É Proibido Fumar (CBS,1964), Roberto Carlos

 

Em 1964, Roberto Carlos já não era um novato na música brasileira, mas ainda buscava firmar uma identidade artística. Após os primeiros passos com influências do bolero e do twist, É Proibido Fumar marcou um avanço significativo na construção do seu estilo, consolidando a aposta no rock jovem e aproximando-o do público adolescente. 

O cenário musical da época refletia um momento de efervescência. No Brasil, a bossa nova e a MPB começavam a ganhar contornos mais sofisticados, enquanto no exterior os Beatles e o fenômeno da "Invasão Britânica" redefiniam os rumos do pop. Inserido nesse contexto, o terceiro álbum de Roberto Carlos seguiu a trilha aberta pelo antecessor Splish Splash (1963), mas com mais segurança e coesão sonora. 

Combinando versões de sucessos internacionais e composições próprias, muitas delas em parceria com Erasmo Carlos (1941-2022), o disco ajudou a pavimentar o caminho para o estouro da Jovem Guarda e consolidou Roberto como o maior ídolo da juventude brasileira. 

As gravações de É Proibido Fumar ocorreram nos estúdios da CBS, no Rio de Janeiro, durante o mês de junho de 1964. Sob a produção de Evandro Ribeiro, Roberto Carlos contou com o suporte da banda The Youngsters, um grupo carioca que ajudou a definir a sonoridade do disco. Inspirados nos conjuntos instrumentais do rock brasileiro da época, como The Jordans e The Clevers, os músicos imprimiram um dinamismo que aproximou ainda mais o álbum das influências internacionais. 

Uma das decisões mais emblemáticas da produção envolveu “O Calhambeque”. Inicialmente planejada com um arranjo de metais, a faixa precisou ser reconfigurada devido à indisponibilidade dos músicos no estúdio. O improviso levou à criação de uma batida percussiva inusitada, usando uma lata de fita de gravação, adicionando um elemento rústico e autêntico ao registro. 

Em É Proibido Fumar, Roberto Carlos consolida sua transição para o rock jovem, explorando uma sonoridade vibrante e diretamente influenciada pelo rockabilly, doo-wop e iê-iê-iê. O álbum reflete a ascensão da cultura juvenil dos anos 1960, mesclando ritmos acelerados e baladas românticas, sempre com um apelo acessível ao público brasileiro. 

As influências internacionais são evidentes. O álbum incorpora elementos do rock americano e britânico, mas com uma abordagem mais descontraída e adaptada ao gosto nacional. As versões de sucessos estrangeiros, como “Nasci Para Chorar” (versão em português de “I Was Born to Cry”, de Dion), demonstram essa ponte entre referências externas e uma interpretação própria. 

Os arranjos são diretos e eficazes, com guitarras marcantes, vocais cheios de energia e uma base rítmica envolvente. A contribuição da banda The Youngsters é essencial nesse contexto, conferindo ao disco um frescor que ajudou a definir a estética da Jovem Guarda.

Roberto Carlos em meados dos anos 1960.

O disco abre com a faixa-título, um rock acelerado e irreverente que sintetiza o espírito rebelde da juventude da época. De imediato, tornou-se um hino do rock nacional. Na sequência, "Um Leão Está Solto Nas Ruas" aposta na metáfora inusitada de um felino à solta para expressar o medo de perder a namorada. 

A pegada sessentista segue firme em "Rosinha", balada simples e ingênua, em que o eu lírico sonha em conquistar sua amada. Já "Broto do Jacaré" envereda pelo humor, narrando a frustrada tentativa de um rapaz de impressionar uma garota enquanto surfa—o resultado, claro, é um tombo inesquecível. 

O clima romântico predomina em "Jura-me", que traz Roberto acompanhado de um coro feminino numa súplica por fidelidade. Na mesma linha, "Meu Grande Bem" combina rock balada e bolero estilizado para contar a história de um galanteador indeciso, que flerta com todas sem escolher nenhuma. 

Mas se há um momento emblemático no disco, ele atende pelo nome de "O Calhambeque". Adaptada de "Road Hog", de John D. Loudermilk, a faixa virou febre com seu arranjo simples, percussão improvisada e refrão grudento, consolidando o tom bem-humorado do repertório. 

O lado sentimental ganha força na reta final do álbum. "Minha História" traz Roberto acompanhado de um saxofone marcante para cantar sobre um amor não correspondido, enquanto "Nasci Para Chorar" mergulha na melancolia da solidão, destacando a dramaticidade dos vocais dos Youngsters. "Amapola" e "Louco Não Estou Mais" seguem essa mesma pegada romântica, com a primeira apostando na grandiosidade da declaração amorosa e a segunda em uma levada mais suave e melódica.

 O álbum se encerra com "Desamarre O Meu Coração", versão de "Unchain My Heart", sucesso de Ray Charles. Aqui, Roberto Carlos canta sobre libertação emocional, rompendo com um amor enganoso. Um desfecho vigoroso para um disco que equilibra irreverência e romantismo e reafirma Roberto como o grande nome da música jovem nacional. 

Com um repertório que equilibra rebeldia e romantismo, É Proibido Fumar reafirma a habilidade de Roberto Carlos em traduzir as tendências internacionais para o público brasileiro. A fusão de rockabilly, iê-iê-iê e baladas melódicas resulta em um álbum dinâmico e influente, consolidando sua posição como um dos principais expoentes do rock brasileiro da década de 1960. 

Lançado em um momento de efervescência do rock no Brasil, É Proibido Fumar foi imediatamente bem recebido pelo público jovem, consolidando Roberto Carlos como o principal nome do movimento que ficaria conhecido como Jovem Guarda. O disco destacou-se pelas letras irreverentes e pela fusão de influências internacionais com uma abordagem acessível ao público brasileiro. 

O sucesso comercial foi expressivo, impulsionado por faixas como a própria faixa-título e “O Calhambeque”, que se tornaram clássicos instantâneos. A crítica, ainda reticente com o rock brasileiro, reconheceu o apelo popular do álbum, embora parte da imprensa torcesse o nariz para sua proposta. No entanto, o impacto foi inegável: o disco ajudou a definir uma nova estética musical no Brasil e pavimentou o caminho para a explosão da Jovem Guarda nos anos seguintes. Seu impacto ultrapassa o período da Jovem Guarda, permanecendo relevante na história da música pop do Brasil e reafirmando Roberto Carlos como um dos grandes nomes do gênero.

 

Faixas 

Lado A

1. "É Proibido Fumar" (Roberto Carlos - Erasmo Carlos)
2. "Um Leão Está Solto Nas Ruas" (Rossini Pinto)
3. "Rosinha" (Oswaldo Audi - Athayde Julio)
4. "Broto Do Jacaré" (Erasmo Carlos - Roberto Carlos)
5. "Jura-Me" (Jovenil Santos)
6. "Meu Grande Bem" (Helena dos Santos) 

Lado B

1. "O Calhambeque (Road Hog)" (John e Gwen Loudermilk - versão: Erasmo Carlos)
2. "Minha História De Amor" (José Messias)
3. "Nasci Para Chorar" (I Was Born To Cry) (Dion DiMucci - versão: Erasmo Carlos)
4. "Amapola" (Lacalle - Roberto Carlos)
5. "Louco Não Estou Mais" (Erasmo Carlos - Roberto Carlos)
6. "Desamarre O Meu Coração" (Unchain My Heart) (F.James - A.Jones - versão: Roberto Carlos)

 

Músicos

Roberto Carlos: voz, Violão e Guitarra

Sérgio Becker: saxofone, da banda The Angels

The Angels (a.k.a. The Youngsters): todos os instrumentos e faixas

Ouça na íntegra o álbum É Proibido Fumar

CAPAS DE DISCOS - 1968 Every One Of Us - Eric Burdon And The Animals

 

 C.D Japón 2013 - Universal Records - UICY-75624.

 Contracapa

 Disco.

 Booklet.

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CAPAS DE DISCOS - 1968 Now-and "Them" - Them

 

 C.D U.K 2003 - Rev-Ola - CR REV 29.

 Contracapa

 Interior.

Disco.

CAPAS DE DISCOS - 1968 Undead - Ten Years After

 

 L.P U.S.A - Deram Records - DES 18016.

 Contracapa

Etiquetas lados 1 y 2.

Acephalix: Decreation (2017)

O Acephalix vasculha a imundície e a sujeira do death metal old school, criando sua própria encruzilhada onde Autopsy encontra Entombed e a brigada sueca HM-2.   Decreation tem um pouco mais de groove e swing do que você esperaria, e a faixa de abertura "Upon This Alter", apesar de ter todos os guinchos de guitarra necessários e estalos grunhidos quase ininteligíveis, tem um gancho matador no refrão. 

“Suffer (Life in Fragments)” abre com os pratos contando as semicolcheias enquanto os riffs se movem em blocos de um quarto antes de explodirem em território mais tradicional. Adoro quando as músicas fazem isso, dividindo o tempo de forma diferente entre os instrumentos – isso adiciona muita tensão à faixa, e quando a música fica mais dinâmica, proporciona um alívio agradável. O timbre de guitarra também é brutal – um pouco nos solos cai bem. “Mnemonic Death” acerta em cheio naquela abertura do Slayer, e a bateria de Dave Benson movimenta tudo com um ritmo incrível.

Chegando ao segundo lado, "Excremental Offerings" parece o que você esperaria. O riff tem uma vibe enjoativa e desequilibrada que nunca soa bem, e neste contexto isso é bom. Há também uma leve pegada Six Feet Under/ Haunted na forma como "Egoic Skin" se desenrola. Os vocais de Dan Butler não são muito abrangentes, mas sua entrega combina perfeitamente com a música, e quando ele realmente se concentra, aqueles grunhidos te atingem com força.

Não vou dizer que o Acephalix está fazendo algo que já não tenha sido feito nos últimos 30 e poucos anos, mas o groove e a execução fazem de Decreation uma escolha fácil quando quero esse tipo de música na cabeça, e não quero ter que lidar com a produção de merda de alguns dos álbuns mais "clássicos". Observe que este álbum estava na minha lista de Menções Honrosas de 2017 para Nine Circles , que você pode ler aqui .

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Quando comecei a colecionar vinil, há pouco menos de um ano, meu principal impulso foi pegar coisas mais antigas, músicas gravadas em formato analógico que eu achava que naturalmente se sentiriam mais em casa em um toca-discos do que em um arquivo digital na minha mesa ou em um disco.   Decreation foi uma das minhas primeiras compras de metal moderno e, embora eu não tenha percebido que isso acontece com todos os vinis, há definitivamente uma mudança sutil na vibração geral do vinil em comparação com meu arquivo digital (comprado via Bandcamp). Um bônus secundário é a folha com a letra que veio com o vinil. Você não vai querer perder a sutileza em versos como "Coma a pele / Coma o mental / Coma a pele / Alivie seu ego..."

Acid Mothers Temple and the Cosmic Inferno: IAO Chant From the Cosmic Inferno (2005)

 

Às vezes, as coisas precisam marinar por um tempo antes que o sabor realmente apareça. Às vezes, como é o caso de Acid Mothers Temple and the Cosmic Inferno , leva mais de uma década. Quando comprei este CD, não estava nem um pouco preparado para a lenta queima psicodélica que IAO Chant From the Cosmic Inferno era – minha lembrança na época é que ouvi que ele tinha um heroísmo de guitarra incrível e uma vibe semelhante a Boris, cujo Pink era minha única fonte de comparação. Depois de uma ou duas tentativas, ele prontamente voltou para minha torre de CDs e foi relegado a um fichário quando precisei abrir mais espaço para músicas que ouvia com mais frequência. 

Avançando para 2019, o tempo gasto ouvindo música de todos os gêneros e períodos valeu a pena, porque essa coisa realmente bate. Uma faixa com pouco mais de 51 minutos, a música é uma homenagem a Steve Hillage do grupo de rock progressivo Gong - outra banda que eu não conhecia até ler sobre este álbum. "IAO Chant From the Cosmic Inferno" é escrita como uma brincadeira com a música "Master Builder" do Gong de seu álbum de 1974 You . Essa música é uma jam prog doce e expansiva de sete minutos. Isso é algo muito maior e experimental. Há um riff reconhecível no começo, e é usado como base para lentamente se perder no éter, onde a repetição estrita se transforma em becos e avenidas onde guitarras e teclados giratórios encontram baterias apenas remotamente interessadas em travar uma batida específica.

O ponto crucial do Acid Mothers Temple sempre foi o guitarrista Kawabata Mikoto, e não é surpresa que sua forma de tocar seja o destaque aqui. Mas sua banda de apoio, uma equipe amplamente intercambiável, parcialmente formada por sua encarnação anterior como Acid Mothers Temple & the Melting Paraiso UFO, é fenomenal em dar suporte aos seus solos e melodias e criar uma camada sonora interessante por si só. Aos 51 minutos, não vou mentir e dizer que estou cativado o tempo todo, mas há uma boa parte (cerca de 25 minutos no início) em que sou mantido preso e, em seguida, lentamente entra e saio conforme as partes capturam minha atenção. Isso torna a audição interessante, já que diferentes partes se revelam a cada vez, tornando IAO Chant From the Cosmic Inferno uma experiência única a cada vez

Acid Mothers Temple and the Cosmic Inferno: Starless and Bible Black Sabbath (2006)

 

Menos de seis meses após o extenso "IAO Chant From the Cosmic Inferno" , o Acid Mothers Temple and the Cosmic Inferno retornou com mais uma versão de um clássico, desta vez *um pouco* mais conhecido.   Starless e Bible Black Sabbath tocam tanto no King Crimson quanto nos riffs dos caras de Birmingham, responsáveis ​​por alguns dos maiores riffs conhecidos pela humanidade. Mas se ainda havia alguma dúvida sobre a direção que este álbum estava tomando, uma olhada na capa deve revelar tudo o que você precisa saber, com o vocalista Kawabata Makoto criando sua própria versão distorcida do álbum de estreia homônimo.

A Wikipédia classifica isso como "um álbum e uma música", o que me diverte muito, mas ouvindo novamente agora consigo entender. A parte do "álbum" é composta pela faixa de 34 minutos "Starless and Bible Black" e, assim como IAO Chant, é uma interpretação estendida de outra música, desta vez a gigantesca faixa de abertura do Sabbath. A vibração é adequadamente sombria e densa, abrindo com ruídos ambientes e feedback antes de se transformar em um riff de doom esmagador, vocais encharcados de reverberação pairando no ar enquanto efeitos variados permeiam o palco sonoro. Não é uma lembrança nota por nota do famoso trítono, mas evoca o mesmo senso de escala. A guitarra de Mikoto é uma banshee, movendo-se entre explosões de feedback e corridas deslizantes para cima e para baixo no braço. A música se assemelha ainda mais à original em estrutura: por volta dos nove minutos, ela muda repentinamente para uma marcha mais alta, entrando em um riff de rock grooveado que lembra a ponte rápida de "Black Sabbath". Só que aqui é mais uma vez uma oportunidade de se desviar para um território sonoro desconhecido antes de retornar na segunda metade da música ao riff doom original, dando a Mikoto a oportunidade de lamentar sem parar em sua guitarra.

A segunda faixa, "Woman From a Hell", é uma verdadeira adoração ao boogie do Hawkwind dos anos 70, com um baixo estelar cortesia de Tabata Mitsuro, que também é responsável pelos vocais do álbum. Com pouco mais de seis minutos, é muito mais fácil de assimilar e digerir, especialmente quando o que ela basicamente faz é queimar o chão e rasgar o céu com um rock estridente. Ouvindo-a agora, estou realmente atraído pela agilidade do baixo e como o uso de efeitos pela banda realmente amplia o efeito estéreo da música. Também li muitas comparações com o krautrock inicial, mas infelizmente esse é um gênero no qual não sou tão versado (algo que corrigirei em algum momento).

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A verdadeira surpresa para mim, ouvindo de novo agora, é o quanto estou mais em sintonia com esse estilo de música do que quando o comprei inicialmente. O Sabbath sempre foi uma referência para mim, então suspeito que quando peguei este álbum, pensei que, depois do swing e do erro do IAO Chant From the Cosmic Inferno  ( algo que agora superei ), este seria mais "metal" - algo que eu estava procurando, já que 2005-2006 foi o período em que voltei para explorar o que estava acontecendo no metal. Mas, por alguma razão, o "clique" não aconteceu, então estes foram em grande parte relegados à prateleira por mais de uma década. Voltando ao Acid Mothers Temple agora, estou ansioso para me aprofundar em sua discografia e ver como ela se encaixa comigo agora, principalmente porque continuo a explorar outras bandas de rock psicodélico mais modernas. Por enquanto, estou realmente contente em passar as noites com esta música peneirando meus fones de ouvido e entrando na minha consciência.

Adrian Belew: Side One (2005)

Não é segredo que sou fã do King Crimson. O que provavelmente é segredo, porém, é que prefiro a era Adrian Belew da banda nos anos 80 e meados dos anos 90-2000 às encarnações anteriores (reconhecidamente excelentes) dos anos 60 e 70. Sou parcial com o homem desde que o ouvi cantar "City of Tiny Lights" no Sheik Yerbouti de Frank Zappa e no documento ao vivo Baby Snakes. A primeira vez que ouvi Discipline do King Crimson , fiquei viciado, e faixas posteriores como "Three of A Perfect Pair" solidificaram minha paixão pelo fraseado melódico único e pelas propensões percussivas do homem.   Side One , o primeiro de três lançamentos solo (inicialmente) relacionados de Belew, encontra essas tendências em ótima sincronia com sua banda de apoio, que neste caso é Les Claypool do Primus e Danny Carey do Tool.

Cada álbum explora diferentes atitudes sobre tocar, e o Side One foca em seu papel quando em formato de trio. Se você conhece o THRAK de 1995 do King Crimson , a música do Side One tem uma pegada rock similar, especialmente nas três primeiras faixas, onde Claypool e Carey contribuem. A faixa de abertura, "Ampersand", demonstra habilmente como Carey é simplesmente um dos melhores bateristas vivos, e Claypool é surpreendentemente contido, contente em trabalhar dentro do ritmo e do senso de timing de Belew. Ainda é tecnicamente incrível, mas nunca se coloca à frente da música, deixando essa área para os muitos sons de guitarra inconstantes de Belew e seus ótimos vocais. "Writing on the Wall" tem uma síncope funky que se mistura com notas de guitarra monótonas antes que os vocais agudos do grupo entrem, entoando que eles não veem intactos a escrita na parede. "Matchless Man" é um caso mais contemplativo, entrando em território psicodélico. Sons tanto para frente quanto para trás surgem sorrateiramente nos cantos dos seus fones de ouvido, infiltrando-se e passando para o universo.

O restante do Lado Um é em grande parte um trabalho solo, agrupado em dois conjuntos de músicas. "Madness", "Walk Around the World" e "Beat Box Guitar" têm uma forte pegada de art rock que se aproxima de muito do que o King Crimson vinha fazendo após sua reformulação em meados dos anos 90. O conjunto final de músicas mostra Belew explorando suas tendências artísticas mais experimentais, com as músicas funcionando como uma espécie de suíte (completa com comentários sobre elefantes desaparecidos). Mesmo ouvindo agora, parece um pouco desconectado e desconexo, depois da forma como as três primeiras faixas do trio se encaixam.

Mas não consigo deixar de me sentir atraído pela sua voz e pela maneira como ele usa a guitarra para pintar grandes áreas do espaço. Ela reúne tudo da sua época com Zappa, King Crimson e até mesmo, em alguns momentos, suas aparições com o Talking Heads, e me vejo cativado pela quantidade de estados de espírito que ele consegue transmitir e ainda soar tão singular neste lançamento.

Talvez ajude o fato de ter apenas 33 minutos de duração? Vamos ver, já que amanhã estarei falando do Lado Dois ...

Adrian Belew: Side Two (2005)

Lançado cerca de seis meses após o Lado Um , o Lado Dois encontra Adrian Belew em um clima mais sombrio e contemplativo. Manuseando todos os instrumentos sozinho, o álbum mostra o quão formidável Belew é em todos os aspectos: como compositor, instrumentista e vocalista. Apesar da ausência de ganchos de rock no Lado Um, me sinto muito mais atraído pelas composições deste lançamento.

Um dos melhores shows que já vi foi o do King Crimson – tive o prazer de vê-los na configuração "dupla" em 1995, no Longacre Theater, em Nova York. Embora a música do Lado Dois tenha apenas uma relação passageira com as composições mais expansivas de prog-rock que a banda executou naquela noite (eles estavam abrindo para o THRAK , e na época eu estava apaixonado pela música "Dinosaur"), há algo na maneira como faixas como "Dead Dog on Asphalt" e "Sex Nerve" tocam com intimidade e tensão que remete à sutileza e à suavidade de uma música como "Walking on Air" apesar de ser tocada por dois bateristas, dois baixistas e dois guitarristas.

O que não quer dizer que sejam faixas silenciosas, necessariamente. "Dead Dog on Asphalt" dedica algum tempo à construção de seu palco sonoro antes de passar para uma seção principal ameaçadora e dissonante. A tensão construída continua a ser sustentada em "I Wish I Knew", que parece construída sobre fragmentos e loops suspensos na escuridão, reunindo-se em um isolamento sinistro. Belew realmente abraça a artificialidade do processo de gravação e o torna seu – você nunca confundirá isso com um trabalho de banda ou um processo analógico, mas eu realmente gosto de como ele mistura todos esses componentes conflitantes. "Face to Face" é uma música lindamente construída, frágil e poderosa em seu ataque, exceto pelos ruídos de pum no último minuto.

A segunda metade do Lado Dois  parece ainda menos convencional, abrindo com a colagem sonora de "Then What" antes de se mover lateralmente para "Quicksand", com seus vocais aparentemente descartados. "I Know Now" e "Happiness" são breves faixas eletrônicas, uma espécie de pequenas tags instrumentais antes da última, "Sunlight", que traz de volta um pouco da pulsação mais convencional da primeira metade do álbum. É também uma ótima vitrine para as camadas vocais de Belew – algo em que ele sempre foi adepto quando se trata de Crimson, mas aqui, onde é um pouco menos adornado pela instrumentação, você pode sentir como seu canto nítido e afiado funciona como um instrumento próprio, em vez de simplesmente ser um transmissor de letras.

Com duração semelhante à do Lado Um , me peguei repassando esta faixa cada vez mais ao longo do dia, ouvindo-a duas vezes no carro, a caminho do trabalho, e depois novamente enquanto escrevo. Talvez seja a ênfase na eletrônica e a abordagem quase Kreftwerk em algumas composições (pelo menos é assim que meus ouvidos a ouvem, limitados como são em relação à banda), mas me sinto cada vez mais atraído por este disco agora, encontrando na voz de Belew momentos de alegria e abandono que me fazem esforçar para igualá-lo.

Sei que nunca conseguirei, mas sempre tentarei.