As 20 melhores músicas de Bob Marley de todos os tempos

 

Bob Marley não inventou o reggae , mas, mais do que qualquer outro artista, ajudou a popularizá-lo. Sua imagem pode ser a de um rastafári despreocupado, com uma queda por garotas e baseados, mas a realidade era a de um homem profundamente religioso e politicamente consciente, que saiu do nada para se tornar um pilar da música popular. Suas músicas foram regravadas e sampleadas por centenas de cantores, ele inspirou gerações de artistas e nos presenteou com algumas das canções de liberdade mais melodiosas de todos os tempos. Estas são as 20 melhores músicas de Bob Marley .

20. War

Poucas canções, seja no repertório de Marley ou de qualquer outro compositor, carregam tanta gravidade quanto "War". Construída em torno de um discurso proferido pelo Imperador Haile Selassie perante a Assembleia Geral das Nações Unidas em Nova York, em 1963, sua letra é quase toda de Selassie. A melodia vibrante e o ritmo animado da guitarra, por outro lado, são todos de Marley.

19. Satisfy My Soul

A satisfação da alma foi um tema recorrente na carreira de Marley. Havia a vibrante "Satisfy My Soul Jah Jah", a sensual "Satisfy My Soul Babe" e esta, uma canção confiante e descontraída que se tornou um grande sucesso quando foi lançada em 1978.

18. Turn Your Lights Down Low

"Turn Your Lights Down Low" é uma daquelas músicas que agrada a todos os gostos. Tem um pouco de soul, uma pitada de pop e até um toque de country. Gravada para o álbum "Exodus" de 1977, ela não recebeu muita atenção até que Lauren Hill a presenteou com um remix carinhoso em 1999.

17. Nice Time

Após aprimorarem suas habilidades na gravadora Studio One, na Jamaica, Marley e os Wailers se separaram em 1966 para fundar seu primeiro selo, Wail 'N Soul 'M. Seguiram-se vários discos belíssimos, porém sem muito sucesso. De todos eles, "Nice Time" foi o que causou maior impacto e permanece até hoje como uma das canções mais populares de Marley. Com letras doces e melodias ainda mais doces, representa o auge da fase rocksteady de Marley.

16. Could You Be Loved

O funk urbano nunca soou tão perfeito para a pista de dança como nesta pequena e vibrante canção do álbum Uprising, de 1980. É elegante e sensual, mas transmite uma mensagem poderosa: encontre o amor, não importa quantas dificuldades a vida lhe apresente. O reggae raramente foi tão inspirador.

15. Sun Is Shining

Em 1999, o DJ dinamarquês Funkstar De Luxe alcançou o 3º lugar na parada de singles do Reino Unido com seu remix de "Sun Is Shining". Segundo o site zlyrics.com , ele foi o primeiro artista a receber permissão dos herdeiros de Marley para lançar um remix de uma de suas músicas. É um bom remix, sem dúvida, mas não brilha tanto quanto a versão original. Não fica totalmente claro quem ou o quê Marley está resgatando, mas a melodia envolvente e a atmosfera tropical fazem desta música uma de suas maiores conquistas.

14. Is This Love

"Is This Love" foi lançada em 1978, mas sua doçura e leveza remetem mais ao período rocksteady de Marley em meados dos anos 60 do que aos seus anos posteriores. Uma canção de rock majestosa sobre o desejo de Marley de tratar bem sua amada, é tão aconchegante e reconfortante quanto o edredom em sua cama de solteiro. Gravada para o álbum "Kaya", alcançou o 9º lugar nas paradas do Reino Unido em seu lançamento, em 1978. Para a versão definitiva ao vivo, confira a performance em "Babylon by Bus".

13. Buffalo Soldier

Buffalo Soldier é inspirada na história dos cavaleiros negros que, após lutarem na Guerra Civil Americana, foram enviados para o oeste para expulsar os nativos americanos. A crueldade de forçar um grupo oprimido a lutar contra outro claramente incomodou Marley, resultando em Buffalo Soldier como uma de suas canções mais raivosas e amargas. A melodia, no entanto, é de ouro puro, construída em torno de um refrão marcante que a levou ao 4º lugar nas paradas do Reino Unido quando foi lançada postumamente como parte do álbum Confrontation, de 1983.

12. Positive Vibration

Em 1976, Marley alcançou seu primeiro grande sucesso nos EUA com o álbum Rastaman Vibration. A faixa de abertura não pode levar todo o crédito pelo sucesso, mas certamente contribui bastante. À primeira ouvida, soa como uma reflexão incrivelmente suave sobre os prazeres de levar a vida numa boa. Mas, como a maioria das melhores canções de Marley, ela vai além. Escrita em um período de grande agitação social na Jamaica, letras como "If you get down and you brrel every day/ You're doing prayers to the devil, I say" são menos um convite para fumar um baseado e mais um clamor sincero por paz.

11. Natural Mystic

As composições de Marley nem sempre recebem o reconhecimento que merecem, mas em Natural Mystic, ele prova suas credenciais e muito mais. É uma obra de proporções bíblicas, com referências à África, ao Juízo Final e à eternidade, tudo condensado em 3 minutos e 37 segundos de pura adrenalina. Ninguém jamais conseguiu descobrir quem é o "Místico Natural", e Marley nunca se preocupou em explicar. Mas, como aponta o site songmeaningsandfacts.com , o que fica abundantemente claro é que Marley quer que ouçamos o importante poder místico que nos cerca. Ele o ouviu e acredita que nos faria muito bem se também o ouvíssemos. Se for ao menos metade tão bom quanto a música, estamos todos ouvidos.

10. I Shot The Sheriff

"I Shot the Sheriff" é a música definitiva para criticar os valentões com distintivos. Ou pelo menos, era essa a opinião de Marley, que explicou sua intenção por trás da canção: "Eu queria dizer 'Eu atirei na polícia', mas o governo faria um escândalo, então eu disse 'Eu atirei no xerife'... mas a ideia é a mesma: justiça." Sua ex-namorada, Esther Anderson, tem uma visão diferente. De acordo com o miaminewtimes.com , na época, Marley era muito contra ela tomar pílulas anticoncepcionais, o que ele considerava um sacrilégio. O médico que prescreveu as pílulas se tornou o anti-herói involuntário da música, com Marley simplesmente substituindo "xerife" por "médico". Considerando alguns trechos da letra ("O xerife John Brown sempre me odiou / Por quê, eu não sei / Toda vez que eu planto uma semente / Ele diz: 'Mate-a antes que cresça'"), faz sentido, mas, no fim das contas, ninguém nunca saberá ao certo. Eric Clapton levou a música ao topo da Billboard Hot 100 em 1974, superando o próprio sucesso de Marley nas paradas, mas fazendo maravilhas pela projeção internacional de Marley.

9. Stir It Up

Marley gravou "Stir It Up" pela primeira vez em 1967 com os Wailers. A música não fez muito sucesso internacionalmente, e quando o cantor de R&B Johnny Nash decidiu adicionar um toque de reggae à sua música em 1972, ele ficou muito feliz em ceder a canção. Mas não era para sempre, e um ano depois de Nash alcançar o 12º lugar na Billboard Hot 100 com ela, Marley a reivindicou em "Catch A Fire". Não teve o mesmo desempenho nas paradas que a versão de Nash, mas a interpretação mais ousada de Marley é de longe a melhor das duas.

8. Waiting In Vain

A julgar por suas músicas, Bob passava muito tempo à toa. Havia o clássico do reggae "I'm Still Waiting", de 1966, e, em 1977, a gloriosa "Waiting In Vain". Quem ou o que ele estava esperando não está totalmente claro. O que está claro é que o público não se importava de esperar com ele: lançada em 1977, a música se tornou um de seus maiores sucessos, alcançando o 27º lugar nas paradas do Reino Unido.

7. Jammin

"Jamming" pode soar como a música perfeita para se sentir bem, mas Marley estava passando por um momento difícil quando a escreveu. Em 3 de dezembro de 1976, um atirador desconhecido invadiu sua casa e atirou nele. Ele se recuperou fisicamente, mas o trauma o marcou. Analisando a letra aparentemente descontraída da música, que fala sobre amor e união , encontramos versos como "Nenhuma bala pode nos parar agora, não imploramos nem nos curvaremos". "Toda a letra de 'Jamming' surgiu do ataque que ele sofreu", disse Neville Garrick, artista que criou a capa do álbum "Exodus", posteriormente. "Ele ficou muito magoado com isso."

6. Three Little Birds

Não é preciso complicar as coisas para fazer música incrível. "Three Little Birds" é simples, doce e absolutamente sensacional. Há relatos divergentes sobre a origem da canção, sendo a teoria mais popular a que sugere que ela foi inspirada pelo trio de backing vocals femininas de Marley, The I-Threes, a quem Marley se referia como "The Three Little Birds" (Os Três Passarinhos). No fim das contas, a inspiração importa menos do que o sentimento, que é puro em sua mensagem: se você aprender a relaxar, aceitar o mundo como ele é e não se preocupar com nada, então tudo ficará bem.

5. Lively Up Yourself

Como diz o udiscovermusic.com , a música reggae pode elevar a alma, e em "Lively Up Yourself", Marley prova exatamente isso. Originalmente gravada com Lee "Scratch" Perry em 1971 como uma celebração suave de um momento de amor matinal, a música se tornou uma experiência muito mais sensual no álbum "Natty Dread" três anos depois. Tudo está perfeito, desde os vocais envolventes de Marley até os riffs de guitarra sensuais de Al Anderson e o sax tenor lânguido de Tommy McCook.

4. Trench Town Rock

“Uma coisa boa sobre a música”, canta Marley na introdução de Trench Town Rock, “é que quando ela te atinge, você não sente dor”. E não sente mesmo quando é tão boa quanto essa. Um hino do gueto, com uma pegada mais leve, um ritmo envolvente, a linha de guitarra característica de Marley, o “chick-ee”, e harmonias incríveis dos Wailers. Poderia te impactar por dias e você ainda assim ouviria de novo.

3. No Woman, No Cry

Gravada originalmente para seu álbum magnum opus de 1974, Natty Dread, "No Woman, No Cry" foi a canção que catapultou Marley ao estrelato internacional. Como muitas de suas músicas, a versão ao vivo é a melhor – confira a interpretação gravada no Lyceum Theatre de Londres para o álbum Live! para a versão definitiva deste hino profundamente comovente e absolutamente inspirador.

2. Get Up, Stand Up

Como escreveu a Rolling Stone , "Get Up, Stand Up" pode ser a canção mais impactante de todos os tempos sobre direitos humanos e a luta para garanti-los. A música foi inspirada por uma viagem que Marley fez ao Haiti, onde testemunhou em primeira mão a pobreza extrema e a opressão na ilha. Peter Tosh, um dos Wailers, também estava indignado com a exploração que acontecia na indústria musical. Embora a dupla frequentemente discordasse, aqui eles se uniram. O resultado, como Chuck D disse mais tarde, é "um grito de guerra pela sobrevivência". Um clássico de primeira linha, tornou-se instantaneamente um pilar das apresentações ao vivo de Marley.

1. Redemption Song

Marley não deixava seu lado folk transparecer com frequência, mas quando o fazia, os resultados podiam ser sensacionais. "Redemption Song" levou mais de um ano para ser concluída. Escrita no final de sua vida, durante um período em que dormia apenas três horas por noite, é uma canção profundamente comovente, que por vezes soa quase bíblica. Ela encontra sua melhor expressão na coletânea "Songs Of Freedom", quando um Marley muito doente a apresentou em seu último show. Pode não ser reggae, mas representa tudo o que Marley defendia com mais eloquência do que qualquer outra obra em seu repertório.

As 10 melhores músicas de Bobby Womack de todos os tempos

 

Nascido na pobreza nas favelas de Cleveland, Bobby Womack cantou para sair do gueto e se tornar um dos maiores vocalistas de sua geração. Depois de iniciar sua carreira ao lado de seus irmãos no grupo The Valentinos, ele alcançou destaque como artista solo nos anos 70, conquistando enorme fama nos Estados Unidos e na Europa. Embora sua carreira tenha começado a desacelerar em meados dos anos 90, ele continuou gravando e se apresentando até sua morte em 2014. Aqui está nossa seleção das 10 melhores músicas de Bobby Womack de todos os tempos.

10. Harry Hippie

A canção "Harry Hippie", calorosa e suavemente melódica, foi escrita por Jim Ford em 1972 sobre o irmão de Womack, Harry, um baixista alegre e despreocupado, e foi originalmente gravada como uma homenagem a ele, feita por um jóquei. Lançada como single em 1973, tornou-se um sucesso entre as dez mais tocadas na parada R&B , além de ser o segundo hit de Womack no Top 40 da Billboard Hot 100. Em 1974, a brincadeira se transformou em tragédia quando Harry foi esfaqueado até a morte por sua namorada. A partir desse momento, Womack dedicou cada apresentação da música ao seu falecido irmão.

9. Lookin’ for a Love

A primeira vez que Womack apresentou "Lookin' for a Love" foi ao lado de seus irmãos no grupo The Valentinos. Lançada como o single de estreia do grupo em março de 1962, a música os levou ao oitavo lugar na parada R&B e ao 72º lugar na Billboard Hot 100. Quando Womack lançou sua carreira solo, ele usou a canção como parte de seus exercícios de aquecimento antes das gravações, lançando-a como single em 1974. Com sua melodia animada e refrão irresistível, tornou-se um dos maiores sucessos de sua carreira, levando-o ao primeiro lugar na parada Hot Soul Singles, ao oitavo lugar na Cash Box Top 100 e ao décimo lugar na Billboard Hot 100. Tragicamente, Womack não pôde desfrutar do sucesso da música por muito tempo – na semana anterior à sua chegada ao topo das paradas, seu irmão, Harry (que fez os vocais de apoio na faixa), foi assassinado.

8. Please Forgive My Heart

Em 2012, a saúde de Womack havia se deteriorado drasticamente. Ele tinha diabetes, havia sido diagnosticado recentemente com câncer de cólon e estava nos estágios iniciais de Alzheimer. Mas ele estava longe de estar acabado. Naquele ano, lançou The Bravest Man in the Universe, seu primeiro álbum de material original desde Resurrection, de 1994. Foi um triunfo, ganhando o prêmio Q de Melhor Álbum de 2012 do Reino Unido e chegando ao 36º lugar na lista dos 50 melhores álbuns do ano da Rolling Stone. Seu último single (que também acabou sendo o último single lançado por Womack) é Please Forgive My Heart, um apelo profundamente belo por perdão, com batidas eletrônicas e um piano delicado.

7. That’s The Way I Feel About Cha

Se houve uma música que, acima de todas as outras, colocou Womack no mapa musical, foi "That's The Way I Feel About Cha". Coescrita por Womack, John Grisby e Joe Hicks, e lançada como o segundo single do segundo álbum solo de Womack, "Communication", a canção alcançou o segundo lugar na parada R&B e se tornou sua primeira entrada no Top 40 da Billboard Hot 100. Com seu ritmo sensual e guitarra hipnótica, ela nos apresenta Womack em sua melhor forma sedutora.

6. Woman’s Gotta Have It

"Woman's Gotta Have It" foi escrita por Darryl Carter, Bobby Womack e Linda Womack, ex-enteada de Womack, que mais tarde se casou com ele e formou a dupla Womack and Womack com seu irmão Cecil. Segundo o All Music , a inspiração para a música veio de uma situação conjugal que o compositor Darryl Carter conhecia, na qual a esposa estava prestes a perder a cabeça com um marido indiferente.

5. California Dreamin'

"California Dreamin'" foi escrita por John Phillips e Michelle Phillips depois que Michelle se viu ansiando pela Califórnia durante um inverno rigoroso em Nova York. Barry McGuire a gravou primeiro, mas em 1965, os Phillips a resgataram com o resto do grupo The Mamas and the Papas e a transformaram em um sucesso entre as 5 mais tocadas. Quatro anos depois, Womack lançou sua própria versão, adicionando uma seção rítmica e de metais ágil, uma guitarra provocante e emoção pungente o suficiente para transformar a suave melancolia da original em algo que a Rolling Stone descreveu como tendo a intensidade de uma peça de um ato na porta de casa.

4. If You Think You’re Lonely Now

Como afirma o culturesonar.com , os anos 80 foram uma época difícil para Womack (como foram para muitos de seus contemporâneos, aliás), mas nem mesmo o declínio de seu sucesso nas paradas o impediu de lançar um sucesso estrondoso aqui e ali. "If You Think You're Lonely Now", de seu álbum de 1981, "The Poet", é um dos melhores, com Womack demonstrando todo o potencial de sua voz rouca enquanto se revolta contra uma amante ingrata. Lançada como lado B de "Secrets" em agosto de 1981, a música passou quatro semanas em terceiro lugar na parada Hot Soul Singles.

3. It’s All Over Now

Womack gravou originalmente este country rock cru com os Valentinos. Lançada como single em junho de 1964, alcançou o 94º lugar na Billboard Hot 100. Quando o DJ de rádio nova-iorquino Murray the K tocou a música para os Rolling Stones, eles se convenceram de que tinha potencial para ser um sucesso muito maior. O baixista Bill Wyman disse mais tarde: "Nós simplesmente gostamos do som. Não achávamos que soava como country até lermos em algum lugar. São o violão de 12 cordas e a harmonia que fazem a diferença." A banda lançou sua versão cover naquele mesmo ano, conquistando seu primeiro número um nos EUA. Inicialmente, Womack era contra a interpretação deles, dizendo a Mick Jagger que ele deveria ter sua própria música. Mas logo mudou de ideia quando os cheques de direitos autorais começaram a chegar.

2. If You Want My Love (Put Something Down On It)

Em "If You Want My Love (Put Something Down On It)", Womack assume um tom de pregador ao oferecer conselhos sérios sobre como tudo que vale a pena ter exige esforço, especialmente quando se trata de amor. Com sua introdução imponente e flauta vibrante, é sem dúvida um dos destaques do álbum de 1975, "I Don't Know What the World Is Coming To".

1. Across 110th Street

Escrita para a trilha sonora do filme de blaxploitation de mesmo nome, em 1972, "Across 110th Street" é uma história ousada ambientada nos guetos negros da Nova York dos anos 70. Crua, real e assustadoramente honesta, tornou-se um dos maiores sucessos de Womack na época de seu lançamento, em 1973, alcançando o 15º lugar na Billboard Hot 100. Décadas depois, ganhou nova vida ao ser incluída na trilha sonora de "Jackie Brown " , de Quentin Tarantino.

A message to Rudy - The Specials

 

Quando “ A Message to You, Rudy ” começa, não há celebração nem exuberância. O que se ouve é um aviso. Os Specials abrem a música com uma pulsação contida, quase austera, como se cada acorde estivesse ponderando cuidadosamente suas palavras antes de pronunciá-las. Não é uma música para levantar os braços na pista de dança, mas sim para fazer uma pausa e prestar atenção. A partir desse ponto, a banda constrói uma das mensagens mais claras e duradouras do movimento 2 Tone.

Lançada em 1979 no álbum de estreia do The Specials , a canção é uma releitura de " A Message to You ", escrita e gravada em 1967 pelo artista jamaicano Dandy Livingstone. Mas, longe de ser uma simples homenagem, a versão do The Specials transporta a música para a Inglaterra do final da década de 1970, uma época marcada por recessão econômica, desemprego juvenil e tensões raciais. O "Rudy" da canção personifica o rude boy, uma figura associada à rebeldia urbana, à marginalização e a uma identidade frequentemente forjada através do confronto.

A interpretação vocal de Terry Hall é fundamental para compreender o impacto da música. Seu tom é frio, quase distante, e aí reside seu poder. Não há sermões nem drama exagerado: a mensagem é transmitida com uma calma inquietante, como alguém que já viu o fim da história e decide alertar antes que seja tarde demais. A letra é direta, franca e funciona como um chamado para abandonar um caminho que leva ao isolamento, à violência e a um futuro perdido.

Musicalmente, The Specials alcançam um equilíbrio notável entre tradição e inovação. O ritmo ska avança com passos firmes, sustentado por um baixo profundo e uma guitarra precisa, enquanto os metais contribuem com um toque marcial que reforça a seriedade da narrativa. Tudo serve à mensagem: até mesmo o final abrupto da música, que corta bruscamente e deixa o ouvinte refletindo, como se a conversa tivesse sido deliberadamente deixada inacabada.

Mais de quarenta anos depois, “ A Message to You, Rudy ” continua a ressoar porque aborda dilemas atemporais: identidade, pressão dos pares e as escolhas que moldam o destino de cada um. Os Specials demonstram que o ska pode ser muito mais do que música para dançar: pode ser um espaço para consciência social, empatia e alertas sinceros.

Siamese Dream - The Smashing Pumpkins

 

Siamese Dream, de 1993, superando até mesmo as obras-primas Mellon Collie e Infinite Sadness, de 1995 (apesar deste último conter as duas músicas mais icônicas da banda em termos comerciais: "Tonight Tonight" e "1979"), é o álbum mais cult do The Smashing Pumpkins, tanto para a crítica quanto para o público. É a pedra fundamental do som que caracterizaria a banda de Chicago dali em diante, apesar das inovações estilísticas de Adore (1998). No entanto, dito isso, não se trata de afirmar que o trabalho anterior ao álbum em questão seja descartável. Referimo-nos ao álbum Gish, de 1991, onde vimos uma demonstração sonora que, com um toque de garage rock, um pouco de grunge, hard rock e noise, conseguiu produzir um álbum muito valioso. Circunstancialmente, logicamente e cronologicamente, sem ele, o maior álbum cult da banda liderada por Billy Corgan não existiria. Descobri o The Smashing Pumpkins graças ao Nacho. Ele tocava essas músicas no carro de vez em quando quando saíamos para festejar. Percebi que Billy Corgan se inspirava, entre outros, em Robert Smith, do The Cure, então não é surpresa que estejamos na mesma sintonia. Depois de entrar com sucesso na cena musical com Gish, Billy estava ansioso por ainda mais. Como essa evolução musical poderia ser alcançada? A decisão foi combinar um gênero que estava ganhando popularidade com uma tendência que começava a ser substituída por ele, e que alguns jornalistas musicais estavam ridicularizando: grunge e shoegaze. Uma receita interessante para algo novo, que poderia facilmente ter sido um fracasso, considerando as características de ambos os gêneros. Juntei os dois na minha cabeça e imediatamente vi estilo em detrimento da substância, agressividade e uma tentativa de sucesso embalada em uma parede de som sob o pretexto da distorção. Vi uma receita para o fracasso total. Mas naquele momento, Billy e sua banda entraram na sala, prepararam seus equipamentos, pareciam confiantes de que tudo daria certo, e era hora de agir.

Após um breve ensaio, surge Cherub Rock . O álbum explode imediatamente com uma mistura de agressividade e devaneio, uma combinação peculiar, impossível no papel. Alguém que visse a capa branca hoje, com duas garotas inocentes e sorridentes, provavelmente amigas, poderia dizer que combina mais com o twee pop ao estilo Belle and Sebastian do que com o grunge. No entanto, encontro uma conexão entre o branco, a inocência e os momentos alegres com o lado onírico deste álbum. Cherub Rock é um destaque, uma faixa de abertura muito, muito forte. O estilo de Chamberlin é elétrico; um acorde de oitava dedilhado soa limpo, o baixo entra (um som de baixo excelente, aliás) antes do amplificador operacional finalmente entrar em ação e te atingir em cheio com aquela parede de distorção: divertido, cativante, empolgante e acelerado. O riff é ótimo e certamente mostra a tendência de Corgan de favorecer riffs construídos em torno de um acorde de oitava. O ritmo de Iha é pesado e encorpado. A bateria é perfeita, rápida e divertida. Os vocais contrastam com a parede de som, um efeito muito apropriado, especialmente quando Billy aumenta o volume repentinamente. O tema da música é a luta contra a indústria musical. " Quiet" imediatamente me chama a atenção. Será que o Radiohead se inspirou nessa música ao compor "Paranoid Android"? Apesar do título, ela está longe de ser silenciosa. A força de "Quiet" reside no riff que surge após alguns segundos de caos. É como mágica, um truque tão simples quanto eficaz. O riff é pesado, rítmico e avança com força. Corgan entrega um refrão estridente e plangente que, apesar de si mesmo, é incrivelmente cativante. A voz de Corgan se encaixa perfeitamente nos temas líricos do álbum; ele consegue transmitir tanto ternura quanto fúria, o que é uma grande vantagem. Falando em fúria, não posso me esquecer de como Jimmy Chamberlin é incrível na bateria. Trata-se de rebeldia juvenil, especificamente rebeldia contra os pais. Não há como negar, Siamese Dream é um álbum repleto de reflexões e dilemas da juventude. A depressão de Corgan o inspirou a criar a faixa de abertura do álbum, " Today".Duas coisas merecem destaque. Primeiro, a música tem uma estrutura grunge típica: apenas a melodia no início, depois o ritmo, os versos calmos e o refrão agressivo. Basta comparar "Today" com, por exemplo, "Smells Like Teen Spirit" e você verá muitas semelhanças. Segundo, essa música tem um tom muito irônico. Um som alegre predomina, oferecendo a esperança de um amanhã melhor. Na realidade, Billy queria dizer que um amanhã melhor nunca chegaria. O "hoje" que dá título ao álbum é o seu melhor dia, porque depois disso, as coisas só piorariam. Sua letra também pode indicar um alívio momentâneo, já que ele aceitou sua decisão de cometer suicídio. É uma das minhas músicas favoritas do álbum; sou cativado por sua ambivalência. "Hummer ", por outro lado, é um ótimo exemplo do equilíbrio musical mantido no álbum. O riff de baixo é cativante, um tanto repetitivo e cíclico, o que combina perfeitamente com a guitarra solo difusa de Corgan. O final é ótimo, talvez a melhor parte da música. A música evoca um dia quente de verão, bêbado ou drogado numa praia, observando o calor subir da areia enquanto você flutua no oceano. Apesar da instrumentação poderosa e estridente, a calma dos versos me transmite uma estranha sensação de conforto. Minha parte favorita são os dois minutos finais; é como encontrar seu lugar predileto numa paisagem tranquila. Billy deixa os ouvintes com uma pergunta simples, porém filosófica.

A próxima música é "Rocket ", uma das mais diretas de Siamese Dream. Os versos soam agradáveis, mas quanto mais perto do refrão instrumental, melhor. O final poderia simbolizar o lançamento do foguete que dá título ao álbum. O violão se mistura perfeitamente com as cordas, mas, na minha opinião, são as letras que roubam a cena. Corgan fala sobre a infância difícil que moldou sua personalidade, às vezes explosiva. Eu simplesmente não gosto de " Disarm" ; é uma música adolescente piegas e, ao contrário de "Mayonnaise", não tem um acompanhamento instrumental fantástico. Suponho que seja impressionante que Corgan tenha composto grande parte das cordas sozinho, mas elas simplesmente não são boas. Aquele sino também não ajuda. É uma música que pertence ao clímax de um filme romântico ruim, não a este álbum. Não entendo os elogios; é enjoativo, autoindulgente e completamente inconsciente de si mesmo. "Soma" começa, e... fico sem palavras. Quem diria que, durante "Cherub Rock", por exemplo, a banda optaria por um estilo tão relaxado? Uma atmosfera calma e onírica, uma melodia onírica e, depois de um tempo, o piano entra. A primeira parte de "Soma" evoca relaxamento, uma soneca agradável durante a qual você esquece todos os seus problemas. Na metade da música, os riffs de guitarra funcionam como um despertador, lembrando você de tudo aquilo de que já se distanciou. Não consigo decidir qual metade é melhor: conceito e execução brilhantes. Voltamos ao ritmo acelerado com "Geek USA ". Primeiras impressões? Jimmy Chamberlin, sempre impecável, nunca decepciona. Por que não gostei dessa música a princípio? Ritmo perfeito, uma marca registrada do grunge, você poderia até dizer que ela flerta com o heavy metal em um ponto. Na metade da música, há uma desaceleração. Por que eu amo esse momento? Minha própria interpretação: a conexão siamesa no pulso simboliza as mãos entrelaçadas de duas pessoas. Essas pessoas também estão conectadas em sonhos, o que pode indicar uma linha de pensamento semelhante, valores parecidos e muitas características em comum. Seguindo essa linha de raciocínio, acredito que "Siamese Dream" seja uma metáfora para uma amizade verdadeira e duradoura que começa na infância. É uma daquelas músicas de rock alternativo realmente ótimas; é progressiva, quase. Ouça aquela virada de bateria inicial — o som da bateria aqui é perfeito, o ritmo é hipnótico e energético, assim como o riff. A subida pentatônica que Billy faz de vez em quando é emocionante e eletrizante, e aquela ponte... pura perfeição shoegaze. MaioneseTem uma atmosfera de balada, mas é muito poderosa. Liricamente, representa o oposto de "Today", e há um certo padrão nisso. "Today" foi escrita primeiro, enquanto Billy guardou essa faixa para o final. Mais uma vez, algo que teoricamente não deveria funcionar tão bem, na verdade funciona: um pouco de ruído de um lado, calma e reflexão do outro. Em "Today", o mundo de Billy está caminhando para a destruição, enquanto em "Mayonaise", há arrependimento pelos anos perdidos e oportunidades desperdiçadas, mas, no fim das contas, também há esperança de algo melhor. 

 Por muito tempo, fiquei em dúvida sobre qual música seria a minha favorita em Siamese Dream. Agora, acho que " Spaceboy" merece esse título. Há muitas composições agressivas e ruidosas, mas escolhi uma das mais tranquilas. Me apaixonei pela atmosfera acústica, pela bateria lenta, tudo unido pelo Mellotron, que sempre associarei a essa música. Enquanto a maior parte do álbum me dá uma sensação agradável de flutuar entre as nuvens em plena luz do dia, em "Spaceboy" a atmosfera se torna mais noturna. Billy se refere ao seu meio-irmão, que lutou contra paralisia cerebral e síndrome de Tourette, entre outras coisas. O cantor aponta certas semelhanças entre eles. Eles foram unidos por um período de exclusão social, o que leva à identificação com a outra pessoa. A parte final é, para mim, uma obra-prima. Não me entendam mal, "Silverfuck" tem um ótimo ritmo, a performance de Chamberlin é hipnotizante, fica um pouco psicodélica... mas essa duração? Quase 9 minutos? Fala sério. Não tenho nada contra músicas longas, mas me interesso pelo conteúdo em si. Gostaria que a banda tivesse se concentrado na intensidade do começo ao fim, mas por três minutos ficamos simplesmente em suspenso. Acho que eles poderiam ter mantido esse elemento, abraçado o minimalismo e encurtado essa parte para alcançar o mesmo efeito. Talvez eu esteja subestimando a referência aos sons progressivos neste ponto, mas não acho que seja necessária, com todo o respeito ao conceito brilhante de Corgan. Considero " Sweet Sweet" como uma espécie de esboço, não uma faixa completa, o que não significa que a considere menos importante. É uma transição genuinamente agradável para a conclusão, " Luna" — todos os álbuns do Smashing Pumpkins que ouvi até agora terminaram em uma atmosfera semelhante. Os álbuns em si estão repletos de oportunidades para relaxar, para liberar uma infinidade de emoções, mas o trecho final, neste caso "Luna", garante uma jornada tranquila.

Existem muitos álbuns que eu diria que seriam perfeitos se não fosse pelas faixas X e Y serem ruins, ou porque algo poderia ter sido melhor. Siamese Dream se destaca entre os muito bons. Não tenho receio de dizer que, de todos os álbuns que conheço, este é o que mais se aproxima da perfeição e nunca me entedia. Billy e sua banda (ou talvez apenas Billy?) criaram uma atmosfera que, na minha opinião, é irrepetível. É justamente com gravações como esta que eu acredito na teoria de que existem lugares, pessoas, momentos e circunstâncias que contribuem para a criação de um álbum único. Neste caso, talvez tenham sido os problemas de saúde mental de Billy, seu vício em trabalho e seu perfeccionismo que começaram a gerar conflitos dentro do grupo e transformaram o trabalho em uma tarefa árdua. Siamese Dream é um álbum barulhento e agressivo em alguns momentos, mas também reconfortante. Para mim, é um dos sons que definiram os anos 90 e um verdadeiro exemplo do rock alternativo da década. A gama de emoções adolescentes apresentadas neste álbum lembra a banda The Cure.