Róisín Murphy – Overpowered (2007)

 

Róisín Marie Murphy (nascida em 5 de julho de 1973) é uma cantora, compositora e produtora musical irlandesa que se tornou conhecida na década de 1990 como metade da dupla pop Moloko, ao lado do músico inglês Mark Brydon.
Após a separação do grupo...MolokoMurphy embarcou em uma carreira solo.
"Overpowered" é seu segundo álbum de estúdio solo, lançado em 15 de outubro de 2007 pela EMI Records.

Artística, cerebral e, por vezes, francamente excêntrica, Róisín Murphy trilha
um caminho diferente do de outras cantoras pop britânicas. Ela tem sido um dos segredos mais bem guardados do pop desde o fim do Moloko, construindo seu próprio som, que não é exatamente mainstream, mas que lhe renderá o reconhecimento mais amplo que merece.
Para seu primeiro álbum solo, Ruby Blue, ela colaborou com o produtor Matthew Herbert, que refinou seu som, tornando-o criativo, porém não irritantemente peculiar; embora "Rama Lama" tenha entrado no programa So You Think You Can Dance, Ruby Blue não foi exatamente um grande sucesso.
Desta vez, Murphy se uniu a Seiji, do Bugz in the Attic, Andy Cato, do Groove Armada, Parrott & Dean, do All Seeing I, e Jimmy Douglass — todos produtores inovadores, mas com sonoridades pop mais convencionais do que a abordagem de Herbert.
É claro que, no final dos anos 2000, até os singles mais populares tinham pelo menos alguns toques de produção únicos. Portanto, embora "Overpowered" seja, sem dúvida, a música mais direta de Murphy até o momento, ela não sacrificou muito para que fosse assim.
Com suas batidas elegantes, sintetizadores vibrantes e refrão marcante, "Overpowered" se assemelha bastante a um single pop de última geração, mas a maneira como Murphy canta sobre ciência e ocitocina sobre uma harpa emocionante é inconfundivelmente dela.
O restante de "Overpowered" segue a mesma linha, dando toques inteligentes a sons familiares que agradarão aos fãs de longa data de Murphy e conquistarão novos admiradores.
A simplicidade é evidente.“Você me conhece melhor” "Avise,"e“Checando como estou”São faixas frias, porém cheias de alma, com toques de disco, house e pop dos anos 80; “Movie Star” é a versão de Murphy para o glam pop polido do Goldfrapp (e o único momento em que ela parece correr o risco de ser ofuscada pelo som de outra pessoa no álbum). Mesmo sendo canções impecavelmente produzidas, elas transbordam vida — e a personalidade de Murphy."Primitivo"Os sintetizadores e cordas de [nome da cantora] voam como mosquitos em um pântano enquanto ela lamenta: "Preciso te libertar da sua gaiola", enquanto“Querida Miami”A entrega impassível e as batidas minimalistas de "Overpowered" fazem dela possivelmente a música mais gélida já escrita sobre o aquecimento global.
"Overpowered" muitas vezes parece menos intimista que "Ruby Blue", mas isso é um detalhe menor, especialmente quando...“Fitas Escarlates”Mostra o lado terno de Murphy e o seu talento excepcional, vibrante e cheio de atitude.“Pegadas”e“Linguagem Corporal”Está entre as melhores músicas dela.
Como seria de esperar de um álbum com foco no pop, quase todas as faixas de Overpowered soam como potenciais sucessos estrondosos.
Mesmo que este álbum seja uma tentativa de alcançar o estrelato, ele é feito com tanto talento que apenas reforça o quão confiante e singular Murphy realmente é como artista. 

 

Track listing

 

1. Overpowered – 5:08
   Written-By – Róisín Murphy, Paul Dolby
2. You Know Me Better – 4:18
   Written-By – Murphy, Andy Cato
3. Checkin’ on Me – 4:39
   Written-By – Murphy, Ivan Corraliza, Jimmy Douglass, Cheri London
4. Let Me Know – 5:10
   Written-By – Murphy, Cato
5. Movie Star – 4:02
   Written-By – Murphy, Dolby, Patto
6. Primitive – 4:50
   Written-By – Murphy, Corraliza
7. Footprints – 3:37
   Written-By – Murphy, Dolby, Mark de Clive-Lowe
8. Dear Miami – 3:41
   Written-By – Murphy, Dolby, Patto
9. Cry Baby – 5:55
   Written-By – Murphy, Richard Barratt, Dean Honer, Mike Ward
10. Tell Everybody – 3:51
    Written-By – Murphy, Corraliza, Douglass, London
11. Scarlet Ribbons – 5:36
    Written-By – Murphy, Barratt, Honer, Ward
12. Body Language (bonus track) – 4:40
    Written-By – Murphy, Cato
13. Parallel Lives (bonus track) – 4:22
    Written-By – Murphy, Richard X

European iTunes Store bonus track

14. Pandora – 3:56
    Written-By – Murphy, Richard X

Musicians

• Róisín Murphy– vocais
• Mike Patto– teclados; guitarra
• Seij i– teclados; bateria
• Dave Okumu– guitarra
• Andy Cato– instrumentos
• Jimmy Douglass– guitarra
• Fator Doentio– instrumentos
• Ivan Corraliza– arranjos de metais
• Stephen Tirpak– arranjo de metais, trombone
• Matt Cappy– trompete
• Carl Cox– saxofone tenor
• Stephan Murphy- baixo
• Larry Gold– arranjos de cordas
• Kevin Rudolf– guitarra
• Papagaio e Dean– sintetizadores, programação
• Ross Orton- bateria
• Marco de Clive-Lowe– teclados
• Filadélfia Smith– vocais de apoio
• Cheri Londres– vocais de apoio
• Davide de Rose- bateria
• Eddie Stevens– teclados
• Robin Mullarkey- baixo
• Jan Ozveren– guitarra
• Ricardo X– teclados

Technical

• Seiji– produção; engenharia de gravação; produção adicional
• Tom Elmhirst– mistura
• Andy Cato– produção; engenharia; engenharia de gravação
• Fator Doentio– produção adicional; produção
• Eric Kupper– mistura
• Jimmy Douglass– produção; mistura
• Josué Donzela– engenharia de gravação
• Dan Carey– Mixagem; produção, engenharia de gravação
• Alexis Smith– assistência mista; assistência de engenharia
• Papagaio e Dean– produção
• Dean Honer– engenharia de gravação adicional; engenharia de gravação
• Róisín Murphy– Arte de produção
• Scott King– direção de arte, design
• Jonathan de Villiers– fotografia

Darkside – Psychic (2013)

 

Darkside é uma banda americana de Nova York.
A banda foi formada em Providence, Rhode Island, em 2011, pelo músico eletrônico Nicolás Jaar e pelo multi-instrumentista Dave Harrington, ambos estudantes da Universidade Brown na época.
"Psychic" é o álbum de estreia da dupla de música eletrônica Darkside, formada por Nicolás Jaar e Dave Harrington.
Foi lançado em 4 de outubro de 2013 pela Matador Records.

Darkside é o projeto do compositor minimalista de eletropop Nicolas Jaar e do multi-instrumentista Dave Harrington, radicado no Brooklyn. A obra solo de Jaar é permeada por explosões de distorção eletrônica, bateria etérea e padrões de guitarra vibrantes e luminosos.
Um EP homônimo lançado em 2011 apresentou três longas faixas com a combinação inusitada da dupla, que mescla atmosferas etéreas e distorção ameaçadora. Já o álbum de estreia, Psychic, explora um território mais composicional, embora mantenha um caráter etéreo e narcótico, similar ao seu antecessor.
O álbum abre com uma faixa de destaque de 11 minutos .“Flecha Dourada”,Movendo-se como uma suíte através de uma introdução de ambientação sombria e difusa, com efeitos estéreo oscilantes, para uma batida house sensual e submersa, com samples fragmentados de sintetizador e cordas.
Presa entre a pulsação underground e rastejante de experimentalistas minimalistas de avant-techno como Pole ou Gas e as linhas nítidas e limpas de artistas pop noturnos como The Chromatics ou James Blake, a música é um sucesso improvável em seus profundos contrastes.
O espaço é uma preocupação primordial em toda Psychic, com muitos interlúdios ambientais e experimentos com fitas brutas servindo como amortecimento entre momentos pop, como a estranha e melancólica canção de blues.“Rastros de Papel”e as sombras dubby do encerramento do álbum“Metatron.”
Em última análise, são os contrastes e a forma como se encaixam tão bem que fazem de Psychic um sucesso.
O encontro de ruídos frenéticos, nuances de R&B no estilo dubstep, blues excêntrico e eletrônica granulada parece fadado a um choque desagradável, mas, de alguma forma, a organização dos sons, o espaço estéreo e a distância que Jaar e Harrington estabelecem entre os elementos díspares fazem tanto sentido composicionalmente que o álbum flui como um sonho estranho e distante. 

 

Track listing

1. Golden Arrow – 11:21
2. Sitra – 1:23
3. Heart – 4:58
4. Paper Trails – 4:50
5. The Only Shrine I’ve Seen – 7:56
6. Freak, Go Home – 6:37
7. Greek Light – 2:55
8. Metatron – 5:08

Todas as faixas foram compostas por Nicolás Jaar e Dave Harrington.

 

Darkside

• Dave Harrington – produção, composição, guitarras, baixo, contrabaixo acústico, órgão, piano elétrico, piano acústico, sintetizadores, clarinete, baterias eletrônicas, percussão, eletrônica, efeitos
• Nicolás Jaar – Produção, composição, vocais, sequenciamento, programação de bateria, sintetizadores, Wurlitzer, Mellotron, baterias eletrônicas, percussão, eletrônica, efeitos, mixagem

Additional personnel

• Brian Gardner – dominar
• Matt de Jong – design, layout
• Jed DeMoss– fotografia

Companies, etc.

• Revendedor exclusivo – Rough Trade
• Direitos Fonográficos ℗ – Matador Records
• Direitos autorais fonográficos ℗ – Outras pessoas
• Direitos autorais © – Matador Records
• Direitos autorais © – Outras pessoas
• Direitos Fonográficos ℗ – Clown And Sunset
• Direitos autorais © – Palhaço e Pôr do Sol
• Gravado em – The Barn, Garrison, NY
• Gravado em – Clown & Sunset Studios
• Gravado em – The Loft, Brooklyn, NY
• Gravado em – Studio De La Reine
• Gravado em – Other People Studios
• Mixado em – Other People Studios
• Fabricado por – LLC Reino Unido
• Masterizado em vidro na Sony DADC, Southwater

Notes
Lançamento: 4 de outubro de 2013
Gênero: Eletrônica, Downtempo
Duração: 45:08
Produtor: Darkside

ANOICE Post Rock/Math rock • Japan

 

Biografia da banda Anoice:
Anoice é uma banda japonesa que combina estilos como ambient, música composicional e indie rock, resultando em um som pós-rock suave e onírico. A instrumentação da Anoice mistura instrumentos como bandolim e viola com instrumentos tradicionais do rock. A banda está na ativa desde 2004 e lançou seu álbum de estreia, "Remmings", em 2006.

A música da Anoice é altamente recomendada para fãs de Rachels, Dirty Three, Arvo Pärt, Ravel e Harold Budd.

Remmings
Anoice Post Rock/Math rock

 Dois anos após sua formação, o Anoice, um septeto japonês (que é um sério "importador" de post-rock, experimental, minimal, math rock, metal, psyche-pop e shoegaze), lança um álbum de estreia conciso e competente chamado Remmings . O álbum é ótimo, merece um título especial, mas a diferença entre ótimo e excepcionalmente notável reside no público-alvo específico do post-rock a que se destina. O que esperar, afinal? Post-rock/música experimental que dá um passo mais tranquilo e moderno em direção a construções ambientais e eletrônicas, criando instantâneos de ambientes urbanos em sua gestação, sem trastes, mas também talvez repletos de luzes e momentos noturnos e etéreos, ou que rompem a lente para espaços alternativos oníricos, envolventes, virtuais ou harmoniosos. Outra qualidade é a forma musical redonda, estética, porém simples e pseudoconceitual, que combina três grandes vertentes estilísticas (Rock, Ambient e... um Post-rock suave) que alcançam, em um estado de variedade, algumas essências selecionadas: melodia, eterealidade, transe meditativo e sobriedade focada. Soa, de fato, um pouco demais para apenas cerca de 35 minutos, mas quem sabe: se emoções e sensações emanam da música, a questão de analisar demais a arte de Anoice pode ser flexível. Certamente, o álbum possui uma substância simples e direta (ainda que com variedade induzida), subjacente ao árduo trabalho que foi inegavelmente empregado no aprimoramento do material.

Pelo menos na perspectiva da produção refinada e elegante deste álbum de estreia, o talento musical em si é um tema importante. Para muitos dos sete músicos, se não todos, fazer música não é novidade; na verdade, Takahiro Kido e Yaki Murata são solistas com cinco e três trabalhos lançados, respectivamente, até o momento. Além disso, dois projetos paralelos surgiram do Anoice: *moscow*, de Kido, Takahiro Matsue e Todashi Yoshiwara, e *Cru*, de Kido e Murata. Dentro do Anoice, todos os sete possuem habilidades multi-instrumentais, sendo Taku Tanioka o único com um repertório mais limitado, restringindo-se a guitarras e bandolim. A programação também parece ser uma especialidade da maioria, e é de fato vital quando se fala de todas as composições eletrônicas deste álbum centrado no virtual. Kido e Murata, mais uma vez, impressionam com sua performance em mais de cinco instrumentos. Entretanto, instrumentos especiais (que trazem, claro, aquele som extra especial) são a viola, o saxofone tenor, o Glokenspiel ou o acordeão, mas apenas a viola se destaca na mistura de forma marcante. No geral, música e execução excelentes, sem brincadeira!

As influências declaradas são Radiohead, Sigur Rós, Arvo Pärt, Claude Debussy, Karlheinz Stockhausen e Harold Budd. As referências à música clássica são aceitáveis, na medida em que alguns detalhes composicionais se aproximam do estilo e da textura modernos; além disso, a atmosfera sóbria, permeada por todos os efeitos e pinceladas sutis, é impressionista de uma forma estranha e fria. Já uma referência pop como Radiohead é totalmente discutível, em contraste com as harmonias e o surrealismo de Sigur Rós, EitS ou qualquer outra banda do ramo melódico e sonoro. Mas tudo isso são apenas dados concretos em comparação com o momento em que o Anoice se torna ele mesmo, criando música talentosa, completa e meticulosamente elaborada. Aí, por definição, é algo pós-rock, mas também com um toque mais do que mediano.

Remmings contém cinco composições sem título que se alternam com outras quatro, digamos, com títulos regulares. A lógica do álbum é normal, e o aroma individual de cada peça prevalece. A série sem título é composta principalmente por peças ambientais, com exceção da nº 2 , que é experimental, silenciosa, com mixagem de som e um minimalismo desconstruído; enquanto isso, a terceira e a quarta intervenções trazem um instrumento em destaque, primeiro a ambientação do teclado, depois uma breve e lenta passagem de violão acústico. Passando para as faixas com título, Aspiring Music trabalha com um ritmo semelhante ao Bolero de Ravel e soa sombrio, postural, forte, frenético, elétrico e, em raros momentos, esquizofrênico. Kyoto é rock, melódica e sensível, enquanto Liange é teoricamente um momento de pensamento positivo, arejado, urbano, reflexivo, inspirador e com destaque para a viola. Em comparação com a primeira parte, a segunda metade do álbum é um pouco mais suave, especialmente em " Three-Days Blow" , que inicialmente retoma a atmosfera acústica da faixa anterior e, em seguida, constrói outro momento melódico, tranquilo até um clímax suave e lógico. Mas a última faixa inspira mais uma vez, com uma ambientação sintética, etérea e envolvente, com toques de piano e ondulações pós-rock.

No geral, Remmings é um trabalho de boa qualidade, artístico e digno de nota. E, considerando que um segundo e um terceiro álbum estão planejados para este ano, podemos afirmar com certeza que ainda há muito mais por vir nessa jornada.

ANNOT RHÜL Psychedelic/Space Rock • Norway

 

Biografia de Annot Rhül
Fundado em Trondheim, Noruega, em 1998,

ANNOT RHÜL não é uma banda no sentido tradicional da palavra, mas sim um pseudônimo para Sigurd Lühr TONNA , o homem por trás da música e dos arranjos. Ele toca guitarra, teclado e efeitos, às vezes baixo, além

de outros instrumentos peculiares. Sigurd frequentemente conta com a participação de amigos criativos em estúdio, que tocam instrumentos adicionais. Seu primeiro álbum completo, 'Lost in the Woods' (2007), foi produzido com a ajuda de três membros do Seid - Burt Rocket, Organ Morgan e Jürgen Kosmos, além de Haakon Marius Pettersen (Fuckface, Moving Oos, New Violators), Lene Stakset (Zetored, Geisha, Radio Saglars), Sven Arne Skarvik (Love Revolt, Ningun Extremo, Amberville), Stian Gjelvold (Nopia), Halvor William Sanden (Fritt Fall) e Ståle Norum (Tremolo Wankers, Thrush, Funny Farm).

Foto de Organ Morgan

. O álbum atual do ANNOT RHÜL está sendo lançado pela gravadora austríaca Sulatron Records - uma compilação de dois lançamentos anteriores que representam uma jornada eclética por diversos estilos de rock progressivo. 'Quem precisa de aviões ou máquinas do tempo quando há música e devaneios?' (2006) foi gravado e produzido de 2003 até a primavera de 2005. O EP seguinte, 'Lost in the Woods', foi inspirado em filmes de terror. Atualmente trabalhando em um novo álbum, ANNOT RHÜL é recomendado para amantes de música progressiva melancólica, lúdica e com toques de folk, que também incorpora muitos elementos de teclado vintage.

Leviathan
Annot Rhül Psychedelic/Space Rock

 Acredito que este seja um dos lançamentos mais empolgantes da gravadora italiana Black Widow, especializada principalmente em heavy rock/prog. ANNOT RHÜL é o pseudônimo invertido do talentoso multi-instrumentista norueguês Sigurd Lühr Tonna, e Leviathan é seu terceiro álbum completo.

Uma palavra que melhor descreve essa música é *intensa*. Se fosse um filme, teria tags como aventura, fantasia, terror, ficção científica, suspense, etc. As fontes literárias de inspiração parecem ser os primeiros escritores de ficção especulativa, como Júlio Verne e H.P. Lovecraft, aos quais alguns dos subtítulos das faixas fazem referência. Partes vocais estão espalhadas aqui e ali no álbum, que é voltado para um rock psicodélico/espacial instrumental com forte presença de teclados. Na minha opinião, a melhor comparação musical seria com o ELOY em sua melhor fase de rock espacial (álbuns como Ocean), e, pelo menos ideologicamente, talvez com o GOBLIN, da Itália, que fazia música para filmes de terror, mas também se poderia pensar em uma combinação do heavy metal clássico do BLACK SABBATH com o PINK FLOYD da era Saucerful of Secrets, produzido com perfeição por ALAN PARSONS. Aliás, essa última associação me veio de uma parte que apresentava um som semelhante ao de um kantele – 'The Fall of the House of Usher', do álbum de estreia do APP, inspirado em Poe. Mas enfim, a produção aqui é soberba; Tonna e seu vasto elenco de músicos e vocalistas convidados criaram uma paisagem sonora completa e — desculpem-me repetir — intensa, que evita se tornar uma bagunça amorfa. Dentre os instrumentos, é preciso mencionar especialmente o Mellotron [samples], o Hammond e o Mini-Moog, e o Gretsch Lapsteel tocado por Svern-Arne Skarvik.

Então, com todas essas características louváveis ​​deste álbum, as altas avaliações são definitivamente justificadas. Por um momento, cheguei a pensar em dar cinco estrelas. Mas também há o lado negativo. No fim das contas, a música soa um pouco repetitiva ao longo dos 48 minutos, tanto na composição quanto na execução. Algumas seções menos *intensas* aqui e ali, trazendo nuances mais delicadas, teriam feito maravilhas pelo conjunto. Mas isso é puramente uma questão de gosto, o eterno dilema entre unidade artística e versatilidade. Se minha descrição acima lhe pareceu muito promissora, recomendo fortemente. 3,5 estrelas, arredondando para cima.

Lost In The Woods
Annot Rhül Psychedelic/Space Rock

 ANNOT RHUL é uma criação de Sigord Luhr Tonna. Pegue seu nome do meio e sobrenome e escreva-os ao contrário para obter o nome da banda. Sigord e a banda são da Noruega e tocam uma boa variedade de psicodelia onírica que lembra PINK FLOYD e a psicodelia dos anos 60. Há uma boa variedade aqui, na verdade. Devo admitir que estou completamente cativado por este álbum. Devo mencionar também que o primeiro álbum deles, "Who Needs Planes Or Time Machines, When There's Music And Daydreams?", foi lançado originalmente apenas em CD-R, pois eles não tinham contrato com nenhuma gravadora. Isso foi corrigido agora que eles estão em uma gravadora. Assim, temos tanto o primeiro álbum completo quanto o EP mais recente, "In The Woods", que juntos somam pouco mais de 60 minutos.

As seis primeiras músicas são do EP "Lost In The Woods" e foram inspiradas em filmes de terror. A primeira é "Lost In The Woods", que começa com órgão e sintetizadores antes da entrada do mellotron. A atmosfera aqui é densa. Os vocais entram após 1 minuto e meio e, quando param, a música fica espacial e depois ganha intensidade. Uma faixa incrível. "Ghost Children" tem uma paisagem sonora relaxante e onírica, com a entrada dos vocais. Os vocais femininos também contribuem. Uma calmaria antes dos 3 minutos, e então a música cresce. "Deadly Nightshade" é uma tempestade de mellotron do início ao fim. "Roses Blue" é uma música de Joni Mitchell, do álbum "Clouds". Esta versão soa muito diferente da original, com o órgão flutuante, o mellotron e os vocais masculinos. Adorei! "Sailing On The River Styx" é uma paisagem sonora curta, mas intensa. Muito épica e dramática. "The Dark Lord" encerra o EP em grande estilo. Esta é arrasadora, com peso e vocais agressivos. Ótima faixa.

As últimas dez músicas são do álbum de estreia. "Mirage" é uma paisagem sonora de tirar o fôlego, com uma atmosfera poderosa, onde os sons pulsam e flutuam. "Evergreen Forest" começa com sons da natureza, seguidos por uma melodia simples e depois mellotron. A atmosfera desaparece após 1 minuto e meio, assumindo um tom semelhante ao do Pink Floyd, mas não por muito tempo. Quando retorna, soa magnífica. "Planes Or Time Machines" cresce com a batida forte da bateria. O órgão também entra. Fica mais pesado antes de um minuto. "Light" é uma névoa psicodélica relaxante. "Carlos' Brothers" começa com bateria, guitarra e baixo. Uma vibe oriental surge antes de um minuto. A guitarra então faz um solo. Muito bom. "Sans Souci" começa com bateria e teclados. Vozes e sons assombrosos encerram a faixa. "King Arthur" tem uma pegada psicodélica dos anos 60. Um toque espanhol também. "Knife Valley" começa após um minuto com um ritmo acelerado. Som excelente. "The Haunted Mansion" começa com violão e atmosfera. O som fica mais encorpado. Mellotron aos 2 minutos. "Aurora Borealis" soa como se tivesse sido feita por uma banda eletrônica. Bem espacial, com muito sintetizador Moog. Uma música legal. "Stung By A Cactus" é a faixa de encerramento e tem uma vibe psicodélica dos anos 60, muito parecida com "King Arthur", só que essa tem trombone.

Altamente recomendado para todos os fãs de música psicodélica. Disco fantástico!

Spettri - Spettri (1972)

 

SPETTRI era uma banda florentina de cinco integrantes, formada pelos irmãos Ugo e Raffaele Ponticiello em 1964. Tiveram uma carreira relativamente longa e lançaram vários singles durante o auge da era beat italiana, embora seu som tenha evoluído gradualmente e, na virada da década, passaram a tocar covers de músicas de bandas de heavy rock contemporâneas do Reino Unido e dos EUA. A banda também passou por diversas mudanças de formação ao longo dos anos, e entre os músicos que entraram e saíram estava o baterista Mauro Sarti, famoso por sua atuação na banda CAMPO DI MARTE. O membro mais jovem do clã Ponticiello, Vincenzo, juntou-se à banda em 1971, tornando o projeto um verdadeiro negócio de família.

Entre 1970 e 1971, a banda também compôs material original suficiente para um álbum completo, que foi gravado em uma única sessão em 13 de outubro de 1972, com um som bastante primitivo e produção precária. No entanto, o álbum nunca viu a luz do dia até 2011, quando a Black Widow Records lançou uma versão remasterizada da obra homônima, quase às vésperas de seu 40º aniversário. Trata-se de um álbum conceitual que retrata a busca de um homem por seu eu interior por meio de uma sessão espírita, embora também seja uma alegoria sobre o egoísmo e a hipocrisia da sociedade moderna e a erosão da humanidade. A jornada do protagonista ao abismo é apropriadamente acompanhada por uma atmosfera sombria de riffs pesados ​​de guitarra e órgão Hammond, que juntos soam como uma colisão entre BLACK SABBATH e DEEP PURPLE. O

SPETTRI teve uma boa atividade ao vivo, mas acabou se separando em 1975. De acordo com as notas do encarte do álbum, os vários membros da banda seguiram caminhos musicais diferentes devido à "crescente indiferença do público à música refinada" naquela época. Descrever o SPETTRI como "refinado" pode soar um pouco forçado para o ouvinte, já que o principal atrativo da banda parece ser caracterizado justamente por seus defeitos, sua crueza e sua exuberância pura.

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 Uma hora de Hammond pesado e intenso

. O Spettri começou em meados da década de 1960 como mais uma banda do beat italiano e passou por diversas mudanças de formação antes de chegar ao seu novo som pesado por volta de 1970. Os membros da banda foram fortemente influenciados por bandas da época, como Sabbath, Deep Purple e Colisseum. Eles compuseram este álbum, que se tornou um pilar de seus shows ao vivo. Foi gravado em 1972, mas nunca lançado até que a Black Widow o relançou este ano. É um álbum conceitual com quatro longas partes sobre um homem lidando com problemas espirituais e sua busca por respostas. Ao contrário de muitas bandas da RPI na época, Spettri não se inspirava na tradição da música italiana, na vanguarda ou em influências da música clássica. Em vez disso, Spettri buscava o hard rock inglês/progressivo pesado de seus ídolos, e eu diria que o som pode ser bem descrito como algo à la Deep Purple com uma pitada de Black Sabbath. Muitos solos de guitarra com a vibe de Blackmore e uma forte presença de órgão acompanhando vocais vibrantes e teatrais. Aqui e ali, interlúdios de violão criam um contraste, mas o foco principal é o peso, com riffs em abundância e atmosferas sombrias. ....../...... (mais em Progarchives.com)
Resenha do Finnforest


Studio Album, lançado em 2011

Lista de músicas / faixas


1. Introduzione (0:55)
2. Prima Parte: Stare Solo (5:32)
3. Seconda Parte: Medium (9:55)
4. Terza Parte: Essere (12:03)
5. Quarta Parte: Incubo (11:00)

Total Time 39:25


Alinhamento / Músicos

- Ugo Ponticiello / vocais
- Rafaelle Ponticiello / guitarras elétrica e acústica
- Vincenzo Ponticiello / baixo
- Stefano Melani / órgão Hammond
- Giorgio Di Ruvo / bateria

Informações sobre o lançamento

Gravado originalmente em 1972. Remasterizado e lançado pela primeira vez em 2011 pela Black Widow Records.

MUSICA&SOM ☝

Blue Goose - Blue Goose 1975

 

                                       Pesado, crocante, com guitarras poderosas, uma loucura de blues-psicodélico!!!!

Blue Goose é um disco realmente ótimo do Reino Unido, de 1975, que soa mais como se fosse de 1972 ou 1973. Um som de boogie psicodélico/blues pesado, intenso e enérgico, com ótimas guitarras, teclados e até gaita. Tudo o que eu amo no rock do início dos anos 70 e uma verdadeira joia perdida!!!

Eddie Clarke (do Motörhead) deixou a banda pouco antes da gravação deste álbum.
Ele foi substituído por Mike Todman, mas ainda recebeu créditos de composição em uma das faixas.

A última música, "Inside Yourself", é o grande destaque para mim — uma fantástica jam de blues psicodélico que se estende indefinidamente. Eu não queria que acabasse nunca!!! É uma pena que este tenha sido o único álbum deles...

Aliás, a capa deste ótimo LP tem um logotipo em relevo de altíssima qualidade. Embora esteja disponível em CD importado do Japão, aparentemente a Amazon não o vende, o que é uma pena, pois este é um dos meus favoritos na minha coleção de "grandes discos perdidos dos anos 70" e outras pessoas deveriam ouvi-lo!!!

Fãs deste álbum também devem conferir Stray Dog, Jeronimo, Demian, Head Over Heels, Jericho, Second Life e Tin House. (Por Tuco; Amazon.com)
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Blue Goose - Blue Goose 1975 (Japão 2004)

Lista de faixas:

01. Stuttin' Stuff
02. The Chorus
03. Call On Me
04. Loretta
05. Snowman
06. Over The Top
07. Let Me Know
08. Inside Youself

 



Formação:

   Alan Callan – sintetizador, guitarra, vocais;
   Mike Todman – guitarra;
   Nick Hogarth – teclados;
   Nick South – baixo;
   Chris Perry – bateria

MUSICA&SOM ☝