EPIPHONE - A GUITARRA PREFERIDA DE JOHN LENNON

 

Quem teve a oportunidade de assistir ao incrível documentário “Get Back”, de Peter Jackson, lançado em serviços de streaming no final de 2021, provavelmente notou que John Lennon tocou praticamente a mesma guitarra durante toda a série. É o mesmo instrumento que Lennon tocou durante a última apresentação dos Beatles: o "Rooftop Concert", realizado no topo do prédio da Apple, em Saville Row, Londres, em 1969.

Desde que a comprou em 1966, a Epiphone Casino tornou-se, sem dúvida, uma parte essencial do som característico de Lennon durante a segunda metade da carreira dos Fab Four, e que Lennon manteve esta guitarra como seu instrumento principal até o final de sua vida.

Hoje em dia, existem duas versões diferentes da Casino, ambas baseadas na guitarra original de Lennon: a Epiphone John Lennon Revolution Casino em acabamento natural e a Epiphone Casino Inspired by John Lennon em vintage sunburst

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Quem é fã incondicional dos Beatles, sabe que houve um momento em que Paul McCartney, George Harrison e John Lennon tocavam Epiphones Casinos como guitarras principais, quando eles já eram a maior banda do mundo.

A maioria dos guitarristas acha que a Epiphone como marca, se baseia na imitação das guitarras Gibson. Não estão totalmente errados ao dizer isso, mas o fato é que em 1957 a Gibson comprou a Epiphone porque ela era uma de suas maiores rivais. Nos anos 30, 40 e início dos anos 50, ambas as empresas fabricavam guitarras archtop (oca com corpo inteiro e um topo arqueado distinto, com cordas de metal) para músicos de jazz daquela época, e foi por isso que a Gibson decidiu comprar a Epiphone, basicamente para adquirir o controle sobre sua produção. Durante o final dos anos 50 e início dos anos 60, a Gibson produziu diferentes modelos de guitarras sob o nome Epiphone que hoje são considerados clássicos. As guitarras Epiphone feitas no início dos anos 60 eram instrumentos excelentes, e foi por isso que os Beatles se encantaram por elas.

Uma guitarra totalmente oca equipada com captadores P-90, como a Epiphone Casino, pode produzir um som muito agressivo e também pronto para feedback. Outro aspecto da Epiphone Casino que John Lennon e os Beatles definitivamente gostaram é que esta guitarra não deve ser considerada apenas uma máquina de feedback incrivelmente eficaz. Também é bastante útil como ferramenta de compositor e também pode gerar um som limpo muito claro e arredondado, perfeito para arpejar e dedilhar acordes, quase exatamente como se faz em um violão.

As peculiaridades da Casino impressionaram muito os Beatles, tanto como compositores quanto como amantes da experimentação sonora em estúdio. Paul McCartney, George Harrison e John Lennon foram todos orgulhosos proprietários das Epiphones Casinos em algum momento de suas carreiras. Em 1964, Paul McCartney queria uma guitarra que pudesse lhe dar feedback facilmente. Sendo um amigo próximo da lenda britânica do blues John Mayall, McCartney ouvia muitos discos de blues diferentes que Mayall tocava para ele em sua casa. Mayall disse que durante uma dessas sessões de audição, ele mostrou a McCartney sua guitarra oca comprada enquanto estava no exército no Japão em 1955 e disse-lhe que é muito mais fácil obter feedback tocando guitarras ocas.

Naquele mesmo dia, o Beatle comprou sua Epiphone Casino. Paul McCartney foi o primeiro Beatle a comprar uma Casino, que logo teve que adaptá-la, para que pudesse tocar como uma guitarra para canhotos. Em 1966, tanto John Lennon quanto George Harrison decidiram comprar Epiphones Casino porque ficaram impressionados com o quão bem a guitarra de Paul soava. A primeira aparição ao vivo dos Beatles tocando essas guitarras foi no “Top of the Pops” da BBC.

Embora as duas guitarras tenham sido feitas em 1965, podemos ver algumas diferenças entre elas, principalmente porque a Casino de Harrison tinha um sistema de tremolo Bigsby, enquanto a guitarra de Lennon era equipada com o arremate trapézio padrão da Epiphone. Curiosamente, a Casino de John Lennon tinha um anel preto ao redor do seletor de captação, o que é uma característica muito incomum de se encontrar neste modelo. Ambas as guitarras foram equipadas com ferragens douradas. Tanto Lennon quanto Harrison escolheram suas respectivas Casinos como guitarras principais quando os Beatles embarcaram em sua turnê de 1966 pela Alemanha, Japão e Estados Unidos

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Depois de voltarem da turnê, os Beatles começaram a gravar seu lendário álbum conceitual de 1967, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Esta obra-prima foi gravada usando todas as três guitarras Epiphones Casinos dos Beatles

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Enquanto estudavam meditação transcendental na Índia em 1968, Lennon e Harrison estavam convencidos de que obteriam um som melhor lixando o acabamento de suas guitarras como a do amigo Donovan Leitch. Então, quando voltaram para Londres, lixaram suas cassinos. Isso aconteceu durante a gravação do “Álbum Branco”. Uma das últimas apresentações dos Beatles com suas Casinos pode ser conferida na música “The End”, do álbum Abbey Road. No solo desta música, há um “duelo” de guitarras a três onde Paul, George e John tocam um solo de dois compassos cada, um após o outro. Harrison usou sua Gibson Les Paul enquanto Lennon e McCartney tocaram com suas Casinos.

John, Paul e George mantiveram suas Epiphones Casinos mesmo depois de seguirem caminhos separados. McCartney ainda se refere à Casino como sua guitarra elétrica favorita em geral.

A Casino original de 1965 que John Lennon comprou em 1966, era uma guitarra “feita pela Gibson”, assim como a maioria dos instrumentos Epiphone produzidos naquela época. O que significa que, no início dos anos 60, a Gibson estava construindo e posteriormente vendendo guitarras sob a marca Epiphone. As fábricas eram as mesmas, assim como as pessoas que montavam os instrumentos, mas os modelos diferiam das clássicas guitarras Gibson que conhecemos. A inspiração de construção e o conceito geral por trás da Casino podem ser encontrados na Gibson ES-330.

A guitarra Gibson é virtualmente idêntica à sua contraparte Epiphone. Ainda assim, quando ambas foram lançadas no mercado, a Casino atraiu mais interesse dos guitarristas, incluindo Paul McCartney, depois George Harrison e, obviamente, John Lennon.

Lennon usou sua Casino extensivamente durante a segunda metade da carreira da banda e durante o início dos anos 70 para seus lançamentos solo. Em 1966, durante o processo de gravação do álbum “Revolver”, Ele tocou essa guitarra extensivamente e podemos ouvi-la sendo usada principalmente nas partes rítmicas. Na faixa-título de seu próximo álbum, “Sgt. Pepper's Lonely Heart Club Band”, Lennon toca a parte rítmica principal durante toda a música. Esse é um exemplo perfeito do som típico da Epiphone Casino.

John Lennon lixou sua Casino de volta ao seu acabamento natural e tocou sua guitarra Epiphone durante toda a gravação do “Álbum Branco”, no qual claramente usou a Casino como uma ferramenta para expressar seu amor pelo Blues

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Lennon também usou sua Casino durante o especial de TV "Rock And Roll Circus" dos Rolling Stones, com o supergrupo que ele chamou de "The Dirty Mac". Esta banda inacreditável era formada por Eric Clapton, Keith Richards, Mitch Mitchell e John Lennon. Este foi o primeiro show público que Lennon fez sem os Beatles desde que eles se formaram como banda, e o fato de ele ter escolhido tocar com a Casino nesta ocasião prova ainda mais que Lennon via esta guitarra como seu instrumento principal.

Em 1969, John Lennon nos forneceu sua imagem mais icônica tocando sua Epiphone Casino. O "Rooftop Concert", realizado em 30 de janeiro de 1969, foi a última apresentação pública dos Beatles. Felizmente, ainda podemos testemunhar a excelente atuação principal de Lennon na música “Get Back”. Ele tocou com sua Casino de confiança durante todo o show, e podemos ouvir o quanto as partes rítmicas tocadas neste instrumento compõem o som característico da guitarra de John Lennon.

Quando John fez seu primeiro show com a Plastic Ono Band no festival de música Toronto Rock'N'Roll Revival, no Canadá, ele tocou músicas, canções e composições totalmente novas, com uma nova banda. A única coisa que não vimos mudar ao longo desse período foi a Epiphone Casino. John Lennon usou esta guitarra em seu primeiro lançamento solo após a separação dos Beatles. “Hold On”, “I Found Out” e “Well Well Well” são exemplos claros de como o ex-Beatle continuou a usar as características tonais inatas da Casino durante sua carreira solo. O álbum “John Lennon/Plastic Ono Band” de 1970 dá a Lennon a chance de levar a guitarra de um som silencioso de tremolo para o tom estrondoso de blues pelo qual ele é conhecido. Também podemos ouvir a Casino na música “How Do You Sleep?”, do famoso álbum Imagine de 1971, como podemos ver durante o processo de gravação filmado desta música específica.

A Epiphone Casino que John Lennon tocou pertence à sua ex-parceira Yoko Ono, como a maioria dos outros instrumentos que já pertenceram ao Beatle. A Epiphone Casino Archtop era um modelo relativamente barato quando John Lennon a comprou, mas ele deve ter conseguido comprar praticamente todas as guitarras que desejava. Por isso, o fato de ele ter continuado usando sua Casino até o final de sua carreira deve significar que ele realmente sentiu que esta guitarra representava a melhor opção para ele expressar sua música - uma excelente ferramenta para um dos maiores artistas, compositores e intérpretes de todos os tempos.

Clearlight "Clearlight Symphony" (1973)

 Um clássico do rock sinfônico e um lugar de honra entre os 100 álbuns progressivos mais emblemáticos de todos os tempos, esta obra alcançou reconhecimento internacional quase imediatamente após seu lançamento. Felizmente, 

o lançamento foi promovido pela grande gravadora britânica Virgin Records. A participação de diversos artistas renomados na gravação também contribuiu para o sucesso do projeto, idealizado pelo compositor e tecladista francês Cyril Verdu (n. 1949). Formado em conservatório e vencedor de múltiplos concursos de música, ele, contrariando a tradição, não seguiu a carreira acadêmica, preferindo experimentar com formas sonoras dentro do gênero rock, que se desenvolvia rapidamente. O primeiro laboratório criativo de Cyril foi o grupo parisiense Babylone . Lá, ele fez amizade com o virtuoso guitarrista Christian Boulet (1951-2002), que mais tarde auxiliou o maestro Verdu em diversas ocasiões durante a preparação de seus projetos solo. "Clearlight Symphony" é um exemplo notável dessa colaboração.
Os dois extensos movimentos instrumentais que compõem a sinfonia foram gravados por Cyril (piano, órgão, mellotron, sintetizadores) em diferentes estúdios e com vários grupos de acompanhantes. Assim, a faixa de grande escala "Primeiro Movimento" ganhou vida pelas mãos de ex-membros do icônico conjunto Gong : o guitarrista Steve Hillage , o saxofonista Didier Malherbe e o tecladista/percussionista Tim Blake . O amplo panorama de 20 minutos serviu, em certa medida, como uma generalização das influências vivenciadas pelo gênio em seu amadurecimento espiritual. Entre elas, destacam-se as monumentais orquestrações para teclado, ligadas em uma cadeia mística com efeitos sonoros expressivos (estes últimos modulados por meio de um sintetizador analógico portátil VCS 3, fruto da genialidade criativa de Peter Zinoviev ) e cálculos estruturalistas à maneira da escola alemã de krautrock; e as tendências românticas etéreas inerentes às primeiras obras de Claude Debussy . e a estrutura cíclica do esquema composicional com um toque de minimalismo melódico, invariavelmente traçando paralelos com a célebre obra-prima de Mike Oldfield , "Tubular Bells", lançada na mesma época. Além disso, o grupo Gong introduziu ingredientes distintamente de Canterbury à paleta sonora, com suas influências psicodélicas e inclinações jazzísticas concomitantes. Sem mencionar o fato de ser simplesmente impossível confundir o som único da guitarra de Hillage ou as ondulações expansivas e sutis do sax de Malherbe com os floreios estilísticos de outros músicos. Uma marca de qualidade de natureza especial e elitista, tão apreciada pelo ouvinte intelectual.
O capítulo com o título simples de "Segundo Movimento" foi escrito por Cyril na companhia de seus compatriotas — o já mencionado guitarrista Boulet, o baixista Martin Isaacs e o baterista/vibrafonista Gilbert Artman. Este grandioso afresco demonstra uma mudança significativa no subgênero narrativo. A incursão dos músicos na psicodelia (a aliança entre Mellotron e piano é considerada a base sonora) é evidente, com um toque de sentimentalismo lírico. A base melancólica, estabelecida por Monsieur Verdoux no âmago da epopeia, é diluída pelas partes habilmente distorcidas de Christian Boulet , que reconciliam figurativamente a alquimia cintilante das reflexões do autor com a dura realidade da vida terrena. E essa simbiose de elementos diametralmente opostos evoca admiração não apenas pela abordagem harmoniosa, mas também pela imaginação absolutamente original desses notórios demiurgos do rock.
Em suma: uma obra-prima de sagacidade, profundidade, beleza e talento em um único programa. Altamente recomendado.

MUSICA&SOM ☝

Be-Bop Deluxe "Futurama" (1975)

 Uma parte essencial da cena artística britânica em seu auge era a vibrante diversidade de formas sonoras. Parecia ter tudo o que se pudesse desejar. O ouvinte intelectual simplesmente tinha que escolher um ou outro 

estilo de rock progressivo. Enquanto os estetas mais exigentes preferiam bandas de elite ( Yes , Genesis , Van der Graaf Generator , Jethro Tull , ELP , King Crimson ), os amantes da música com uma abordagem mais direta se contentavam perfeitamente com bandas como ELO , 10cc ou Roxy Music , que combinavam com sucesso entretenimento vibrante com arranjos complexos. Os protagonistas da nossa análise de hoje podem ser classificados, com justiça, nesta última categoria.
Be-Bop Deluxe é uma criação do multi-instrumentista e cantor Bill Nelson (n. 1948). Este brincalhão, experimentador e provocador de Yorkshire cresceu em um ambiente musical e artístico (seu pai e irmão eram saxofonistas, sua mãe, dançarina). Portanto, pode-se dizer que o destino do pequeno Billy já estava traçado. Na adolescência, Nelson Jr. ficou fascinado pela guitarra, e seus ídolos na época incluíam Duane Eddy e Hank Marvin . E enquanto já estudava na Wakefield College of Art, o jovem foi profundamente tocado pela maneira de tocar do gênio Jimi Hendrix . Naturalmente, bandas amadoras surgiam como que de uma cornucópia, onde o corajoso jovem Nelson aprimorou seu talento na guitarra. Em 1971, ele conseguiu lançar um álbum solo, "Northern Dream", em uma tiragem minúscula de 250 cópias (sem receber um centavo de royalties pelas vendas). No entanto, a gravação caiu nas mãos do renomado radialista John Peel , que inesperadamente gostou dela. Por sugestão de DJ Bill, os executivos da gravadora EMI/Harvest o notaram. A partir daí, a história se desenvolveu dentro da formação Be-Bop Deluxe de Nelson .
"Futurama" é o segundo álbum da discografia do BBD .Segundo a maioria dos fãs de rock, este é o lançamento mais forte da banda. É difícil discordar. Bill (guitarra, teclados, vocais, percussão), como único líder da banda, teve a sorte de compor nove músicas realmente sólidas. E, o mais importante, ele as trouxe à vida com a ajuda do baixista Charles Tumagai e do baterista Simon Fox. As estruturas polirrítmicas das faixas são ricas em diversas influências estilísticas. Há a força assertiva do hard rock, beirando influências psicodélicas caóticas; o brilho festivo e mágico do glam rock; e as frequentes mudanças temáticas características da música progressiva. Até mesmo baladas de andamento médio como "Love With the Madman" são tratadas com uma inventividade incomum, sem sentimentalismo desnecessário ou pieguice, mas com uma dose de ironia penetrante e mordaz. A comovente elegia "Sister Seagull" alcançou o status de sucesso no Reino Unido, cativando o público com seus solos marcantes e os riffs de Nelson, que ressoavam de forma única na atmosfera minimalista dos teclados. O brilhante domínio instrumental da banda é evidente em faixas como "Sound Track", "Between the Worlds" e "Swan Song", que gravitam em torno da grandiosidade, da pompa e da sinfonia. No entanto, outros pontos desta envolvente jornada parecem não ser menos fundamentais...
Em resumo: um excelente exemplo de arte pop não particularmente profunda, mas altamente envolvente e magistralmente executada, que reflete com precisão o espírito da época. Retronautas, anotem.

MUSICA&SOM ☝

“Bodyheat” de James Brown

No final de 1976, o lendário mestre do groove, James Brown, lançou seu funk letal no sucesso explosivo "Body Heat". Rapidamente, a música se tornou a escolha preferida dos DJs de clubes quando queriam fazer a pista de dança bombar o mais rápido possível. O groove incendiário mostrou que o funk do Padrinho estava mais potente do que nunca e, após duas décadas na cena musical, ele não demonstrava sinais de desaceleração. Sweet Charles Sherrell ancora a faixa dinâmica com uma linha de baixo poderosa, e Melvin Parker assume o controle da bateria, entregando doses massivas de funk. Jimmy Nolen contribui com riffs de guitarra incríveis, e a seção de metais precisa eleva o groove a outro nível com linhas de sopro incendiárias. A faixa também conta com uma ponte matadora, e James infunde sua voz com soul profundo e cru e um funk ardente. Além disso, os sons de sirene de bombeiros são um toque genial e combinam perfeitamente com o tema de calor da música.

"Bodyheat" foi lançada como um single em duas partes pela Polydor Records em dezembro de 1976. A autoria da música é creditada à então esposa de James, Deidre, e às filhas Deanna e Yamma Brown. Foi amplamente divulgado que ele fez isso para evitar problemas com impostos devido aos seus problemas contínuos com a Receita Federal. Ele produziu e arranjou a música, que alcançou o 13º lugar na parada de singles de R&B da Billboard e o 88º lugar na Billboard Hot 100. Foi sua última música a aparecer na Billboard Hot 100 até o lançamento de seu sucesso mundial "Living In America" ​​em 1985. "Bodyheat" também teve um bom desempenho nas paradas do Reino Unido, chegando ao 36º lugar. É a faixa-título do 44º álbum de estúdio de James, lançado em 1º de dezembro de 1976. Uma apresentação ao vivo de "Bodyheat" aparece em seu álbum duplo ao vivo de 1980, Hot on the One , e também em Live in New York (1981). A versão de estúdio da música aparece no abrangente box set de quatro CDs Star Time (1991) e na coletânea 20 All-Time Greatest Hits! (1991). Uma mixagem alternativa da versão de estúdio está incluída como faixa bônus na coletânea Motherlode de 1988 e em sua reedição de 2003 com som remasterizado. 

"Bodyheat" foi sampleada em 23 músicas e fez parte das trilhas sonoras dos filmes Zombie High (1987) e Hudson Hawk (1991). 

A formação completa da banda em “Bodyheat” era composta por Sweet Charles Sherrell (baixo), Jimmy Nolen (guitarra), Hollie Farris (trompete), Melvin Parker (bateria), St. Clair Pinckney (saxofone tenor), Mike Lawler (teclados), Joe Poff Jr. (saxofone alto), Johnny Griggs (percussão), Peyton Johnson (saxofone tenor) e Russel Grimes (trompete).

James interpretando "Bodyheat" ao vivo em 1979.

Aqui está uma montagem de dança incrível do James arrasando ao som de "Bodyheat".

ANGE ● Au-delà du Délire ● 1974

 

Artista: ANGE

Paíse: França

Gênero: Symphonic Prog

Álbum: Au-delà du Délire

Ano: 1974

Duração: 37:53

Seguindo o mesmo caminho de emoção teatral e ambiente sombrio - essência musical geral de seu álbum anterior - "Au-delà du Délire" é o terceiro álbum da banda francesa ANGE. O álbum exibe a banda expandindo seu arsenal sonoro com uma exibição mais abundante de orquestrações de teclado (principalmente camadas de melotron e harmônias de órgão) e uma interação mais estreita, compartilhada com fluidez por todos os músicos. As partes de guitarra de Brezovar estão mais fortes e mais exultantes do que nunca, e também é a base sólida estabelecida pela seção de ritmo. Enquanto isso, Christian Decamps mostra seu canto com o habitual nível variado de sabores dramáticos - suas primeiras linhas para a faixa de abertura são simplesmente inesquecíveis. 

Abrindo o álbum, "Godevin le Vilain" é uma faixa muito atraente, algo como uma breve história antiga que aquece os ouvidos do ouvinte antes do surgimento de todas as coisas mais pesadas que virão depois. "Les Longues Nuits d'Isaac" é um Rock incrível, onde a guitarra "infla" e as camadas de melotron se unem em um casamento de magia estranha e energia; mais tarde, esse mesmo ambiente é adequadamente aprimorado com inventividade suprema em "Exode", cujo clímax final é reforçado por um solo de guitarra mais incrível, e a cativante "Fils de Lumiere" (um clássico definido na história da banda). No lado mais sombrio das coisas, "Si J'etais le Messie" consiste em uma recitação anticlerical acompanhada de uma sombria instrumentação desconstrutiva, claramente, um lembrete da grandeza opressiva das passagens mais realizadas de "Le Cimitiere des Arlequins". "La Bataile du Sucre" combina o melhor dos dois mundos, ou seja, a vibração sinistra de "Cimitiere" e o espectro multicolorido que funciona como foco principal deste álbum. Mostrando que eles possuem um senso lúcido de drama, após a explosão delirante da faixa 3, surge uma bela balada acústica intitulada "Ballade pour une Orgie": apesar das implicações lascivas de seu título, é na verdade uma mistura delicada de sensibilidade folclórica e elegância barroca, retratando um ar de suave intimidade. É a faixa-título que fecha o álbum. Sua primeira seção é um exercício de proezas acústicas tipo trovador, com algumas reviravoltas sutis e exóticas transmitidas nas progressões dos acordes de órgãos, enquanto a seção final é de brilho sinfônico puro, muito parecido com o início do KING CRIMSON e do "Nursery Cryme" do GENESIS, mais uma vez, o violão de Brezovar brilha como um sol no ápice do verão. Enfim, um excelente álbum, e merecendo um lugar de destaque em qualquer boa coleção de Rock Progressivo.

Faixas:

01. Godevin le Vilain (2:57)     

02. Les longues nuits d'Isaac (4:10)

03. Si j'étais le Messie (3:00)

04. Balade pour une orgie (3:22)

05. Exode (5:00)

06. La bataille du sucre (inclus: La colère des dieux) (6:30)

07. Fils de lumiere (3:52)

08. Au-delà du délire (9:02)

Músicos:

- Christian Décamps / lead vocals, piano, Hammond, harpsichord

- Jean-Michel Brézovar / electric & 12-string guitars, mandolin, flute, backing vocals

- Francis Décamps / Viscount organ, celesta, backing vocals

- Daniel Haas / bass, Classical guitar

- Gérard Jelsch / drums, percussions

Com:
- Henry Lovstav / violin (1)
- Eric Bibonne / child voice (6)
- Michel Lefloch / Bernard L'Hermite voice (8)

AREA ● Caution Radiation Area ● 1974

 

Artista: AREA

País: Itália

Gênero: Jazz-Rock/Fusion

Álbum: Caution Radiation Area

Ano: 1974

Duração: 32:19

O AREA era uma banda cujas letras eram frequentemente políticas. Certamente o título deste álbum, e a contracapa (que traz uma foto de dois soldados armados escalando uma parede) são objetos de seus protestos. Aqui temos um trabalho dissonante, experimental, vanguardista, intenso e sombrio. É como se eles estivessem tentando transmitir através da experimentação musical como a radiação e a guerra são abomináveis.

A faixa que abre o disco, "Cometa Rossa" inicia com sintetizadores como bateria e então chega um som cheio. Isso é excelente. Uma calma desce quando os vocais chegam antes de 1 1/2 minutos. Demetrio fica um pouco teatral aqui antes de retroceder após 3 minutos. Legal. Órgão poderoso no final. "ZYG (Crescita Zero)" abre com estranhos sons experimentais. Algumas falas entram antes de começarmos a obter uma batida e melodia. Muita dissonância com piano e violão. Confira a guitarra tocando 2 minutos e meio. Bastante único e longe de ser agradável. É jazzy neste ponto como baixo e piano com bateria leve fornecem o pano de fundo para esses sons crus de guitarra. O piano substitui a guitarra após 3 minutos e meio. Seguem-se algumas trompas dissonantes. Você pode ouvir Demetrio ao fundo fazendo sons vocais estranhos. Synths em 5 minutos. "Brujo" abre com uma infinidade de sons que chegam até nós de todos os ângulos. Ele para antes de um minuto quando obtemos um piano esparso e um fundo assombroso. Explosões de tambores e outros sons vêm e vão. Torna-se jazzístico em 3 minutos com bateria e teclas uptempo liderando o caminho. Isso continua e continua. Seção incrível! Uma calma chega antes dos 6 minutos com alguns sons de respiração pesada seguidos por vocais deletérios em uma paisagem sonora assombrosa. "Mirage!" é a faixa mais longa em 10 1/2 minutos. Tem um começo sombrio, assustador e atmosférico. Explosões de vocais perturbados quando o clarinete baixo entra e outros sons estranhos. Isso me lembra "Heresie" do UNIVERS ZERO. Bateria e percussão se juntam. Temos algum tipo de melodia em 4 minutos, embora os sons misteriosos continuem. Tudo para 6 minutos quando vozes sussurradas podem ser ouvidas e depois sons vocais estranhos. É assustador de novo. Escuro como o inferno. Sons dissonantes antes de 8 minutos criam confusão. Ele retrocede após 9 minutos. Melodias vocais em 9 minutos e meio. É assustador terminar. Que viagem ! "Lobotomia" abre com sons penetrantes. É como um aviso ou alarme. Ele diminui, mas ainda é como tomar banho de chuva ácida. Perturbador é um eufemismo.

Esta é uma declaração musical bizarra de uma banda que, tenho certeza, chamou a atenção das pessoas na época. Confira !!!

Faixas:

01. Cometa Rossa (4:00)

02. ZYG (Crescita Zero) (5:27)

03. Brujo (8:02)

04. Mirage (10:27)

05. Lobotomia (4:23)

Músicos:

- Demetrio Stratos / vocals, organ, harpsichord, steel drums, percussion

- Paolo Tofani / guitar, flute, EMS synthesizer

- Patrizio Fariselli / piano, electric piano, ARP synthesizer, bass clarinet

- Ares Tavolazzi / bass, double bass, trombone

- Giulio Capiozzo / drums & percussion

ARTI & MESTIERI ● Tilt - Immagini Per Un Orecchio ● 1974

 

Artista: ARTI & MESTIERI

País: Itália

Gênero: Jazz-Rock/Fusion

Álbum: Tilt - Immagini Per Un Orecchio

Ano: 1974

Duração: 36:34

Formada em 1974 em Turim, Itália, a excelente banda de Fusion-Prog ARTI & MESTIERI (ARTI + MESTIERI) possui a maior parte de sua energia fornecida pela bateria insana de Furio Chirico que é contrabalançada pelas belas passagens de violino, bem como pelo violento trabalho de guitarra. Nos seus primeiros álbuns, a banda fez uma mistura dinâmica, complexa e elaborada de Rock, Folk, Fusion, com muitos violinos e teclados.

A ARTI & MESTIERI, considerada uma das bandas cult mais influentes na cena Progressiva italiana e européia, surpreendera o público confirmando, mais de três decadas após seu lançamento, que "Tilt" ainda é um marco para as gerações de fãs. Os dois álbuns lançados em CD, "Tilt" e "Giro Di Valzer Per Domani", são verdadeiras obras-primas do gênero. Um verdadeiro imperativo para todos os amantes do estilo!

O ARTI & MESTIERI produziu aqui, um dos álbuns de Prog italianos mais emblemáticos com simplicidade, mas impressionante, que provavelmente poderia ser o espírito progressivo: de fato, esse amplo funil poderia estar onde o movimento progressivo englobasse todas as suas influências individuais ou coletivas e as transferisse para um tanque para a mixagem, produzindo assim um produto final incrivelmente variado e complexo. Essa imagem sugestiva pertence verdadeiramente à sua também, mas duvido que seja o único que tenha pensado nisso, e é ainda reforçado pelo subtítulo do nome do álbum: imaginação para o ouvido. Frequentemente classificada como Jazz-Rock/ Fusion, essa banda não traduz toda a extensão de suas composições, especialmente quando o violinista induz um monte de tons sinfônicos ou clássicos à mistura geral.

O que você encontrará aqui é um grupo italiano bastante típico, preso entre o mais sinfônico (PFM ou BMS inicial) e o gosto jazzístico (PERIGEO ou PFM após "Chocolate Kings") do escopo italiano de Prog, mas não se aventurando em seu lado mais experimental, como AREA ou STORMY SIX (exceto a curta faixa-título final) ou sua inclinação progressiva (SAINT JUST).

É um álbum praticamente instrumental, apesar de duas faixas cantadas. Enquanto o sax fornece sonoridades tipicas do Jazzisticas americanas, o violino e os melotrons "impôem" mais influências européias, apesar das composições serem principalmente do guitarrista Venegoni. A faixa de abertura "Gravitá 9.81" é levemente MAHAVISHNU ORCHESTRA, sem aviso prévio, a peça seguinte "Strips", possui vocais bastante parecidos com PFM. A curta "Corrosione" é mais uma peça de transição que nos polarizará na faixa "Positivo/Negativo" (novamente MAHAVISHNU, mas com vibrações adicionais) para preparar "In Cammino", uma evolução lenta e gradualmente incandescente, em grande parte devido a Vitale. ventos e o violento solo de guitarra de Venegoni, antes que a pequena peça "Scacco Matto" termine o antigo lado A abruptamente. Agora temos o destaque do álbum, a longa faixa de 13 minutos "Articolazione", mais uma faixa com vocais, porém imprensada por duas faixas curtas, a primeira das quais "Farenheit" é inspirada em Maha, enquanto a peça final "Tilt" é definitivamente mais abstrata e musicalmente fora do contexto do resto do álbum: interessante, mas artificial. Vamos voltar ao épico, "Articolazione" é verdadeiramente a peça mais complexa e enérgica do álbum e no modo "CRIMSOM meet PFM".

Faixas:

01. Gravità 9,81 (4:05)

02. Strips (4:39)

03. Corrosione (1:37)

04. Positivo / Negativo (3:29)

05. In Cammino (5:36)

06. Scacco Matto (0:52)

07. Farenheit (1:15)

08. Articolazioni (13:24)

09. Tilt (2:29)

Músicos:

-Furio Chirico: bateria e percussão

-Beppe Crovella: piano, sintetizador, mellotron, orgão Hammond

-Marco Gallesi: baixo

-Gigi Venegoni: guitarra

-Giovanni Vigliar: violino, vocal, percussão

-Arturo Vitale: saxofone, clarineta, vibrafone