CRONICA - KEITH TIPPETT GROUP | Dedicated to You, But You Weren’t Listening (1971)

 

Onde termina o jazz moderno e começa o rock progressivo? Em 1971, o pianista Keith Tippett tentou responder a essa pergunta com " Dedicated to You, But You Weren't Listening ", o segundo álbum de sua banda pela Vertigo. Aqui, a fronteira não é uma linha fixa, mas um território mutável, um playground onde novas combinações são inventadas. De um lado, o legado do free jazz, seus metais volúveis e sua escrita aberta. Do outro, a energia do rock, a liberdade de experimentar e a estética única da cena de Canterbury, que é cerebral, irônica e, ainda assim, profundamente lírica.

Keith Tippett, já conhecido por suas colaborações com King Crimson e Soft Machine, reúne uma verdadeira galáxia de músicos britânicos: Elton Dean (saxofones), Mark Charig (corneta), Nick Evans (trombone), Roy Babbington (contrabaixo e baixo elétrico), Brian Godding (guitarra), Phil Howard (bateria), Gary Boyle (guitarra)... e Robert Wyatt (bateria, percussão), a quem o título homônimo presta homenagem direta. É uma reinterpretação jazzística e estridente de apenas trinta segundos de uma faixa do Soft Machine do Volume Dois .

Um coletivo que deliberadamente borra os limites. É um disco de jazz? É um disco de rock progressivo? Uma coisa é certa! Não se trata de jazz convencional. O Keith Tippett Group prefere inventar os climas e as paisagens sonoras específicos do rock progressivo. Vamos chamá-lo, por falta de um termo melhor, de jazz rock progressivo... mas um disco que, paradoxalmente, nunca soará como jazz rock. Essa é a magia do estilo Canterbury.

Mesmo as faixas mais próximas do free jazz não escapam a esse desejo de tecer atmosferas. A aterradora "Thoughts To Geoff" dá a impressão, à medida que as notas passam, de que os músicos se olham com olhos cada vez mais esbugalhados, como se estivessem presos na própria vertigem. Felizmente, o trompete traz um sopro reconfortante... o que não acontece com o piano esquizofrênico ou o saxofone possuído, perseguido por uma guitarra que parece perseguir John McLaughlin. Em "Gridal Suite", após uma abertura vagamente perturbadora, o pânico se instala. É um verdadeiro desastre orquestral. "Five After Dawn", por outro lado, assemelha-se a um pesadelo sonoro, assombrado por silhuetas vampíricas armadas com facas.

Mas o álbum também sabe surpreender de outras maneiras. Abre com “This Is What Happens”, uma atmosfera urbana de salsa-prog, noite caribenha, no coração de Londres, onde o trompete comanda a dança. “Green And Orange Night” começa mais timidamente, mas rapidamente se destaca com seu groove mid-tempo. Uma peça que busca brincar com as emoções, mesmo que o sax, incontrolável, sabote alegremente o desfile. Por fim, o álbum termina com “Black Horse”, uma peça tribal que se transforma em soul, carregada por bombardeios de metais, um trompete etéreo e um sax encantador. Mas é sobretudo a guitarra elétrica que se impõe com acordes dissonantes e solos tensos, metálicos, melódicos, quase exóticos. A quintessência do estilo Canterbury. Uma conclusão magistral para um álbum torturado, mas fascinante.

Títulos:
1. This Is What Hapens       
2. Thoughts To Geoff
3. Green And Orange Night Park     
4. Gridal Suite
5. Five After Dawn   
6. Dedicated To You, But You Were't Listening  
7. Black Horse

Músicos:
Keith Tippett: Piano
Elton Dean: Saxofone
Neville Whitehead: Baixo
Roy Babbington: Contrabaixo
Tony Uta: Percussão
Marc Charig: Corneta
Nick Evans: Trombone
Gary Boyle: Guitarra
Bryan Spring, Phil Howard, Robert Wyatt: Bateria

Produção: Pete King

CRONICA - BIG SLEEP | Bluewell Wood (1971)

 

Os dois álbuns da banda galesa, Eyes Of Blue, lançados entre 1968 e 1969, foram um fracasso comercial, apesar do sucesso artístico alcançado. Para salvar um navio que estava afundando, o organista Phil Ryan, o guitarrista e baterista John Weathers, o baixista Ritchie Francis e os guitarristas Gary Pickford-Hopkins e Ray Williams decidiram reorientar o estilo musical do pop psicodélico influenciado pelos Beatles para o rock progressivo. Ao mesmo tempo, decidiu-se mudar o nome da banda. O quinteto passou a se chamar Big Sleep e trocou a Mercury pela Pegasus. Com esse novo nome, os músicos lançaram Bluewell Wppd em 1971 .

O álbum se sustenta pelos 11 minutos do magnífico título homônimo que abre o lado B. 11 minutos épicos onde melancolia, melodias cuidadosas, passagens galopantes, tempo febril e uma sequência falsamente medieval se misturam. Um órgão atmosférico e celestial domina, atravessado por um instrumento de seis cordas nervoso e inspirado em seus refrões. Uma peça que poderia ser um elo entre Procol Harum e Yes, ou mesmo Genesis com esta flauta abafada. 

Mas este Bluewell Wood oferece outros destaques com arranjos sedutores. Já abrindo com a notável "Death Of A Hope", que começa com um piano delicado com ares nostálgicos e dolorosos, que não tem nada a invejar ao excelente melodista que é Elton John. Uma canção que navega num clima outonal pela contribuição de uma monótona secção de cordas e um triste coro de guitarra, bem como coros angelicais. Uma bela introdução que brinca com as emoções. Tal como "Free Life", um pouco mais rítmica que se revela mais bucólica. Os aromas de acid rock e o excelente trabalho do órgão, mas também da guitarra com letras blues, aproximam-se das experiências de outra dupla galesa, Man. Mais adiante, "Saint & Skeptic" funde decoração renascentista, atmosfera vaporosa, swing, ponte estratosférica e passagem cerimonial.

De resto, encontramos faixas mais curtas, muitas vezes baladas sombrias e desiludidas, as românticas "Aunty James" e "  Odd Song", que terminam num delírio country, ou mesmo a sonhadora "Watching Love Grow". O caso termina com o blues gospel "When The Sun Was Out", com violão rústico e piano boogie.

Um disco que tinha tudo para fazer sucesso, dada a sua qualidade estonteante. Mas acabaria esquecido. Na verdade, cada um dos membros estava com a cabeça em outro lugar. Enquanto este LP fabuloso estava sendo concebido, Phil Ryan foi contatado pela Man. John Weathers juntou-se à Gentle Giant. Gary Pickford-Hopkins estava saindo para o Wild Turkey. Raymond Williams foi abordado pelo cantor Pete Brown. Ritchie Francis estava considerando uma carreira solo. Obviamente, Big Sleep foi um beco sem saída. Continua sendo um disco para ser ouvido sem moderação.

Títulos:
1. Death Of A Hope  
2. Odd Song   
3. Free Life    
4. Aunty James         
5. Saint & Sceptic     
6. Bluebell Wood      
7. Watching Love Grow       
8. When The Sun Was Out

Músicos:
Phil Ryan: Orgue, Piano
Ritchie Francis: Baixo, Canto
John «Pugwash» Tempos: Batterie
Raymond «Taff' Williams: Guitarra
Gary Pickford Hopkins: Canto, Guitarra

Produção: Lou Reizner

CRONICA - NARROW PASS | A Room Of Fairy Queen’s (2006)

 

O NARROW PASS pode ser considerado um dos segredos mais bem guardados do rock progressivo. Tirando alguns fãs do gênero, a porcentagem de pessoas que conhecem a banda ou sequer ouviram falar dela deve ser baixíssima. Pessoalmente, foi a oportunidade de "viajar" pela internet que me trouxe a esse grupo tão confidencial.

Vindo da Itália, mais precisamente de uma cidade chamada Camogli, localizada a cerca de vinte quilômetros de Gênova, o NARROW PASS foi formado em 1980. No entanto, foi preciso perseverança e infinita paciência para concretizar seus esforços e lançar seu primeiro álbum. Este, intitulado "A Room Of Fairy Queen's" , foi lançado em 2006, ou seja... 26 anos após o nascimento do grupo!

Este primeiro álbum do NARROW PASS é tingido de rock progressivo/rock sinfônico, ao mesmo tempo em que se mistura com tons folk e passagens atmosféricas. O título que abre as hostilidades, "Earth/Je Cherche La Vie", vai mais ou menos nessa direção, mas acaba sendo um achado tão surpreendente quanto interessante, pois, após um início muito arejado, a peça muda de fisionomia com a chegada de violões, teclados majestosos e uma flauta que tornam o conjunto mais mágico, luminoso, e o último minuto é marcado pelo aparecimento inesperado de um poema recitado em francês. Entre folk e prog, "A Room Of Fairy Queen's" é uma composição refinada e sofisticada, na qual a flauta está muito presente e seus últimos 2 minutos se tornam mais rítmicos, ganhando densidade sem deixar de se manter melódico, ao mesmo tempo em que destaca a cantora Valeria Caucino (que integrou o ERIS PLUVIA 15 anos antes) com sua voz clara, um pouco delicada e com um leve sotaque que se faz ouvir. O grupo expõe seus pontos fortes, seus argumentos em "Wake Up", uma composição de 10'17 com atmosferas variadas que alterna entre momentos calmos, tranquilos e leves e outros mais intensos, mais musculosos, na qual o cantor Alessandro Corvaglia ora se destaca com algumas passagens faladas, ora se mostra mais nervoso e que se impõe como um grande sucesso graças, além disso, a um guitarrista que é imperial quando voa solo, também sabe transmitir emoções sendo técnico (sem exageros), bem como à aparição de alguns sons jazzísticos no último minuto. "Lord Of The Headline", que se estende por 7'40, adere bem aos cânones do Rock Progressivo e tem atributos para afirmar, como um vocal quente e intenso (de Alessandro Corvaglia), guitarras tão cortantes quanto quentes, voos soberbos dos músicos durante o solo onde todos se divertem, um refrão que permanece bem gravado nas mentes. A balada "Into the Light" finalmente une Alessandro Corvaglia e Valeria Caucino e suas trocas vocais, conferindo à música um certo interesse, especialmente porque, após mais de 4 minutos, o tom se torna mais firme quando o solo de guitarra entra em cena, apoiado, além disso, por um ritmo mais alerta. Se esta balada é interessante, ela permanece aperfeiçoável e também deixa alguns arrependimentos: a mistura das duas vozes poderia ter sido mais explorada no álbum...

Por fim, três instrumentais estão presentes neste álbum. "Coming Off My Shadow" é curta, com 1'47 no relógio, mas interessante com a guitarra que perfura o espaço sonoro, apoiada ao fundo por uma seção rítmica quadrada e sutis camadas de teclado. Os outros dois instrumentais, que a enquadram na lista de faixas, são mais longos, em torno de 6 a 7 minutos. "The Lake", com uma conotação sinfônico-progressiva, é carregada por melodias trabalhadas e sofisticadas, caracterizadas, além disso, por uma bela ascensão de potência, bem como um final concluído pelo som da chuva, da tempestade; enquanto "Desert" começa calmamente com instrumentos que fazem a peça progredir em crescendo; depois, após 2'55, tudo se desenrola com um ritmo mais tônico, mais incisivo, guitarras mais vibrantes e, após 4'45, mudança de cenário com arranjos misteriosos, seguidos por uma guitarra folk e um piano calmo para um resultado bastante interessante.

Este primeiro álbum do NARROW PASS é bastante interessante. As composições são lindamente trabalhadas, construídas de forma inteligente e com classe. O grupo italiano pode ser comparado ao CAMEL e, inevitavelmente, ao ERIS PLUVIA. Dito isto, apesar de suas qualidades, algumas críticas podem ser feitas a este  A Room Of Fairy Queen : a associação entre os dois vocalistas (Alessandro Corvaglia e Valeria Caucino) foi pouco explorada, embora pudesse ter sido um ponto positivo considerável. Por outro lado, os três instrumentais se sucedem no meio da lista de faixas e talvez tivesse sido melhor se estivessem distribuídos aqui e ali no álbum. De qualquer forma, fãs de Rock Progressivo, ou mesmo Rock Sinfônico, que preferem sutileza e refinamento, têm uma boa chance de apreciar este álbum.

Lista de faixas :
1. Earth/Je Cherche La Vie
2. A Room Of Fairy Queen’s
3. Lord Of The Headline
4. The Lake
5. Coming Off My Shadow
6. Desert
7. Wake Up
8. Into The Light

Formação :
Alessandro Corvaglia (vocal)
Valeria Caucino (vocal)
Mauro Montobbio (guitarra, sintetizador, baixo, teclado, programação)
Edmondo Romano (flauta, gaita de foles, saxofone soprano)
Roberto Costa (baixo, baixo fretless)
Vittorio Mainenti (baixo)
Alfredo Vandresi (bateria)
Saverio Malaspina (bateria)

Etiqueta : Musea

Produtor : Mauro Montobbio

Cate Le Bon - Michelangelo Dying (2025)

Michelangelo Dying (2025)

Cate Le Bon

O sétimo álbum da artista galesa, Cate le Bon, Michelangelo Dying , a encontra aprofundando suas explorações de estados emocionais ambíguos e sons psicodélicos.

Os tempos aqui são imponentes e os humores elegíacos, ou astutamente inteligentes. As guitarras são cristalinas. A produção aberta cria refrações prismáticas delicadas, brilhantes e vítreas em sua perfeição fria. Às vezes, as guitarras brilham como pedras preciosas, outras vezes elas voam, como foguetes deixando rastros de fogo gelado.

Is it Worth it (Happy Birthday)? Tem um som de guitarra E-bow particularmente ótimo que se enrola e se desenrola enquanto explode em câmera lenta. A faixa seguinte é de longe a mais bonita do álbum. Pieces of My Heart é delicada com um clima melancólico. As melodias em aquarela criam um arvoredo de som beijado pelo sol que complementa o ritmo delicado. About Time tem uma vibração semelhante de torres de estuque e céus azuis profundos, o ritmo oscilante mantém as coisas interessantes, assim como as guitarras flangeadas e a produção aberta.

Heaven is No Feeling é possivelmente a música mais estranha do Michelangelo Dying e aquela que define o som do álbum como um todo. É construído sobre um ritmo assimétrico, do qual uma guitarra tortuosa oscila como a névoa de calor de um sonho febril. A música em si parece ser uma canção de amor, mas a letra sugere que o custo do amor cobra seu preço, sentir que nada é preferível.

As outras músicas são tão boas quanto as mencionadas. Cada uma é uma parte do todo, cada faceta do mesmo diamante. Com audições repetidas, mais detalhes são descobertos, cada música fica melhor. As melodias se revelam, é um álbum que recompensa audições repetidas.

A aparição do maverick musical, John Cale, possivelmente aponta as influências em Michelangelo Dying . Ou seja, a Island Records em meados dos anos setenta, quando eles lançaram álbuns não comerciais de Brian Eno, Kevin Ayers e John Cale, assim como The End , de Nico.

Thrice - Horizons / West (2025)

Horizons / West (2025)

Thrice

Em um caso semelhante ao Deftones deste ano, Thrice continua provando que, apesar de estar ativo por tanto tempo e mudar seu som lançamento após lançamento, eles ainda são capazes de escrever faixas incrivelmente tocantes e pessoais que não parecem uma banda tentando voltar aos trilhos, mas sim, são o ápice de tudo o que eles fizeram até agora.

De Blackout , uma introdução que espelha The Color of the Sky , às ocasionais menções a faixas mais antigas, a banda deixa claro que eles sabem o que estão fazendo, amam o que fizeram e estão constantemente se reinventando com novas ideias e influências.
Faixas como Gnash ou The Dark Glow são excepcionalmente pesadas para os padrões da banda, mas são feitas excepcionalmente, com uma menção especial a Gnash que, quando foi lançado como o primeiro single, me deixou totalmente intrigado e animado para este álbum, enquanto outras como Undertow (que literalmente soa como uma música do Radiohead influenciada pelo pós-hardcore ) ou Vesper Light são muito mais experimentais e introspectivas.

Em seguida, Horizons / West aprimora o que a banda já havia apresentado em Horizons / East e adiciona um toque intenso, mantendo-se em um território relativamente reconhecível e ainda com um toque pessoal. Este é um daqueles projetos que serão facilmente reconhecidos como um dos melhores do Thrice , e eu não poderia ter pedido mais.

Agriculture - The Spiritual Sound (2025)

The Spiritual Sound (2025)

Agriculture

The Spiritual Sound é um triunfo corajoso, dividido em seu núcleo entre dois modos: um uivo turbilhonante de ruído abrasivo e dissonante – entrelaçado por melodias de guitarra solo opostamente virtuosas – na metade pré-"The Spiritual Sound", uma postura introspectiva de sonho-pesadelo – liderada mais proeminentemente pela excentricidade trinada de Dan Meyer – na reveladora segunda metade pós-"The Spiritual Sound".

Tenho ouvido os singles atentamente ao longo dos meses. "Bodhidharma", com suas enormes oscilações de ruído e meditação, soando como Amenra despida e cuspida pelas lentes das maravilhas holandesas Wiegedood. "The Weight", com sua crosta crua e industrial de raiva jorrando e espumando. "Dan's Love Song", com sua carícia borbulhante e suave: uma completa puxada de tapete que orbitava uma expectativa completamente diferente. Mas, em sequência, as faixas estão excelentemente posicionadas.

Agriculture apresentou algumas faixas inéditas quando os vi ao vivo algumas semanas atrás. A primeira foi a abertura do álbum, "My Garden", uma faixa crocante, estranhamente grooveada, ameaçadora, divertidamente acolhedora. A outra foi "Hallelujah", uma experiência genuinamente tocante quando ouvida ao vivo: Dan Meyer exaltado/elogiado, iluminado por trás e com as mãos erguidas, os vocais intensificando-se, crescendo e se soltando com uma paixão incrível. A colocação de "Hallelujah" como uma resposta incorpórea a "Bodhidharma" é bem colocada, assim como "Dan's Love Song" como uma libertação pessoal que leva a "Bodhidhmara".

"Bodhidhmara" é uma música incrivelmente boa, central para as ansiedades e sentimentos de deslocamento e mal-estar que permeiam a banda. Todos aqueles sentimentos bons, pegajosos, deprimentes e eufóricos de tentar seguir com a vida cotidiana são capturados naquela música: "Minha cabeça está pegando fogo de ansiedade, você pode acalmar minha mente?"

Problemas? Talvez o som abafado do bumbo tire um pouco da nitidez. Fora isso, não há muito mais. Será que chega aos níveis de sua estreia (a dupla épica de "The Well" e a tripla "Look")? O júri ainda não se pronunciou sobre isso, eles estão em um retiro zen-budista. E mesmo que não atinja esses níveis mais altos, como um todo, em sua totalidade, como um sinal abrangente do que o Agriculture pode fazer como banda, acho que é mais impressionante.

Raramente falo em letras, mas o Agriculture realmente me conquistou.

Malibu - Vanities (2025)

Vanities (2025)

Malibu

.. Costumávamos definir isolamento em seu sentido mais literal, um estado mental em que nos sentimos presos dentro de um espaço de pensamento que não consegue ultrapassar uma certa fronteira, uma desconexão com o mundo exterior que nos faz sentir estranhos a tudo, até mesmo à vida que vivemos. Podemos pensar que, por sua ideia central, o isolamento só pode afetar aqueles que conscientemente se limitam ao que se permitem lidar, manifestando-se fisicamente pelo distanciamento do contato social ou mentalmente pela recusa em explorar as dimensões de suas emoções. É uma rejeição da sensibilidade em favor do conforto da apatia, e é justo que os indivíduos mais isolados provavelmente tenham se esquecido completamente de como sentir, já que cada dia que passa para eles é apenas um ciclo de sol e chuva que enferruja o cérebro — "Não posso me machucar se ninguém puder me tocar", é provavelmente o que diriam, se ao menos encontrassem vontade de falar. No entanto, a era digital pós-pandemia desafia essa visão, propondo o contra-argumento de que o isolamento é... na verdade universal. Os longos anos de lockdown no início da década de 2020 remodelaram nossas vidas de forma irreversível, forçando-nos a um isolamento físico e mental prolongado. Esse período ampliou nossa dependência de dispositivos eletrônicos, à medida que as telas se tornaram nossas principais janelas para o mundo, substituindo as conexões presenciais por proxies digitais. As interações sociais diminuíram para níveis minúsculos, muitas vezes trocas superficiais, deixando muitos se sentindo alienados em suas próprias casas. O trauma coletivo disso persiste, crescendo como uma sensação generalizada de distanciamento de um mundo que parece menos tangível e menos humano do que nunca. Este é o verdadeiro umbigo do isolamento: não uma pessoa que simplesmente se afasta da emoção, mas alguém tão inundado por sua intensidade que cai na impassibilidade.

Na capa de "Vanities", a artista francesa Barbara "Malibu" Braccini também parece isolada, parada dentro de um apartamento olhando através de janelas transparentes, de frente para a praia noturna coberta por uma névoa enevoada. Não vemos seu rosto, e certamente não temos a mínima ideia do que ela está pensando naquele momento, mas eu gostaria de pensar que ela também está impressionada — por quão pequena sua existência parece em comparação com a vastidão do cenário natural e arquitetônico que ela enfrenta. É vago, envolto em uma hospitalidade misteriosa, como se Braccini fosse um estranho evasivo com quem você, de alguma forma, sabia que podia se sentir seguro. E vindo de uma artista musical que cuida cuidadosamente de sua apresentação visual (veja: United in Flames), é nada menos que a imagem perfeita para acompanhar a liminaridade ambiental do álbum; uma doce colagem feita de rajadas, tempestades, ondas e harmonias cantadas por uma sereia astral que vive dentro, que se mantém equilibrada ao equilibrar a vastidão sonora efusiva com a intimidade lacônica.

Por mais sutil que seja, você pode nem notar sua exibição de multidimensionalidade contrastante, mas dê uma olhada na lista de faixas e veja-a expressa apenas em suas durações. Algumas faixas mal chegam a dois minutos, outras se estendem por três ou quatro minutos, enquanto poucas ultrapassam cinco; todas fluindo perfeitamente em um fluxo calmo e sem pressa. As primeiras seis faixas de "Vanities" se enquadram na primeira categoria, coleções de estudos vocais serenos cuja brevidade rivaliza com os interlúdios do álbum. Como esperado, elas também são carregadas de reverberação viscosa, com a faixa de abertura "Nu" até mesmo utilizando-a para borrar os limites entre a tempestade abafada do céu e o refrão vocal eidólico de Braccini. Os três minutos de "So Sweet & Willing" são um caso à parte, e de alguma forma, uma peça central para o primeiro terço do álbum. É também a primeira música do álbum em que sua voz é o ponto focal, fundindo-se em um sussurro melancólico que lembra a obra de Julianna Barwick, onde camadas de entonação sem palavras parecem desorientadoras, mas familiares, como ouvir alguém falando incompreensivelmente em um sonho. Mas entre as cantigas, "L'Empire Du Vide" (Império do Vazio) se destaca das demais, com seu título aparentemente uma variação de "L'appel du vide" ou "chamado do vazio" — a vontade inquietante de mergulhar nas profundezas sem intenção real. Seguindo a terna "So Sweet & Willing", ela se justapõe de forma gritante no som, trocando cada nota de reverberação por uma meditação de piano despojada que esculpe um buraco negro na vastidão do firmamento do álbum, como uma percepção repentina que nos traz de volta à terra após uma reflexão interminável que se estende demais. A partir daí, "Vanities" parece menos uma ode à conexão, e mais uma contemplação de seu valor.

O título do álbum é retirado de um estilo específico popular entre os pintores holandeses durante o período barroco, "Vanitas", um estilo de memento mori dedicado à "futilidade do prazer, à certeza da morte e, portanto, à vaidade da ambição e de todos os desejos mundanos" — a inutilidade, para simplificar. Em Vanitas, você também encontrará alguma forma de multidimensionalidade contrastante, geralmente na escolha dos objetos expostos: caveiras sombrias ao lado de joias brilhantes, ampulhetas tiquetaqueando ao lado de bugigangas maravilhosas, flores murchas ao lado de um livro aberto. A justaposição entre os dois não existia apenas pela estética, mas para destacar a coexistência da busca valente da vida e da perenidade da morte, e como render-se a uma delas enquanto ignora a outra corre o risco de romper a delicada simetria da existência humana. Embora esse estilo seja frequentemente discutido através das lentes do conflito idealista entre hedonismo e niilismo, gosto de pensar que, com "Vanities", Braccini reformula esse intrincado confronto da efemeridade a partir do ponto de vista de uma pessoa confusa, alguém que está profundamente enredado em seu anseio por conexão e no medo de seu fim inevitável, revelando que evitar ambos os impulsos também os deixará presos em um estado oco de isolamento, onde nenhum dos dois encontra resolução.

Se as faixas a seguir nos dizem alguma coisa, é que Braccini sabe muito bem que não deve se deixar prender nessa solidão sufocante, aprendendo a dar alguns passos à frente, fora de sua zona de conforto, em busca dessa mesma conexão. A volumosa faixa de destaque "Spicy City" (também o primeiro single do álbum) projeta a presença vocal solitária de Braccini em uma tela, atravessando fluidamente os azuis de um hino coral cativante, um violoncelo arrebatador e uma pulsação de piano que permanece em eco. É um cinema sonoro vívido, repleto de um fascínio sensual que parece desnudar o coração para realmente "sentir" pela primeira vez, depois de anos guardando-o fechado. Essa abertura nua se estende a "Lactonic Crush", onde o mesmo erotismo fervoroso transborda, mas agora imbuído de uma urgência inquieta, como se Braccini estivesse perseguindo uma faísca antes que ela se apague. Juntas, essas duas faixas abraçam a emoção da sensação em detrimento da segurança da desolação, ao mesmo tempo em que sugerem a frágil impermanência de tal êxtase, sintetizando a dualidade do desejo e a temporalidade da vanitas em cores sem uma única linha traçada.

O backend de "Vanities" é onde reside a maioria de suas faixas mais longas, com a mais curta ainda registrando quase cinco minutos. Embora para tais extensões, o último terço do álbum dificilmente seja uma revelação adicional, pois é um rescaldo em chamas, uma última longa caminhada após o pouso que relembra o voo. As músicas serpenteiam e se desdobram, perpetuamente reunindo traços dos tons turvos do que já ouvimos antes. "Contact", em particular, retoma exatamente onde "Spicy City" parou, e "Vanities" retorna à pura falta de forma das primeiras faixas do álbum, mas a mais intrigante é "Jaded". Ela marca o ponto alto mais intenso do álbum, com sua exosfera ondulando em volume, alternando entre uma tranquilidade sombria e uma fumaça eriçada antes de finalmente ascender a um crescendo escaldante tão denso que é quase sufocante. É avassalador em todos os sentidos da palavra, como testemunhar flashes e flashes de memórias em um piscar de olhos, refletindo o quão longe ela chegou e o quanto ainda há para explorar. E quando chegamos a "Watching People Die", Braccini emergiu novamente. Ela não se esquiva mais da natureza transitória da existência, mas a enfrenta com coragem inabalável. A solidão que antes pesava com a dúvida agora irradia com uma clareza resoluta. Ao se encontrar novamente olhando para a praia enevoada, a incerteza que antes pairava não inspira mais medo; em vez disso, sua beleza enigmática a cativa, convidando-a a se aventurar nas infinitas possibilidades que a vida oferece — porque, como foi revelado no memento moris que inspirou "Vaidades", escolher sentir é escolher viver plenamente. Você é forte o suficiente... para sentir?