O MAELSTROM (anteriormente WAY OUT) gravou um álbum completo no Le Studio em Morin Heights, de propriedade de André Perry, em 1976... no auge da primeira era do rock progressivo de Quebec. Após não conseguirem um contrato de gravação na época, as fitas master foram esquecidas... tão esquecidas, na verdade, que nem mesmo nós ouvimos falar delas por mais de 40 anos!
As fitas revelam um quinteto no auge de seus poderes e afinidades musicais com Gentle Giant, Yes e, às vezes, até mesmo Frank Zappa. Adicione à mistura toques de King Crimson, Canterbury prog e space rock, com colegas de Quebec comparáveis, incluindo Et Cetera, Opus 5, Le Match, Maneige e Harmonium. As seis faixas francófonas se estendem por longos segmentos instrumentais, permitindo uma demonstração do talento dos membros da banda. No geral, este álbum definitivamente brilha dentro do cânone do rock progressivo de Quebec da década de 1970.
Uma banda mexicana de prog do início dos anos 80, centrada no guitarrista/tecladista Jesus Gonzalez, que foi o principal compositor do grupo, provavelmente vindo de Guadalajara e tendo laços estreitos com os Avant/Chamber Rockers Nazca. O quarteto original incluía também Rene Romero na guitarra, Gilberto Gonzalez no baixo e Raymundo Barajas na bateria. Eles gravaram seu primeiro álbum autointitulado em apenas alguns dias, em setembro de 82, no Arycd Studios, e este trabalho conta com participações especiais de Cuauhtemoc Novelo, do Nazca, nas congas e Alex Eisenring nos sintetizadores. Foi lançado no mesmo ano ou no ano seguinte pelo desconhecido selo Maggot, possivelmente liderado pelo próprio Gonzalez.
Um LP extremamente curto com cerca de 23 minutos, ''High Fidelity Orchestra'' é um álbum estranho de Heavy/Fusion complexo ao estilo do KING CRIMSON, cercado por algumas cores psicodélicas/atmosféricas através do uso de sintetizadores e destacado por um guitarrista extremamente talentoso, cujo estilo era absolutamente ardente, técnico e frenético. A música é principalmente rock progressivo instrumental complexo do período KING CRIMSON de 75'-81' com sublinhados jazzísticos, cheios de quebras repentinas, tempos variáveis, grooves sinistros, assinaturas de tempo e ritmos sincopados. Eles soam um pouco abstratos em alguns momentos, mas cada giro revela novos detalhes e forte consistência na explosão instrumental do grupo, perfeitamente apoiada por um trabalho de baixo impressionante e um ótimo baterista. As partes suaves têm uma atmosfera psicodélica evidente, enquanto as partes mais encharcadas de sintetizadores contêm até mesmo um leve senso de melodia mais próximo dos compatriotas ICONOCLASTA e DELIRIUM, que dominavam a cena Prog mexicana da época, tentando misturar guitarras baseadas Rock progressivo com fusão liderada por sintetizadores. A curtíssima "Piel morena" contém até algumas melodias de marimba, numa tentativa da banda de adicionar um toque mais étnico ao seu material, de resto complexo, enquanto as linhas dramáticas de sintetizador no final, "Anacronia", têm uma certa natureza sinfônica.
Detesto dizer que não ouvi a reedição do álbum pela Smogless Records, que contém algumas faixas bônus, gravadas em meados dos anos 80 pela banda. Mas mesmo esta audição original oferece um rock progressivo extremamente técnico e interessante da High Fidelity Orchestra, com a duração muito limitada deixando o ouvinte com vontade de mais. Altamente recomendado; provavelmente a reedição em CD é uma compra mais essencial do que o vinil original.
O álbum de estreia, ainda sem título, do CRACK THE SKY deixou uma impressão bastante positiva na cena do rock progressivo quando foi lançado em 1975. Certamente não gerou grandes números de vendas, mas a banda americana mostrou um lado acessível do rock progressivo que poderia abrir muitas portas.
Liderados por seu líder John Palumbo, o CRACK THE SKY não hesitou e retornou ao estúdio para gravar um sucessor para este álbum homônimo. O grupo da Virgínia Ocidental manteve a mesma formação e trabalhou com a mesma equipe de produção (o trio Terence P. Minogue/Marty Nelson/William Kirkland). O segundo álbum, que serviu como um teste importante, foi intitulado Animal Notes e foi lançado em 1976, um ano após o álbum homônimo.
A força de CRACK THE SKY, além de oferecer música de acesso geral, reside em sua capacidade de oferecer faixas bastante variadas. Sem hesitar em se desviar ocasionalmente do caminho tradicional do Progressivo, CRACK THE SKY traz de sua bagagem "We Want Mine", uma composição pop-rock divertida com arranjos soberbos, melodias encantadoras, um refrão vibrante, além de ser um hit, contagiante como o inferno e capaz de fazer você bater os pés espontaneamente. E, do meu ponto de vista, é incompreensível que tal título não tenha sido explorado como single, pois tinha o potencial de entrar na Billboard Hot 100 e obter uma execução significativa nas rádios. Em um exercício de estilo completamente diferente, "Animal Skins" é uma composição folk psicodélica com aromas hindus, cantada em coro, o mais alto possível, ideal também para uma viagem a Katmandu, e que se revela agradável, senão sensacional. Fazendo a junção entre Pop-Rock e Progressivo, a música mid-tempo "Invaders From Mars" se destaca por seus arranjos suntuosos e divinos, seu final mais ousado, que se revela ao mesmo tempo cativante, viciante e de tirar o fôlego, e se destaca como um achado soberbo. Entre Power-Pop, AOR e Progressivo, "Wet Teenager" é um título com guitarras afiadas e suculentas, que se torna mais acessível graças aos seus coros arejados. "Virgin... No" sintetiza os diferentes aspectos musicais de CRACK THE SKY misturando Progressivo, AOR, Hard Rock e Pop, e se distingue pela presença de coros grandiloquentes, particularmente guitarras afiadas, trocas saborosas entre John Palumbo e os coros no refrão, algumas variações de andamento, atmosfera, evocando por sua vez ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA, BOSTON, QUEEN, conseguindo surpreender em alguns momentos e se mostrando encantadora. O lado progressivo do grupo é especialmente destacado em "Rangers At Midnight", uma composição de 7'35 que se divide em 3 partes. Esta começa de forma temperada, numa veia pop-rock, com arranjos elegantes, coros cativantes, depois mudamos a decoração para uma atmosfera mais intimista, mais melancólica, e então o grupo conclui as hostilidades com algo mais alegre, mais vigoroso, com coros alegres, palmas para um grand finale, e aí, devemos reconhecer que os músicos souberam jogar com os contrastes através de emoções diversas e variadas. Duas baladas completam este álbum e, meu Deus, CRACK THE SKY se defendeu honrosamente neste registro. Tipicamente anos 70, "Maybe I Can Fool Everybody (Tonight)" é uma balada cantada em coros com guitarras sutis e refinadas, um solo soberbo que acerta em cheio e, agradável, suave, bem trabalhado, pode agradar aos fãs de BOSTON, KANSAS, JOURNEY. Quanto a "Play On", é uma bela balada carregada por soberbos voos de guitarra solo, reforçados por notas de piano,bem como um final clássico inesperadamente grandioso.
No final das contas, CRACK THE SKY entregou um bom segundo álbum, especialmente se você o encarar pelo que ele é, seu conteúdo. Em Animal Notes, CRACK THE SKY misturou habilmente Progressivo, Art-Rock, Pop-Rock e AOR, mas também entregou arranjos magníficos. O conjunto é inspirado e encantador. Infelizmente, o público nunca soube realmente como entender essa banda e a gravadora talvez não tenha feito o que era necessário para promovê-la como deveria. Animal Notes não conseguiu ir além da 142ª posição no Top de Álbuns Americanos e é realmente lamentável porque algumas das faixas do álbum tinham potencial para se tornarem hits e, com um pouco de sorte, poderiam ter contribuído para aumentar as vendas deste álbum, quem sabe?
Lista de faixas : 1. We Want Mine 2. Animal Skins 3. Wet Teenager 4. Maybe I Can Fool Everybody (Tonight) 5. Rangers At Midnight 6. Virgin… No 7. Invaders From Mars 8. Play On
Formação : John Palumbo (vocal, teclado, violão, harmonias) Rick Witkowski (guitarra) Jim Griffiths (guitarra) Joe Macre (baixo) Joey D'Amico (bateria)
Etiqueta : Lifesong
Produtores : Terence P. Minogue, Marty Nelson e William Kirkland
Foi um Gentle Giant no auge de seus poderes que lançou Octopus , um álbum fundamental do rock progressivo. No entanto, um cataclismo se abateu sobre o grupo quando Phil, o mais velho dos irmãos Shulman, decidiu sair, cansado das turnês que o mantinham longe da família. Como gatilho para essa decisão, houve, sem dúvida, a experiência desastrosa de abrir para o Black Sabbath, uma escolha estranha para sua gravadora comum, já que os dois grupos não tinham muita conexão musical. É óbvio que os fãs ávidos por riffs pesados e encorpados ficaram, no mínimo, decepcionados com a presença de violino, violoncelo e xilofones no palco e não hesitaram em expressar isso. A saída de Phil mortificou terrivelmente seus irmãos, para quem ele havia sido até então um mentor, a ponto de eles pensarem que era o fim da aventura (e levariam tempo para perdoá-lo). Felizmente, os outros três insistiram em continuar, intuindo que seria preciso mais do que isso para desbancar uma máquina tão poderosa quanto o Gentle Giant. In A Glass House provaria, mais para os irmãos Shulman do que para o público, que o grupo tinha futuro como um quinteto.
O segundo álbum conceitual da banda, depois de Three Friends , In A Glass House, trará reflexões psicológicas em suas letras, ao mesmo tempo em que continua sua exploração musical muito particular. A capa austera em preto e branco com a banda em negativo contrasta com a colorida de Octopus . Outra mudança em relação ao álbum anterior é que a maioria das faixas é longa (para Gentle Giant: nunca ultrapassamos 9 minutos), enquanto a guitarra elétrica estará novamente muito mais presente.
A partir de "The Runaway", introduzida por ruídos de vidro cada vez mais rítmicos, fica claro que o Gentle Giant não perdeu nada de sua alma ou inventividade. Pelo contrário, a ausência de um terceiro vocalista e de instrumentos de sopro dá a impressão de que o grupo ganhou em eficiência, abrindo mais espaço para os músicos restantes. As mudanças de ritmo e atmosfera se sucedem com fluidez, oferecendo escolhas ousadas e, às vezes, estranhas, mas nunca indesejadas. As diferentes cores dos teclados de Kerry Minnear, a eficiência da bateria de John Weathers, a guitarra de Gary Green, que não hesita em ser cortante, e, acima de tudo, o baixo enorme de Ray Shulman, que conduz a dança. O grupo não hesita em apresentar imediatamente seus instrumentos favoritos mais surpreendentes no contexto do rock (as flautas doces e um magnífico solo de marimba de Minnear). Em suma, um primeiro título que atinge em cheio. Carregado por sua magnífica mistura de glockenspiel, marimba e vibrafone, "An Inmates Lullaby" demonstra o talento de Minnear (que toca todos os instrumentos aqui) para compor obras originais. Parece, ao mesmo tempo, uma caixa de música em plena mutação e submersa. O trabalho polifônico, outro ponto forte da música do Gentle Giant, é mais uma vez perfeitamente dominado.
"Way Of Life" nos remete a tons mais rock e excêntricos. Sentimos mais uma vez a influência de Frank Zappa, mas o grupo se destaca ao trazer mais sensibilidade. A oportunidade de ver quão perfeita era a simbiose entre Ray Shulman e John Weathers (mas também Gary Green), provando que o grupo definitivamente havia encontrado o baterista ideal. Em meio a essas loucuras (às quais adicionaremos o alegre Derek nos vocais), Minnear encontra o momento para se lançar em uma ruptura barroca, oferecendo uma guinada de 180° com o jazz rock e o art rock até então. E para retornar a este último mais tarde. O compositor, no entanto, se sente muito à vontade nesse estilo e seu teclado Moog certamente esquenta. Os sons medievais, outra grande influência do grupo, são bem ouvidos em "Experience", sem surpresas, dominados por Minnear nos vocais, mesmo que os instrumentos utilizados sejam de fato rock, conferindo um lado vanguardista que desconcertará alguns e encantará outros. Mas logo Derek, auxiliado pela guitarra furiosa de Green e pela bateria pesada de Weathers, vem perturbar o devaneio espiritual de seu companheiro, que não desiste de retornar a ele, levando a uma espécie de batalha entre forças celestiais e infernais, com o baixo de Ray como elo material.
Como um jantar-concerto em Versalhes, "A Reunion" vê o aspecto orquestral de cordas do grupo retornar, apoiado, porém, pelo violão, narrado pela voz suave de Minnear. Um delicado interlúdio antes de uma obra-prima final, aquela que dá nome ao álbum. Após começos entre jazz e country rock, com o violino alegre de Ray, Derek pega seu saxofone, Gary seu bandolim, e a dança alucinante continua em modo madrigal antes do timbre endurecer com a chegada da guitarra elétrica e um riff muito cativante que encontraremos, em diferentes modos, até o final. "Index", faixa oculta que segue o final, fará uma rápida recapitulação original do que ouvimos ao longo do álbum.
Portanto, é uma banda muito em forma que assina este In A Glass House , sucessor digno do Octopus . Se notamos um Derek Shulman mais retraído do que o habitual, isso se deve, sem dúvida, a um certo mal-estar devido à saída do irmão mais velho. Felizmente, Kerry Minnear compensará facilmente essa "queda" do vocalista e se mostrará muito em forma, assim como Ray. Continuando sua trajetória musical, os músicos do Gentle Giant descobriram que trabalhar como um quinteto lhes convinha perfeitamente, e os dois álbuns que se seguirão provarão isso muito bem.
Títulos: 1. The Runaway 2. An Inmates Lullaby 3. Way of Life 4. Experience 5. A Reunion 6. In a Glass House/Index
Lançado em setembro de 1969, "The Aerosol Grey Machine" foi lançado apenas nos Estados Unidos, forçando os fãs europeus a comprá-lo como um importado. Este lançamento limitado, no entanto, não impediu que o álbum atraísse a atenção atenta de Tony Stratton-Smith, chefe do novíssimo selo Charisma. Seduzido pela originalidade e pelo poder expressivo de Peter Hammill e seus companheiros, ele convidou o Van Der Graaf Generator para se juntar à sua equipe.
Enquanto isso, a banda passou por algumas mudanças decisivas na formação. O baixista Keith Ellis foi substituído por Nic Potter, que também tocava guitarra. Mas, mais importante, o cantor folk/guitarrista Peter Hammill, o organista Hugh Baton e o baterista Guy Evans recrutaram o saxofonista David Jackson. E foi aí que tudo mudou.
Assombrado por John Coltrane, David Jackson desenvolveu um estilo único, marcado pelo uso de instrumentos de sopro duplos, tocando dois saxofones simultaneamente, técnica herdada de Rahsaan Roland Kirk. Ele também tocava flauta transversal e diversos apitos, expandindo consideravelmente a paleta sonora do grupo. Sua chegada não apenas enriqueceu a textura musical, como também consolidou a identidade sonora do Van Der Graaf Generator, algo entre a intensidade do free jazz e a tensão dramática.
Em dezembro de 1969, o Van Der Graaf Generator entrou no Trident Studios, em Londres, para gravar seu primeiro álbum sob contrato com a Charisma. A produção ficou a cargo de John Anthony, que capturou tanto a energia bruta da banda quanto suas ambições sonoras. Desde as primeiras sessões, o tom estava definido. O objetivo não era seduzir com melodias superficiais, mas criar atmosferas, despertar emoções fortes, às vezes perturbadoras.
O órgão maciço e envolvente de Hugh Banton torna-se a espinha dorsal de muitas faixas, apoiado pelo baixo profundo e pela bateria frequentemente marcial. Sobre ele, a voz incandescente de Peter Hammill declama, murmura ou uiva, como se cada texto envolvesse toda a sua vida. E agora, o saxofone e a flauta de David Jackson ora conversam com o órgão, ora o provocam, trazendo uma dimensão caótica e febril à música. Esta é a verdadeira alquimia VDGG, aquela que tornaria The Least We Can Do Is Wave to Each Other, lançado em fevereiro de 1970, um marco importante no rock progressivo mais aventureiro.
Este disco de 33 rpm de beleza aterradora alterna, em quase todas as faixas, intensidades apocalípticas, temas de destruição, ameaça, angústia existencial e niilista, com momentos de aparente bondade, que nunca estão completamente isentos de sombras. Essa doçura frequentemente atua como uma máscara. Por trás da ternura das melodias, há um desencanto, até mesmo uma ansiedade latente. Em suma, o álbum retrata um mundo torturado, onde a luz existe, mas sempre tingida de cinza, e onde cada calmaria parece ameaçar se transformar em tempestade.
Com um vento gelado soprando, o álbum abre com "Darkness (11/11)", uma peça monumental e perturbadora. Na escuridão, uma linha de baixo melódica permite a entrada de um piano e órgão inquietantes. O teclado cósmico de Hugh Banton ergue uma parede sonora sobre a qual se desdobra a voz profunda e tensa de Peter Hammill. David Jackson, no saxofone, tece motivos quase sinistros, criando um diálogo tenso com o órgão e a bateria. A peça mergulha o ouvinte em um universo sombrio e hipnótico, onde cada nuance parece carregada de ansiedade.
"Refugees" segue, uma mudança radical de atmosfera. Aqui, Peter Hammill cede a uma ternura rara na discografia da banda. Apoiado pelo órgão e arranjos etéreos, ele entrega uma balada imbuída de nostalgia e doçura. A contribuição de Mike Hurwitz no violoncelo adiciona profundidade, enquanto a flauta transversal de David Jackson tece motivos delicados e luminosos, reforçando o lado intimista e comovente da peça. "Refugees" atua como um respiro, um momento de trégua na densidade emocional do álbum.
White Hammer" é uma faixa marcante do álbum, combinando tensão dramática com intensidade narrativa. A letra, evocando a Inquisição, ecoa perfeitamente na música. O órgão, a bateria e o saxofone se entrelaçam para criar uma marcha sonora hipnótica e ameaçadora. Jackson alterna entre saxofone e flauta para acentuar o drama e a teatralidade do conjunto, enquanto a intervenção de Gerry Salisbury na corneta traz um surpreendente tom metálico, reforçando o aspecto solene e dramático da peça antes que o peso do órgão arraste todos em seu caminho.
"Whatever Would Robert Have Said?" é mais sinuosa, alternando entre passagens calmas e explosões de energia. Ela demonstra o virtuosismo instrumental da banda. O baixo e a guitarra de Nic Potter interagem com o saxofone e a flauta de David Jackson, enquanto Peter Hammill adota um registro mais teatral e irônico. As mudanças na dinâmica reforçam a tensão e a imprevisibilidade da música.
Mais intimista, "Out of My Book" oferece um contraste marcante com as explosões sonoras anteriores. Peter Hammill emprega uma voz mais suave, quase melancólica, enquanto o órgão se torna discreto, dando lugar a uma textura refinada e contemplativa. As intervenções da flauta adicionam um toque arejado e poético, transformando a peça em um verdadeiro interlúdio emocional.
O álbum encerra com "After the Flood", um epílogo monumental e catártico que se estende por mais de onze minutos de ascensão dramática. Desde a introdução, um tema assombroso se estabelece, impulsionado por órgão e bateria. As letras, imbuídas de visões cataclísmicas, refletem-se na crescente tensão instrumental. O final, saturado de saxofones, flauta e órgão, mergulha o ouvinte em um caos majestoso, encerrando o álbum com um impacto emocional inesquecível.
Títulos: 1. Darkness (11/11) 2. Refugees 3. White Hammer 4. Whatever Would Robert Have Said ? 5. Out Of My Book 6. After The Flood
Músicos: Peter Hammill: Vocal, Violão, Piano David Jackson: Saxofone, Flauta, Coro Hugh Banton: Órgão, Piano, Coro Nic Potter: Guitarra, Baixo Guy Evans: Bateria + Mike Hurwitz: Violoncelo Gerry Salisbury: Trompa
:format(jpeg):mode_rgb():quality(90)/discogs-images/R-9361701-1479248472-9045.jpeg.jpg)
:format(jpeg):mode_rgb():quality(90)/discogs-images/R-9361701-1479248484-4090.jpeg.jpg)
:format(jpeg):mode_rgb():quality(90)/discogs-images/R-9361701-1479248485-9336.jpeg.jpg)
:format(jpeg):mode_rgb():quality(90)/discogs-images/R-5058106-1388847093-8306.jpeg.jpg)
:format(jpeg):mode_rgb():quality(90)/discogs-images/R-5058106-1388847309-9261.jpeg.jpg)
:format(jpeg):mode_rgb():quality(90)/discogs-images/R-5058106-1388847101-7818.jpeg.jpg)
