CRONICA - PEANUT BUTTER CONSPIRACY | For Children of All Ages (1969)

 

Após o relativo fracasso comercial de The Great Conspiracy , lançado no final de 1967, a Peanut Butter Conspiracy se viu sem gravadora. A Columbia, não convencida pela falta de sucessos e pelas vendas limitadas, decidiu não renovar o contrato do grupo. Diante desse impasse, os músicos tiveram que buscar refúgio em outro lugar, o que marcou o início de um período de incerteza para a banda californiana.

Foi finalmente na Challenge Records, uma gravadora mais confidencial, que o Peanut Butter Conspiracy gravou seu terceiro álbum, For Children of All Ages . Os tempos eram conturbados. A cena californiana estava se transformando, entre a psicodelia em evolução, o pop experimental e as crescentes tensões políticas. A banda, fiel às suas raízes, teve que navegar nesse ambiente em transformação, ao mesmo tempo em que afirmava uma identidade mais madura e introspectiva.

Neste novo álbum, a banda mantém a voz icônica de Barbara "Sandi" Robison, além do núcleo formado por Alan Brackett (baixo, vocal) e John Merrill, agora o único guitarrista após a saída de Bill Wolff. Com a saída de Jim Voigt para outros horizontes, a bateria fica a cargo de Michael Ney ou Pete McQueen, dependendo da sessão, enquanto Ralph Schuckett se junta à aventura no órgão, trazendo novas cores cavernosas e progressivas. Essas mudanças na formação refletem um desejo de renovação, mantendo-se conectado à efervescência californiana.

"For Children of All Ages" , lançado em 1969, foi inicialmente concebido como um projeto paralelo de Alan Brackett. Compostas em grande parte durante a turnê de 1968, as músicas foram gravadas como demos na Hollywood Recorders. Impressionado com essas primeiras tomadas, o produtor Dave Burgess os encorajou a desenvolvê-las. Alan Brackett então assumiu a produção, supervisionando os arranjos e a direção artística, para criar um álbum mais pessoal e com arranjos mais ricos.

Mudança de gravadora, mudança de equipe, mudança de estilo! Os frenesis movidos a ácido são coisa do passado. Alguns traços permanecem, no entanto. Os refrões de guitarra acid rock, onde ela demonstra paixão em "Think", que encerra o álbum. Ou as fitas invertidas que lembram os frenesis de outrora em "Try Again", uma das três faixas cantadas por Barbara Robison. As outras duas são a balada sombria "It's Alright", conduzida por uma grande orquestra, e a percussiva, quase garageira, "Now", que abre o álbum. De resto, ela se limita aos backing vocals, deixando Alan Brackett para liderar os vocais principais com uma voz que lembra estranhamente Doug Ingle (Iron Butterfly) e impor uma direção musical mais marcante.

Entre órgão, metais e cordas vibrantes, Alan Brackett conduz a banda rumo a uma forte alma psicodélica. Ele brilha na bombástica "The Loudness of Your Silence" e no rhythm & blues "What Did I Do Wrong?". Mas também se revela um crooner em "Out in the Cold Again", "Back in LA" e "Have a Little Faith".

Uma música, no entanto, se destaca das demais: a pungente "Gonna Get You Home". Por quase cinco minutos, o órgão flerta com a atmosfera hipnótica e noturna do The Doors, criando uma tensão constante. As harmonias vocais, tensas e comoventes, carregam uma melancolia latente, enquanto os vocais, carregados e expressivos, alcançam uma intensidade quase épica. Um verdadeiro destaque do álbum, esta faixa encapsula tudo o que a banda sabia fazer: emoção crua, atmosfera cativante e um senso melódico aguçado.

Apesar de suas ambições e da mudança para um soul mais sofisticado, For Children of All Ages não alcançou o sucesso esperado. As vendas permaneceram confidenciais, e o álbum passou quase despercebido em um cenário musical em rápida transformação. Esse revés precipitou a separação do grupo, encerrando uma aventura que havia começado três anos antes em Los Angeles.

Além dos números e das paradas, Peanut Butter Conspiracy permanece um testemunho de uma época em que, musicalmente, tudo parecia possível. Ao longo de três álbuns, eles personificaram a utopia californiana em sua forma mais luminosa e frágil: uma mistura de audácia, idealismo e experimentação sonora, impulsionada por uma autenticidade que os anos não mancharam. Mesmo hoje, seus discos ressoam como preciosos instantâneos de uma era de ouro psicodélica, memórias de uma época em que as pessoas ainda acreditavam que uma música poderia mudar o mundo.

Títulos:
1. Now
2. The Loudness Of Your Silence
3. It's Alright
4. What Did I Do Wong?
5. Out In The Cold Again   
6. Back In Los Angeles         
7. Gonna Get You Home    
8. Have A Little Faith
9. Try Again 
10. Think

Músicos:
Barbara «Sandi» Robinson: Canto
Alan Brackett: Baixo, Canto
John Merrill: Guitarra
Michael Ney, Pete McQueen: Bateria
Ralph Schuckett: Orgue

Produção: Alan Brackett

CRONICA - GRATEFUL DEAD | Blues For Allah (1975)

 

Após o lançamento de From The Mars Hotel em 1974 , o Dead decidiu dar uma pausa nas turnês. É preciso dizer que a ideia de construir uma parede de alto-falantes no palco, apelidada de Muro do Som (um sistema composto por 600 alto-falantes com potência de 28.000 watts, exigindo um dia inteiro de montagem), custou-lhes uma fortuna em logística e recursos humanos entre março e outubro de 1974.

Uma pausa que dá a alguns a oportunidade de olhar para outro lugar. Bob Weir dará uma mãozinha ao incipiente Kingfish. O casal Godchaux lança um álbum conjunto. Por sua vez, Jerry Garcia forma a Jerry Garcia Band.

Uma pausa que nos permite refletir sobre um belo álbum. Entre fevereiro e maio de 1975, o guitarrista Bob Weir convida os guitarristas Jerry Garcia, o baixista Phil Lesh, o tecladista Keith Godchaux, o baterista Bill Kreutzmann e a backing vocal Dona Godchaux para seu estúdio construído em sua casa em Mill Valley. E, surpresa, também presente no estúdio caseiro está o baterista Mickey Hart, que retorna após quatro anos de penitência por ter um pai/empresário que fugiu com o dinheiro da banda.

Em seu próprio selo, o Grateful Dead lançou Blues For Allah em setembro do mesmo ano , com uma capa magnífica, digna dos grandes LPs de rock progressivo. Apresenta um esqueleto com óculos de sol chamado The Fiddler, cabelos longos e crespos vestido com um roupão vermelho brilhante tocando violino sentado em uma parede. Uma ilustração pintada por Philip Garris, que recebeu um prêmio da Society of Illustrators. Deve-se notar que no interior, as letras, assinadas como sempre em sua maior parte por Bob Hunter, são escritas em inglês e árabe. Um desejo de fuga para uma morte grata, especialmente porque as palavras são influenciadas pelo Oriente. Também deve ser notado que no meio da gravação, Faisal Ben Abdelaziz al Saud, o rei modernista da Arábia Saudita, foi assassinado. Ele era aparentemente um fã do Grateful Dead e cuja morte trágica teria chocado os membros do combo da área da baía de São Francisco.

Musicalmente, Blues For Allah segue os caminhos traçados por Wake Of The Flood e From The Mars Hotel para um country rock que se funde com jazz rock, o que não é alheio à presença de Keith Godchaux e sua sensibilidade ao tocar. Só que Blues For Allah vai além nessa mistura de gêneros, a ponto de produzir um vinil que poderia ser descrito como rock progressivo. Mesmo a canção country rock "The Music Never Stopped", interpretada por Bob Weir e Dona Godchaux, que lembra Janis Joplin, não escapa, com este saxofone que tende ao jazz soul com um toque gospel.

Anteriormente, os LPs eram compostos principalmente por faixas criadas no palco. Com a pausa, os músicos só podem trazer algo novo e original.

Um disco que surpreende pela maior presença de passagens instrumentais bem estruturadas, longe das improvisações acid rock de trabalhos anteriores. Observe a instrumental "King Solomon's Marbles", que dá a impressão de perseguir Mahavishnu Orchestra e Weather Report, mesmo reconhecendo a execução extravagante de Jerry Garcia com sua guitarra elétrica de seis cordas.

Mais uma magnífica turnê de força em "Help on the Way / Slipknot!", em duas partes, para um jazz funk cool, liderado pela voz frágil de Jerry Garcia, que então deixa os instrumentos seguirem rumo a um jazz rock sedutor, através deste teclado irreal e desta guitarra com um refrão tenso. Uma abertura fantástica que segue sem interrupção em "Franklin's Tower", um country com um groove exótico. O sabor das ilhas que encontramos em "Crazy Fingers", com aromas de reggae e rock espacial, deixando entrar a sinfônica "Sage & Spirit", cuja presença da flauta cria música de câmara.

Mas o atrativo desta obra é provavelmente o título homônimo no final, dedicado ao falecido monarca saudita por uma busca espiritual e cósmica. Uma travessia do deserto noturno com duração superior a 12 minutos, cantada em coro. Um blues estranho, xamânico, cerimonial, caleidoscópico, comatoso, experimental, sombrio, dissonante, vagamente perturbador, ácido, doloroso e angelical...

Blues For Allah seria considerado uma das maiores conquistas do Grateful Dead.

Títulos:
1. Help On The Way
2. Franklin's Tower (Roll Away The Dew)
3. King Solomon's Marbles
4. The Music Never Stopped
5. Crazy Fingers
6. Sage & Spirit
7. Blues For Allah

Músicos:
Jerry Garcia – guitarra, vocais
Bob Weir – guitarra, vocais
Keith Godchaux – teclados, vocais
Donna Jean Godchaux – vocais
Phil Lesh – baixo
Bill Kreutzmann – bateria
Mickey Hart – percussão
+
Steven Schuster – flauta
Ned Lagin – teclados

Produção: Grateful Dead

Chêne Noir ‎– Orphée 2000 (1976, LP, France)

Face A
1) Musique des martinets (5:34)
2) Le Vieti Orphes (2:15)
3) Musique de ls nuit (3:05)
4) Chensin d'ou l'on me revienz pas (5:53)
5) Musique du Visux (2:15)
Face B
1) La routs da la mer (2:12)
2) Le reve des sointes maries de-la-mer (4:46)
3) La musique de la lumiere (2:15)
4) La Musique des amants (7:10)
5) La chuse (2:40)
6) La Musique d'Orphee (2:40)

Musicians
Nicois Aubiat / Chants, recitatif
Jean-Louis Cannaud / vocals, flute, percussion
Jean-Pierre Chaloh / drums and percussion
Daniel Dublet / vocal, acoustic piano, fender piano
Gerard Gelas / synthesizer, piano, organ, guitar
Monik Lamy / vocal, percussion
Philippe Puech / vocals, vibraphone
Christine Schaffter / vocals, harp, soprano sax
Pierre Surtel / sax soprano and alto (solo)
Abel Valls / contrabass. bass guitar, guitar

Chêne Noir ‎– Chant Pour Le Delta, La Lune Et Le Soleil (1976, LP, France)

Tracklist:
1. Le Train (4:35)
2. Les Oiseaux
3. Hey...! (11:32)
4. La 7 (5:30)
5. Le Nil (11:05)

Musicians
Nicole Aubiat / vocals
Thierry Bergerot / synthesizers
Jean-Loius Cannaud / Flute, tenor and alto sax, vocals, percussions
Jean-Pierre Chalon / drums, percussions
Daniel Dublet / piano, violincello, congas
Monik Lamy / vocals, percussions
Philippe Puech / vibraphone, vocals
Christine Schaffter / soprano sax, vocals percussions
Pierre Surtel / sporano sax, vibraphone, vocals
Abel Valls / bass guitar, contrabass

Chene Noir era um grupo de teatro que misturava rock e jazz originais com recitações de poesias femininas. Semelhante a alguns grupos japoneses como JA Caesar e Geino Yasharagumi, embora não tão dramáticos ou abrasivos quanto esses grupos. Ótimo, mas exige tolerância com a palavra falada.

Brégent ‎– Poussière Des Regrets (1973, LP, Canadá)

LADO A
1. Mon Frère
2. Epitaphe Villon
3. Dans Ma Maison
4. Je T'aime
5. Le Chien
LADO B
1. La Mélancolie
2. Metamorfoses Du Vampire
3. Dieu Est Nègre

Músicos

Saxofone alto – Charles Berman

Bateria – Jacques Laurin

Efeitos – Georges Brégent

Baixo elétrico – Jacques Laurin

Guitarra elétrica – Robert Panetta

Teclados – Georges Brégent

Percussão – Jacques Laurin

Saxofone Tenor – Stephen Hall

Vocais – Jacques Brégent

O tecladista montrealense Michel-Georges Bregent passou a última parte dos anos 60 no prestigiado Conservatório de Música de Quebec, em Montreal, dominando uma série de instrumentos, desde piano e órgão até ondes Martenot, mellotron e sintetizador. No início dos anos 70, ele formou o grupo experimental Bregent junto com seu irmão Jacques, nos vocais. Juntos, eles lançaram dois álbuns raros e altamente cobiçados, o excelente Partir Pour Ailleurs em 1979 e esta estreia fenomenalmente rara, considerada um dos verdadeiros cálices sagrados colecionáveis ​​no cânone do prog-psych de Quebec.

O altamente experimental Poussiere Des Regrets pega a poesia de vários escritores franceses e quebequenses e a transforma em jazz-rock sombrio e vanguardista. Obras de nomes como Verlaine, Baudelaire, Ferre e Leclerc são decompostas em uma espécie de expressionismo abstrato que às vezes lembra mais o free jazz do que o prog-rock. O contraste é tudo aqui. Explosões excêntricas de saxofone podem se dissolver em efeitos sonoros suaves, que então se transformam em discursos frenéticos, acompanhados por um ruído mais cacofônico. Os vocais são apresentados de forma igualmente dramática. Nos mais de doze minutos de "Dieu est negre", uma versão de um poema de Leo Ferre e provavelmente o mais próximo que o álbum chega do rock tradicional, a voz de Jacques oscila entre um canto esfumaçado, um sussurro urgente e, finalmente, um grito estridente no clímax da música.

Юрий Морозов/Yuri Morozov - Неизъяснимое/Inexplicable (1978, USSR)

Tracklist:
A1 Неизъяснимое (part 1)
A2 Неизъяснимое (part 2)
A3 Неизъяснимое (part 3)
A4 Неизъяснимое (part 4)
B1 Неизъяснимое (part 5)

Yuri Vassilievich Morozov (em russo: Юрий Морозов, 6 de março de 1948 - 24 de fevereiro de 2006) foi um multi-instrumentista, engenheiro de som e compositor de rock russo. Ele criou seu próprio estilo, utilizando rock progressivo, rock psicodélico, música experimental, música folclórica, jazz e muito mais.

Anamanaguchi - Anyway (2025)

Anyway (2025)

Anamanaguchi

O endereço 704 West High Street, em Urbana, Illinois, tem uma reputação e tanto. Está na capa de um dos discos emo mais influentes do Centro-Oeste de todos os tempos, o primeiro álbum homônimo da banda American Football. Agora, porém, tem outra razão de ser: é a casa onde o quarteto Anamanaguchi, formado em Nova York, inverteu o roteiro de sua carreira e compôs um álbum que é menos uma reinvenção radical e mais um disco de rock para a história.

Tem bastante em comum com os EPs Power Supply e Dawn Metropolis, simplificando tudo após a expansão gradual de seu som em Endless Fantasy e [USA], com o guitarrista Peter Berkman assumindo o papel de líder de fato da banda, dividindo os vocais com Ary Warnaar (guitarra), James DeVito (baixo) e Luke Silas (bateria). É também a primeira vez que o quarteto compõe junto em uma sala desde que a formação atual foi estabelecida em 2009.

Um empreendimento com foco na banda, Anyway vai direto ao ponto, derrubando "Sparkler", com os elementos chiptune de seus trabalhos anteriores incorporados em uma envolvente parede sonora que salta dos alto-falantes, emergindo em um momento para ser soterrada pelo riff principal frenético da música no momento seguinte, gerando energia suficiente para abastecer uma cidade de médio porte. Para ser franco, é um verdadeiro chute na bunda e sinaliza algumas reviravoltas pesadas e satisfatórias que a banda dá ao longo das 12 músicas do álbum.

Há uma quantidade incrível de detalhes e peso em faixas como "Rage (Kitchen Sink)", com a banda se lançando em uma poça de fuzz shoegaze e vibrações leves de slacker rock, contrastando fortemente com a letra da música sobre estar paralisado pela raiva e dominado pela negatividade: "Tão irritado, você chegou ao ponto / Sufocou toda a sua alegria, pulou no vazio." A música foi inicialmente o ponto de partida para uma linha lírica abandonada sobre a raiva — para o bem ou para o mal, uma força motriz em um mundo com pouca empatia —, mas a banda se viu se divertindo demais em sua criação para se comprometer totalmente.

Em vez disso, é um dos vários ângulos líricos explorados, lado a lado com a corajosa canção de amor "Magnet", que redireciona esses sentimentos poderosos para uma adoração tão forte que beira o sufocante. É um momento de pura expressão, com motivos musicais se chocando antes de colidir no refrão. Falando em termos de apresentação mais ampla do disco, ele tem um som punk rock cru, que prepara o caos controlado de "Lieday"; uma música cuja ponte interpola "I Wish", de Skee-Lo, em um momento de brilho desconcertante. Não há muitas bandas que conseguiriam fazer isso, mas, felizmente, não é necessário fazê-lo com a cara séria. A diversão é sua própria recompensa.

De qualquer forma, mal tem a chance de desacelerar até terminarmos com "Sapphire", uma música que homenageia os primórdios da banda em mais de um sentido, com grande energia do Power Supply; você poderia colocá-la ao lado de "Helix Nebula" ou "Airbase" e nem pestanejar, principalmente quando tudo, exceto o chip lead, cai por dois compassos na metade, voltando à intensidade de banda completa, que continua com uma performance poderosa e cheia de preenchimentos de Silas. Ela consegue o suficiente para que sua duração de menos de 3 minutos seja uma surpresa genuína, colocada antes de um par de épicos consecutivos em "Valley of Silence" e "Fall Away". O primeiro é impulsionado pelo baixo de DeVito e guitarras vibrantes, com os vocais de Berkman flutuando sobre tudo; parecendo criar um mundo em si. Este último, por sua vez, pega a tocha passada por "Meow" e "BSX", correndo pelos seus dois minutos iniciais e (literalmente) respirando fundo antes que o inferno se instale no que é provavelmente o momento musical mais alegre de 2025.

Depois disso (yeehaw), ficamos com o trecho final de "Darcie", "Really like to" e "Nightlife", que unem temas de apoio e comunidade; seja o cofundador da Polyvinyl (sem o qual não haveria "escrever um disco na American Football House"), a legião de fãs da banda, "todos separados, mas ainda juntos", ou as coisas que fazemos para nos sustentar, as coisas que nos mantêm em um mundo que parece mais instável a cada dia que passa. "O que você está fazendo? Qual sonho você tem? Que carência você está buscando? Que esperança pode durar mais?" a banda pergunta coletivamente enquanto os momentos finais do álbum acertam um soco no estômago, a parada final em uma montanha-russa musical com muitos picos e vales (de silêncio e outros). "Na luz de safira, vamos enfurecer a noite toda, porque nada sai do nada", diz o refrão de "Sapphire", e esse espírito criativo é o cartão de visita do álbum; Anamanaguchi entrou em uma sala e fez acontecer, fornecendo pequenos bolsos de significado e catarse em um disco que está determinado a existir apesar de tudo, esse desafio capturado em seu título. O resultado pode muito bem ser sua obra-prima; um álbum onde a alegria vence mesmo em seu momento mais intenso; uma banda ainda totalmente focada na visão, ainda entusiasmada com o sonho.

Laufey - A Matter of Time (2025)

A Matter of Time (2025)

Laufey

Laufey estourou na cena com seu incrível talento para composições emocionais e raízes profundas no clássico e no jazz, com sua voz delicada soando tão confortável sobre arpejos de piano em espiral quanto sobre linhas de guitarra de bossa-nova agitadas. Uma ascensão chocante à fama no TikTok veio de mãos dadas com críticas elogiosas e comparações com grandes nomes do jazz como Ella Fitzgerald, além de cantores de twee-pop modernos como beebadoobee, mas ficou claro desde o início que Laufey estava trilhando seu próprio caminho. Um caminho de sedas elegantes e simpatias clássicas, juntamente com emoções jovens e conturbadas de amor e perda, e um conjunto verdadeiramente eclético de influências que a diferenciam de seus pares. Em seu terceiro álbum completo, A Matter Of Time, Laufey continua a levar seu som ainda mais longe, com acompanhamentos orquestrais massivos e tópicos que abrangem seus sentimentos como uma estrela em ascensão. Em faixas como "Snow White", ela lamenta os padrões racistas de beleza das celebridades sobre um violão acústico suave, antes que cordas e sinos magníficos a ajudem a voar até a linha de chegada. Então, em "Carousel", ela oscila sem parar em uma melodia deslumbrante de 6/8 enquanto se desculpa com um novo amante pelo carnaval em que sua vida se tornou, com seus shows elaborados e os perigos de uma nova celebridade, acompanhada por harmonias "ba-da-dum" dos anos 60 que parecem igualmente alheias às suas lutas. É um cenário para ela se apresentar, assim como muitos dos instrumentais deste álbum, e é impecavelmente produzido, mostrando seu talento para composição e seu fascínio pelo jazz-pop orquestral dos anos 50 e 60. Laufey é um artista de artistas, focado nos pequenos detalhes, e isso resulta em um disco que parece cuidadosamente montado e quase vaudevilliano em quão vistosas e elaboradas muitas de suas faixas se tornam, incluindo o belíssimo instrumental Cuckoo Ballet (Interlude) que interrompe o álbum com um break dançante ao estilo de O Quebra-Nozes. Uma das minhas poucas reclamações é com a faixa final, Sabotage, que é a mais sombria do disco e se desenvolve em um crescendo caótico, sombrio e barulhento que corta bruscamente para encerrar o disco, e que eu gostaria que fosse mais longo. Eu gostaria que pudéssemos ouvir a raiva de Laufey respirar em vez de senti-la tão cortada por medo de alienar os ouvintes, mas essa é uma pequena reclamação em meio a um mar de elogios que tenho a este disco. Forget-Me-Not é outro destaque, e apresenta alguns interlúdios líricos em islandês, o que de alguma forma torna a voz de Laufey ainda mais linda do que já é. Eu adoraria ver um tom mais sombrio de Laufey em discos futuros, do jeito que vemos nas últimas faixas da lista de faixas aqui, como o lançamento agradável de Clean Air ou a zombaria irônica de Mr. Eclectic, mas este disco é uma mistura maravilhosa de canções de amor para pessoas e lugares, canções catárticas sobre emoções pessoais difíceis e reflexões sobre a fama recém-descoberta.Laufey demonstrou um desenvolvimento e amadurecimento notáveis ​​entre A Feiticeira e Uma Questão de Tempo, e estou fascinado para ver onde ela vai progredir a partir daqui.