As 20 melhores músicas de Bruce Springsteen de todos os tempos

 

Bruce Springsteen é um cantor, compositor e músico nascido em Nova Jersey em 1949. Ele iniciou sua carreira na indústria musical em 1964 e é conhecido como um dos fundadores do rock de coração americano. Esse estilo combina o rock tradicional com canções que abordam a vida da classe trabalhadora nos Estados Unidos. Muitos de seus singles e álbuns contam com a participação de sua banda de apoio, a E Street Band.

Ao longo de sua bem-sucedida carreira , Bruce Springsteen vendeu mais de 150 milhões de discos em todo o mundo, incluindo mais de 64 milhões de álbuns nos Estados Unidos. Seu sucesso de vendas o coloca entre os artistas musicais mais vendidos do mundo. Springsteen também ganhou diversos prêmios por sua música, incluindo 20 Grammy Awards, dois Globos de Ouro, um Tony Award especial e um Oscar.

Desde 1964, Bruce Springsteen lançou 20 álbuns de estúdio, 23 álbuns ao vivo, oito coletâneas, 17 álbuns de vídeo, 17 álbuns tributo, sete box sets, sete EPs, uma trilha sonora, 61 videoclipes e 73 singles. Aqui estão as 20 melhores músicas de Bruce Springsteen de todos os tempos.

20. Hungry Heart (1980)

Uma das primeiras músicas de Springsteen a entrar nas paradas do Reino Unido foi "Hungry Heart", o primeiro single lançado do álbum "The River". No Reino Unido, essa faixa recebeu certificação de Prata. Também foi o primeiro sucesso de Springsteen no Top 10 dos Estados Unidos, alcançando o quinto lugar na Billboard Hot 100. A música foi relançada em 1995.

19. Atlantic City (1982)

Diversos temas permeiam a letra de "Atlantic City", incluindo a emoção da fuga, a sedução do dinheiro fácil, o confronto com a mortalidade e o crime organizado. Apesar dos temas sombrios, trata-se de uma canção folk. Embora a música tenha sido incluída no álbum solo de Springsteen, "Nebraska", ele frequentemente a apresenta em seus shows com banda completa.

18. I'm Goin' Down (1985)

"I'm Goin' Down" foi o sexto single lançado do álbum "Born in the USA" de Springsteen, em 1985. Ele gravou a faixa originalmente em 1982 no estúdio Power Station com a E Street Band. Outra candidata a entrar no álbum era "Pink Cadillac", mas Springsteen decidiu que "I'm Goin' Down" era a melhor das duas. Muitos outros artistas fizeram covers dessa música desde então, incluindo Trampled By Turtles, Vampire Weekend, Dessa, Tina Armstrong, Free Energy e Frank Black and the Catholics.

17. Fire (1987)

Bruce Springsteen & The E Street Band lançaram "Fire" em 1987, e a música está presente no álbum "Live/ 1975-85". A canção foi escrita por Springsteen em 1977, e ele esperava que fosse gravada por Elvis Presley, seu ídolo. Embora Springsteen tenha enviado uma demo da música para Presley, este a rejeitou antes mesmo de recebê-la. Um ano depois, a canção se tornou um sucesso na voz das Pointer Sisters .

16. Secret Garden (1995 and 1997)

Springsteen lançou "Secret Garden" pela primeira vez em 1995 e relançou a faixa em 1997. Em seu primeiro lançamento, a música alcançou a 63ª posição na Billboard Hot 100. Obteve uma posição melhor em seu relançamento, chegando ao 19º lugar. Foi o último sucesso de Bruce Springsteen a figurar no Top 20 nos Estados Unidos.

15. 57 Channels (And Nothin’ On) (1992)

O segundo single lançado do álbum "Human Touch" de 1992 foi "57 Channels (And Nothin' On)". A música alcançou o Top 100 em diversos países ao redor do mundo. Além de cantar, Bruce Springsteen também tocou baixo. A letra da canção tem um tom cômico e faz referência à televisão a cabo, que, apesar de ter muitos canais, não oferece nada decente para assistir. Ao relembrar a música, Springsteen afirmou que ela se diferenciava de sua abordagem musical habitual e que buscava um toque de humor e ironia. Ele chegou a descrever a canção como um fracasso.

14. One Step Up (1988)

"One Step Up" foi escrita por Bruce Springsteen e é o terceiro single do álbum "Tunnel of Love", de 1988. A canção alcançou o segundo lugar na parada Album Rock Tracks nos Estados Unidos, o que significa que todos os três singles lançados do álbum até então haviam atingido a mesma posição. No final da década de 1970, Springsteen gravou uma faixa chamada "Roulette", originalmente destinada ao seu álbum "The River". A música não entrou no álbum, mas foi lançada como lado B de "One Step Up". "Roulette" foi posteriormente incluída no álbum "Tracks", também de 1988.

13. Better Days (1992)

"Better Days" é um single do álbum "Lucky Town" de Springsteen, lançado em 1992. A canção alcançou o segundo lugar na parada Mainstream Rock e nas paradas italianas, além de figurar entre as 30 mais tocadas na Irlanda, Holanda, Suécia e Reino Unido. Springsteen escreveu e coproduziu a música com Jon Landau e Chuck Plotkin. O lado B do single era "Tougher Than the Rest".

12. Human Touch (1992)

"Human Touch" foi o single que deu título ao álbum de Springsteen de 1992, sendo o único single lançado desse álbum. A canção alcançou o topo das paradas na Noruega, Itália, Dinamarca e Espanha, além de chegar ao primeiro lugar na parada Mainstream Rock nos Estados Unidos. Também figurou no top 10 na Irlanda, Holanda, Canadá, Suíça e Suécia. Jeff Porcaro, da banda Toto, toca bateria nessa faixa, e Randy Jackson toca baixo. "Human Touch" foi indicada ao Grammy de Melhor Canção de Rock.

11. Born to Run (1975)

Segundo a revista Paste , "Born to Run" foi a música que marcou a ascensão de Springsteen ao status de ícone cult, sendo a primeira de suas canções a ser abraçada pelas rádios pop. A letra dessa canção enérgica sugere que tudo é possível, mesmo que se deixe tudo ao acaso. Foi o segundo de três singles lançados do álbum homônimo de 1975.

10. Cover Me (1984)

"Cover Me" foi o segundo single lançado do álbum "Born in the USA". Alcançou o top 10 nos Estados Unidos, Irlanda e Nova Zelândia. Nos Estados Unidos, recebeu o certificado de Ouro. Springsteen escreveu a música originalmente para Donna Summer , mas seu empresário achou que ela tinha potencial e sugeriu que Springsteen a lançasse por conta própria. Springsteen então compôs "Protection", que foi usada por Summer em seu lugar.

9. Tunnel of Love (1987)

"Tunnel of Love" foi o single que deu título ao álbum e o segundo single lançado em 1987. Apesar de ter alcançado o topo das paradas de rock, chegou apenas ao nono lugar na Billboard Hot 100. O videoclipe da música foi indicado a cinco prêmios MTV Video Music Awards, incluindo Melhor Vídeo Masculino e Vídeo do Ano.

8. Brilliant Disguise (1987)

Uma das melhores canções de amor de Bruce Springsteen é o single "Brilliant Disguise", de 1987. A letra fala sobre um homem que sente que sua amada não sente mais o mesmo e por que ele não é mais digno de seu afeto. A canção faz parte do álbum "Tunnel of Love". "Brilliant Disguise" alcançou o top 5 da Billboard Hot 100 e liderou as paradas norueguesas e a parada de rock nos Estados Unidos.

7. War (1986)

Ao contrário de muitas das canções lançadas por Bruce Springsteen, ele não escreveu esta música, nem foi o primeiro a lançá-la como single. Ela foi composta por Norman Whitfield e Barret Strong em 1969 e tem uma temática anti-Guerra do Vietnã. Whitfield lançou a música com o grupo The Temptations e, posteriormente, com Edwin Starr como vocalista principal. Springsteen fez um cover da canção em 1986, que foi incluída no álbum "Live/ 1975-85".

6. Glory Days (1985)

"Glory Days" é uma canção festiva que fala sobre os dias que parecem melhores que os anteriores. É uma música parcialmente autobiográfica com um toque nostálgico, apesar do ritmo animado. Bruce Springsteen escreveu a canção, que foi o quinto single lançado de seu álbum "Born in the USA", de 1984. O videoclipe foi gravado em diversas locações em Nova Jersey.

5. My Hometown (1985)

"My Hometown" foi o sétimo e último single de Springsteen a alcançar o Top 10 nos Estados Unidos. A música chegou ao topo da parada Adult Contemporary e ao sexto lugar na Billboard Hot 100. A faixa, de ritmo lento e baseada em sintetizadores, foi escrita por Springsteen, e o lado B do single era um cover de "Santa Claus Is Comin' to Town".

4. I’m on Fire (1985)

Quando "I'm on Fire" foi lançada em 1985, Springsteen já era um símbolo sexual, e a tensão sexual na música reflete esse status. A letra da canção sugere um caso extraconjugal, sem confirmar se ele de fato se concretiza. Foi um sucesso número um na Nova Zelândia e alcançou a sexta posição na Billboard Hot 100.

3. Streets of Philadelphia (1994)

O filme Filadélfia, de 1993 , estrelado por Tom Hanks, retrata a epidemia de AIDS e as experiências de um homem durante esse período. Springsteen compôs "Streets of Philadelphia" para o filme. Trata-se de uma canção poderosa e provocativa, vencedora do Globo de Ouro e do Oscar. O single alcançou o topo das paradas na Austrália, Canadá, Alemanha, Irlanda e Noruega, chegando ao segundo lugar no Reino Unido. Nos Estados Unidos, obteve menos sucesso, alcançando apenas a nona posição nas paradas.

2. Born in the USA (1984)

"Born in the USA" é uma das canções mais conhecidas de Bruce Springsteen, e foi a que lhe trouxe maior reconhecimento. A música fala sobre um veterano do Vietnã que retorna da guerra, e embora muitas pessoas tenham interpretado erroneamente a letra como sendo sobre vitória, na verdade ela trata de derrota e desânimo. Ronald Reagan citou a canção em um famoso discurso quando era candidato à presidência, embora Springsteen tenha afirmado que não deu permissão a Reagan para citá-la. Springsteen também recusou uma proposta da Chrysler, que queria usar a música em um de seus comerciais. A canção foi número um na Irlanda e na Nova Zelândia. Surpreendentemente, "Born in the USA" alcançou apenas a nona posição na Billboard Hot 100, mas continua sendo uma das canções mais reconhecidas de Springsteen.

1. Dancing in the Dark (1984)

Segundo o Discotech , a melhor música de Bruce Springsteen de todos os tempos é "Dancing in the Dark", e isso certamente se confirma em termos de sucesso comercial. Foi número um nas paradas de rock dos EUA e na Holanda. O single alcançou o segundo lugar na Billboard Hot 100 dos EUA e ficou entre os dez mais tocados na Austrália, Canadá, Alemanha, Irlanda, Nova Zelândia, Noruega, Suécia e Reino Unido. "Dancing in the Dark" recebeu certificado de platina nos Estados Unidos. Uma curiosidade interessante sobre esse single é a participação da atriz Courtney Cox no videoclipe, quando é puxada ao palco por Springsteen para cantar o refrão com ele.

As 10 melhores músicas de Bring Me the Horizon de todos os tempos

 

Quinze anos atrás, o Bring Me The Horizon lançou seu álbum de estreia, Count Your Blessings. Os críticos odiaram, os ouvintes não sabiam o que pensar, e se eles tivessem se mantido fiéis ao mesmo som pelo resto da carreira, já seriam apenas uma nota de rodapé na história. Mas não foi o que aconteceu. Seu álbum seguinte, Suicide Season, foi um sucesso de crítica. O terceiro álbum, There Is a Hell Believe Me I've Seen It. There Is a Heaven Let's Keep It a Secret, deu a eles o primeiro gostinho do sucesso internacional. E então veio Sempiternal, e depois disso, nada foi como antes. Seis álbuns de estúdio depois, eles são uma das maiores bandas do universo. O deathcore puro foi substituído por música eletrônica, pop e até hip hop , os clubes decadentes deram lugar a estádios, e os críticos pararam de criticá-los e começaram a venerá-los. Aqui, analisamos 10 das melhores músicas do Bring Me the Horizon de todos os tempos.

10. Diamonds Aren’t Forever

Bring Me the Horizon não é a mesma banda de 2008. Como diz a Billboard , qualquer um que só tenha entrado na onda do BMTH nos últimos dois álbuns vai se surpreender com músicas como "Diamonds Aren't Forever". Há uma grande diferença entre a composição deles agora e a de antes, e também entre o som deles antes e depois de "Sempiternal". Mas diferenças não precisam ser ruins, e aqui, elas realmente não são. Com seus refrões poderosos, bateria implacável e vocais afiados, este é o BMTH do início da carreira em sua melhor forma.

9. Doomed

Lançada no álbum de 2015, That's The Spirit, Doomed destaca a ambição da banda, incorporando elementos de synth-pop e metal para criar algo totalmente fascinante. A performance de Syke é explosiva. A versão de estúdio já é incrível, mas confira a performance gravada para o filme do show Live at the Royal Albert Hall para a interpretação mais eletrizante até agora.

8. Can You Feel My Heart

Quando o Bring Me The Horizon decidiu substituir o guitarrista Jona Weinhofen pelo tecladista Jordan Fish em janeiro de 2013, tudo poderia ter dado terrivelmente errado. Mas não deu. Pelo contrário, aconteceu o oposto. A influência eletrônica de Fish foi fundamental para a banda se afastar do metalcore puro e abraçar a experimentação digital e orquestral. Em "Can You Feel My Heart", a performance de Sykes é tão hipnótica como sempre, mas é a melodia do sintetizador de Fish que define o tom. As guitarras quase não aparecem, mas você mal sente a falta delas. A partir desse momento, nada seria como antes.

7. Shadow Moses

Descrita pela Kerrang! como a faixa de destaque de Sempiternal, Shadow Moses explode em velocidade e intensidade. É crua e emocionante, misturando a música eletrônica e os arranjos orquestrais que marcariam o futuro da banda com os riffs cortantes e a percussão sísmica do seu passado.

6. Go To Hell, For Heaven’s Sake

O primeiro single de Sempiternal é tão agressivo quanto qualquer outro na discografia do BMTH, mas também é divertido, com um refrão cativante e um coro contagiante que mostram a banda dando um passo além do metalcore e um passo mais perto do sucesso nas paradas. Os arranjos atmosféricos de Fish sustentam toda a música, equilibrando os riffs pesados ​​com o brilho e a maestria de estúdio necessários para fazer tudo soar como uma canção.

5. Throne

"Throne" é um sucesso estrondoso, sendo o maior hit da carreira do BMTH até hoje ( segundo a Billboard , teve 120 milhões de reproduções só no Spotify) e o maior sucesso de estádio de todo o catálogo da banda. Depois de começar com uma onda de música eletrônica vibrante, a canção explode em um verso com influências pop antes de dar lugar a um refrão tão contagiante que é impossível não cantar junto. Se alguém ainda tinha alguma dúvida sobre os planos de dominação global do BMTH antes de "Throne", depois disso não havia mais dúvidas.

4. Crucify Me

Crucify Me não recebe muita atenção, e isso é uma pena. A faixa de abertura de There Is A Hell… é épica, estrondosa com guitarras distorcidas e pratos impactantes, com Oli Sykes cuspindo lâminas e berrando sobre rezar pelos mortos. Mas por trás desse mar de som, Jordan Fish adiciona um toque de majestade celestial com sua programação angelical. Pode ser subestimada, mas ainda assim é impressionante.

3. Chelsea Smile

Chelsea Smile chegou num momento em que o BMTH estava começando a fazer sucesso fora de um pequeno, mas dedicado grupo de fãs de mosh. Mas se a banda estava disposta a sacrificar a integridade em prol das vendas, não há nenhum indício disso aqui. Chelsea Smile pode ser incrivelmente cativante, mas é brutal até a medula. Sobre riffs metálicos distorcidos e bateria estrondosa, Oli Sykes grita "Arrependam-se! Arrependam-se! O fim está próximo!" como o maior e mais violento valentão da cidade. Não é uma música agradável e definitivamente não é para tocar na frente da sua mãe, mas sua energia insana e refrões marcantes a tornam uma audição obrigatória.

2. It Never Ends

It Never Ends foi tanto o começo quanto o fim. Foi aqui que o Bring Me the Horizon deixou de ser uma banda de metalcore tradicional e abraçou todo o potencial da música eletrônica. É mais inteligente e experimental do que qualquer coisa que eles tivessem feito antes, justapondo vocais exuberantes com riffs destrutivos e um refrão frenético. O BMTH ainda não estava totalmente pronto para tocar nas rádios convencionais, mas estava chegando lá.

1. The House Of Wolves

O álbum de estreia do Bring Me The Horizon por uma grande gravadora, Sempiternal, é ótimo, mas até os melhores álbuns têm seus altos e baixos. The House Of Wolves é o seu ápice. Os refrões são monstruosos, as camadas vocais são de tirar o fôlego e os riffs distorcidos são enormes. Tem um dos melhores slogans da banda ("A casa de lobos que você construiu queimará como mil sóis / E quando você morrer, o único reino que você verá terá sessenta centímetros de largura e dois metros de profundidade"), um dos arranjos instrumentais mais memoráveis ​​e um dos conceitos mais inteligentes. O álbum todo é grandioso, cativante e inteligente. Se você ainda não ouviu, não faça mais nada antes de ouvir.

15th - Wire

Formada em 1976 durante o aclamado "Verão do Ódio" londrino, a onda musical que se seguiu ao movimento Sex Pistols, a banda Wire se diferenciava de muitos de seus contemporâneos do punk por ser mais velha, mais inteligente e muito mais ambiciosa criativamente. Como muitos de seus contemporâneos, o guitarrista e vocalista Colin Newman, o baixista Graham Lewis, o guitarrista Bruce Gilbert e o baterista Robert Gotobed ​​não tinham formação musical formal. Mas, como muitos roqueiros psicodélicos da década de 1960, eles possuíam uma riqueza de ideias e um desejo ardente de criar, alimentado pela educação artística que era um pilar da classe média britânica. Formada em Watford, com raízes na escola de arte da cidade, e originalmente chamada Overload, a Wire começou a se apresentar ao vivo no início de 1977 e contribuiu para a coletânea *Live at The Roxy*, que alcançou o Top 20. Com um som minimalista e direto, eles se inspiravam no punk, mas não se identificavam com ele. Após assinarem com a Harvest, a gravadora progressiva da EMI (casa de artistas como Syd Barrett, Third Ear Band, etc.), eles demonstraram um caráter distintamente progressivo em cada um de seus três álbuns, que representaram um salto significativo graças à colaboração com o produtor frequente Mike Thorne. Do minimalista álbum de estreia com 21 faixas, Pink Flag, aos sintetizadores e sequenciadores de Chairs Missing, e aos drones ambientais, texturizados e experimentais de 154, nenhum desses álbuns lhes trouxe sucesso comercial tangível, mas sua influência foi enorme, abrangendo desde Minutemen e Henry Rollins até R.E.M. e Britpop, e até mesmo Bilk na década de 2020.

"The 15th" é uma das canções mais cativantes e duradouras da banda. Seu nome vem simplesmente do fato de ser a décima quinta música escrita para o que viria a ser o álbum "154", e é uma pequena joia do absurdo. As guitarras, com suas camadas impecáveis, que abrem a faixa explodem na cena antes que o ritmo sempre constante de Robert Gotobed ​​assuma o controle e o vocalista Colin Newman encante com seu estilo inglês inconfundível. Essa música tem um som especial, uma aura que me intriga cada vez que a ouço; é tão etérea por natureza. Não sei se devo me sentir confortado ou inquieto, mas é isso que a torna tão boa — nunca me canso de ouvi-la. A música atinge seu ápice durante a seção final estendida, onde os sintetizadores assumem o protagonismo e transformam a faixa em uma jornada quase ambiente. É impressionante ver como o Wire passou de onde estava para onde chegou em menos de dois anos. É impressionante e demonstra a habilidade e a facilidade com que o Wire se estabeleceu dentro do movimento punk. Eles eram uma banda que nunca se contentou com uma coisa só; nem sequer tocavam ao vivo as músicas do álbum que estavam promovendo, preferindo experimentar com material cada vez mais ambíguo que testava a paciência de um público insatisfeito. Seu álbum ao vivo, *Document and Eyewitness*, demonstra isso perfeitamente. Não é necessariamente fácil de ouvir, mas certamente é uma experiência gratificante. Eu amo o Wire simplesmente por ser o Wire. Você pode chamá-los de pós-punk, pode chamá-los de art punk, pode chamá-los de new wave, mas, no fim das contas, eles são Wire. Uma palavra, quatro letras, sem nenhum significado. Talvez não haja melhor maneira de resumir sua existência lendária.

Coward of the County - Kenny Rogers

 

Dentro do vasto repertório de Kenny Rogers , " Coward of the County " se destaca como uma daquelas canções que transcendem a mera música, estabelecendo-se como uma história moral e emocional profundamente humana. Lançada em 1979 como parte do álbum  Kenny , a canção mescla a narrativa tradicional da música country com uma sensibilidade popular que a impulsionou ao sucesso mundial. Kenny Rogers , um mestre indiscutível da narrativa, consegue em menos de quatro minutos construir um universo inteiro em torno de seu protagonista: Tommy, um jovem marcado por um legado que não escolheu.

A essência da música gira em torno do conceito de coragem. Tommy é conhecido em sua cidade como "o covarde do condado", um apelido que ganhou por sua decisão de evitar a violência. Seu pai, antes de morrer na prisão, pede a ele "para não seguir seus passos", uma frase que molda toda a mensagem moral da canção.  Kenny Rogers  canta com uma profunda ternura que transforma essa lição em um mandamento quase sagrado: força não é sinônimo de agressão, masculinidade não se mede em golpes e a verdadeira coragem muitas vezes reside em saber quando não lutar.

No entanto, a música toma um rumo dramático quando a gangue de Gatlin ataca Becky, a mulher que Tommy ama. Esse ponto é crucial porque força o protagonista — e o ouvinte — a confrontar um dilema clássico: o que acontece quando os valores se chocam com a injustiça? Até onde vai a paciência quando se trata de proteger aqueles que amamos? A interpretação de Kenny Rogers captura essa encruzilhada com admirável contenção emocional, sem exageros, permitindo que a história se desenrole naturalmente.

A resolução da música é uma das mais memoráveis ​​do country narrativo. Tommy finalmente confronta os Gatlins, mas o faz por profunda convicção, não por impulsividade. O verso final — "Espero que vocês entendam, às vezes é preciso lutar quando se é homem" — resume a essência da canção: ela não glorifica a violência, mas reconhece que há momentos na vida em que a inação também é uma forma de traição a si mesmo e aos outros. Essa ambiguidade moral, longe de diminuir seu poder, é o que torna a música uma história atemporal.

Musicalmente, "Coward of the County " se baseia em um arranjo simples, quase austero, que dá total destaque à letra. A melodia é calorosa e acessível, e a voz de Kenny Rogers , com seu estilo narrativo característico, serve como uma ponte direta para a emoção.

Em última análise, " Coward of the County " é um clássico da música country porque combina narrativa, emoção e uma ética complexa. É uma canção que convida à reflexão sobre o verdadeiro significado de ser corajoso e demonstra por que Kenny Rogers continua sendo um dos grandes contadores de histórias da música popular.

The Slits - Tipycal Girls

 

Tipycal Girls, The Slits

     Em 1979, o punk britânico já havia explodido como um fenômeno cultural e buscava novas formas de expressão. Foi nesse contexto que  The Slits lançou "Typical Girls " ,  uma canção que se tornou uma declaração de intenções, um hino que desafiou as normas de gênero, a indústria musical e as expectativas da sociedade. A música se tornou um manifesto sonoro que colocou a banda no centro das discussões sobre feminismo, rebeldia e experimentação musical.

O grupo The Slits surgiu em Londres no auge do movimento punk, mas sua abordagem era radicalmente diferente da de seus contemporâneos. Enquanto bandas como The Clash e Sex Pistols canalizavam a raiva juvenil em riffs diretos e agressivos, The Slits incorporavam influências do reggae e do dub ( um subgênero instrumental do reggae jamaicano caracterizado pela manipulação de faixas de áudio, enfatizando o baixo e a percussão, e usando efeitos como reverberação e eco para criar uma sensação de espaço ) , criando um som híbrido que deixou os críticos perplexos. "Typical Girls" é um exemplo perfeito dessa fusão: um ritmo sincopado, baixo profundo e guitarra que dialogam com a tradição jamaicana, mas filtrados pela urgência do punk.

A canção também surge num momento em que as mulheres conquistavam seu espaço na cena musical.  Ari Up , a carismática vocalista alemã, tinha apenas 17 anos quando gravou a faixa, mas sua voz transmitia a mistura de ironia e desafio de uma geração cansada de estereótipos. Num cenário dominado por homens, o The Slits emergiu como uma força disruptiva, questionando não apenas a música em si, mas também as normas sociais.  Musicalmente, "Typical Girls" possui uma estrutura não convencional. O baixo de Tessa Pollitt estabelece o ritmo com uma cadência hipnótica, enquanto a bateria de Budgie (que mais tarde se juntaria ao Siouxsie and the Banshees ) fornece um groove que se distancia do punk tradicional, e a guitarra de Viv Albertine é direta e incisiva. Tudo isso cria o espaço perfeito para Ari Up se movimentar livremente, alternando entre frases quase faladas e explosões melódicas.  A produção, de Dennis Bovell , foi fundamental para a compreensão da essência da canção. Bovell , figura central do reggae britânico, trouxe uma abordagem dub, e esse tratamento sonoro transformou  "Typical Girls" em uma música que transcendeu o punk, antecipando a abertura a outros gêneros que caracterizaria a música alternativa nos anos oitenta.

Liricamente, a canção é  um ataque frontal aos clichês femininos. Com ironia mordaz, "Ari Up" lista as expectativas que a sociedade impõe às mulheres: serem passivas, agradáveis ​​e submissas. A música expõe a arbitrariedade desses papéis; não se trata de um discurso solene, mas de uma sátira que ridiculariza a ideia de que existe um único modelo de feminilidade.  Essa abordagem transformou a canção em um ato de resistência cultural. Em vez de se vitimizar, The Slits se apropriou do humor e da irreverência para desmantelar preconceitos. O poder da mensagem reside em sua capacidade de ser, ao mesmo tempo, engraçada e profundamente crítica.

Ramones - Ramones

Vamos dar uma olhada rápida na história deles. Os Ramones se formaram no início de 1974 em Forest Hills, um bairro do Queens, na cidade de Nova York. O ex-delinquente adolescente John Cummings (que logo se tornaria o guitarrista Johnny Ramone) deixou para trás sua vida de atirar pedras nos Beatles e em qualquer um que considerasse patético, e foi recrutado para formar uma banda com seu amigo Douglas Colvin (que logo se tornaria o baixista Dee Dee Ramone). Dee Dee era filho de um oficial militar e passou a maior parte da juventude se metendo em encrencas e procurando artefatos nazistas em Berlim Ocidental, na Alemanha, antes de se mudar para Forest Hills. Eles recrutaram Jeffrey Hyman (Joey Ramone) como baterista. Joey, diagnosticado com transtorno obsessivo-compulsivo, era meio que um pária, mas havia cantado por um tempo na banda Sniper, sob o nome de Jeff Starship. Thomas Erdelyi, um imigrante húngaro e filho de sobreviventes do Holocausto, juntou-se à banda como empresário. Logo ficou evidente que Dee Dee não conseguia cantar e tocar baixo ao mesmo tempo, e que Joey era péssimo na bateria. Mas Joey tinha uma voz incrível. Então, Dee Dee passou a fazer backing vocals, e Joey largou a bateria para se tornar o vocalista principal. Foram realizados ensaios para encontrar um baterista, mas ninguém tocava do jeito que o empresário Thomas Erdelyi imaginava, então ele adotou o nome Tommy Ramone e se tornou o baterista. Eles então começaram a compor músicas, fizeram alguns shows, assinaram com a Sire Records e gravaram seu álbum de estreia no início de 1976. Bem, isso conclui nossa breve aula de história.

Os três primeiros álbuns dos Ramones soam tão parecidos, como se as músicas tivessem sido escritas com poucos meses de diferença (o que provavelmente aconteceu), que escolher um em detrimento dos outros acaba se resumindo a preferir pequenos detalhes de um em relação aos do outro. Uma razão para escolher o álbum de estreia poderia ser simplesmente o fato de ser o primeiro, e alguém poderia se deixar levar por seus aspectos "revolucionários" e assim por diante. No entanto, não é por isso que estou escolhendo este álbum. O segundo e o terceiro podem não diferir enormemente em qualidade, mas a verdade é que consigo imaginar viver em um mundo sem Leave Home e Rocket to Russia. Não consigo nem imaginar viver em um mundo sem os Ramones. Nas primeiras vezes que ouvi este álbum, fiquei compreensivelmente intrigado com seu apelo, e tive a sensação de que seria mais um daqueles casos em que eu simplesmente teria que atribuir isso ao meu gosto diferente da maioria. O som geral era desconcertante para mim; Eu já conhecia "Blitzkrieg Bop", claro, e tinha sido avisado de que todas as outras músicas compartilhavam praticamente a mesma abordagem e arranjo, mas mesmo assim, não estava preparado para que todas soassem tão parecidas. Somando-se à falta de técnica vocal e à simplicidade geral das canções, tive a sensação de que, mesmo que continuasse a gostar do álbum (e geralmente gostei nas primeiras audições), o deixaria como uma curiosidade. Certamente não os via como uma banda que eu me daria ao trabalho de ouvir mais a fundo para uma futura resenha.

Vamos começar com "Blitzkrieg Bop ", uma música que gostei mais na segunda vez que ouvi. Ela tem um som de guitarra clássico, é cativante, tem bons ritmos e uma linha de baixo marcante. A simplicidade de "Blitzkrieg Bop", como na maioria das músicas dos Ramones, é o que a torna ótima. O baixo de Dee Dee Ramone é particularmente notável. A letra é muito boa. A melodia vocal lembra "I Fighted the Law" do The Clash. " Beat on the Brat" tem alguns sons de guitarra distorcidos, no estilo heavy metal; é uma boa música com algumas linhas repetitivas. No entanto, os Ramones conseguem fazer com que funcione perfeitamente. Sem mencionar que o estilo combina perfeitamente com a estética deles. Eu também acho que essa música demonstra que, no fim das contas, os Ramones eram mais um grupo pop-rock do que uma banda punk. "Judy Is a Punk" é a música mais curta do álbum e, portanto, uma das mais difíceis de analisar e resenhar. Ainda assim, consegue ser brilhante em sua simplicidade e ainda conta com um excelente solo de guitarra de Johnny Ramone . "I Wanna Be Your Boyfriend" é uma das minhas favoritas do álbum; a letra é linda, e até a voz de Joey Ramone é muito agradável de ouvir. Uma canção muito doce, no estilo dos anos 50... talvez com uma vibe de girl group. Uma guitarra soa maravilhosa, enquanto a outra tem aquele som punk típico. Se você gosta da adorável "In the Flesh" do Blondies, vai gostar desta música também. Ou talvez "There She Goes" do The La's seja outra boa comparação. De qualquer forma, o solo de guitarra é lindo, e os outros Ramones fazem os vocais de apoio. É difícil imaginar uma mãe que não queira que sua filha se sinta atraída por Joey depois de ouvi-lo se comportar tão bem aqui! Embora afirmassem não escrever sobre garotas, esta é uma balada romântica incomum, sendo a música mais lenta de todo o álbum e uma homenagem às canções pop românticas dos anos 50. Foi o segundo single lançado pelos Ramones, depois de "Blitzkrieg Bop". 

"Chain Saw ", outra música cativante com influências pop-rock, é mais uma prova, assim como o resto do álbum, de que você não precisa de mais do que dois ou três acordes para criar uma boa música. A introdução tem aquele som clássico de guitarra punk... como uma esmerilhadeira trabalhando em metal. Na minha cabeça, essa música funciona como uma espécie de tema para o filme "O Massacre da Serra Elétrica"... uma trilha sonora de filme de terror, em outras palavras. " Now I Wanna Sniff Some Glue" é, sem dúvida, a música com a letra mais boba do álbum. Embora isso não seja ruim. É simplesmente uma música pop-rock divertida com uma instrumentação decente. Também reafirma Dee Dee Ramone como um dos meus compositores favoritos. Essa suposta apologia às drogas trouxe muitos problemas e proibições para os Ramones em sua turnê pela Inglaterra em 1976, depois que vários jovens morreram na Escócia, supostamente por uso de drogas. Depois de vê-los se apresentarem em julho de 1976, Mark Perry, da banda inglesa Alternative TV, fundou o lendário fanzine punk Sniffin' Glue. Com 1 minuto e 36 segundos, é a música mais curta do álbum. Imagino se o título foi inspirado em alguma música dos Stooges. " I Don't Wanna Go Down to the Basement" — a linha de baixo dessa música é muito boa. A bateria de Tommy Ramone também é impecável. Do ponto de vista musical, é provavelmente a melhor música do álbum. É uma faixa matadora, e é ótimo ver Tommy Ramone mostrando seu estilo de bateria simples, porém energético e vibrante. Tem aquele som clássico de guitarra punk, mas, novamente, é uma pena que toda essa qualidade esteja tão baixa na mixagem, em segundo plano.

 

Loudmouth : A transição da música anterior para esta funciona maravilhosamente bem, honestamente. O único ponto negativo é que esta música não é tão divertida, cativante ou musicalmente interessante quanto algumas das outras. Havana Affair: Voltamos aos trilhos. A voz de Joey Ramone nesta música é tão vibrante e ótima que praticamente a torna especial para mim. Eu também gosto muito da letra. O breve interlúdio instrumental, quase na metade da música, combina muito bem com uma banda que geralmente não variava seus padrões durante as seções instrumentais. Acho que é uma música pop-rock perfeita. Listen to My Heart é outra música pop-rock quase perfeita, mostrando a voz muito boa de Joey do começo ao fim. É uma música muito cativante e, no geral, muito boa. 53rd & 3rd é uma pequena canção sobre prostituição masculina, com uma letra realmente boa. Além disso, Tommy Ramone faz um excelente trabalho na bateria. Sempre o considerei um baterista subestimado. No entanto, o final repentino e o retorno imediato no final me convencem completamente dessa música. " Let's Dance" é outra canção de rock and roll no estilo dos anos 50, que lembra artistas como o inglês Cliff Richard e o australiano Johnny O'Keefe. Essa música apresenta órgão ou teclados e frequentes e brilhantes viradas de bateria. Se você me desse a letra e me dissesse que era dos Beatles do início da carreira, eu acreditaria. No entanto, os Ramones a interpretam maravilhosamente . "I Don't Wanna Walk Around With You " — eu adoro o começo dessa música. Tem uma intensidade que me fascina. Também adoro os vocais de apoio "Oooh oooh", que tenho quase certeza de que são do Tommy Ramone. Me lembrou o Red Hot Chili Peppers. " Today Your Love, Tomorrow the World" : a transição perfeita da música anterior para esta é simplesmente brilhante. Sinto que foi a maneira perfeita de encerrar um ótimo álbum de pop-rock. Essa música, assim como o resto do álbum, possui uma energia controlada que se mantém ao longo de toda a obra, e a combinação disso com a simplicidade da canção é justamente o que a torna tão grandiosa.

Agora que este álbum se tornou um dos meus favoritos, muitas vezes me pergunto, enquanto o ouço, se desta vez finalmente descobrirei a verdade, mas isso nunca acontece. Pelo contrário, embora seja difícil imaginar que um álbum como este possa recompensar repetidas audições, ele realmente recompensa, e minha admiração por ele continua a crescer. Fico especialmente impressionado com o fato de um álbum tão "monótono" ter tantas músicas que considero, no mínimo, pequenos clássicos, e tão poucas que considero pontos fracos evidentes. Talvez "53rd and 3rd" (sobre um cara que fracassa como garoto de programa) seja um pouco mais fraca que as outras, com menos impacto e uma parte vocal um tanto desagradável da Dee Dee, mas mesmo isso não me parece um ponto baixo. O grande destaque, claro, é a faixa de abertura "Blitzkrieg Bop", um clássico muito mais adequado a sistemas de som de estádios e arenas do que qualquer coisa que o Queen jamais conseguiu alcançar. Embora seja a música mais famosa do álbum, não estou convencido de que seja excepcionalmente superior ao restante do material. É verdade que você precisa se acostumar com o álbum, e esse tipo de som não é exatamente o meu ideal de como o rock deveria soar. Mesmo assim, eu gosto de todas as músicas; acho que o som em geral é fresco, e no fim das contas, este álbum me deixa incrivelmente feliz e energizado. É um álbum de rock fantástico.

Joe's Garage - Frank Zappa

 

“ Joe's Garage ”: sátira, rebeldia e rock à beira do absurdo.

Quando Frank Zappa lançou Joe's Garage Act I em 1979, deixou claro que sua visão artística não conhecia limites, e que não tinha paciência para censura, hipocrisia moral ou tendências musicais vazias. A faixa-título do álbum, " Joe's Garage ", serve como uma porta de entrada irônica, incisiva e surpreendentemente acessível para o universo distópico e delirante que Frank Zappa construiu para esta ópera rock. É uma mistura de humor corrosivo, crítica social e virtuosismo musical transbordante, tudo embalado em uma narrativa que parece ao mesmo tempo absurda e profética.

A canção conta a história de Joe, um adolescente comum que forma uma banda de garagem para passar o tempo. À primeira vista, é um enredo simples, até mesmo clichê, dentro do rock; no entanto,  Frank Zappa  o utiliza para desenvolver uma profunda sátira sobre a repressão cultural e o medo das autoridades em relação à música como ferramenta de liberdade. Com seu estilo narrativo característico, ele mistura diálogos, notas do Central Scrutinizer (uma voz mecânica que representa o estado policial) e observações exageradamente ridículas que, na realidade, funcionam como um espelho da realidade sociopolítica da época.

Musicalmente, “ Joe’s Garage ” é um exemplo perfeito do talento camaleônico de Frank Zappa. Embora esteja longe de ser uma de suas composições mais complexas, soa como um rock animado com sensibilidade pop e nuances funk que tornam a música surpreendentemente acessível para quem não está familiarizado com seu trabalho. As guitarras limpas, o ritmo relaxado e o refrão cativante criam uma atmosfera quase inocente, em contraste direto com a corrente crítica que impulsiona a letra. Essa dualidade entre forma suave e conteúdo incendiário é um dos maiores trunfos da canção.

Quanto às letras,  Frank Zappa  critica a paranoia governamental, a moralidade conservadora e a vigilância excessiva, antecipando com humor mordaz debates que permanecem mais relevantes do que nunca: censura, controle estatal e o medo de que os jovens encontrem refúgio ou expressão na música. Ele faz isso por meio de exageros teatrais, personagens grotescos e versos que beiram o absurdo, mas que, em última análise, revelam um genuíno desconforto por trás da caricatura.

" Joe's Garage " é, em última análise, uma porta de entrada ideal para compreender o gênio de  Frank Zappa : extremamente inteligente, tecnicamente impecável e disposto a satirizar tudo, até mesmo seus próprios fãs. Para quem busca uma música que combine humor, crítica social e um ritmo irresistível, esta faixa é uma adição essencial ao seu vasto catálogo e um exemplo claro de sua visão artística singular.

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