CRONICA - CENTIPEDE | Septober Energy (1971)

 

A centopeia é um artrópode miriápode comumente conhecido como milípede. Mas Centipede é também o ambicioso projeto do pianista inglês Keith Tippett, uma figura renomada do jazz britânico que faleceu em junho de 2020 após uma prolífica carreira musical. Ele é conhecido por seu trabalho com o King Crimson entre 1970 e 1971. Sua performance rapidamente ganhou reconhecimento em álbuns como * In the Wake of Poseidon* , *Lizard * e * Islands *. Após dois álbuns com sua própria banda, *You Are Here… I Am There* e * Dedicated To You But You Weren't Listening *, ele decidiu reunir uma enorme orquestra com nada menos que 50 músicos de diversos grupos de jazz e rock progressivo (ou ambos), como Soft Machine, King Crimson, Nucleus, Blossom Toe e Patto. Entre os artistas estavam os bateristas Robert Wyatt e Jim Marshall, os baixistas Roy Babbington, Harry Miller e Jeff Clyne, os saxofonistas Elton Dean, Ian McDonald, Dudu Pukwana, Gary Windo e Karl Jenkins, os trombonistas Nick Evans e Paul Rutherford, os trompetistas Ian Carr, Mongezi Feza e Mark Charig, o guitarrista Brian Godding e os vocalistas Julie Driscoll (mais tarde conhecida como Julie Tippett), Maggie Nicols, Mike Patto e Zoot Money. A orquestra também contava com um grande contingente de violinistas e violoncelistas. Naturalmente, as partes de piano são tocadas por Keith Tippett.

Este grupo gravou o que seria o único álbum do Centipede em junho de 1971, intitulado Septober Energy , lançado em outubro do mesmo ano pela gravadora Neon. Após uma primeira audição, fica claro que tal experiência é difícil de replicar. Produzido por Robert Fripp, que já havia perdido a esperança de ver Keith Tippett se juntar ao King Crimson como membro efetivo, este trabalho audacioso, inteiramente composto pelo pianista, é apresentado como um LP duplo com apenas quatro faixas. Uma de cada lado! Quatro seções, com duração média de 20 minutos cada, para serem degustadas, mas acima de tudo, digeridas!

Francamente, até agora, o álbum duplo mais indigesto do prog rock para mim era o bombástico Tales From Topographic Ocean. Eu sei, vou irritar algumas pessoas. Mas é assim que é. Não importa o quanto eu seja fã, não importa o quanto eu tente negar, não consigo ignorar o óbvio. Até que me deparei com Septober Energy, que fez o álbum do Yes parecer uma história infantil. Na verdade, Topographic Ocean nos convida a uma jornada ecoespiritual que explora emoções e estética. Seu único defeito é ser composto por temas melódicos inegavelmente sedutores que tendem a se arrastar, sem mencionar as pausas aparentemente espetaculares, mas, no fim das contas, artificiais.

Com suas variações de jazz, a abordagem de Septober Energy é mais intelectual e experimental. E tudo isso está contido em quase 90 minutos que você precisa ouvir de uma só vez. Isso porque Septober Energy consiste em uma única faixa, dividida em quatro partes para o formato vinil. Uma faixa verdadeiramente bizarra para ouvir em uma manhã de domingo de ressaca, para mergulhar completamente nessa estranheza, de preferência combinada com Ummagumma do Pink Floyd , Third do Soft Machine , Tago Mago do Can e Zeit do Tangerine Dream . Depois de um bom analgésico, você pode guardar Tales From Topographic Ocean para o final da tarde. Todos álbuns duplos, como você deve ter notado. Esse era o estilo da época, quando o excesso não era um problema, para a alegria dos amantes da música.

Começando com ruídos incomuns e terminando em um frenesi orgásmico e hippie (" Unidos por todas as nações. Unidos por toda a terra. Unidos pela libertação. Unidos pela liberdade do homem "), não há necessidade de descrever cada seção. Este caldeirão cultural mistura jazz fusion, free jazz, prog, música concreta, música clássica, étnica, coral, lamentos e cantos místicos que beiram hinos à alegria ou à convivência, e muito mais. Atmosferas tribais, misteriosas, inquietantes e que induzem à ansiedade abundam. Esta peça aparentemente interminável alterna entre estados de espírito intensos, pesados ​​e penetrantes e momentos mais relaxados. Instrumentos de sopro vaporosos são ouvidos, os mesmos metais que desencadeiam bombardeios dissonantes que causam arrepios. Quando a guitarra elétrica aparece, torna-se ameaçadora e pesada. No entanto, em meio ao que parece ser um caos absoluto (e isso não é usado de forma pejorativa), os saxofones e trompetes, em seus solos, criam belos coros. Esses solos suntuosos e meticulosamente elaborados permitem até mesmo ao ouvinte mais exigente recuperar o fôlego em meio à cacofonia produzida pelos 50 músicos quando não estão tocando em duos, trios ou quartetos…

Mas como categorizar uma obra que, em última análise, desafia qualquer classificação fácil? O piano de Keith Tippett inevitavelmente evoca sua época com o King Crimson. A presença de membros do Soft Machine e do Nucleus remete ao estilo jazzístico de Canterbury. A fusão de metais e coros evoca Frank Zappa. Esse jazz livre e voltado para a fusão projeta uma longa sombra de John Coltrane e Miles Davis. Uma breve pesquisa revela indícios da influência de Kobaïa.

Pode-se pensar que essa fantasia gigantesca seja caótica. Na verdade, ela é meticulosamente elaborada, mesmo que algumas imperfeições sejam perceptíveis devido às limitações do estúdio (50 pessoas é muita gente!).

É claro que são necessárias várias audições para apreciar esta obra-prima vanguardista, inquebrável, atemporal e iconoclasta. Única em seu gênero, ninguém jamais tentará algo parecido!

Títulos:
1. Septober Energy – Part 1
2. Septober Energy – Part 2
3. Septober Energy – Part 3
4. Septober Energy – Part 4

Músicos:
Piano: Keith Tippett
; Guitarra: Brian Godding
; Bateria: John Marshall, Tony Fennell, Robert Wyatt;
Baixo: Roy Babbington, Gill Lyons, Harry Miller, Jeff Clyne, Dave Markee, Brian Belshaw;
Vocais: Maggie Nicols, Julie Tippett, Mike Patto, Zoot Money, Boz Burrell;
Trombone: Nick Evans, Dave Amis, Dave Perrottet, Paul Rutherford;
Trompete: Peter Parkes, Mick Collins, Ian Carr, Mongezi Feza, Mark Charig;
Saxofone, Flauta, Oboé: Elton Dean, Jan Steele, Ian McDonald, Dudu Pukwana, Larry Stabbins, Gary Windo, Brian Smith, Alan Skidmore, Dave White, Karl Jenkins, John Williams;
Violino: Wendy Treacher, John Trussler, Roddy Skeaping, Wilf Gibson, Carol Slater, Louise Jopling, Garth Morton, Channa Salononson, Steve Rowlandson. Mica Comberti, Colin Kitching, Philip Saudek, Esther Burgi.
Violoncelo: Michael Hurwitz, Timothy Kraemer, Suki Towb, John Rees-Jones, Katherine Thulborn, Catherine Finnis.

Produção: Robert Fripp

CRONICA - AISLES | The Yearning (2005)

 

No Chile também existem grupos que difundem os benefícios do rock progressivo. O AISLES, que conquistou seu respeito ao longo do tempo, é um desses grupos.

A aventura do AISLES começou em 2001 em Santiago, liderada pelo guitarrista Germán Vergara, seu irmão Luis e seu amigo de infância Rodrigo Sepúlveda. O baterista Alejandro Meléndez juntou-se a eles, seguido pelo caçula dos irmãos Vergara, Sebastián, que assumiu os vocais e completou a formação. Após uma série de shows, o AISLES entrou em estúdio para gravar uma demo. Essa demo evoluiu para o primeiro álbum de estúdio da banda, intitulado *  The Yearning  *, lançado em 2005.

O álbum de estreia do AISLES, com mais de 56 minutos de duração, é composto por 7 faixas, sendo que 2 delas ultrapassam os 10 minutos. A faixa de abertura, "The Wharf That Holds His Vessel", tem 11 minutos e 19 segundos. Possui uma primeira seção rítmica, com guitarras robustas e vibrantes e teclados envolventes. Após mais de 2 minutos, uma mudança de ritmo transforma a música, com as texturas do teclado tornando-se mais suaves. Os vocais entram após 3 minutos e 30 segundos, e o andamento evolui novamente, ainda mais aprimorado pelos vocais de apoio e arranjos neoclássicos que adicionam uma camada extra de intensidade, emoção e, por vezes, melancolia. Então, após 8 minutos e 15 segundos, um piano luminoso entra, seguido por guitarras cintilantes que revitalizam o conjunto musical. Em suma, esta faixa é admiravelmente construída, com seus magníficos arabescos melódicos e possui uma alma poderosa. "Grey", que encerra o álbum, é uma obra-prima de mais de 16 minutos que começa com força total, suavizando-se dramaticamente com a chegada de vocais delicados e um piano sereno. A faixa então cresce gradualmente em intensidade, à medida que as guitarras e os teclados adicionam potência ao som geral. Esta peça musical leva o ouvinte a uma jornada por zonas tranquilas com melodias cativantes e, após 9 minutos, endurece, tornando-se mais pesada, mais intensa e resolutamente rock, com guitarras mais incisivas e inúmeras mudanças de ritmo e tom. Os músicos demonstraram toda a extensão de suas respectivas qualidades e ouvir esta faixa, aliás, esta obra, é uma experiência que vale a pena ser vivida como uma viagem imaginária a terras mais acolhedoras.

Entre as outras cinco faixas que emolduram essas duas peças épicas mencionadas no parágrafo anterior, "Clouds Motion" é o arquétipo de uma composição progressiva com estrutura variável, exibindo os músicos com texturas de teclado e guitarra magníficas, uma seção rítmica sólida e mudanças de andamento e tema. Da mesma forma, "The Scarce Light Birth", que se desenrola em um andamento lento, privilegia arranjos sofisticados e delicados que agradam ao ouvido, e apresenta o cantor Sebastian Vergara alternando entre cantar em tons médios e usar trechos falados. Entre o rock progressivo e o pop-rock, a faixa de andamento médio "The Rise of the White Sun" foi habilmente disfarçada de power ballad, ostentando um refrão soberbo e cativante, belas harmonias vocais e arranjos elegantes, provando ser capaz de alcançar amplo apelo e sucesso convincente. "Uncertain Lights" é uma balada folk verdadeiramente bela e descomplicada, imbuída de uma adorável sensibilidade, executada com grande finesse e delicadeza tanto pelo cantor quanto pelos guitarristas, e permanece consistentemente agradável de se ouvir. Quanto a "The Shrill Voice", trata-se de uma faixa com diversas mudanças de ritmo e atmosfera durante a introdução, antes da entrada dos vocais, que diminui o andamento e depois evolui para um tom melancólico. É marcada por trechos falados que adicionam um toque épico, envolvendo o ouvinte antes de finalmente concluir com uma atmosfera que ora é triste, ora mais otimista. Francamente, é uma faixa bastante enigmática, difícil de compreender.

Para um álbum de estreia, o AISLES se saiu excepcionalmente bem, e  The Yearning  é primorosamente produzido, com composições sólidas, construídas com classe e atenção meticulosa aos detalhes, firmemente enraizadas na tradição do rock progressivo e apresentando alguns toques sinfônicos sutis. As influências de GENESIS, PINK FLOYD e YES foram utilizadas com bom senso, e a banda chilena demonstrou potencial para afirmar sua própria identidade a longo prazo. De qualquer forma, o que eles mostraram em  The Yearning  é um ótimo presságio para o futuro.

Lista de faixas :
1. The Wharf That Holds His Vessel
2. Uncertain Lights
3. Clouds Motion
4. The Rise Of The White Sun
5. The Shrill Voice
6. The Scarce Light Birth
7. Grey

Formação :
Sebastian Vergara (vocal, flauta),
German Vergara (guitarra, baixo),
Luis Vergara (piano, teclados),
Rodrigo Sepulveda (guitarra, baixo),
Alejandro Melendez (bateria, piano, teclados)

Gravadora : Mylodon Records

CRONICA - SPRING | Spring (1971)

 

No início da década de 1970, o Reino Unido vivenciava uma explosão musical. O rock progressivo, emergindo da cena psicodélica, ramificou-se em estilos sinfônicos, jazz-rock, pastorais e folk-progressivos. Bandas como King Crimson, Genesis e Jethro Tull exploraram novos territórios sonoros, enquanto uma infinidade de grupos menores e mais underground experimentavam com mellotron, flauta, saxofone e harmonias vocais cuidadosamente elaboradas.

Foi nesse contexto que surgiu o Spring, formado no final dos anos 60 em Leicester, reunindo músicos ingleses e galeses. A formação incluía Pat Moran nos vocais e mellotron, Ray Martinez na guitarra, Adrian Moloney no baixo, Pick Withers na bateria e Kips Brown no órgão, piano e mellotron.

Entre 1970 e 1971, a banda Spring gravou seu primeiro e único álbum no famoso Rockfield Studios, no País de Gales. Lançado pela RCA Neon em 1971, o álbum foi produzido por Gus Dudgeon, conhecido por seus trabalhos com Ten Years After, David Bowie e, principalmente, Elton John.

Ao ouvi-lo, este LP se destaca das produções de rock progressivo inglês da época. Considerado um dos álbuns mais influenciados pelo Mellotron daquele período, Spring oferece um rock progressivo que está longe de ser espetacular se comparado a bandas como Yes, Genesis ou King Crimson. Não há exibições instrumentais ou suítes extensas, mas sim um prog direto, porém sofisticado, que se concentra principalmente na estética e nas emoções. Cada faixa é uma pequena peça bucólica e melancólica, onde os arranjos e a atmosfera substituem o virtuosismo ostentoso. Por vezes, lembra-se de bandas como Moody Blues ou Barclay James Harvest. Isso fica claro na faixa de abertura, "The Prisoner (Eight By Ten)", que desenvolve uma atmosfera que remete ao Genesis, com toques de flauta, e cenários que evocam renascimento, ocasionalmente suavizados por momentos sombrios, sem jamais resvalar para o delírio cavalheiresco.

A guitarra, no entanto, não se assemelha em nada à exuberante execução de Robert Fripp, Steve Howe ou Steve Hackett. O toque de Ray Martinez é sutil e preciso, perfeitamente adequado ao caráter refinado do álbum. Seu fraseado econômico, quase moderno, já prenuncia certas características do neo-prog dos anos 80, onde o instrumento serve principalmente para realçar a atmosfera, em vez de ocupar o centro do palco. Contudo, em "Golden Fleece", uma faixa épica de folk-rock, a guitarra torna-se mais expressiva, por vezes até incisiva, mantendo sua profundidade emocional, amplificando o poder e a poesia da canção.

A voz de Pat Moran não é exatamente extraordinária ou virtuosa, mas seu timbre enigmático e velado contribui plenamente para a magia de Spring . Mais do que um canto vistoso, é uma presença penetrante que permeia cada faixa e acentua a atmosfera suave e melancólica do álbum. Em "Grail", por exemplo, o refrão, equilibrado e quase frágil, é profundamente comovente, evocando uma nostalgia pungente que permanece muito tempo depois da audição. Cada nota parece suspensa, amplificando a emoção e a poesia da composição. Provavelmente a canção mais bonita deste vinil. Por outro lado, a dramática e sombria "Shipwrecked Soldier", introduzida pela atmosfera pseudomedieval de "Boats", revela outra faceta dos vocais de Pat Moran. Muito mais assertiva, denuncia a guerra e traz uma tensão e gravidade que contrastam com a delicadeza das peças mais bucólicas, mantendo-se, ao mesmo tempo, comedida e sem jamais buscar romper barreiras, o que se alinha perfeitamente com a intenção artística do grupo.

Por fim, o som geral também é singular. Com seu órgão e mellotron onipresentes, Spring mantém um toque retrô típico do início dos anos setenta. Mas, ao mesmo tempo, seus arranjos etéreos e sofisticados, o trabalho de guitarra discreto e a atenção meticulosa às harmonias quase prenunciam o soft rock californiano do final da década de setenta (Ambrosia, Toto ou até mesmo certas passagens de Al Stewart). Essa mistura de instrumentos vintage e uma abordagem moderna confere ao álbum um charme atemporal, uma ponte entre épocas. A faixa final, “Gazing”, uma verdadeira obra-prima, ilustra perfeitamente essa ambivalência, combinando nostalgia com frescor sonoro.

No restante do álbum, encontramos atmosferas variadas que demonstram a inventividade do grupo. O country vibrante de "Inside Out", pontuado por sinos etéreos, traz uma energia rítmica inesperada, enquanto a breve "Song To Absent Friends (The Island)", com seus sabores desencantados, desdobra uma poesia melancólica e contemplativa, reforçando o equilíbrio entre leveza e seriedade neste LP singular.

Esta magnífica obra não alcançou o sucesso esperado devido à falta de divulgação. Cada membro seguiu projetos diversos, a maioria dos quais permaneceu confidencial. Apenas Pick Withers emergiu da obscuridade, tornando-se o primeiro baterista do Dire Straits.

O que resta é um álbum que, embora tenha passado despercebido em seu lançamento em 1971, agora se destaca como uma joia esquecida do rock progressivo britânico. Entre camadas de mellotron, guitarra delicada e vocais intrigantes, o álbum oferece um universo sonoro rico e refinado, onde a emoção se desdobra sem ostentação. De faixas como a suave e melancólica "Grail" a números mais intensos como "Shipwrecked Soldier", o equilíbrio entre leveza e gravidade demonstra a inventividade da banda.

Em grande parte ignorado na época, este LP merece ser redescoberto hoje, tanto pela sutileza de seus arranjos quanto pelo poder discreto de sua atmosfera. Uma obra que transcende o tempo e continua a cativar com sua sensibilidade e charme único.

Títulos:
1. The Prisoner (Eight By Ten)
2. Grail
3. Boats
4. Shipwrecked Soldier
5. Golden Fleece
6. Inside Out
7. Song To Absent Friends (The Island)
8. Gazing

Músicos:
Adrian 'Bone' Maloney: Baixo;
Pick Withers: Bateria;
Ray Martinez: Guitarra, Mellotron;
Kips Brown: Piano, Órgão, Mellotron;
Pat Moran: Vocal, Mellotron

Produção: Gus Dudgeon

Orquesta Metafisica ‎– Hipnotizados (2019, CD, Argentina)

Tracklist:
1. Anestesia (4:43)
2. Amnesia (2:06)
3. Bastardos Cósmicos (6:35)
4. Hiromy (3:10)
5. Estrujamientos (6:10)
6. Los Ojos (6:22)
7. La Salamanca (6:38)
8. Abre (3:17)
9. Manada Hipnotizada (1:21)
10. La Catedral (3:50)
11. Elevación Primaria (2:05)

Musicians:
Sebastian Volco: piano, keyboards, mini Moog, Fender Rhodes
Sebastian Rosenfeldt: bass, bass cello, Chapman stick, programming
Silvio Ottolini: drums
Miguel Yanover: saxophones
Pablo Nemirovsky: bandoneon
Clement Janinet: violin
Yaping Wang: yangqin
Robby Marshall: tenor saxophone, clarinet
Pablo Gignoli: bandoneon
Salvador Toscano: drums (4)
Andrea Pujado: violin (5)
Ysandre Donoso: bandoneon (1, 4)
Pablo Nemirovsky: bandoneón (1, 2)
Verónica Votti: cello
Andrea Pujado: violin
Anne Le Pap: violin
Romain de Mesmay: viola

Esta nova obra surge como continuação de 7 Movimientos, um álbum instrumental no qual a banda narrava uma história sobre a libertação do espírito.

Em HIPNOTIZADOS, desenvolve-se o tema da manipulação da opinião pública através dos meios de comunicação de massa, sugerindo que pessoas em todas as sociedades sucumbem ao mesmo discurso que visa gerar medo, obediência e desconfiança.

À medida que HIPNOTIZADOS se desenrola, composições instrumentais são intercaladas com medleys de discursos políticos reais proferidos por personalidades públicas e com gravações de tweets escritos em reação a esses discursos, exaltando patriotismo, segurança, religião, consumismo, novas tecnologias ou xenofobia.

A ORQUESTA METAFISICA propõe música instrumental original, rica em influências, com uma escolha atípica de instrumentos: piano, baixo, bateria e saxofone combinados com cordas clássicas, violoncelo baixo, stick e instrumentos de música do mundo, incluindo o mítico bandoneon do tango argentino e o tradicional yangqin chinês, tudo isso aliado à música eletrônica.

Blank Manuskript ‎– Krásná Hora (2019, CD, Austria)

Tracklist:
1. Overture (6:49)
2. Foetus (6:10)
3. Achluphobia (15:35)
4. Pressure Of Pride (3:38)
5. Shared Isolation (9:55)
6. Alone At The Institution (9:21)
7. Silent Departure (3:37)
8. The Last Journey (8:34)

Musicians:
Peter Baxrainer / acoustic, Classical & electric guitars, vocals
Dominik Wallner / piano, electric piano, synthesizer, organ, clavinet, celesta, Mellotron, vocals
Jakob Aistleitner / saxophone, guitar, bass, flute, glockenspiel, percussion, vocals
Alfons Wohlmuth / bass, flute, bottles, vocals
Jakob Sigl / drums, percussion, vocals
With:
Antonia Sigl / viola
Wolfgang Spannberger / samples

Fundado em Salzburgo, Áustria, em 2007,
o Blank Manuskript é um projeto de Art Rock. Suas canções, tipicamente longas e ornamentadas com alta densidade sinfônica e elaboradas estruturas polifônicas, além de extensas seções improvisadas, conduzem o ouvinte a uma verdadeira aventura musical. Sua abordagem composicional busca combinar diversos estilos e tradições para alcançar o conceito inicial de suas obras. Assim, os arranjos são cuidadosamente estruturados com padrões rítmicos complexos, criando uma paisagem sonora singular na música contemporânea. As letras são pitorescas, com um toque místico elaborado, e, embora à primeira vista pareçam enigmáticas, abordam questões sociais atuais de forma implícita. Como a música sempre segue o conceito narrativo, pode-se classificá-la como música programática de rock contemporâneo.

A banda foi formada em 2007 com o objetivo de desenvolver álbuns conceituais completos, sem a pressão de seguir um estilo musical específico. O primeiro trabalho do Blank Manuskript foi o álbum conceitual Tales from an Island - Impressions from Rapa Nui (2009). O álbum aborda a formação da sociedade e da cultura, tomando como exemplo a Ilha de Páscoa, e culmina em uma história de amor fictícia que gira em torno do famoso culto do Homem-Pássaro. Seu segundo álbum, A Profound Path (2013), frequentemente descrito como de natureza muito mais sombria que seu antecessor, é uma jornada musical do inferno ao paraíso, vagamente baseada na Divina Comédia de Dante. Em 2015, o Blank Manuskript lançou "The Waiting Soldier", que trata da perda de identidade no ser humano. A história se passa em um tempo indeterminado e também pode ser aplicada à vida contemporânea.

Parafulmini ‎– Tenere Fuori Dalla Portata Dei Bambini (2017, CD, Italy)

Lista de faixas:

1.  Intro: Il Professor Magnifizio  (1:36)

2.  T'Arraffo E T'Arruffo  (2:39)

Parafulmini Suite

3.a  Allegro Un Po' Troppo  (1:29)

3.b  Andante Al Mare Con Ruspe  (1:07)

3.c  Allegro Siberiano  (1:11)

3.d  Finale Cacciucco  (0:21)

4.  Stati D'Alimentazione Progressiva  (3:13)

5.  Dunque?  (2:45)

6.  Spavento  (4:21)

Idraulici In Vacanza

7.a  Acqua A Pedale  (3:39)

7.b  Pedale Ad Acqua  (3:22)

8.  Intemezzo Con Zampironi (0:14)

9.  TFDPDB  (3:59)

10.  Il Clan Dei Pappianesi  (3:01)

11.  Miracolo A Vecchiano  (2:45)

Una Settimana di Bontà

12.a  Dentista  (3:06)

12.b  Gitarella  (2:14)

12.c  Polpetta  (3:39)

13.  No, Grazie  (2:37)

14.  Cornacchiaia  (3:41)

Músicos:

Guitarra elétrica, baixo – Stefano Masoni

Apresentando o saxofone barítono – Riccardo Zini

Apresentando o saxofone baixo – Filippo Brilli

Apresentando, Baixo Elétrico – Alfonso Capasso, Luca Cantasano

Apresentando guitarra elétrica, instrumentos [Aparelhos Assustadores] – Fabrizio Bondi

Apresentando: Teclados – Patrizio Fariselli

Gravado e mixado por – Riccardo Andreini

Tambura, Percussão – Marco Bigliazzi

Composição de – Marco Bigliazzi (faixas: 1 a 3, 5 a 10, 12 a 14), Stefano Masoni (faixas: 4, 11)

O primeiro álbum de Marco Bigliazzi (bateria) e Stefano Masoni (guitarras), fundadores do
Parafulmini (Lightning Rods), que eles definem como uma “Prurf Band”, sendo “Prurf” uma expressão que abrange desde o prog rock ao surf
rock e tudo o que há entre eles: punk, alternativo, jazz – o que você imaginar. Keep
Out Of Reach Of Kids (Keep Out Of Reach Of Kids, Lizard Records & Parafulmini, 2017) tem 51 minutos de duração,
divididos em 20 faixas, algumas agrupadas em suítes, como a Parafulmini Suite em quatro
movimentos, e todas interligadas por uma história de ficção científica barata e absurda: Parrucchieri
all'Ultraspazio (Cabeleireiros do Espaço Sideral).

Tenere Fuori Dalla Portata Dei Bambini é um álbum essencialmente instrumental, composto por uma grande variedade
de métricas, melodias e harmonias, com participações especiais: sobretudo Patrizio Fariselli, do
grupo de vanguarda Area, no piano e teclados eletrônicos em duas faixas polirrítmicas, e outros
músicos no baixo elétrico, baixo, saxofone barítono e guitarra metal.

A banda Parafulmini, formada em Pisa (Itália) há alguns anos, está pronta para levar sua
música autoral para o exterior com o novo baixista Riccardo Zini e já tem material inédito quase pronto para o próximo
álbum, que poderá se chamar PRURF.