as influências de Ravi Shankar com as das antigas lendas do blues, exceto que raramente há uma justaposição real dos dois estilos; em vez disso, um começa e depois dá lugar ao outro, segmento por segmento. É como se alguém entregasse a um estúdio as masters de vários álbuns de Ravi Shankar e Captain Beefheart, pedisse para juntá-las e depois fosse embora, só para o engenheiro de som fazer uma piada adicionando trechos de Days of Future Passed também. No geral, é um experimento bastante bem-sucedido, especialmente considerando sua idade.
Em alguns blogs/sites, não hesite em creditar este disco a Ry Cooder, mesmo que ele não tenha nenhuma participação na guitarra solo, produção, etc. Na época (1965-1967), ele era principalmente um músico de estúdio que gravou um blues bastante moderno em 1965, no LP "Rising Sons" com Taj Mahal e posteriormente com Captain Beefheart no LP "Milk is Safe" em 1967.
Respeito aos membros originais que nos encheram e ainda nos enchem os ouvidos com uma música tão sublime, misturando blues e ragas.
Provavelmente, a única razão pela qual alguém se lembra do The Ceyleib People hoje em dia é a participação de Ry Cooder, creditado como "Cooter", embora outros membros da banda, incluindo Larry Knechtel, tenham se destacado nos anos 70. Tanyet é o único álbum deles, ridiculamente curto, melhor descrito como um exemplo razoável do raga rock da época, a ponto de um de seus guitarristas, Lybuk Hyd, tocar cítara a ponto de poder ser considerado um sitarista tocando guitarra. Apesar da presença de Knechtel (conhecido como cantor), o álbum é quase inteiramente instrumental, embora pareça que ele possa ter contribuído em outras áreas.
Knechtel ou Mike Melvoin (ou ambos?) tocam Chamberlin no álbum, com uma parte desajeitada de flauta em Leyshem e algumas cordas completas em Ceyladd Beyta. Uma observação rápida neste ponto sobre a lista de faixas do álbum: embora cada lado liste meia dúzia de faixas separadas, todas elas essencialmente se cruzam, então se eu realmente destaquei as faixas corretas só pode ser uma questão de conjectura. Mais cordas em Becal e Todda BB, tocadas rápido o suficiente para quase enganar o ouvido e fazê-lo pensar que são reais (isso não se faz em um Mellotron), tornando o lado um bastante pesado em Chamby. Mais no lado dois, com o que soa como metais abafados em Ralin e talvez trompetes (tocando mais rápido) em Manyatt Dyl Com, tornando (presumivelmente) Ceyladd Beyta a melhor faixa de Chamby do álbum.
Bem, fazer um álbum com apenas 21 minutos de duração diminui a chance de entediar seu público potencial, eu suponho; Há algo a ser dito sobre não se prolongar demais... Não faço ideia de por que gravaram tão pouco material; talvez fosse tudo o que tinham escrito, se é que se pode chamar isso de "escrito"? Na verdade, é muito bom no que faz, num estilo ácido e frito, e se deu o pontapé inicial na carreira de Cooder, certamente valeu a pena. Definitivamente vale a pena ouvir se você curte a época; uso decente de Chamberlin também, o que é raro o suficiente para valer a pena comentar por si só. Aliás, a edição em CD de 91 dobra a duração do álbum ao incluir versões mono e estéreo, que não são muito diferentes, mas você vai comprá-las de qualquer maneira, pois tenho certeza de
que o vinil original é tão raro quanto merda de cavalo de balanço. Editado por Drop Out Records / Demon Records, Inglaterra -1991 A reedição do álbum traz duas novas versões das duas faixas, "Aton" e "Aton II", supostamente processadas, mas não soando muito diferentes das duas primeiras. Embora isso talvez não tivesse sido tão impressionante se tivesse ocorrido alguns anos depois, sua presença em 1967 é bastante presciente.
Incrível rock psicodélico e blues com raga deste subestimado projeto "clássico" de Ry Cooder. Com muitas invenções e variações, esta música concilia ragas vibrantes orientais com energia rock e orquestrações progressivas de sintetizadores. A faixa de abertura (dividida em 5 partes) apresenta uma vibe blues cativante, agradáveis partes de percussão e passagens de flauta evocativas e oníricas. Rapidamente, a composição explora combinações de cítara e flauta em um estilo meditativo... após 3 minutos, temos o retorno do som típico de guitarra de Ry Cooder, comunicando-se com teclados "etéreos" inspirados e cordas vibrantes de cítara. Termina com cordas que lembram violino e alguns covers clássicos expeditos... uma canção realmente enigmática e apaixonante. A segunda composição (para 6 partes) também alterna interlúdios de rock blues e sonoridades de raga... apresentando melodias e ritmos muito cativantes. Impressionantes fantasias de raga blues, folk e psicodélico!
Faixas:
1. Aton I (10:00)
a. Leyshem (1:00)
b. Zendan (3:15)
c. Cyyladd Beyta (3:30)
d. Becal (1:10)
e. Ddom (1:05)
f. Toadda BB (1:35)
2.Aton II (11:15)
a. Dyl (1:15)
b. Ralin (1:45)
c. Tygstl (0:59)
d. Pendyl (1:25)
e. Jacayl (2:15)
f. Menyatt Dyl Com (4:10)
The Ceyleib People - Tanyet (1967) Part1
Ceyleib People: - Lybuk Hyd / guitar, sitar - Michael Sean Deasy / drums, vocals - Joseph Osborn / bass, engineer - Larry Knechtel / bass, keyboards
Guest musicians: - Jim Gordon / drums - Ben Benay / sitar - Mike Melvion / keyboards - Jim Horn / woodwinds - Ry Cooder / guitar
Inicialmente sob a gravadora Void Records, com apenas 500 cópias prensadas. "Raridade lendária do folk/psych canadense de 1967-68. Um dos álbuns colecionáveis mais difíceis de encontrar. Esta gravação também conta com a participação de Lynda Squires (Reign Ghost) ainda muito jovem e de muitos outros notáveis do folk canadense da época. A capa original está aqui, assim como as notas do encarte. A master veio da banda e soa ótima, com elementos masculinos e femininos por toda parte. A faixa de destaque para mim é "Believe Me", uma joia folk da época. Este projeto também está relacionado ao LP "Rejects", outra raridade canadense perdida."
Relançamento em 2001 pela gravadora Hallucination Records de um artefato raríssimo de psych-folk canadense dos anos 60, prensado privadamente, de 1967! FOLK PSICODÉLICO, com pegada underground típica. Com Lynda Squires (REIGN GHOST) e Cris Cuddy (Mr. Dormouse). Esta música veio do repertório musical de Bob Bryden (CHRISTMAS) e foi especialmente remasterizada.
Dormouse (também conhecido como Cris Cuddy) já havia tocado com um grupo folk do final dos anos 60, The Rejects, que também lançou um álbum raríssimo, prensado em particular. Ele conta com o apoio de uma série de músicos de apoio neste álbum raríssimo, prensado em particular, que foi embalado em uma bela capa serigrafada. Quatro das faixas — "Portrait For Marianne", "By The Way", "October Morning" e "Apple Annie" — foram escritas por Chris Cuddy, um dos músicos de apoio, e outras quatro — "Young Face", "Sometimes You Ain't Got Nothing Boy", "Believe Me" e "Small Man" — por outro, M. Waddington. Há interpretações interessantes de "Baby Blue", de Dylan; e "Who Do You Love", de Bo Diddley, mas os destaques deste álbum soberbo são os vocais de Linda Squires, do Reign Ghosts, em "High Flying Bird", e "Suzanne", de Leonard Cohen. LP folk obscuro com uma transição sonora de cafeteria dos anos 60 para movimentos deprimente/solitários dos anos 70. A atmosfera perdida no tempo e o canto e a execução idiossincráticos criam uma viagem com uma identidade clara, mas a conexão entre os arranjos, os maneirismos vocais e as melodias subjacentes parece aleatória e "só por diversão", em vez de explorações conscientes. Algumas faixas funcionam, outras não, e em geral é bastante inconsistente. Os covers de Dylan, Cohen e Bo Diddley (!) soam mais como insultos do que como interpretações ousadas, enquanto a versão de "High Flying Bird" liderada por Lynda Squires é bem legal. Das músicas originais, a maioria é folk contemporâneo mediano, com destaque para a única faixa que não é de Dormouse (Cris Cuddy) ou Marcus Wattington: a sublime "Just To Hear The Bells", de Don Tapscott. O álbum é semiacústico, com baixo elétrico e percussão ocasional. Curiosamente, o LP tem um som semelhante (sem a harpa) e os mesmos problemas do Folklords. O álbum foi gravado em 1967 e antecede as sessões do LP "Rejects".O CD Hallucinations é intitulado "The Toad Recordings" e apresenta traços de ruído de prensagem de vinil e distorção de alta qualidade em alguns pontos.
Tive a sorte de conhecer, enquanto estava na universidade, alguns músicos interessantes, incluindo o poético compositor e cantor Marcus Waddington e seus amigos, o guitarrista e arranjador Peter Cragg e o guitarrista e cantor Don Tapscott, ambos os quais haviam tocado em um trio com a futura esposa de Marcus, a vocalista Gail Nicholson.
Naquela mesma época, eu fazia parte de um trio chamado The Purity Complex com o guitarrista Charles Meanwell e a vocalista Lynn Perry na escola, e em casa era amigo do guitarrista Richard Gullison, do multi-instrumentista e vocalista Dennis Delorme (também conhecido como Rev. Orval Rutabaga), de sua esposa, a vocalista Carol Delorme, e de seu parceiro, o violinista e vocalista David Mazurek (também conhecido como Zeke Zilch).
No Green Door Coffee House em Oshawa e no Bushel Basket Coffee House em Whitby, conheci outros músicos que também participaram das gravações do Toad, notadamente Terry "TR" Glecoff, John Gurney e Kathy Reid. Pouco depois, em Peterboro, o pianista e agora artista visual Stu "SD" Cisco apareceu, assim como o vocalista e compositor Paul Grady, o guitarrista Gordon Peck, o banjoísta Luke Wilson e seu parceiro, o cantor Paul Morin.
Enquanto tocavam com Gullison, a vocalista Lynda Squires e os baixistas David McKay e Nick Corneal, o conceito do LP "Jeremy Dormouse" surgiu e levou às sessões na sala de estar com Mike Clancy como engenheiro de som, enquanto as músicas de Waddington/Cragg/Tapscott eram gravadas no laboratório de línguas da universidade por Peter Northrop. A capa foi serigrafada por Barry Gray sobre capas em branco compradas em um leilão de uma prensagem fracassada e os discos produzidos pela Quality Records.
Depois do LP, veio o EP "The Entire Castle Illusion", com duas músicas originais de JD e duas músicas cantadas por Kathy Reid, uma dela e outra de Moe Ewart.
Ao contrário da opinião de alguns colecionadores, o LP "Rejects" foi a última das três sessões, e as capas foram finalizadas por amigos em Peterboro enquanto eu visitava a Grã-Bretanha pela primeira vez. Muitas dessas sessões foram gravadas na casa de campo de Cisco, usando seu antigo piano de cauda, ou na casa de Peter e Lynn "Moonbeam" Cragg, e ocasionalmente contavam com o baixo, até então não creditado, de Bob Boucher (Jesse Winchester) etc.
Houve vários álbuns em meados e no final dos anos 60, de nomes como Tim Hardin, Tim Buckley, Eric Andersen, Gordon Lightfoot, Leonard Cohen, Fred Neil, Bob Lind e Phil Ochs, nos quais os cantores tentavam unir o folk e o folk-rock. No entanto, não há muitos LPs impressos localmente da época que tentem emular esse som com um orçamento muito menor. Toad, de Jeremy Dormouse, lançado em Ontário, Canadá, em 1968, é um deles. Mas mesmo que você seja um grande fã dos cantores e compositores mencionados na primeira frase desta resenha, é improvável que você goste muito deste. É realmente básico — mais como uma demo apresentando músicas para os artistas mencionados considerarem covers, em vez de um disco encorpado por seus próprios méritos — embora o violão, que é a instrumentação dominante, às vezes seja embelezado por gaita, cordas e percussão suave. Como falha ainda mais crucial, as músicas — em grande parte originais, embora haja covers de "Suzanne", de Leonard Cohen, "High Flying Bird", de Billy Ed Wheeler, "It's All Over Now, Baby Blue", de Bob Dylan, e "Who Do You Love?", de Bo Diddley — não estão no mesmo nível do trabalho dos compositores que as inspiram. E o mais irritante é que o canto varia do adequado ao fraco, culminando em um álbum que transita entre o amador e o profissional, com um pé na era do folk trovadoresco e o outro num olhar quase assustado, do tipo "mergulhar o dedo na água", para o folk-rock inicial. Na verdade, algumas das músicas, como "Just to Hear the Bells", "By the Way", "Portrait for Marianne" e "October Morning" — várias das quais têm um toque barroco-folk-rock, e a última lembra bastante o Tim Buckley dos primeiros anos — não são ruins, e você poderia imaginar algumas delas sendo cantadas por nomes como Buckley, Lightfoot ou Andersen. Esses pontos positivos, no entanto, são compensados pela mediocridade geral da maioria das faixas, bem como pela sensação um tanto irritante e lúgubre de downbeat em alguns vocais e músicas.
"Live" foi uma banda alemã de rock progressivo dos anos 70. Eles tocavam prog sinfônico inspirado na música clássica, bem como músicas mais voltadas para o blues, beirando o heavy prog. Seu álbum, gravado em um estúdio em Wedesbüttel, só foi lançado em LP em 1995. "Live from Gevelsberg (Sauerland)" tocava art-rock com flauta; sem os breaks estressantes frequentemente ouvidos neste gênero, mas com uma sonoridade bastante harmoniosa. Em 1974, eles lançaram um single de 7" e gravaram um LP que, no entanto, não foi lançado na época. Somente em 1995, com o grupo já fazendo história, foi finalmente lançado em uma edição de 500 LPs, que já estavam esgotados há muito tempo. O LP também inclui as duas faixas do single. Agora, tudo isso está disponível em CD, além da faixa bônus "Jazz", ao vivo no Recklinghausen Vestlandhalle em 1971. Esta faixa de 15 minutos não é jazz, no entanto, mas sim rock progressivo instrumental levemente jazzístico. A banda se chama Live e o álbum se intitula Live, mas é um álbum de estúdio... exceto a faixa bônus... que é ao vivo - OK? Estilisticamente, é típico do rock progressivo germânico da época. Hammond dominado e pesado (pesado para a época), ao mesmo tempo em que é muito melódico. Começa com uma interpretação instrumental da suíte Peer Gynt de Grieg. Esta é uma leitura muito satisfatória do clássico de Grieg, dominado Pelas melodias e pela execução de Hammond. O restante do álbum segue a mesma linha musical, com vocais usados com parcimônia. Às vezes, eles soam como Birth Control e Eloy dos primeiros anos, mas ainda têm individualidade suficiente para que o som seja deles. Enquanto isso, outro LP ao vivo chamado "Gevelsberg" foi lançado pela banda, contendo principalmente gravações ainda desconhecidas de 1975, ao vivo e em estúdio, entre elas a faixa "Sea fever", do raro LP de samples "Rock offers".
Formada em 1971, a banda tem um nome realmente estranho. Em outubro de 1972, seu guitarrista Martin Knaden foi para o Curly Curve. Ao longo de sua história, apenas um membro permaneceu: o talentoso tecladista e flautista Norbert Aufmhof. Apesar de existir há uma década, o Live nunca chegou a gravar um álbum de estúdio de verdade, nem a assinar um contrato, o que certamente deveria ter acontecido. Talvez o nome da banda tenha sido um pouco azarado?!
Sua história inicial foi documentada apenas por um single. Só mais recentemente surgiu um LP reunindo gravações de 1974. Obviamente uma coleção de fitas de ensaios, o LP revela uma banda promissora, embora gravada de forma um tanto grosseira, com letras em inglês muitas vezes abafadas e quase incompreensíveis. Musicalmente, há referências aos primeiros Satin Whale e Jane, mas com muitos toques clássicos, notavelmente Grieg e Bach, e uma propensão a divagar bastante durante os instrumentais.
Com base na faixa “Sea Fever” do ROCK OFFERS, eles floresceram e mudaram um pouco o foco, como um progressivo sinfônico muito mais sofisticado do tipo Pancake and Jane, típico de meados/final da década de 1970.
No total, durante sua história, existiram três versões diferentes do Live, mas a banda acabou se separando em 1976. Uma história completa da banda está incluída no CD GEVELSBERG, que documenta outras curiosidades, sessões e uma gravação ao vivo!
O Panta Rei foi criado em 1970 em Estocolmo, quando Thomas Arnesen (guitarra), Lennart Backvall (guitarra), Zeke Öhrn (baixo) e Anders Francisco Sell (bateria) formavam um quarteto. Quando a banda lançou seu primeiro e único álbum, na primavera de 1973, apenas Arnesen estava presente entre os membros fundadores. "Panta Rei" foi lançado no mesmo ano pela EMI, pelo selo Harvest. Não muito tempo depois, o grupo se consolidou. (Thomas Arnesen ainda é músico de estúdio, mas também participa de vários projetos de banda, como o recente Arnesen Bluesband.)
Na minha humilde opinião, o álbum é um dos melhores LPs de rock sueco dos anos 70! É uma pena que essa banda fantástica tenha gravado apenas um LP! Foi lançado em 1973 pelo selo Harvest e consistia em uma coleção verdadeiramente poderosa de música progressiva pesada, em grande parte instrumental e improvisada. Preencheu um todo tocado com leveza... severo, progressivo, exemplar, tocando com um pouco de folk (ou seja, música tradicional). Melodias cativantes, excelente oficina instrumental, muitas guitarras, às vezes uma flauta e um sax ocasionais, batida robusta e levemente quebrada, longas obras musicais e nada de vaselina! Nesta fantástica música, a estreia simplesmente passou despercebida e, como se viu, o único LP do grupo sueco Panta Rei. Este disco pode ser definido de duas maneiras: sensacionalmente bom e criminalmente desconhecido. Sem exagero, é um dos melhores álbuns de progrock que apareceu na Suécia nos anos setenta, mas o começo não parece nada bom. Não, mas quanto mais longe, melhor... Vale a pena notar que, das cinco faixas, apenas duas duraram menos de 7 minutos. Em nítido contraste com a capa um tanto feia e um pouco repugnante, a música do Panta Rei era muito madura e verdadeiramente excelente.
Cinco faixas repletas de guitarras maravilhosamente enfurecidas, solos melódicos (um workshop incrível), ritmos quebrados e tudo isso entrelaçado, ocasionalmente com flauta e saxofone. O estilo também é bastante distorcido – temos elementos de psicodelia, space rock, heavy guitar prog, folk e, um momento depois, Canterbury, um pouco de Zappa e jazz-rock. Há espaço, é pesado e orient freak. Uma mistura deliciosa! 38 minutos de uma música fantástica e animada que todos os fãs das guitarras potentes dos anos 70 vão adorar.
"O Cavaleiro" aqui para ser resenhado. 1ª Parte: Robert Schumann está lá para ler no encarte do CD. Então, Schumann. Depois de uma extensa pesquisa sobre Schumann, inclinando minha pequena coleção, não sou mais inteligente. Uma obra para piano de Schumann poderia ser. Ou seria do Concerto para Piano? Esqueça! Posso ouvir novamente o concerto de Schumann, mas a melodia pode ser descoberta em qualquer lugar. Thomas Arnesen, o ex-guitarrista do Panta Rei. Espontaneamente, escrevo: "A primeira parte é uma peça para piano de Schumann intitulada 'Black Peter', que eu costumava tocar quando criança na escola de piano." Enquanto continuo, Arnesen conta que seu professor de piano lhe deu na época que as peças para um cavaleiro - é (Cavaleiro, como o bom homem aparentemente traduziu servo, a mesma raiz da palavra é sim) nomeadas. Daí o título da música. Panta Rei aqui faz blues pesado prog (Protoprog), determinado pelas guitarras de Arnesen e Östmans e jazzístico com uma sensação clara. As teclas não desempenham um papel tão importante, embora piano e órgão sejam usados ocasionalmente. Portanto, flauta e saxofone, por vezes, enriquecem o espectro sonoro. Típico da época, o blues e o rock com influências da Costa Oeste formam a base desta música. Nesta base, o que é oferecido é comovente, especialmente nos dois números longos, em jamming progressivo e blues e, especialmente, no reino do jazz-rock. A adaptação de Schumann é bastante bem-sucedida, transferindo a parte do piano para a guitarra e encontrando bem o caráter do original. Depois disso, o número se transforma em uma peça extensa, a partir da interação aninhada de guitarras elétricas, de certos roqueiros de jazz. O encerramento, "The Turk", é caracterizado pela integração habilidosa de influências orientais turcas e encerra um álbum divertido e divertido. É um álbum imperdível! Em uma palavra: clássico.
Panta Rei é atribuído aos pensamentos de Heráclito sobre a mudança. Πάντα ῥεῖ (panta rei) significa tudo flui em grego antigo. E é exatamente isso que você encontra neste álbum. Originalmente lançado pelo selo Harvest em 1973, este é um fluxo maravilhoso de prog sueco pesado e psicodélico com uma abordagem intensamente grooveada de jazz-rock e fuzz que se aproxima de Frank Zappa em "Hot Rats", com algumas atmosferas espacialmente alucinantes e uma sensação subjacente de Canterbury. O trabalho de guitarra é predominante e ameaçador, enquanto as letras totalmente em inglês e a rica textura musical que se alimenta de camadas de flautas, maracas, timbales, gaita e percussão impressionante, contribuem para um álbum verdadeiramente majestoso.
Tracks:
side one:
A1. Five Steps
A2. White Bells
A3. Five O'Clock Freak
side two:
B1. The Knight
B2. The Turk
Panta Rei:
Thomas Arnesen - guitar, keyboard, percussion
Leif Östman - guitar, percussion
Cary Wihma - bass, percussion
Tomo Wihma - drums, percussion
Georg Trolin - vocals, percussion
Göran Freese - saxophone, percussion
Gunnar Lindqvist - flute
"Five Steps" & "The Turk" by Panta Rei (Sweden, 1973)
