Tsunamiz apresentou no dia 5 de dezembro o seu oitavo álbum de estúdio, Love Is Never Enough, um trabalho melancólico e visceral que explora desilusão, impotência e desencanto social. Criado por Bruno Sobral, músico DIY do Seixal, o disco nasce de um percurso marcado por limitações materiais e barreiras estruturais que moldaram a sua identidade artística.
Com oito faixas e cerca de 28 minutos, o álbum move-se entre o post-punk, dark wave e alt-rock, evocando referências como Depeche Mode, Joy Division, The Cure, Nirvana ou Suicide. O ambiente é sombrio, por vezes dançável, por outras mais agressivo, refletindo um "pessimismo ativo" que recusa a rendição. A faixa-título destaca-se pela sua intimidade e pelo retrato de isolamento e asfixia económica.
Totalmente produzido pelo próprio — da composição ao artwork — Love Is Never Enough reforça a filosofia livre e sem fronteiras de Tsunamiz. O disco conta ainda com participações de Miguel Leonardo, em "Free and Young", e de Priscila Devesa, em "Danse Macabre".
Desde 2022, Tsunamiz tem lançado um álbum por ano, consolidando uma presença constante na música alternativa portuguesa, com destaque frequente em rádios e media nacionais como a Antena 3.
Benjamin John Howard (Devon, Inglaterra, 24 de abril de 1987) é um cantor e compositoringlês.[1] Ele lançou seu EP de estreia de forma independente em 2008, o EP se chama Games In The Dark, após este EP, ele lançou mais dois, These Waters em 2009 e Old Pine em 2010. No final de 2010, ele conseguiu um contrato com a gravadora Island Records, o que fez com que ele lançasse seu primeiro álbum de estúdio em 2011, chamado Every Kingdom que foi bem recebido pela crítica.
Antes de qualquer contrato com uma gravadora, ele lançou 3 EP's de forma independente. Howard assinou contrato com a Island Records em dezembro de 2010 e em 30 de setembro de 2011, seu primeiro álbum de estúdio foi lançado com o nome de "Every Kingdom". Em 2012, sua música começou a ficar popular nos Estados Unidos e ele foi para o festival South by Southwest, além disso uma turnê nos Estados Unidos também foi confirmada. Em 2012, sua música "Promise" apareceu no último episódio da oitava temporada de House. Em novembro de 2012, ele lançou mais um EP, este se chama "The Burgh Island", a segunda música deste álbum se chama "Oats In The Water" e apareceu no episódio 5 da quarta temporada de The Walking Dead. Em 2014, Howard tocou na inauguração do Festival Somersault que ocorreu em sua cidade natal, Devon na Inglaterra junto com outros artistas como Jack Johnson. Em 21 de outubro de 2014, seu segundo álbum de estúdio foi lançado, chamado "I Forget Where We Were". Com este álbum, ele saiu em turnê junto com a banda de Folk, Daughter.
Amantes da beleza turbulenta, isto é para vocês. Um novo capítulo na escola do rock: viajamos ao Japão para apresentar o mais recente trabalho desta grande banda japonesa, que já foi destaque aqui no blog há algum tempo. Ideal para fãs de King Crimson e todos os amantes do rock progressivo em geral, com um pé no passado (este grupo foi formado nos anos 70), este álbum também explora sons modernos e alternativos, mantendo o estilo nítido e empolgante e a incrível capacidade interpretativa destes maravilhosos músicos japoneses. Um frenesi de beleza, o 'King Crimson japonês' opera de forma semelhante ao Los Redondos: sem redes sociais, sem publicidade, sem lançamentos para audição, e este modelo de intriga e obscuridade se aplica a todos os álbuns do Bi Kyo Ran, e este não é exceção. Uma grande obra que você não encontrará facilmente; altamente recomendada.
Artista: Bi Kyo Ran Álbum:Bloodliners Ano: 2025 Gênero: Heavy prog Duração: 45:29 Referência: Discogs Nacionalidade: Japão
Uma das bandas de rock progressivo japonesas mais importantes. Formada na década de 70, desde o início tocaram com a energia, intensidade e agressividade de um King Crimson japonês , principalmente durante a era "Red", alternando posteriormente com um toque delicado e bucólico, com influência japonesa, mas com uso extensivo do mellotron. A música é muito bem executada e conta com um violinista.
Mas vamos ao comentário do nosso sempre presente e involuntário comentarista, que nos diz o seguinte sobre este álbum...
BI KYO RAN: Sangue renovado para uma voz veterana do prog japonês. As boas notícias da cena progressiva japonesa continuam chegando: desde 12 de setembro, o novo álbum do BI KYO RAN está no mercado. Intitulado “Bloodliners”, o álbum foi lançado pela gravadora June Dream. Agora atuando como um quinteto composto por Kunio Suma [guitarras elétrica e acústica, vocais de apoio, mellotron e efeitos sonoros], Wasei Suma [violino e vocais de apoio], Tatsuto Shiina [baixo], Ken Tsunoda [bateria e percussão] e Harumi Saegusa [vocal principal], o BI KYO RAN permanece uma entidade relevante para o ideal progressivo dentro da vanguarda do rock japonês. Kunio Suma é o único membro remanescente do trio clássico que criou “Bi Kyo Ran” e “Parallax” nos anos 80, álbuns altamente aclamados pela geração progressiva japonesa daquela década. De fato, o BI KYO RAN é uma figura proeminente na narrativa do rock progressivo japonês das últimas cinco décadas, embora sua discografia tenha sido inconsistente: após os dois álbuns mencionados acima, eles não lançaram álbuns de estúdio novamente até os anos 90, apenas alguns, e então, em 2002, lançaram "Sakigake!! Cromartie High School", que até então era seu último álbum de estúdio. Suma já era membro do grupo naquela época. Para este novo álbum que nos reúne hoje, o agora quinteto contou com colaborações ocasionais de Akira Ishiguro (teclados), Shunji Kageshima (marimba) e Akihito Suzuki (percussão). Yo Ohyama, membro do ASTURIAS, cuidou da mixagem e masterização de "Bloodliners", que foi gravado no Mountain North Studio. Os primeiros cinco minutos do set são ocupados por "Short Film", uma canção vibrante e marcante, cujo inegável gancho rock é explorado pela base aparentemente pesada desenvolvida pelos músicos em suas interações extremamente precisas. O groove moderadamente complexo da bateria e as cores poderosas do violino estabelecem um vigor dominante ao longo do desenvolvimento temático. Em seguida, vem "Lock Me", uma peça que permanece fiel às diretrizes estilísticas da canção original, mas desta vez com uma dose maior de sofisticação tanto na composição da base temática quanto na engenharia rítmica em que está inserida. A bateria é enérgica em suas batidas, mas a raiz de seu swing está firmemente plantada no padrão jazz-rock; a presença de um interlúdio cerimonial e, posteriormente, uma ponte em estilo fusion centrada no dueto de violino e percussão, ajuda a reforçar a grandiosidade progressiva contínua. Vale ressaltar também a presença de uma neurose mais explícita nas seções instrumentais mais eletrizantes, algo que influenciará o caráter sublime do solo de guitarra que irrompe no terço final da música. Um clímax magnífico. "Sand Palace" muda completamente de marcha, focando em uma paisagem sonora folk-rock, ao mesmo tempo que estabelece um foco melódico alegre e gracioso. Toda a fúria anterior é substituída por uma alegria descontraída que inclui alusões humorísticas em algumas das pausas vocais. Os ornamentos de percussão tonal e os solos virtuosos de violão garantem que esta canção transcenda o calor habitual do folk-rock: é como se uma canção bucólica do CURVED AIR tivesse sido retrabalhada pelo STORMY SIX. "Check 1. 2. 3." retorna completamente à atmosfera pesada de prog que definiu convincentemente a segunda faixa do álbum. É como se uma faixa de blues-rock ritmicamente distorcida de Zappa tivesse sido entregue a um grupo de músicos da Mahavishnu Orchestra and Family, com a intenção de emular o King Crimson em 1974. Uma peculiaridade é que um solo de piano elétrico consegue se destacar em meio à triangulação estrondosa de guitarra, baixo e bateria. Outro ponto alto do álbum. Após um prólogo aristocrático com violino, 'Exit From Dreams' se desenrola em um contexto de grupo, onde um peculiar exercício de rock de câmara toma forma. Suas diretrizes expressivas, por mais estranhas que pareçam, aproximam-se da dimensão mais melancólica do prog sinfônico. Um híbrido muito incomum, mas que, no fim das contas, funciona: o AFTER CRYING de 1989-92 teria soado assim se tivesse abraçado os paradigmas de NEWS FROM BABEL e ART BEARS. 'Bloodliner II' é um exercício de fusão étnica, construído pela união de frases concisas de guitarra, quase jazzísticas, com uma percussão suave e comovente em tom menor. 'The Grimm' segue um caminho similar ao de 'Exit From Dreams' em termos da espiritualidade cerimonial traçada em seu centro melódico, mas desta vez há uma inclinação decisiva para o discurso sinfônico. Utilizando um esquema rítmico de valsa orquestral, o grupo exibe uma solenidade envolvente, enquanto os vocais refletem uma paixão entre o onírico e o melancólico. "Crustal Movement" é a faixa mais longa do álbum, com quase 7 minutos e 15 segundos, e sua principal função é recapturar completamente o frescor marcante que caracterizou a faixa de abertura, incorporando alguns elementos de jazz-rock ao groove geral de uma maneira estilizada e adequada. Talvez as contribuições mais esplêndidas do baixo sejam encontradas aqui, embora, como costuma acontecer, seja o violino que mais se destaca na estrutura do grupo, em suas tentativas contínuas de desafiar a guitarra pela atenção. A sequência de esplendores instrumentais que surge por volta dos dois minutos e meio se desenrola com total liberdade, dentro de um uso controlado de ritmos incomuns e síncopes suntuosas, estabelecendo a canção como o clímax musical final do álbum. Há ainda a breve instrumental pastoral "Bloodliner I", que dura menos de 2 minutos; O violão acústico revela uma sonoridade impressionista e calorosa, com nuances românticas, que remetem um pouco a Anthony Phillips. É isso que o Bi Kyo Ran nos oferece com "Bloodliners", um álbum sugestivo e cheio de nuances que demonstra claramente a reinvenção genial da banda para esta nova geração. Marcando presença com tamanha autoridade estética na cena do rock progressivo contemporâneo, este álbum é altamente recomendado para qualquer coleção de art rock que se preze.
Em nossa seção de rock brasileiro, retornamos com o Fleesh, e desta vez apresentamos seu mais recente álbum de covers. Não vou me alongar muito; não há necessidade. São versões, boas em seu estilo, que, se você chegou até aqui, já conhece. Eles reúnem músicas em sua maioria conhecidas com outras não tão famosas, mas que esses dois talentosos músicos brasileiros, sobre os quais já falamos bastante e que continuam lançando material com frequência, certamente apreciam. Então, com certeza voltaremos aqui em breve.
Este é o mais recente álbum de estúdio da dupla brasileira de rock progressivo/crossover Fleesh , lançado em 2025, que dá continuidade à sua série de álbuns dedicados a covers de músicas icônicas do rock progressivo e de outros gêneros, destacando seu talento para reinterpretar faixas de artistas como Peter Gabriel , Renaissance , Rush e Marillion , entre muitos outros.
A verdade é que já falamos tanto sobre eles e suas versões que não sei o que mais acrescentar. E como menos é às vezes mais, e além disso, não consigo pensar em nada para dizer, então, sem repetir o que já disse, seria melhor você ouvir algumas faixas do álbum, embora provavelmente já saiba como esses caras são...
Não encontrei nenhum vídeo representativo além daquele que incluí acima, mas acho que isso basta; uma imagem vale mais que mil palavras.
Álbum do brilhante mestre do baixo Javier Malosetti, desta vez com o grupo Electrohope. Para descrever este CD duplo, cito esta introdução de Claudio Kleiman : Este álbum duplo contém um disco ao vivo gravado no Opera Theater e no Samsung Studio, que destaca o poder explosivo do Electrohope em sua forma mais funk, embora também inclua uma versão lírica de "Puerta de los dos", de Fernando Cabrera. O segundo CD, gravado em estúdio, soa como se a era de ouro do fusion nunca tivesse existido, com Javier brilhando não só no baixo, mas também na guitarra. Além de suas novas faixas, contém magníficas homenagens a Spinetta e Cerati, com "Credulidad" e "Primavera cero". No estilo de Miles Davis, Malosetti muda de banda como forma de renovar sua música, e Envés é uma conclusão brilhante para a experiência Electrohope. Aqui está, meus queridos ouvintes, um álbum duplo com material deste músico brilhante, além de toda a potência de uma gravação ao vivo.
Javier Malosetti teve a ideia de mostrar a potência das apresentações ao vivo do Electrohope e gravou "Enves", um álbum duplo com faixas ao vivo e de estúdio. A energia bruta da banda é perfeitamente capturada nesta gravação.
"Envés" contém, em seu primeiro disco, gravações de apresentações no Teatro da Ópera de Buenos Aires e no Samsung Studio, em novembro e dezembro de 2012, respectivamente. O segundo disco apresenta músicas originais, inéditas, e homenagens como "Credulidad" a Luis Alberto Spinetta . "É uma grande parte da trilha sonora de toda a minha vida", reconheceu Malosetti.
"LADO: o lado de baixo de uma folha, o reverso de algo. Este álbum duplo, o terceiro do Electrohope, o décimo primeiro da minha carreira, traz uma sensação de encerramento, um gostinho de despedida — por um curto período, certamente — da banda com a qual fui tão feliz nos últimos três anos e pouco. Os jovens que reuni para este projeto se tornaram músicos excelentes e sólidos, e estou animado para dar outra guinada brusca no conceito musical que estou prestes a explorar. Há algum tempo, tenho estado obcecado com a ideia do outro lado das coisas, em termos mais simples: 'o outro lado da moeda', 'o lado sombrio…', etc. Esse mesmo conceito me apareceu repetidamente neste álbum, na música, nas diferentes coisas que acontecem com a banda ao vivo e em estúdio, nas dualidades constantes dos músicos, o lado suave e o lado duro de todos nós. Este álbum duplo (o terceiro do Electrohope, o décimo primeiro da minha carreira) traz uma sensação de encerramento, um gostinho de despedida — por um curto período, certamente — da banda com a qual fui tão feliz nos últimos três anos e pouco. Não muito tempo, certamente — da banda com a qual tenho sido tão feliz nos últimos três anos, os jovens que reuni para este projeto se tornaram músicos excelentes e sólidos, e minha mente está entusiasmada para dar outra guinada no conceito musical que estou prestes a explorar. O primeiro disco de Envés contém gravações de apresentações no Teatro da Ópera de Buenos Aires e no Samsung Studio, em novembro e dezembro de 2012, respectivamente. O repertório é dos shows dos últimos meses: novas versões de músicas dos álbuns 'Electrohope' (2009) e 'Ten' (2010), além de estreias originais e até mesmo uma versão da belíssima "Puerta de los dos", do brilhante cantor e compositor uruguaio Fernando Cabrera. O segundo disco contém músicas originais inéditas e, entre outras homenagens, gostaria de destacar uma versão de "Credulidad", de Luis A. Spinetta, uma parte importante da trilha sonora de toda a minha vida.
Javier Malosetti
E aqui você pode ouvir algo...
E assim encerramos mais uma semana, deixando para vocês bastante música para ouvirem durante o fim de semana, como gostamos de fazer.
Lista de faixas: Disco 1: 1. Ginger Tea 2. Disco Inferno 3. Maybe I'm Leo 4. Kevorkian 5. El Benja 6. Two Rails 7. Dance Of Maya 8. Vendy's Blues 9. Acampantes 10. Puerta De Los Dos 11. Delpo 12. Money For Nothing
Disco 2: 1. Retour A la Maison Des Oiseaux 2. Dirty Hi-Tec 3. Haz G Envés 4. Hope 5. Coltán 6. Primavera Cero 7. Credulidad
Escalação: - Javier Malosetti / baixo elétrico, composição e arranjos. - Electrohope: Hernán Segret, Fabricio Laborde, Nico Raffetta, Tomi Sainz e Damián Carballal
Diretamente do Brasil, surge este projeto de rock progressivo cantado em inglês: "Eis uma formação inusitada vinda do Brasil. Evals Mess não é uma banda só, mas três, compartilhando o mesmo nome e logo. A formação é praticamente a mesma nas três, porém tocam gêneros diferentes. Evals Mess, nesta formação, também conhecida como Evals Mess Project, toca rock progressivo. Contudo, eles se transformam em uma banda de thrash/death metal, Evals Mess Insane, e também relaxam com o Evals Mess Acoustic." Este é o terceiro álbum deste lado, desta faceta, deste lado da tríplice lua desta banda brasileira em particular, liderada pelo multi-instrumentista Sandro Maués. Uma mistura de Styx, Iron Maiden, Queensrÿche e Pink Floyd resulta em um álbum muito interessante que estamos compartilhando com vocês. Dê uma ouvida — você não vai se arrepender!
Artista: Evals Mess Project Álbum: Born of the Flower Ano: 2022 Gênero:Heavy prog / Prog rock Duração: 78:06 Referência: Site oficial Nacionalidade: Brasil
Talvez seja a única pulseira tripla existente, e isso por si só já a torna uma raridade. O texto a seguir é uma tradução de uma entrada em inglês, mas achei interessante reproduzi-lo na íntegra.
Eis uma formação incomum vinda do Brasil. Evals Mess não é uma banda só, mas três, compartilhando o mesmo nome e logo. A formação é quase idêntica nas três, mas tocam gêneros diferentes. Evals Mess, nesta formação, também conhecida como Evals Mess Project, toca rock progressivo. No entanto, eles se transformam em uma banda de thrash/death metal, Evals Mess Insane, e também relaxam com o Evals Mess Acoustic. Dois dos três membros do Evals Mess Insane tocam no Evals Mess Project, mas enquanto Andrey Cardoso continua no baixo, Sandro Maués troca a bateria pelos vocais e violão. Samuel Wesley assume a bateria e Guilherme Andrili adiciona uma segunda guitarra. Esta é minha introdução ao Evals Mess, então ainda não ouvi o Evals Mess Insane, mas fiquei intrigado depois de ouvir este. Este é o terceiro álbum deles, e é bastante generoso, com quase oitenta minutos de duração, embora distribuídos em faixas de durações variadas — duas com menos de quatro minutos e duas com mais de dez. Aliás, é raro um álbum em que não mais do que duas das onze músicas tenham a mesma duração. Aprecio o fato de a banda confiar neles para que deixem as faixas com a duração que consideram adequada, em vez de cortá-las para melhor execução nas rádios ou enchê-las com seções desnecessárias. É também um álbum meticulosamente variado, que vai do pop progressivo comercial a uma seção intermediária pesada que pode ser considerada próxima do metal, embora não chegue a ser thrash/death metal. A maior parte do álbum situa-se entre o rock e o pop ou o metal, e é reflexivo em grande parte de sua amplitude dinâmica. "Witch's Fury" foi a minha primeira faixa de destaque por esse motivo. Ela se constrói magnificamente ao longo de seus oito minutos e meio, ponderada e cuidadosa antes de se tornar intensa e veemente. É óbvio que não farei nada para provocar a fúria dessa bruxa, se puder evitar. Claro, tenho certeza de que é ficção, pois parece ser um álbum conceitual baseado em um romance de Sandro Maués, embora eu possa não estar traduzindo do português corretamente. Não me surpreende que seja um álbum conceitual, pois ele se desenvolve dessa forma, com uma mudança de tom e estilo conforme as transformações da história exigem. Isso também explica como Maués consegue colocar tanta emoção em músicas como "Witch's Fury", porque ele não só contribui para essas músicas como compositor ou intérprete, mas também foi o criador dos personagens cujas histórias ele conta. Ele é a mãe, o pai e o deus dessa bruxa. Embora Maués cante (pelo menos principalmente) em inglês, não consegui acompanhar a história apenas pela sua voz, então extraí grande parte da narrativa dos títulos das músicas, dos efeitos sonoros e do fluxo geral. Parece-me uma obra de época, com dificuldades e restrições que, em última análise, levam ao renascimento e à liberdade. A raiva encontra limites, e o personagem principal sonha com paz e liberdade. Um tom melancólico que permeia muitas das primeiras músicas gradualmente muda para um tom mais sombrio e, eventualmente, mais alegre. Acho que essas mudanças tonais influenciam o que parece inspirar a música. "Cloistered" é rock progressivo com influências do pop dos anos 1960. Muitas das seções mais lentas, ou mesmo músicas inteiras como "Redemption", lembram os momentos mais introspectivos do Queensrÿche , embora a aceleração siga uma direção diferente. A faixa de abertura começa com uma atmosfera especial que continua com um riff de guitarra bem ao estilo de Mark Knopfler, antes de nos lembrarmos do Queensrÿche . Aqui e ali, flagrei momentos estranhos em que Styx , Iron Maiden e Pink Floyd se misturavam , ainda que brevemente. Imagino que possa haver influências de bandas brasileiras que eu não reconheceria; existe uma rica cena sul-americana na qual eu apenas arranhei os primeiros vestígios até agora. O que mais me impressionou foi a exuberância da música sem que ela parecesse densa. Não há trinta camadas acontecendo simultaneamente, mesmo com a orquestração, mas sempre temos a sensação de estarmos cercados por elementos interessantes, com o núcleo do álbum permeando tudo. Acho que essa é a principal razão pela qual o álbum nunca parece longo demais, mesmo com oitenta minutos, uma duração em que eu diria, com segurança, que a maioria dos álbuns teria dificuldades. Em vez disso, este disco sempre tem algo a dizer, e eu não perdi o interesse em nenhum momento. Aliás, algumas das músicas mais magnéticas vêm no final, como "Death in Doubt", com suas nuances pós-punk ameaçadoras e ritmos estranhos, sem mencionar sua talvez inconsciente referência a "Knockin' on Heaven's Door". É preciso dizer também que tudo culmina na épica faixa-título de treze minutos, uma joia chamada "Anturiah, Born of the Flower". A essa altura, você provavelmente já sabe se vai ouvi-la ou não, então direi apenas que, se o fizer, ela é a peça central do álbum. Eu pessoalmente prefiro Witch's Fury, mas tudo o que compõe este álbum é amplificado na faixa final. E acho que isso significa que você deveria conferir o trabalho deles no YouTube se ainda estiver indeciso. Aproveite! Nota: 7/10
Depois de toda essa explicação, acho que não é preciso dizer mais nada. A não ser compartilhar os links das redes sociais deles, embora eu não tenha encontrado a página do Bandcamp, o álbum inteiro está no vídeo.
Espero que goste. Estou começando a conhecer agora, e não é nada ruim.
Lista de faixas: 01 - For Those Who Sails and Weeping 02 - Witch's Fury 03 - Second Dream of Exoria 04 - Tears of Death 05 - Look at the Ravens 06 - Cloistered 07 - Redemption 08 - Martyrdom 09 - Death in Doubt 10 - De Brace 11 - Anturiah. Born of the Flower.
