O The Knackfoi uma banda formada em Los Angeles, Califórnia (Estados Unidos) no final da década de 1970, inicialmente composta por Doug Fieger(vocal), Berton Averre(guitarra), Prescott Niles (baixo) e Bruce Gary (bateria). Seus estilos musicais variavam entre new wave, pop, power pop e pop rock , embora também tenham experimentado outros estilos como punk, hip hop e heavy metal . Em 1979, lançaram seu álbum de estreia, Get the Knack , que lhes trouxe fama imediata, alcançando o primeiro lugar nas paradas por seis semanas e conquistando o status de disco de platina duplo. Grande parte do sucesso do álbum se deveu a uma de suas faixas, " My Sharona", que alcançou o primeiro lugar na parada Billboard Hot 100 como single e recebeu o certificado de ouro apenas oito semanas após o lançamento.
A música foi composta por Doug Fieger e Berton Averre . Berton compôs a música, que inclui aquele famoso e icônico riff de guitarra, e Doug escreveu a letra . Para a letra, Doug se inspirou em uma garota que viu pela primeira vez em uma loja de roupas. Doug entrou na loja com sua namorada, com quem tinha um relacionamento sério na época, e notou uma garota que trabalhava lá e se apaixonou instantaneamente. O nome dessa garota era Sharona Alperin, e ela era estudante do ensino médio na época. Doug não perdeu a oportunidade e, mesmo com sua namorada presente, abordou Sharona e a convidou para um show de sua banda , The Knack . Sharona aceitou e foi ao show com o namorado.
Pouco tempo depois, Doug terminou o relacionamento com a namorada e, apesar de ser oito anos mais velho, conseguiu que Sharona o acompanhasse. O relacionamento durou cerca de quatro anos, justamente quando a vida de Doug mergulhava em um mundo de rock, drogas e álcool. Mesmo assim , Sharona e Doug permaneceram amigos até a morte dele por câncer de pulmão em 2010. A pessoa retratada na capa do single é a própria Sharona , embora ela e Doug não estivessem namorando na época .
Uma canção com um problema sério: é uma canção sobre sexo interpretada pelo casal possivelmente menos sexual do final dos anos 70, e vai totalmente contra a imagem pública cuidadosamente construída de Captain & Tennille como uma dupla de marido e mulher simultaneamente insossa, inofensiva e agressivamente saudável. Eles gravaram várias canções escritas por Neil Sedaka, gravaram canções que mais tarde se tornariam famosas na voz de Barry Manilow, gravaram a terrível "Muskrat Love", que alcançou o 4º lugar em 1976, e apresentaram seu próprio programa de variedades, de curta duração e previsivelmente terrível. E então, com sua imagem puritana firmemente estabelecida, Captain & Tennille lançaram um single exaltando as virtudes da virilidade masculina e dos múltiplos orgasmos. Dado o contexto, "Do That To Me One More Time" pode muito bem ser o equivalente musical a flagrar seus pais no ato. Ambos vieram de origens musicais muito mais estranhas do que o sucesso que alcançaram no soft rock poderia sugerir. "Captain" Daryl Dragon era filho da maestrina vencedora do Oscar Carmen Dragon e afilhado do comediante Danny Thomas. Aos 20 anos, ele já era músico, compositor e produtor em tempo integral. Acompanhou Charles Wright na primeira banda da lenda da soul music, Wright Sounds. Com seus irmãos Doug e Dennis, gravou um álbum de surf music maravilhosamente estranho e psicodélico sob o nome de The Dragons. E a partir de 1967, Dragon começou a fazer turnês com os Beach Boys nos teclados, onde Mike Love lhe deu o apelido de "Capitão Teclado". Toni Tennille cresceu no Alabama antes de se mudar para a Califórnia aos 19 anos, onde conheceu e se casou com seu primeiro marido. Em 1971, ela estava em turnê promovendo Mother Earth, um musical eco-rock que havia coescrito com Ron Thornson, quando Dragon fez um teste para o espetáculo em São Francisco. O casal se conectou rapidamente, tanto profissional quanto pessoalmente, passando de Mother Earth para a turnê de 1972 dos Beach Boys (onde Tennille se tornou a primeira e única "Beach Girl" do grupo) e para o circuito de casas noturnas de Los Angeles. Em 11 de novembro de 1975, o casal se casou, cinco meses depois de seu primeiro single pela A&M, "Love Will Keep Us Together", ter alcançado o topo da Billboard Hot 100.
Há muita qualidade nas composições de Tennille, e essa qualidade por si só torna "Do That To Me One More Time" um pouco mais agradável do que a maioria dos outros sucessos da dupla. A música em si exala uma sensualidade discreta (menos desejo desenfreado, mais felicidade conjugal duradoura), e sua atmosfera geral certamente contribui para a imagem de Captain & Tennille como um casal despreocupado e perfeito. Mas por baixo de sua superfície suave, é na verdade um apelo descarado ao sexo — muito, muito sexo. Com múltiplas cenas de sexo, "Captain & Tennille" jamais deveria aparecer na mesma frase que "muito sexo". Isso não diminui Toni Tennille, uma cantora versátil o suficiente para ter participações vocais em "Don't Let The Sun Go Down On Me" e "The Wall" do Pink Floyd — ela é forte, confiante e canta muito bem —, mas ela não consegue vender bem o aspecto sexual. Imagine "Do That To Me" nas mãos de Tina Turner, ou Betty Wright, ou de um Al Green com gênero trocado; a música seria transformada. Mas Captain & Tennille eram refinados demais para fazer justiça à sua própria criação.
Quando, um minuto após a meia-noite de 1º de agosto de 1981, a MTV estreou nas ondas de rádio americanas, alcançando apenas alguns milhares de pessoas no interior do estado de Nova Jersey, a frase "Senhoras e senhores, rock and roll" foi anunciada sobre imagens da contagem regressiva para o recente lançamento do ônibus espacial Columbia. A inovadora música-tema da emissora a cabo foi então seguida por seu videoclipe inaugural que, dada a revolução cultural que pretendia instigar, tinha um título apropriado: "Video Killed the Radio Star" (O Vídeo Matou a Estrela do Rádio). Pouco menos de duas décadas depois, em 27 de fevereiro de 2000, ele também se tornaria o milionésimo videoclipe exibido na MTV. Lançado em setembro de 1979, alcançou o topo das paradas em nada menos que 16 países. "Video Killed the Radio Star" foi escrita por Trevor Horn, Geoff Downes e Bruce Woolley, e inicialmente gravada pela banda de Woolley, Camera Club, para o álbum English Garden. No entanto, foi a versão lançada posteriormente por Horn e Downes como The Buggles que se tornou um clássico instantâneo. Uma reflexão nostálgica, porém tecnológica, sobre o final da década de 1960, uma era musical até então dominada pelo rádio, centrada em um artista cuja carreira despencou devido à crescente popularidade da televisão. Horn e Downes uniram forças pela primeira vez em 1976 como membros da banda disco-pop da cantora Tina Charles. Horn e Downes começaram a promover a demo de "Video" para várias gravadoras e atraíram o interesse de Chris Blackwell, da Island Records. Enquanto isso, Horn também chamava a atenção de Jill Sinclair, coproprietária do Sarm Studio, o que coincidiu com a assinatura do contrato do The Buggles com a nova produtora do Sarm. Naquela época, o punk estava em alta, e eu não tinha interesse. Aliás, apenas um disco punk foi gravado no Sarm, e esse foi o álbum de estreia do Boomtown Rats. Então, sem nem perceber, enquanto procurava algo diferente, me deparei com um cara chamado Trevor Horn, que tinha uma maneira completamente diferente de fazer discos. Ele fazia coisas malucas, como gravar o bumbo enquanto o baterista tocava as outras partes de joelhos, ou com um monte de panos de prato cobrindo a caixa e os tons.
A abertura de “Video Killed the Radio Star” começa com um som de piano tradicional, que então se transforma em uma versão mais sintetizada para refletir a ideia de avanço tecnológico abordada na canção. Toda a música é uma fusão do antigo e do novo. Os vocais masculinos e o som de piano tradicional representam o antigo, enquanto os vocais femininos (interpretados por Debi Doss e Linda Jardim) e o sintetizador representam o novo. O uso sutil de guitarra e bateria, instrumentos onipresentes na música popular, une ambos os elementos. A estrutura de “Video Killed the Radio Star” reforça essa ideia. O verso, o refrão e a coda final de piano, comuns na música popular, reforçam a mensagem da canção ao fazerem alusão à música tradicional. Como mencionado anteriormente, a canção descreve sucintamente a introdução da MTV. Até 1981, os videoclipes não tinham um propósito definido e nunca antes haviam sido tão acessíveis aos apreciadores de música. Foi somente depois que a MTV popularizou os videoclipes que as gravadoras perceberam que eles poderiam ser usados como ferramenta de marketing, os artistas os viram como uma forma adicional de expressão artística e os fãs começaram a se apaixonar por eles. Antes dos videoclipes, os músicos eram ouvidos com mais frequência no rádio, vistos apenas em shows ou em aparições ocasionais na televisão. Além da performance de Horn e Downes, o compositor alemão Hans Zimmer (o de preto) pode ser visto tocando teclado no vídeo.
Nenhuma banda de metal esteve mais ciente do ditado "a terceira é de vez" do que a banda holandesa The Gathering em sua busca por uma mistura de vocais masculinos e femininos em seus álbuns. Após um início promissor com seu poderoso álbum de estreia, "Always", a banda fracassou espetacularmente com "Almost A Dance", empregando uma vocalista completamente amadora. Como resultado, sua popularidade entre os fãs de metal declinou significativamente. Enquanto preparavam seu terceiro álbum, a banda holandesa decidiu arriscar e gravar um álbum focado inteiramente em vocais femininos. Eles confiaram o microfone a uma jovem desconhecida, Anneke Van Giersbergen, e o resultado foi um sucesso estrondoso. A cantora ruiva holandesa não apenas provou ser a vocalista principal da banda, mas também contribuiu para a criação de um álbum que mudaria a história do metal e deixaria uma marca indelével. Tudo isso aconteceu no outono de 1995. A voz de Anneke é diferente de tudo que você já ouviu em toda a cena do rock/metal. Não é teatral ou técnica como a voz muito mais operística de Liv Kristine ou Tarja Turunen, e não é pop-rock americano descarado como o que surgiria mais tarde com Avril Lavigne e suas inúmeras imitadoras. A voz de Anneke tem certa semelhança com a de Kari Rueslåtten, embora a da cantora norueguesa seja muito mais etérea e delicada; a voz de Anneke é como se estivesse constantemente conectada à terra e ao céu.
Assim como seus dois antecessores, Mandylion foi imbuído da essência do metal atmosférico característica da estética dos anos 90, baseado em uma brilhante combinação de riffs de guitarra poderosos e intensos com arranjos de teclado ricos e atmosféricos. Embora os trabalhos anteriores do The Gathering tivessem se tornado um tanto datados, seu terceiro álbum conseguiu criar uma obra universal que permanece relevante mesmo 30 anos após seu lançamento. Apesar de a música da banda ter eliminado completamente os elementos da fúria do death metal, isso não significa que as composições individuais careçam de vida ou energia; explosões significativas de ritmo com riffs de guitarra precisos aparecem periodicamente. Como em seus álbuns anteriores, a banda holandesa não hesita em evocar uma atmosfera gótica, desta vez canalizando-a para reinos distintamente outonais, chuvosos e nebulosos, resultando no álbum mais sombrio da banda até hoje. Curiosamente, além das influências do rock gótico e da atmosfera dos álbuns do Dead Can Dance, Mandylion também demonstra um fascínio pela estética melancólica do dream pop, especialmente dos mestres do gênero, Slowdive. No entanto, os elementos individuais foram trabalhados numa mistura verdadeiramente original, e o seu maior trunfo é, sem dúvida, a voz de Anneke Van Giersbergen.
Embora nos últimos anos a cantora holandesa tenha se inclinado consideravelmente para a delicadeza e a sutileza, sua estreia vocal é caracterizada principalmente por uma presença enérgica e poderosa. De muitas maneiras, esse estilo lembra divas da ópera e, portanto, serviu de modelo para muitas bandas de metal gótico. A vantagem da voz de Anneke, no entanto, reside na ausência de lamentos irritantes ou sentimentalismo, e o álbum como um todo é um deleite para os ouvidos. A música instrumental também é impressionante. O The Gathering compôs oito faixas longas e com múltiplas camadas, que em algumas passagens seguem estruturas clássicas relativamente simples de verso-refrão, enquanto em outras exploram o território progressivo com incursões ambiciosas no desconhecido. Além disso, uma parte significativa do álbum é puramente instrumental, um testemunho da qualidade do Mandylion. Um dos destaques do álbum são os solos melódicos e melancólicos de Rene Rutten, apresentados com uma fórmula semelhante à dos guitarristas do Slowdive. As partes de teclado frescas e atmosféricas de Frank Boeijen também deixam uma marca indelével, capturando perfeitamente as cores do outono europeu, com suas paisagens nebulosas repletas de folhas em transformação. Outro ponto forte do álbum é seu som singular, limpo e suave, criado na meca atmosférica dos anos 90, o estúdio alemão Woodhouse, sob a supervisão de Siggie Bemm e Waldemar Sorychta, ambos apaixonados por esse tipo de música.
O álbum começa com tudo e apresenta uma das melhores músicas da banda. Construída sobre uma base de riffs poderosos ao estilo Black Sabbath, teclados sombrios e os vocais sensacionais e energéticos de Anneke, " Strange Machines" é a composição mais doom metal da banda. Seu maior trunfo reside nos riffs afiados e cortantes, particularmente perceptíveis na segunda metade da música. Sem dúvida, continua sendo a faixa mais cativante e, possivelmente, a mais poderosa do álbum. "Eleanor ", por outro lado, foca muito mais na dinâmica e em um ritmo acelerado, mantendo uma atmosfera outonal e nostálgica, reforçada pelos vocais sustentados de Anneke e extensas passagens instrumentais. Esta é uma mini-epopeia emocional que se tornou um clássico ao vivo, notável pela interação entre bateria, guitarra e teclados nas seções climáticas. Seus instrumentais, inspirados em A Lista de Schindler, evocam as chaminés e paisagens industriais da década de 1930, com seus ritmos de bateria como cercas. A atmosfera gótica dream-pop é ainda mais reforçada pela discreta, porém fluida, " In Motion #1 ", uma brilhante demonstração de ricos arranjos de teclado, embora um tanto ofuscada pelo solo melancólico de Rene Rutten. " Leaves" oferece um som igualmente lânguido, porém decididamente pesado, espaçoso e fortemente sinfônico — uma majestosa balada de metal gótico. Enquanto Anneke van Giersbergen canta com toda a sua alma (imagine, este é apenas seu primeiro álbum de metal!), os guitarristas conseguem, de alguma forma, ofuscá-la com um solo de guitarra diferente de qualquer outro no gênero, construído em torno de melodias melancólicas de doom metal, mas delicadamente sublinhado pelo já familiar tom onírico.
Os tons sombrios e depressivos de Mandylion atingem seu ápice em Fear The Sea , uma faixa nebulosa, guiada pela guitarra e repleta de sons sibilantes que lembram ondas. Após repetidas audições, percebe-se que este álbum romântico simplesmente não existiria sem uma canção que expressasse o poder intimidador da força bruta do oceano. A maior surpresa, no entanto, é a faixa-título, Mandylion , que dispensa completamente as guitarras. Os arranjos atmosféricos de teclado trance-folk e a percussão tribal criam uma composição que deixaria o Dead Can Dance orgulhoso. Mesmo assim, a banda holandesa leva vantagem sobre a inglesa nos vocais ocasionais, já que Anneke é muito superior aos maneirismos, por vezes irritantes, de Lisa Gerard. Aqui, eles não se contêm; The Gathering demonstra sua adoração pelo Dead Can Dance em sua plenitude. De fato, seria muito fácil confundir esta canção com algo de *Into the Labyrinth*. Construída em torno da percussão tribal, ela amplifica o lado romântico do álbum com seu sonho de mundos diferentes, muito além dos mares. Cabe ao ouvinte contemplativo descobrir seu lado introspectivo. A atmosfera quase instrumental, embora de metal progressivo, também se mantém em " Sand and Mercury ", a faixa mais longa do álbum, com quase 10 minutos. Não fosse pela seção intermediária atmosférica, com os vocais comoventes de Anneke, essa faixa poderia ser um modelo perfeito para composições instrumentais. Ela é rica em ideias e arranjos vibrantes, e ainda assim fácil de apreciar para qualquer ouvinte. O toque final é a bem concluída " In Motion #2 ", que possui tanto uma intensidade enfática e pessimista quanto uma atmosfera melancólica, tudo perfeitamente harmonizado pelos vocais sensacionais de Anneke, desta vez focados em solenidade e poder.
"Mandylion" é, sem dúvida, um dos melhores álbuns do The Gathering, e também o seu melhor álbum de metal atmosférico com vocalista. Ele não apresenta as falhas fundamentais que frequentemente assolam esse tipo de música: excesso de suavidade e perda da força do metal nas canções, bem como tendências irritantes para lamentos operísticos e femininos, que raramente se harmonizam bem com um acompanhamento mais pesado. A terceira faixa de "Mandylion" transborda poder substancial, e os vocais são brilhantes. Além disso, as composições são repletas de ambição, arranjos interessantes e boas ideias que cativam o ouvinte. Ao mesmo tempo, são surpreendentemente simples e acessíveis, agradando facilmente até mesmo aqueles que não estão familiarizados com esse estilo ou com o trabalho do The Gathering. Infelizmente, nos anos seguintes, a banda holandesa decidiu não continuar com um estilo tão equilibrado e, portanto, não conseguiu replicar o sucesso artístico de "Mandylion", embora seja difícil acusá-los de gravar álbuns de baixa qualidade. Os inúmeros concorrentes do metal gótico também não conseguiram atingir o nível deste álbum, o que torna o álbum de 1995 do The Gathering ainda mais louvável. Por essa razão, recomendo fortemente que todos ouçam este álbum. Vale muito a pena.
O sol começa a se pôr enquanto faço meu passeio habitual, e agora " Paseando por la Mezquita" (Passeando pela Mesquita ), uma deliciosa canção de rock andaluz lançada por Medina Azahara em 1979, toca nos meus fones de ouvido. É a trilha sonora de uma caminhada que, para mim, se tornou um ritual. Eu ouço a música, eu a vivo, eu a respiro enquanto caminho. A guitarra elétrica se mistura com os teclados; o ritmo hipnótico me envolve e me leva por uma rua onde as sombras das varandas se projetam como versos silenciosos nas fachadas. A voz de Manuel Martínez tem essa mistura de melancolia e força, como se ele estivesse confessando algo íntimo às paredes da cidade.
A letra se torna um espelho para o ouvinte. Fala de humilhações, de feridas invisíveis, de uma busca espiritual entrelaçada com a história de um povo. E conforme a música avança, sinto como se estivesse atravessando o arco do Portal do Perdão , sentindo cada nota me puxar para dentro. A Mesquita-Catedral se ergue majestosamente, suas colunas e arcos infinitos pulsando ao ritmo do baixo da canção. Os teclados se tornaram um sussurro que acaricia as paredes, como se a música pedisse permissão para entrar. E entra. Porque " Walking Through the Mosque" não é apenas uma canção: é uma oração elétrica, um lamento que, com o passar do tempo, se tornou um hino.
Enquanto caminho pelo Pátio das Laranjeiras , a melodia torna-se mais introspectiva e a letra se detém no sofrimento, mas não há derrota na voz, apenas uma dignidade que se ergue como a torre da mesquita: "Sim, sofremos, mas continuamos caminhando ". E eu também continuo caminhando, com os olhos marejados e o coração em chamas. Ao sair pelo Portão Alhaken II , a canção atinge seu clímax. A guitarra transborda, a voz se eleva e tudo parece convergir numa espécie de catarse sonora. Nesse instante, a dor se transforma em arte e a história pessoal se funde com a história de um povo. E, de repente, silêncio. A canção termina, mas o eco permanece. Eu me imagino em pé diante do rio Guadalquivir e percebo que " Caminhando pela Mesquita" não é apenas uma canção sobre Córdoba, é uma canção sobre todos nós, sobre nossas feridas, nossas buscas e nossas esperanças, e Medina Azahara nos convida a caminhar, a olhar para dentro e a nos reconciliarmos com o que fomos e o que somos.
Medina Azahara consegue fundir o rock com a alma do flamenco, e o resultado é autêntico. Há riffs poderosos, mas também duende (um espírito profundo e comovente). O grupo honra a tradição andaluza, e nessa homenagem, a canção se torna uma ponte entre o moderno e o ancestral, entre a dor íntima e a memória coletiva. A produção da faixa, para uma música do final dos anos 70, é surpreendentemente boa. Cada instrumento tem seu espaço. O teclado de Pablo Rabadán proporciona uma atmosfera envolvente, quase mística, enquanto a bateria de José Antonio Molina marca o pulsar de um coração que se recusa a desistir. É impossível não se deixar levar, não sentir que você também está passeando pela mesquita, mesmo estando a quilômetros de distância.
A música terminou e eu volto à realidade, mas sei que vou ouvi-la novamente porque há caminhadas que não se esquecem, e há canções que, como esta, se tornam parte da alma.
"Disorder ", a faixa de abertura do icônico álbum de estreia do Joy Division , *Unknown Pleasures* (1979), é uma demonstração crua e poderosa do som único da banda. Desde os primeiros segundos, a música estabelece uma atmosfera de tensão e urgência, característica do pós-punk britânico do final dos anos 70. Ian Curtis, com sua voz profunda, quase espectral, introduz um tom de alienação que se torna a espinha dorsal das letras e da identidade do Joy Division .
Musicalmente, Disorder é um estudo de contrastes. A bateria precisa e mecânica de Stephen Morris estabelece um ritmo insistente que soa ao mesmo tempo hipnótico e ansioso. Esse padrão repetitivo se entrelaça com as linhas de baixo de Peter Hook, que se destacam na mixagem por sua proeminência e textura melódica, conferindo uma sensação de gravidade e movimento. Bernard Sumner, na guitarra, emprega um estilo minimalista e etéreo, com acordes arpejados e efeitos sutis de delay que criam uma atmosfera fria, distante, quase industrial, antecipando as paisagens sonoras que dominariam o pós-punk e a new wave na década seguinte.
A letra de "Disorder" reflete a luta interna e a ansiedade existencial que marcaram a vida de Curtis, bem como os temas recorrentes de alienação e desenraizamento na obra do Joy Division . Versos como "Tenho esperado por um guia que venha e me leve pela mão" transmitem uma sensação de busca desesperada por direção ou significado, ressoando com a geração de jovens britânicos que vivenciaram a incerteza social e econômica nos anos que se seguiram à Revolução Industrial. A interpretação vocal de Curtis, por vezes contida e por outras intensamente emotiva, adiciona uma camada de vulnerabilidade que torna a canção ao mesmo tempo pessoal e universal.
Disorder também se destaca por sua estrutura não convencional. A música dispensa refrões tradicionais, optando por um fluxo que combina repetição hipnótica com variações sutis de ritmo e textura sonora. Isso contribui para um efeito envolvente e cativante, onde a tensão é mantida até o último segundo, deixando o ouvinte em estado de expectativa e reflexão.
Em termos históricos, Disorder não apenas apresenta o Joy Division como inovadores do pós-punk, mas também estabelece as bases para sua influência duradoura em gêneros como indie, rock gótico e synth-pop. Sua capacidade de combinar minimalismo instrumental, emoção crua e uma estética sombria o torna uma obra seminal, lembrada como um ponto de partida essencial para a compreensão da música alternativa do final do século XX.
Disorder é mais do que apenas uma faixa de abertura; é uma declaração de intenções, um reflexo de inquietação existencial e uma demonstração do talento único do Joy Division para transformar angústia em arte sonora. Seu impacto perdura, consolidando a banda como um dos pilares do pós-punk e uma referência essencial para gerações de músicos e ouvintes.
All songs written by Oktober except where noted. Uhrsprung (01-04): 01. Familie - 5:42 02. Schule - 6:03 03. Betrieb - 8:33 04. Staat und Solidaritätslied - 8:48 05. Der Traums des Schmieds (Oktober/Eugene Poltier) - 7:59
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