The Who

 Biografia

The Who é uma banda de rock britânica surgida em 1964. A formação original era composta por Pete Townshend (guitarra), Roger Daltrey (vocais), John Entwistle (baixo) e Keith Moon (bateria).

O grupo alcançou fama internacional, se tornou conhecido pelo dinamismo de suas apresentações e passou a ser considerado uma das maiores bandas de rock and roll de todos os tempos.

Eles também são julgados pioneiros do estilo, popularizando entre outras coisas a ópera rock (principalmente com Tommy), sob a liderança de Pete Townshend.

No princípio de sua carreira a banda ficou famosa por arrebentar completamente seus instrumentos no final dos shows (especialmente Townshend, cuja destruição de guitarras tornar-se-ia um clichê do rock, e o alucinado Keith Moon, mandando seu kit de bateria pelos ares). Seus primeiros álbuns mod, repletos de canções pop curtas e agressivas, os distintos power chords de Townshend e temas recorrentes de rebelião juvenil e confusão sentimental, foram influências primordiais no surgimento do punk rock e do power pop.

Discografia

01. The Who Sings My Generation
02. A Quick One
03. The Who Sell Out
04. Tommy
05. Who's Next
06. Quadrophenia (Disc 1)
06. Quadrophenia (Disc 2)
07. The Who By Numbers
08. Who Are You
09. Face Dances
10. It's Hard
11. Then and Now! - 1964-2004
12. The Very Best Of The Who - My Generation

MUSICA&SOM ☝

Wight Island Festival

Uma das apresentações antológicas do grupo, com toda a sua energia ao vivo na Ilha de Wight, na década de 70, no ange, com a formação original.

Radio Massacre International ~ England

 

Republic (1996

Faz um tempo que não ouço nada do Radio Massacre International, e ainda mais tempo desde os primeiros álbuns que me conquistaram inicialmente. Acho que "Republic" foi o primeiro que comprei, em 2001, e me fez começar a colecionar bandas britânicas no estilo retrô do Tangerine Dream (Red Shift, AirSculpture, Arc, Under the Dome, Arcane, etc.). O Tangerine Dream estabeleceu uma estrutura interessante de "Phaedra" a "Encore", que não foi copiada por ninguém, nem mesmo por eles próprios, por mais de 20 anos. Houve algumas tentativas tímidas, geralmente por artistas solo (o que é quase impossível – é preciso a sinergia de pelo menos duas pessoas para que haja alguma troca de ideias). Finalmente, alguns dos grupos que mencionei acima começaram a levar isso a sério. Outro ingrediente fundamental é o uso de sintetizadores analógicos (Moogs, VCS, Elka, Mellotron). O que eu gosto é que o RMI e os outros não se limitam ao retrô e usam a tecnologia moderna a seu favor. Mas eles também não abandonaram o passado. Depois, há o desenvolvimento de cada peça. Nada de sequências lineares para esses caras; eles estão sempre mexendo em botões, adicionando ou reduzindo sons conforme necessário. É só relaxar e observar o mundo passar. Aqui está a sua trilha sonora.

Outro álbum que não documentei na era UMR, embora tenha dado uma ouvida rápida em 2014. Não que meu ponto de vista tenha mudado nos quase 20 anos desde aquela resenha. Mas vamos aos detalhes. São apenas três faixas. Cada uma com mais de 20 minutos, preenchendo todo o CD. No entanto, não começa de forma bombástica. A faixa de abertura tem uma construção lenta, com muitos sequenciadores e mellotron para definir o tom. 

A segunda composição é semelhante, embora os sequenciadores se tornem mais potentes por volta dos oito minutos. E então você percebe que a guitarra está se preparando para explodir. E é exatamente isso que acontece, com sintetizadores estrondosos ao fundo, no mesmo instante em que o mellotron coral sombrio entra em cena. Essa combinação é difícil de superar, não importa o gênero musical que você esteja ouvindo. Essa faixa fica muito intensa em alguns trechos, como ouvimos do Tangerine Dream em seus lançamentos ao vivo de arquivo de 1977. O final dessa faixa incrível soa mais como Heldon do que como Tangerine Dream.

Para não ficar atrás, Republic então nos leva àquela mesma caverna escura com um lago, como descrevi na minha resenha da Rubycon. O mellotron coral define a atmosfera assombrosa. A questão é: vamos sair pelo rio ou ficar lá para sempre? Os sequenciadores então começam a iluminar o caminho para que possamos encontrar a saída. O otimismo se reflete nas fitas de flauta do mellotron. O ritmo dos sequenciadores continua a aumentar. Aos 19 minutos, tudo está mais alto e intenso. Nos últimos seis minutos, temos a oportunidade de refletir sobre tudo o que aconteceu.

Se você pretende se aprofundar no universo do Radio Massacre International, sugiro que a Republic Records esteja no topo da sua lista.

É interessante notar que este álbum não está listado no ProgArchives, embora a maioria esteja. Este é um dos álbuns mais importantes da banda, então é uma ausência estranha, sem dúvida.

Planets in the Wires (2001)

Segundo meu banco de dados, acumulei 14 álbuns do RMI até hoje e vendi um (Zabriskie Point). Muito do mesmo, você pergunta? Era mais ou menos o que eu pensava antes de ouvir este. De todos os álbuns deles que possuo, este é o que menos me agrada.

Agora já não tenho tanta certeza dessa avaliação. Devo dizer que é muito longo, e os 75 minutos poderiam ter sido facilmente reduzidos em 20 minutos. Algumas das longas seções "ambientais" não acrescentam muito à gravação e se afastam do que o Radio Massacre International faz de melhor: essencialmente copiar o Tangerine Dream da era Baumann. Mas quando os sequenciadores começam a rugir e Gary Houghton começa a tocar guitarra de forma semelhante a Edgar Froese, bem, é difícil não apreciar o conteúdo. Provavelmente tenho material demais desse tipo. Onde traçar a linha? Não sei – vou adiar isso mais um pouco. Tenho outras prioridades.

Solid States (2003)

Solid States é composto por quatro shows ao vivo e em estúdio realizados em novembro de 2002, tanto na Filadélfia quanto na região de Los Angeles. Este é um dos lançamentos mais psicodélicos do Radio Massacre International, principalmente devido à abundância de guitarra elétrica. Basicamente, o que temos aqui são longas jornadas de música eletrônica da Escola de Berlim com sequenciadores analógicos potentes, mellotron e solos de guitarra ácidos e estridentes. Se isso soa como Tangerine Dream da era Encore, incluindo o tema dos shows nos EUA, então sim, você acertou em cheio. É impossível se fartar de 'Coldwater Canyon', na minha opinião, e aqui você mergulhará em aproximadamente duas horas e meia dessa experiência. Essencial.

The God of Electricity (1994 / 2000)

Na verdade, The God of Electricity é o primeiro álbum do Radio Massacre International, embora só tenha sido lançado em 2000. O álbum foi gravado durante o verão de 1994 e posteriormente montado, o que difere um pouco do protocolo normal do RMI. É uma obra mais sombria, com sintetizadores dominando ainda mais do que em trabalhos posteriores da banda. Os sequenciadores nos lembram, mais uma vez, que a era Baumann do Tangerine Dream serviu de modelo para todas as gravações futuras do RMI. The God of Electricity é mais um excelente álbum do RMI, embora eu não o recomendaria como ponto de partida. Melhor começar pelo álbum de estreia, Frozen North, para ter a verdadeira experiência do Radio Massacre International.

Septentrional (2006)

Radio Massacre International deve ser considerado um dos grupos mais inovadores dos últimos tempos. Certamente dentro do cenário da música eletrônica, um campo que tem a mesma devoção e lealdade inabalável aos subgêneros que o heavy metal. Ou você é "Escola de Berlim", ou "Ambient", ou "Techno", ou qualquer outro rótulo do gênero, mas não deveria ser todos eles — dizem muitos fãs. O RMI, que começou praticamente restrito à "Escola de Berlim", agora é tudo isso e muito mais, com incursões recentes no Krautrock psicodélico e em qualquer outra coisa que lhes dê na telha. Septentrional é um de seus álbuns em CD mais polarizadores (seus CD-Rs lançados de forma independente são ainda mais controversos). Produzido por Ian Boddy e lançado por sua gravadora DiN, Septentrional mostra o RMI em sua forma mais moderna e vanguardista. Mas de uma forma paradoxal. Veja bem, Septentrional tem mais daquele mellotron antigo do que qualquer outro álbum deles. É claro que a música passa por um processo de produção meticuloso, com ecos, efeitos techno, fases, manipulações e, por fim, tortura no laboratório de cientista maluco de Boddy. É tudo fascinante. Música para fones de ouvido da era moderna. Se você procura apenas uma composição que o deixe boquiaberto, sugiro "Trident", que é verdadeiramente uma obra de arte para os ouvidos e para os olhos.

Frozen North (1995)

Tudo começa aqui para o Radio Massacre International (RMI). Essa banda inglesa extremamente criativa praticamente sozinha trouxe de volta à proeminência o formato de trio da Escola de Berlim. Os três integrantes tocam com uma infinidade de equipamentos analógicos (sim, claro, mellotron, Moogs, etc...), enquanto um deles também toca guitarra elétrica. Soa familiar? Com ​​certeza. Então, se você está procurando por mais uns 20 álbuns de qualidade dos gloriosos anos "Virgin Baumann" do Tangerine Dream, tenho ótimas notícias! Não que o RMI se contentasse em ficar só nessa mesma vibe, já que muitos de seus álbuns seguiram outras tendências do Kosmische alemão, mas o foco principal do RMI era o Tangerine Dream com sequenciadores e atmosfera, típico de meados para o final dos anos 70. E o CD duplo Frozen North é o ponto de partida perfeito (se você conseguir encontrá-lo, claro – comprei o meu logo após o lançamento). Estamos falando de duas horas e 15 minutos de Tangerine Dream da era Encore com um toque de Rubycon. Não se trata de uma mera cópia, mas sim de uma interpretação completamente singular de um som clássico. Dizer que é essencial para os fãs da música eletrônica da Escola de Berlim seria quase um eufemismo.

Knutsford in May (1997)

A parte mais difícil de escrever sobre o Radio Massacre International é que eles têm tantos álbuns incríveis que é quase impossível distinguir o que é ótimo do que é realmente ótimo. Se você é fã da Escola de Berlim da música eletrônica (Tangerine Dream, Klaus Schulze, etc.) e gosta de sequenciadores, mellotron e guitarras elétricas (e até bateria acústica nos álbuns mais recentes), então não espere mais um segundo – corra e compre pelo menos um álbum do RMI. É quase impossível errar, embora, como eu disse no prelúdio, haja uma certa diferença entre os títulos. "Knutsford in May" é um dos títulos imperdíveis para os fãs do gênero. Este álbum tem mellotron e guitarras em abundância, e enquanto o ouve, você se sentirá como se tivesse sido transportado para o estúdio de Edgar Froese por volta de 1975. O RMI dominou completamente o estilo, e se você está procurando um ponto de partida, "Knutsford in May" é tão bom quanto qualquer outro.

Rain Falls in Grey (2007)

Como mencionei na minha resenha para a Septentrional, o Radio Massacre International é um dos grupos mais inovadores da atualidade. Um exemplo disso é Rain Falls in Grey. Neste trabalho, o RMI presta homenagem a Syd Barrett. Musicalmente, este é o trabalho de space rock mais explícito do RMI, com guitarras elétricas estridentes e bateria feroz. Além disso, o RMI conseguiu criar aquelas atmosferas mágicas que normalmente se encontram em um antigo lançamento do grupo alemão Ohr, que por sua vez era fascinado pelo Pink Floyd do final dos anos 60. Sendo RMI, nunca estamos muito longe do Tangerine Dream clássico de meados dos anos 70, e a combinação do som inicial do Krautrock com a eletrônica da "Escola de Berlim" é fascinante. Após um período de calmaria no início da década, o RMI criou uma trilogia de lançamentos clássicos, começando com Emissaries. Cada um representa um som completamente diferente. Raramente se encontra esse tipo de inovação, muito menos vinda de uma banda cuja trajetória musical já tinha quase 15 anos.

A Piedi Nudi ~ Italy

Creazione (1995)

Quando Ezra Winston reabriu as portas do prog italiano no início de 1988, inaugurou uma nova onda de atividade no gênero. A maioria das bandas foi influenciada pelo neo-prog de bandas como Marillion, e também ousadamente adotou o inglês. Uma escolha pouco sábia. Embora algumas bandas já explorassem as vertentes mais antigas do prog, cantando em italiano, como Nuova Era, Sithonia, Deus Ex Machina (em latim, inclusive) e Malibran (posteriormente), nenhuma delas se aventurou pelos recônditos mais sombrios do início dos anos 70. Até que A Piedi Nudi surgiu na cena. Uma versão atualizada de Il Balletto di Bronzo era muito necessária e foi bem recebida. Sei que alguns se incomodaram com a guitarra metalizada, mas era uma reprodução razoável, especialmente para a época. Quando A Piedi Nudi retornou um ano depois com seu segundo álbum, acho que ninguém estava preparado para o que ele desencadeou. Sim, o prog italiano em sua forma mais frenética estava de volta. Um dia mais brilhante, sem dúvida.

Depois de finalizarem Il Balletto di Bronzo, o A Piedi Nudi se aventurou em Semiramis. Agora eles estão realmente se dedicando! E Campo di Marte, alguém aí curte trompa? Incrivelmente, mesmo tendo perdido um ingrediente fundamental com a saída do vocalista Mirko Schiesaro, o baterista Carlo Bighetti provou ser igualmente competente. Então, que o diga Phil Collins. E claro, os teclados ainda são digitais e a guitarra tem um timbre decididamente metal. Mas eu me encaixo na categoria "e daí?". O álbum é uma grande montanha-russa, assim como os mestres do início dos anos 70. Jumbo, Museo Rosenbach, Capitolo 6, De De Lind e todos os outros. Muitos grupos modernos seguiram o exemplo, alguns retornando aos equipamentos analógicos. Todos desenvolvimentos positivos que levaram ao grande renascimento do prog italiano, que atingiu seu ápice em 2013. Acredito que este álbum teve uma participação enorme nesse desenvolvimento geral.

De acordo com meus registros, não há registro de nenhuma atividade relacionada a este título desde 2004. E sim, parece uma eternidade desde a última vez que o ouvi, pelo menos 25 anos. Mas ouvi Creazione  muitas vezes depois de recebê-lo pela primeira vez. Foi emocionante ouvir meu tipo favorito de prog italiano tocado por uma banda contemporânea da minha geração. Apesar do longo intervalo, reconheci tudo imediatamente. Um dos álbuns de rock progressivo mais marcantes de meados dos anos 90.

Adoro também a arte da capa peculiar, que reflete perfeitamente o conteúdo do álbum. Comprei o LP quando foi lançado justamente por esse motivo. Hoje, ele está em destaque na minha parede de álbuns.

Com todas essas bandas voltando depois de hiatos de 20 e 30 anos, será que ouviremos falar do A Piedi Nudi novamente? Talvez com um órgão e mellotron de verdade dessa vez.

Eclissi (1997)

O terceiro álbum do A Piedi Nudi segue a mesma linha dos anteriores. Há uma influência de metal progressivo, embora a sonoridade ainda aponte mais para o rock progressivo tradicional. Nesse sentido, Eclissi se assemelha mais ao álbum de estreia da banda. Eles pareciam estar trilhando um caminho similar ao dos seus compatriotas do Garden Wall, embora sempre com uma pegada mais italiana. A Piedi Nudi foi uma das minhas bandas favoritas dos anos 90. E revisitar o álbum só confirma essa minha opinião.

A Piedi Nudi (1994)

O álbum de estreia do A Piedi Nudi soa exatamente como se propôs a ser: uma versão atualizada do Il Balletto di Bronzo, especialmente do seu lendário álbum Ys (inclusive, abre com "Introduzione" e fecha com "Epilogo" – não é coincidência). Não tão brilhante ou inovador, claro, mas ainda assim um esforço valente. Comecemos pelos vocais de Mirko Schiesaro. Sem dúvida, ele estudou Ys atentamente, pois canta de forma muito semelhante a Gianni Leone, principalmente ao truncar os versos e elevar a voz perto do final de cada estrofe. Talvez não tão histriônico – ou tão eficaz, honestamente – mas, sim, o estilo é basicamente o mesmo. Agora, vamos à guitarra de Nicola Gardinale, que também é o único compositor aqui, então é claramente o show dele. O timbre de Gardinale é decididamente metal dos anos 90, com muitos riffs. É um contraste bastante dissonante com o tom psicodélico pesado esperado do todo-poderoso Balletto, mas ainda assim muito empolgante, e se encaixa bem no estilo musical. Ele também compõe quebras repentinas semelhantes às de Ys. O ponto negativo fica por conta dos teclados de Cristian Chinaglia. Ele é um músico competente, sem dúvida, mas os sons são exatamente o que se esperaria dos equipamentos digitais de plástico da época, muito típicos dos anos 80 e 90. Mesmo quando o "som de órgão" está ativado, não se compara ao mellotron e ao órgão autênticos dos mestres. Perdida em meio a tudo isso está a fantástica seção rítmica dos irmãos Bighetti, que talvez sejam os mais próximos da gravação original do Balletto, e estão à altura da tarefa, acompanhando as constantes mudanças de compasso. Ao longo do álbum, a música começa a se misturar de forma um tanto homogênea, embora uma audição atenta revele muitas diferenças internas. O álbum de estreia do A Piedi Nudi é um dos muitos clássicos da cena do rock progressivo italiano dos anos 90 e, assim como as bandas dos anos 70, provavelmente será descoberto 20 ou 30 anos depois. A banda evoluiria a partir daí, incorporando mais referências à cena italiana dos anos 70, mas essa estreia é excepcional e eu nunca me cansei dela, mesmo mais de 20 anos depois.

Existe pelo menos uma resenha que menciona apenas bandas do Reino Unido, incluindo bandas de neo-prog dos anos 80 (e hair metal/grunge? Meu Deus!), e foi depreciada por isso. Isso simplesmente ignora o ponto principal e as referências históricas que o A Piedi Nudi claramente buscava e pelas quais se inspirava. Certamente, a cena original do rock progressivo italiano dos anos 70 foi fortemente influenciada pelos mestres do Reino Unido, e esse ponto nunca é esquecido. Mas o subgênero não pode ser simplesmente descartado como mera cópia, considerando a enorme influência da cultura local, que já foi amplamente documentada há mais de 25 anos.

Astrud Gilberto ~ Brazil

 

Look to the Rainbow (1966)

Que legal, mais um álbum da Astrud Gilberto que eu não tinha, e em ótimo estado. Todos eles me custaram 69 centavos cada, o que me deixa ainda mais feliz. Começa quase sério, mas a voz doce e inspiradora da Gilberto nunca deixa a poeira baixar. Ela está ganhando confiança como cantora, e os arranjos ainda não estão saturados como em Windy. Ela soa mais frágil do que nunca aqui. Dá para imaginar os bêbados pedindo ela em casamento no barzinho da esquina. Como sempre, as músicas em português dão um toque especial. Algumas pessoas comentaram que a faixa B1 é a origem da música "Smoke on the Water" do Deep Purple. É verdade. O riff de piano é exatamente o mesmo. Imagina o Blackmore e os caras no camarim tocando os vinis da Astrud em busca de inspiração. Haha. 

 

The Astrud Gilberto Album (1965)

O álbum de estreia de Astrud Gilberto é a perfeição da Bossa Nova. Música fácil de ouvir, verdadeiramente atemporal. Sua voz delicada e inocente desperta a testosterona em homens tradicionais como eu. Dá vontade de abraçá-la e protegê-la do mundo cruel ao redor. É tudo fantasia, claro. E é isso que este álbum proporciona: um mundo de fantasia. Todos precisamos de uma fuga, e é isso que a música faz de melhor. Ela é livre de vícios e nos permite viajar para todos os tipos de lugares no conforto e segurança do nosso lar. Talvez tenham sido minhas viagens a São Paulo a trabalho, mas há algo muito romântico no Brasil dos anos 60. E mesmo nos anos 2010, os hotéis de luxo ainda preservavam essa cultura da melhor forma possível. Se você não se emocionar no meio da audição, talvez tenha morrido por dentro. Não há hora melhor do que agora para reviver. Este álbum vai te ressuscitar.

Windy (1968)

Mal pude esperar para tirar esse disco da caixa de discos usados ​​da loja, torcendo para que o vinil não estivesse destruído. E não estava! Como já mencionei, compro tudo que tenha o nome Gilberto, especialmente Astrud. E ela está fazendo um cover de "Windy", do The Association? Isso não é justo. É como adicionar Nolan Ryan ao elenco dos Yankees de 1927. E ainda assim... não gostei muito desse álbum. Muito açucarado e com produção excessiva. A voz arrepiante e inocente de Gilberto funciona melhor em um estado de emoções mistas. Aqui, é tudo um mar de rosas — e muitos instrumentos de corda para afundar o mistério. Bem, eu não esperava que ela fosse perfeita (aparentemente, é época de metáforas de beisebol). 

Now(1972)

O que posso dizer? Astrud é o meu tipo de garota. Seu jeito doce de cantar me derrete. Uma mistura usual de covers e músicas autorais, com vocais em português e inglês. Bossa Nova fácil de ouvir, como se nunca tivéssemos saído de 1966. Perfeito para mim. Será que a gente se encontra num motel com luzes de neon, TV a cores, piscina e cafeteria?

Não mencionei que algumas faixas têm guitarra com efeito fuzz, uma surpresa e tanto a esta altura do campeonato. A faixa final, "Daybreak", é deslumbrante e você ficará cantarolando-a por muito tempo depois de ouvi-la. Acho a música dela perfeita para CD, então irei adquirindo-os aos poucos. Mas não vou vender os dois primeiros LPs.

 

The Shadow of Your Smile (1965)

Álbuns como este me conectam com a criança de seis anos que existe dentro de mim. Eu tinha menos de um ano quando este álbum foi lançado, mas era exatamente o tipo de música que eu ouvia quando estava com meus pais em algum restaurante ou festa (meu pai trabalhava com vendas, então imagine a cena em 1970). Fui exposto ao mundo adulto muito cedo, o que era incomum para a época. Então, no meu pequeno mundo ingênuo, mulheres lindas e doces dominavam a cena musical, e Astrud Gilberto era a principal. Não que eu tivesse ideia disso naquela época, ou mesmo até muito recentemente. A voz dela e essa música me tocam profundamente, como um gato que não vê seu antigo dono há cinco anos. Faixa favorita deste álbum: 'Fly Me to the Moon'. Quando viajar de jato tinha um significado real.

Em 27 de novembro de 1970, há 55 anos, estreou o lendário grupo britânico Gentle Giant

Em 27 de novembro de 1970, há 55 anos, estreou o lendário grupo britânico Gentle Giant com um incrível álbum homónimo que não se parecia com nada.

Os três irmãos Shulman (Phil, Derek e Ray) vieram de fazer parte de uma interessante banda chamada Simon Dupree & The Big Sound, que depois dessa tentativa imersa no pop/soul/psicodelia um tanto infrutífera (mesmo que existam joias como Kites), decidiram repensar sua orientação.

Com o guitarrista Gary Green, o teclista/multinstrumentista Kerry Minnear e o baterista Martin Smith - que havia tocado em Simon Dupree - nasceu então uma das bandas mais arriscadas, singulares, inimitáveis e essenciais da história do rock, peça fundamental no rock progressivo.

Robert Fripp e Peter Gabriel : uma aliança que definiu uma nova linguagem sonora

Robert Fripp e Peter Gabriel : uma aliança que definiu uma nova linguagem sonora

Quando Peter Gabriel deixou Genesis em 1975, ele procurava uma identidade própria longe do rock sinfônico. Seu caminho cruzou-se com Robert Fripp, então mergulhado nas explorações texturais que tinha desenvolvido com King Crimson e nas paisagens de fita que ensaiava junto com Brian Eno. A colaboração tomou forma nos dois primeiros álbuns solo de Gabriel, editados em 1977 e 1978, onde Fripp não só trouxe guitarras, mas também direção criativa: produziu Scratch e aplicou seus sistemas de loops – os Frippertronics – para criar atmosferas tensas e fragmentadas.

As sessões revelaram um diálogo artístico raro. Gabriel construía camadas rítmicas e vocais com uma abordagem quase teatral; Fripp respondia com linhas de guitarra que evitavam a pirotecnia, privilegiando textura e contenção. Em várias apresentações ao vivo do final dos anos 70, Fripp apareceu sob o pseudônimo “Dusty Rhodes”, uma manobra necessária para contornar compromissos contratuais e manter a liberdade criativa.

O resultado desta aliança não foi apenas um som inconfundível, mas um ponto de partida para a evolução posterior de Gabriel: um terreno onde o experimental, o ambiental e a narrativa podiam viver juntos. Ao mesmo tempo, Fripp consolidou uma faceta produtiva que ampliava sua influência além do King Crimson. Uma colaboração breve mas decisiva que ficou registrada em discos, sessões e na pegada que ambos os artistas deixaram na música do final dos anos 70.

A parceria entre Rick Davies e Roger Hodgson, alma dupla do Supertramp, brilhou com força na década de 70

A parceria entre Rick Davies e Roger Hodgson, alma dupla do Supertramp, brilhou com força na década de 70. Apesar de temperamentos, vozes e estilos contrastantes, foi justamente essa diferença que criou a química perfeita. Enquanto Davies trazia o blues, o sarcasmo e o peso rítmico do piano, Hodgson oferecia melodias etéreas, letras sensíveis e um tom quase espiritual.

Juntos, eles construíram a fase mais criativa e celebrada da banda, entregando álbuns marcantes como Crime of the Century (1974), Even in the Quietest Moments... (1977) e o gigante Breakfast in America (1979). Cada composição carregava o melhor dos dois mundos: a solidez de Davies e a leveza emocional de Hodgson.

Foi uma parceria rara, tensa em alguns momentos, brilhante na maior parte que moldou o som inconfundível do Supertramp e marcou para sempre a história do rock dos anos 70.

Há 32 anos falecia aos 52 anos um dos maiores compositores do século XX

Há 32 anos falecia aos 52 anos um dos maiores compositores do século XX: Frank Vincent Zappa, ou, simplesmente, Frank Zappa. Este extraordinário músico deixou um enorme legado para o mundo da música, seja para o rock, seja para o jazz e para a música erudita, à qual passou a se dedicar nos últimos anos de sua vida. O álbum Yellow Shark, lançado há pouco mais de um mês antes de sua morte, o consagrou como um grande compositor erudito. Vale ressaltar que Zappa é o único compositor do mundo que tem seu nome gravado no "Hall of Fame", tanto na calçada do rock como na do jazz. Deixou, ainda, várias músicas com melodias extremamente complexas para execução ao vivo, sendo uma delas "Black Page #1 e #2". A primeira como solo de bateria (sua clara influência do compositor francês Edgard Varèse). A segunda, apresentada em várias versões em alguns dos seus mais de 60 álbuns gravados e lançados em vida.

Zappa não pode ser rotulado em quaisquer dos estilos musicais, pois sua obra é e continuará sendo única, ou seja, o estIlo Zappa de compor e de tocar sua extraordinária guitarra.

 

O Grande Álbum de Rock Prog Qual é o seu favorito?

O Grande Álbum de Rock Prog

Qual é o seu favorito?

Geraldo Azevedo – De Outra Maneira

 

Colaboração do Arlindo

Um lindo disco do Geraldo Azevedo.

Destaque para “Chorando e Cantando”; e para “Dona da Minha Cabeça”, ambas de Geraldo Azevedo e Fausto Nilo.

Geraldo Azevedo – De Outra Maneira
1986 – Echo

01. O Princípio do Prazer (Geraldo Azevedo)
02. Chorando e Cantando (Geraldo Azevedo / Fausto Nilo)
03. Dona da Minha Cabeça (Geraldo Azevedo / Fausto Nilo)
04. Mulher (Geraldo Azevedo / Neila Tavares)
05. É Brincadeira (Geraldo Azevedo / Fausto Nilo)Participação: Naná Vasconcelos
06. Ágil Passarinho (Geraldo Azevedo)
07. Ah Maravilha (Geraldo Azevedo / Capinan)
08. Nós Dois Pelo Céu (Geraldo Azevedo / Capinan)
09. Um Outro Um (Geraldo Azevedo / Renato Rocha)
10. Lusitana do Norte (Geraldo Azevedo / Carlos Fernando)

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