"I Dig Love" foi composta e gravada por George Harrison e lançada em seu álbum triplo de 1970, All Things Must Pass em 29 de novembro de 1970 Como uma forma de libertar o amor, marca um afastamento (pequeno) do assunto mais profundo, a espiritualidade, que orienta a grande parte desse álbum. Musicalmente, a música reflete a experimentação inicial de Harrison com a slide guitar, técnica de que ficou mais íntimo durante uma turnê com Delaney & Bonnie e Friends em dezembro de 1969. Assim como todo o material produzido para All Things Must Pass, a gravação apresenta uma extensa programação de músicos, incluindo três guitarristas, dois bateristas e três tecladistas. Entre os músicos estavam Eric Clapton, Bobby Whitlock e Dave Mason, ex-membros da banda Delaney & Bonnie, além de Billy Prestone Ringo Starr. A faixa foi coproduzida por Phil Spector e gravada em Londres. No lançamento, estava entre as músicas mais populares do álbum nas rádios americanas. Dado o alto padrão das composições de Harrison em All Things Must Pass, no entanto, vários de seus biógrafos mantiveram "I Dig Love" em baixa consideração como uma das faixas mais fracas do álbum e da carreira de Harrison. Azar o deles!
Após conquistarem reconhecimento com seu álbum de estreia, "Happy to Meet, Sorry to Part" (1972), a banda irlandesa Horslips começou a cativar o público com uma agenda de shows ativa. Ao mesmo tempo
, os integrantes compunham material inédito com foco conceitual. A estreia de "The Táin" aconteceu em 1973 no Abbey Theatre, em Dublin. Os músicos apresentaram a versão teatral com entusiasmo, não perdendo a oportunidade de exibir seu talento artístico e, ao mesmo tempo, demonstrar ao público a grandeza e a beleza do folclore irlandês. A trama do álbum gira em torno da antiga epopeia heroica "Táin Bó Cúalnge", que narra a história da luta entre dois reinos, Uladh (Ulster) e Connacht, pela posse de um touro mágico. Essa saga épica, cujos eventos se passam por volta de 500 a.C., foi transmitida oralmente por contadores de histórias até o século XII. Foi somente no início da Idade Média que sua forma escrita se difundiu. Segundo alguns estudiosos, "Táin Bó Cúalnge" desempenha um papel no desenvolvimento da literatura europeia tão significativo quanto o poema clássico de Virgílio , a Eneida. Mas chega de detalhes culturais; vamos à música em si. Talvez "Táin Bó Cúalnge" seja o ápice da carreira do Horslips . Aqui, os músicos soam surpreendentemente poderosos, harmoniosos e belos. Sem se afastarem de suas raízes, enquanto exploravam simultaneamente o território do monumentalismo do rock, eles conseguiram encantar os ouvintes com um lançamento verdadeiramente notável. E embora a obra mais famosa do legado criativo da banda continue sendo o disco "The Book of Invasions - A Celtic Symphony" (1976), muitos amantes da música preferem o lançamento de 1973. A introdução texturizada de órgão e guitarra de "Setanta" serve como uma espécie de aperitivo. Parece ser um produto sólido, porém geralmente convencional, de origens proto-progressivas, com um toque do hard metal que estava na moda na época. Mas a composição instrumental subsequente, "Maeve's Court", desmente completamente essa ilusão. O esplendor dos motivos folclóricos celtas (os apitos e trompas de Jim Lockhart, o violino de Charles O'Connor, a guitarra de Jonny Finn, o bodhrán de Éamon Carr) cativa o ouvido com seu calor acústico, encantando-o com sua sonoridade tradicional e atemporal. Este maravilhoso estudo continua com o afresco "Charolais", onde o componente folclórico gradualmente perde sua densidade, dando lugar a um art-rock delicado e lúdico, com seu ritmo galopante e um impressionante diálogo entre flauta e teclado. A faixa "You Can't Fool The Beast" é repleta de agradável polifonia e intrincados solos de guitarra elétrica, precedendo o single rítmico "Dearg Doom", que se tornou um sucesso número 1 nas paradas da Alemanha Ocidental em 1974. As qualidades melódicas características do HorslipsOs elementos emergem na melodiosa reprise de "Ferdia's Song" e são felizmente retirados dos holofotes no contexto do esboço abstrato de vanguarda "Gae Bolga". A elegia de menestrel "Cu Chulainn's Lament" ilustra a inclinação do quinteto para o drama, após o qual todos relaxam sob os acordes preguiçosos e fluidos de uma peça encantadora, enganosamente intitulada "Faster Than the Hound". Além disso, a lista de faixas inclui: a animada jig "The Silver Spear"; a excelente canção "More Than You Can Chew", capaz de revigorar qualquer frequentador assíduo de pubs irlandeses; a pretensiosa obra folclórica instrumental "The Morrigan's Dream", baseada na antiga dança "Old Noll's Jig"; e o colorido final regional "Time to Kill!", que conclui magistralmente esta multifacetada jornada sonora pela realidade mitológica. Uma colagem de 17 minutos com temas selecionados de "The Táin", apresentada pela banda em seu show em Nova York, serve como ponto culminante. Em resumo : uma mistura soberba de nostalgia, humor e talento, executada com bom gosto e genuíno respeito pelos costumes ancestrais. Altamente recomendado.
Hoje, o Satellite é uma das bandas mais respeitadas da cena progressiva europeia. Fundado pelo compositor Wojtek Szadkowski, baterista da renomada banda neoprog Collage , o grupo
rapidamente conquistou reputação no cenário musical. E é improvável que o idealizador do projeto pudesse prever o futuro brilhante que aguardava seu modesto projeto solo. O Satellite pode, em certa medida, ser classificado como um supergrupo, já que os nomes dos artistas presentes aqui são familiares aos fãs do art rock polonês. Entre eles estão o vocalista Robert Amirjan ( Collage ), o guitarrista Mirek Gil ( Collage , Mr. Gill , Believe ), o tecladista Krzysiek Palczewski ( Mr. Gill ), o baixista Przemek Zawadzki ( Collage ) e outros músicos notáveis. O material de "A Street Between Sunrise and Sunset", escrito quase inteiramente por Szadkowski, revela uma certa continuidade com as tradições do gênero. Por um lado, há a beleza frágil e o clima onírico do Pink Floyd da fase final , combinados com a melancolia atmosférica do Marillion (não é coincidência que o design do encarte tenha sido feito pelo ex-artista do Marillion, Mark Wilkinson ). Por outro, há a influência palpável do estilo lúdico de seus antecessores — os já mencionados Collage e Quidam . Assim, a estreia do Satellite é uma jornada de 72 minutos pelo microcosmo lírico de Wojtek Szadkowski. Até mesmo os títulos das faixas são profundamente poéticos, para não mencionar o conteúdo. "Em cada sonho de uma noite fria no subúrbio / A esperança é como uma mariposa, então não acenda a luz / Você viu a chuva / Eu vi o arco-íris" — somente alguém com uma alma extremamente sutil poderia ter articulado tal composição. A trilha sonora acompanha as revelações líricas do líder. Os intrincados "tapetes" de teclado e as orquestrações da épica introdução "The Evening Wind" são intercalados com pequenas sequências eletrônicas, no espírito das experiências cinematográficas do Tangerine Dream . , por vezes transitando para um diálogo transparente e íntimo entre voz e piano, ou até mesmo dando lugar a ricos ataques de guitarra. A obra-prima de 15 minutos, "On the Run", é texturalmente capaz de rivalizar com os melhores exemplos do rock neo-progressivo inglês dos anos 1990 e início dos anos 2000. A balada "Midnight Snow" inclina-se mais para o gênero pop-rock "inteligente": um desenvolvimento temático suave, o timbre agradável dos vocais de Amiryan contra um pano de fundo coral, um som de bateria "sintético" e uma ambiência eletroacústica extremamente delicada. A enérgica "No Disgrace" também é boa à sua maneira (embora os fãs retrô mais fervorosos provavelmente não a apreciem). "Not Afraid" apresenta suaves véus de teclado, notas esparsas de guitarra e a entrega vocal um tanto intimista de Robert. A estrutura de 10 minutos de "Now" equilibra-se na fronteira entre o neo-rock emocionalmente carregado e o rock sinfônico ricamente arranjado; Um número envolvente e de alta qualidade, executado com notável habilidade. O restante do lançamento apresenta o sketch AOR "Fight", a encantadora e extensa faixa-título e o inspirado final "Children", interpretado com sinceridade, sem pretensão ou sentimentalismo desnecessário. Em resumo: um programa muito, muito bom, com um toque retrô, mas seguindo implacavelmente os cânones visuais da nova era. Recomendo conferir.
Em meados da década de 1970, o nome de Bo Hansson já era famoso muito além das fronteiras da Suécia. No entanto, essa popularidade, embora benéfica, também trouxe ao maestro alguns inconvenientes. Hansson
se considerava um músico estritamente de estúdio e tentava a todo custo evitar turnês. Claro, ele não se recusava a ajudar seus colegas, tocando guitarra e órgão com bandas como Fläsket Brinner e Kebnekajse . Mas ele não tinha planos de formar sua própria banda de turnê. Mesmo assim, as circunstâncias o forçaram a dar esse passo, e o mago escandinavo, a contragosto, teve que ceder por respeito ao público. Contudo, o caos do circuito de festivais não abalou o espírito criativo do nosso herói. No final de 1974, Hansson já havia concluído o material bruto de um novo álbum, que compartilhou com entusiasmo com os amigos. Ao contrário de seus antecessores, "Attic Thoughts" não alcançou o status de best-seller internacional. No entanto, segundo a maioria dos críticos de rock, foi aqui que o multitalentoso Bo alcançou um equilíbrio quase perfeito entre conceito e execução. Inspirando-se em diversas fontes, incluindo literárias (em particular, o romance "Watership Down", do escritor britânico Richard Adams ), o visionário sueco deu vida a uma obra absolutamente notável. Hansson colaborou com uma equipe profissional de sete músicos no álbum, incluindo seus amigos de longa data Kenny Håkansson (guitarra), Rune Karlsson (bateria) e Gunnar Bergsten (saxofone). Como antes, a composição se baseia em um princípio temático de colagem. Contudo, desta vez, a aliança sonora de elementos inter-relacionados é realizada com maior maestria. As harmonias melódicas da faixa-título em três partes são baseadas em uma combinação de várias camadas: há linhas rítmicas características que remetem indiretamente o ouvinte a cânones folclóricos, um leve toque psicodélico e um diálogo bastante denso entre a guitarra e os teclados (aliás, os ecos do órgão de Bo com as passagens de cordas elétricas de Kenny evocam associações fugazes com a formação clássica dos líderes do Camel ).(Latimer e Bardens). O capítulo de reprise "Tempo e Espaço" é um estudo de importância meditativa e cósmica; Hansson assume um papel até então desconhecido como inovador, explorando com sucesso o território proto-Nova Era. Este intrigante mosaico hipotético encontra uma extensão adicional no espaço de "Esperando...", composta em parceria com Håkansson. Uma magnífica combinação de drama de guitarra quase Pink Floyd com o som atmosférico do sintetizador e do Mellotron cativa com seu desenvolvimento motívico mágico; somente no sexto minuto a sessão de magia astral se transforma em um salto temporal à la fusão progressiva. Arte sinfônica, folk, funk e jazz fluem intrincadamente uns para os outros sob os auspícios da estruturalmente complexa "Valsa para Interseres" (com o violinista Mats Glenngåd como convidado). A paleta instrumental heterogênea da curta peça "Time for Great Achievements" sublinha a natureza experimental da obra: afinal, poucos conseguem combinar passagens cinematográficas de country-western com abstrações hipnóticas à moda dos primeiros trabalhos de Vangelis . A peça minimalista de vanguarda "The Hybrills" oferece-nos uma perspectiva ligeiramente diferente sobre o processo criativo original do velho Bo. O díptico "Rabbit Music" baseia-se numa dicotomia estilística marcante: a marcha elegante e virtuosa "General Woundwort" contrasta com o bolero pastoral "Fiver", cativante na sua imediaticidade. "Day and Night" serve de ligação entre o Hansson da era "O Senhor dos Anéis" e o seu alter ego contemporâneo: o rock psicodélico espacial é apresentado aqui como sucessor das revelações psicodélicas do final da década de 1960. A deliciosa e envolvente fusão de arte complexa "A Happy Prank" completa a série. E para aqueles que acharem o conteúdo básico do disco insuficiente, um bônus é a peculiar faixa para teclado dark ambient "The Crystal Suite", que adiciona ainda mais nuances ao retrato do artista. Em resumo: um programa excelente, rico em detalhes de todos os tipos, criado para quem gosta de desvendar enigmas sonoros. Recomendo.
Joe Zawinul se lembra da primeira vez que prestou atenção às habilidades de composição de Wayne Shorter, quando o talentoso saxofonista fazia parte do clássico quinteto de Miles Davis na década de 1960. Isso foi em 1967: “Eu estava no porão da casa do Bill Russell – o jogador de basquete – e ele tinha um ótimo sistema de som. Eu estava com os fones de ouvido e ouvindo Nefertiti. Era algo parecido com o que eu vinha fazendo antes, estruturalmente – longe de toda aquela baboseira de oito compassos e depois você vai para a ponte. A música fluía. Aquilo foi uma verdadeira faísca.” Wayne Shorter compôs três músicas para aquele álbum, incluindo a faixa-título, uma composição de jazz moderno única na qual a seção rítmica improvisa enquanto a seção de metais repete a melodia continuamente, invertendo assim os papéis dessas seções.
1970 foi um ano agitado para os três fundadores do Weather Report, com todos os membros do futuro grupo lançando álbuns e colaborando entre si. O baixista Miroslav Vitouš lançou o álbum Infinite Search, com performances estelares de Joe Henderson, John McLaughlin, Herbie Hancock e Jack DeJohnette. Ele também gravou faixas para seu álbum Purple com Joe Zawinul no piano elétrico. Wayne Shorter lançou dois álbuns pela gravadora Blue Note, Moto Grosso Feio e Odyssey of Iska, com Miroslav Vitouš tocando baixo no primeiro. Joe Zawinul gravou o álbum homônimo Zawinul, com Wayne Shorter participando de uma faixa. Mais sobre esses álbuns nestas resenhas:
No final de 1970, Miroslav Vitouš contatou Wayne Shorter com a ideia de formar uma banda. Shorter convidou Joe Zawinul para participar, e assim nasceu um dos conjuntos mais importantes da história do jazz rock. Um breve anúncio na edição de 10 de dezembro de 1970 da revista Downbeat dizia: “Após nove anos com Cannonball Adderley, o pianista e compositor Joe Zawinul está pronto para seguir carreira solo. Em 15 de dezembro, o mestre do funk nascido em Viena deixará o grupo de Cannonball Adderley para se tornar co-líder, com o saxofonista e compositor Wayne Shorter e o baixista Miroslav Vitous, de um quinteto ainda sem nome.” Além dos três fundadores, a banda foi completada com o jovem baterista Alfonse Mouzon, que já havia trabalhado com Roy Ayers e gravado com Gil Evans, e que recentemente participou do álbum Odyssey of Iska, de Wayne Shorter.
Joe Zawinul relembra o primeiro ensaio da banda, ainda sem nome: “Nunca falamos sobre um conceito. Fomos ao estúdio pela primeira vez – Billy Cobham (Alphonse Mouzon estava indisponível), Wayne, Miroslav e eu – e gravamos uma fita. Imediatamente soubemos que seria aquilo. Foi uma experiência e tanto. Quando a Columbia soube que tínhamos uma banda, a máquina começou a funcionar.”
A banda não ficou sem nome por muito tempo. Os três fundadores queriam um nome universal com o qual todos pudessem se identificar. Zawinul: “Estávamos no meu apartamento em Nova York – Miroslav, Wayne e eu – tentando encontrar um nome que dissesse algo, especialmente algo que as pessoas tivessem em mente o tempo todo. Pensamos em Daily News, mas não soava bem. Milhares de nomes – Audience, Triumvirate, todos os tipos. De repente, Wayne sugeriu Weather Report, e todos nós dissemos: 'É isso!'” Zawinul explicou por que o nome simples os atraiu: “O que a música faz com as pessoas é o mesmo que o clima faz com elas. Para mim, não faz muita diferença se chove ou se faz sol, posso ser feliz de qualquer maneira; mas a maioria das pessoas, eu acho, molda seu modo de vida com base no que está acontecendo lá fora quando olham pela janela de manhã – ou mesmo pelo boletim meteorológico à noite.”
Wayne Shorter, Miroslav Vitous, Joe Zawinul
Em 25 de maio de 1971, o Weather Report se apresentou pela primeira vez em um evento para a imprensa da Columbia Records. O quarteto foi reforçado pelo percussionista Dom Um Romão (que mais tarde se tornaria membro fixo da banda). A revista Billboard cobriu o evento, elogiando (embora de forma enigmática): “Uma unidade musical estava presente, uma unidade que fluía por todo o estúdio e para as ruas. Havia um comentário e um apelo distintos, estrutura e caos, compreensão e questionamento. Havia uma forma de unidade para os gêneros musicais da vida, combinando-os para explicar as partes.”
O álbum de estreia do Weather Report foi lançado em maio de 1971, simplesmente intitulado Weather Report. Foi recebido com entusiasmo pela imprensa musical, com a revista Downbeat dedicando um impressionante artigo de duas páginas à resenha do álbum. Dan Morgenstern escreveu: “A música do Weather Report transcende qualquer categoria. Tudo o que posso acrescentar é que me parece uma música diferente de tudo que já ouvi, uma música muito contemporânea, mas também muito calorosa, muito humana e muito bonita. A previsão, se houver justiça, deve ser de céus claros e dias ensolarados para esses quatro homens criativos e seus colaboradores.” Lester Bangs, um crítico difícil de agradar, escreveu na revista Rolling Stone em agosto de 1971: “É tudo lindo, exuberante, hipnótico, em sua maior parte bastante suave, mas não consigo deixar de sentir que algo está faltando. Como grande parte do trabalho recente de Pharoah Sanders, todo esse lirismo encantador, essa sensualidade, essa sinuosidade, essa espiritualidade, pode se tornar tão fascinante, um soma sonoro, que quase começa a parecer música ambiente.” Aceito essa crítica, mas deixo Muzak bem para trás. Prefiro descrever como Joe Zawinul fez na época: "Nós sempre fazemos solos e nunca fazemos solos."
Anúncio Downbeat, julho de 1971
O álbum, uma mistura de faixas atmosféricas e energéticas, desfruta dos ricos sons de diversos instrumentos de percussão, iniciando uma tradição de contratar percussionistas estelares ao longo da história futura da banda. Vamos dar os créditos aos bateristas. Zawinul disse sobre Alphonse Mouzon: “Quando Wayne e eu começamos o Weather Report, ouvi falar desse cara, Alphonse Mouzon. Alguém me disse que ele era um excelente leitor de partituras. Além disso, ele tinha um swing incrível, tocou com Chubby Checker, tinha uma boa base, uma base sólida. E ele tocava jazz, então, fomos conferir. Ele tocava em uma banda no Apollo Theater, onde eu estava fazendo meu último show com o Cannonball. Então, Wayne e eu decidimos chamar o Al Mouzon, e ele ficou na banda por um tempo, e era muito bom.” Mouzon falou sobre sua curta, porém frutífera experiência com a banda: “Ensaiávamos tanto que o que tocávamos era natural. Era uma improvisação espontânea e contínua, o que é ótimo porque era algo novo. Temas e motivos eram trazidos para as sessões e nós os desenvolvíamos e improvisávamos em cima deles, e os tocávamos repetidamente. Podíamos soar iguais, mas diferentes a cada vez. Joe me dizia o que tocar, mas eu ouvia e tocava do meu jeito. Eu simplesmente fazia diferente. É por isso que ele gostava de mim.”
O disco também conta com a participação de dois percussionistas: Airto Moreira, que na época integrava a banda de Miles Davis, e Barbara Burton, percussionista sinfônica e freelancer contratada por Wayne Shorter. Joe Zawinul sobre Airto: “Ele tem uma capacidade incrível de ouvir o que você quer. Ele nem precisa ensaiar com a gente. Não ensaiou. Ele simplesmente chega, ouve a música e sabe o que tocar, onde entrar. Ele é incrível; é um talento nato.” Barbara Burton relembra as sessões de gravação: “Eu adorei a experiência. Me esforcei bastante para criar coisas interessantes, como os efeitos de bolhas em 'Morning Lake'. Eu sabia que a música fluía e que era um trabalho de primeira qualidade. Foi uma oportunidade para ser criativa, e eu estou sempre buscando uma chance de fazer algo diferente e novo.”
A contracapa do LP original inclui as seguintes palavras do presidente da Columbia Records, Clive Davis: “Juntos, esses jovens músicos talentosos criaram o Weather Report, uma trilha sonora para a mente, para a imaginação, para abrir mentes e corações. Os sons acariciam, envolvem, fazem cócegas no ouvido… florestas despertando, vento soprando, bolas de madeira rolando, molas serpenteando… carnavais em ilhas, pássaros no verão, amor ao amanhecer, loucura sombria, água parada. Weather Report não é apenas sobre sentimentos e emoções – é também sobre a realidade humana.” Quem diria que empresários poderiam escrever odes como essa?
Vamos à música. A banda decidiu abrir o álbum com uma faixa que evoca a sensação de estar no espaço sideral. 'Milky Way', como Wayne Shorter a descreve, é "Vindo do vácuo — do nada para o algo. Estamos nas bordas externas da Via Láctea, vistas de uma perspectiva mítica e onisciente, e então a câmera se aproxima, chegando mais perto, para a próxima faixa, para a humanização e a realidade." Os fundadores da banda viram uma mensagem universal nessa declaração musical de abertura. Vitouš ecoou a imagem, dizendo que a abertura é "como se você estivesse sentado em uma nave espacial, observando meteoros passando." Zawinul resumiu: "É como uma trilha sonora para a sua mente. Você pode se colocar onde quiser; há espaço suficiente no espaço."
Surpreendentemente, a faixa atmosférica, que soa como um artefato da música eletrônica primitiva, não inclui nenhum dos equipamentos associados a esse gênero. Zawinul falou sobre a instrumentação: “Sopro e piano acústico — nada de eletrônica. Mas acho que é uma nova maneira de fazer algo com os pedais e com o saxofone.” Em 1984, Zawinul explicou como a banda criou os sons dessa faixa singular: “Eu mantive um acorde pressionado no piano em silêncio e pedi para Wayne tocar um arpejo do mesmo acorde, soprando seu saxofone bem dentro do piano, junto à caixa de ressonância. A gravação foi iniciada no eco, no final do som, não enquanto ele estava tocando.”
O lado A do LP encerra com uma das minhas composições favoritas de Joe Zawinul. "Orange Lady" foi escrita durante uma viagem que ele fez com a família pela Áustria em 1967, uma viagem produtiva que também rendeu a composição "In A Silent Way". Zawinul: "Escrevi 'Orange Lady' pensando principalmente na minha esposa, mas também na maioria das mulheres que têm filhos e estão presas em uma cidade grande. Há uma certa tristeza nisso. No meu caso, para realmente fazer minha esposa feliz, e me fazer feliz fazendo-a feliz, eu a levo para algum lugar no campo – é disso que trata a parte central da música – e isso muda toda a atitude e você consegue ser feliz por um tempo, e então volta para Nova York e é como se tudo se repetisse – é como uma mudança constante de uma certa tristeza."
Miroslav Vitouš contribui com uma maravilhosa linha de baixo nesta faixa. Ele se lembra: “Orange Lady era uma melodia tão bonita. Eu disse: 'Que tal tocarmos isso em uníssono com o baixo no arco?' Simplesmente peguei o arco e toquei a melodia com o Wayne.” O saxofonista explicou como o arranjo mudou quando Zawinul o apresentou para a banda tocar: “É engraçado — Joe descreveu como uma sensação de blues, mas não usou a expressão 'estar com o blues', e isso indica a mudança no que estamos fazendo. Nós curtimos o blues e tudo mais, conceitualmente falando — mas não podemos tocar algo que já foi tocado antes, porque a mudança nos chama. É uma necessidade.”
Zawinul acrescentou mais contexto sobre os sentimentos que pretendia evocar com esta peça musical: “Sempre escrevo o que sinto no momento, e acho que coloquei muita emoção nisso. Em Orange Lady, a felicidade surge depois de muita tristeza. É como tirar umas pequenas férias nas ilhas depois de passar muito tempo em Nova York. É possível ouvir a percussão do segundo tema, mais alegre, persistindo mesmo depois de retornarmos a ele. É como se você ainda tivesse a sensação das ilhas ao voltar para Nova York. A peça é como uma pequena suíte.” Dan Morgenstern destacou a música em seu artigo para a revista Downbeat de maio de 1971: “Não quero entrar em detalhes, mas seria negligente se não mencionasse que, em Orange Lady, há uma declaração melódica em uníssono tocada por Shorter e Vitous, na qual o baixista toca com o arco de uma maneira indescritível. E essa é apenas uma das muitas coisas notáveis que o Weather Report tem a oferecer ao ouvinte.”
Em dezembro de 1971, o álbum venceu a votação dos leitores da revista Downbeat como "Álbum de Jazz do Ano". Muitos o consideravam um descendente direto das explorações de jazz elétrico de Miles Davis, principalmente do álbum In A Silent Way. Em 1973, Joe Zawinul declarou à revista Rolling Stone: "Não acho que tenhamos deixado Miles para trás. Estamos apenas em outro lugar. Outra entidade que surgiu dele. Ele é o pai e nós somos os filhos, e mesmo quando você é pequeno e se apoia nos ombros do pai, você vai enxergar mais longe do que ele."
Zawinul mencionou o álbum diversas vezes em entrevistas posteriores. Em 1978, ele disse à revista Downbeat: “Ouvi recentemente uma gravação do nosso primeiro show, na Penn State, na Filadélfia, para umas 170 pessoas. Foi incrível. Estavam lá Wayne, Dom Um Romão, Miroslav, Mouzon e eu – eu só tinha um Rhodes. Incrível.” Em 1984, ele disse: “O primeiro disco, Weather Report, foi um período de reconhecimento. Nunca tínhamos tocado juntos ao vivo antes de gravá-lo. Gravamos o álbum em três dias, e nossa sensação era: 'O que está acontecendo aqui? O que é isso?' Sabíamos que podíamos improvisar muito bem juntos, mas não era um disco muito ousado, ou digamos, muito impactante; estávamos mais tranquilos.”
Alphonse Mouzon, que deixou a banda no verão de 1971, acrescentou: “Éramos uma experiência de jazz. Era tudo muito aberto. Adoro esse disco, não porque participo dele, mas porque era tão diferente — tão revigorante.”
A aclamada banda de Oakland, Tower of Power, entrou nos anos 90 com tudo, lançando hits como "Funk The Dumb Stuff". O nível de funk nessa faixa eletrizante é altíssimo. Rocco Prestia conduz o groove com uma linha de baixo absolutamente incrível, reforçada pela bateria dinâmica de Russ McKinnon. A faixa conta com um arranjo de metais soberbo, magistralmente executado pela seção de metais impecável do TOP, com Steve Grove mandando um solo de sax matador. Emilio Castillo assume os vocais principais com maestria, e Carmen Grillo maximiza ainda mais o funk com um riff de guitarra arrasador.
A música fala sobre alguém que se gaba e finge ser alguém que tem tudo sob controle, mas na realidade é o oposto. Por baixo da arrogância e da falsa bravata, esconde-se uma pessoa insegura e ressentida. O narrador da música não tem tempo nem paciência para tolerar esse tipo de bobagem, daí o título "Funk The Dumb Stuff" (algo como "Dê um basta nessas bobagens").
A faixa foi composta por Emilio Castillo, Rocco Prestia e Stephen “Doc” Kupka. Ela está incluída no álbum Monster on a Leash , de 1991, do TOP , lançado pela Epic Records. Castillo produziu a coletânea, que alcançou a 19ª posição na parada de álbuns de jazz contemporâneo da Billboard .
Eis a formação completa de Monster on a Leash : Tom Bowes (vocal principal), Steve Grove (saxofone alto e tenor), Emilio Castillo (saxofone tenor, vocais de apoio, vocal principal na faixa 6), Francis Rocco Prestia Jr. (baixo), Lee Thornburg (trompete, flugelhorn, trombone, vocais de apoio), Carmen Grillo (guitarra, vocais de apoio), Nick Milo (teclados), Greg Adams (trompete, flugelhorn, vocais de apoio), Russ McKinnon (bateria, percussão) e Stephen “Doc” Kupka (saxofone barítono).
Tower of Power performing "Funk The Dumb Stuff" at a 1992 concert in Japan
