MUSICA&SOM

sábado, 21 de março de 2026

Ragger – Euphonic Sounds (2026)

“Muitos acharam a música ofensiva, a dança questionável e a popularidade de ambas entre os jovens à beira de uma crise de saúde mental.” Assim escreve a historiadora da música Susan C. Cook sobre o ragtime, o ancestral do jazz, com sua forte sincopação, que surgiu no final do século XIX. Como tudo na vida, o caráter subversivo do ragtime se dissipou com o tempo e, um século depois, as obras de Scott Joplin e outros músicos foram relegadas a carnavais e feiras, suas melodias alegres para piano evocando agora noções pitorescas de diversão à moda antiga. Em seu álbum de estreia, Euphonic Sounds , a dupla de Los Angeles Ragger — Marc Riordan e Jon Leland — busca resgatar parte da faísca original do ragtime, dando-lhe um toque relativamente moderno.
A ideia básica do Ragger — composições de ragtime…

320 ** FLAC

…tocada em instrumentos eletrônicos — inacreditavelmente, já havia surgido antes, no álbum Plugged-In Joplin do Eden Electronic Ensemble . Mas aquele obscuro álbum de 1975 tem a riqueza sonora típica da tecnologia da época. Ragger atualiza o som em cerca de 15 anos, reinventando sete peças da rainha do gênero, Joplin, e uma de George Botsford como trilhas sonoras de videogame. Não é tão maluco quanto parece, mas soa bem maluco.

Riordan trata clássicos quase esquecidos como “Swipesey Cakewalk” e “Weeping Willow” com respeito, mantendo-se fiel às linhas melódicas marcantes e harmonias precisas de Joplin, com o inconfundível vigor do material original ainda mais amplificado pelo timbre peculiar de seus sintetizadores. Leland adiciona percussão digital instável — chilreios de sapo, estalos de silicone, batidas de coco e pratos solenoides — que torna tudo mais festivo e, ao mesmo tempo, cada vez mais estranho. Tocado de forma tradicional, o ragtime possui uma elegância formal que complementa seu ritmo animado. Você não encontrará muito dessa elegância em Ragger, já que a Euphonic Sounds se inclina fortemente para a extravagância desajeitada da era boêmia do gênero. Mas esse espírito excêntrico ressoa de forma diferente quando revestido por sons de 8 bits. O charme de vaudeville de "Sunflower Slow Drag" se torna a trilha sonora de uma cena de saloon em um Final Fantasy pré-PlayStation; a cadência mecânica descendente de "Paragon Rag" fará você instantaneamente sentir como se tivesse descoberto uma fase bônus secreta repleta de poderes estranhos e maravilhosos; a introdução impactante de "Original Rags" sugere a ameaça iminente de uma tensa luta contra um chefe e lhe dará uma vontade irresistível de encontrar um ponto de salvamento.

A abordagem nostálgica de Ragger pode limitar o público de Euphonic Sounds — aqueles que não têm memórias musculares vívidas da mecânica da era Nintendo podem se sentir imunes ao seu charme peculiar. Talvez esse seja o objetivo: tornar o ragtime novamente questionável, algo que os caretas simplesmente não entenderão. Se você olhar além do aspecto cartunesco agressivo do álbum, no entanto, poderá encontrar uma estranha profundidade e uma dissonância recompensadora. Outrora música de dança de vanguarda, o ragtime tornou-se um estereótipo do passado. Ao dar-lhe uma repaginada pixelizada, Ragger condensou os extremos de dois séculos, combinando as culturas pop juvenis do final do século XIX e do final do século XX. Se o ragtime e o chiptune se encaixam tão bem, talvez seja porque agora ambos estão igualmente obsoletos. Euphonic Sounds pode ser uma celebração colorida da brincadeira, mas também é um reconhecimento de que o mundo negativo do tempo chega para todos nós

Toni Geitani – Wahj (2026)

À primeira vista, a capa de Wahj , de Toni Geitani , é uma presença intimidadora: toda em tons de preto e marrom, a pintura parece uma caverna ou uma cratera, cenário de uma grande violência desconhecida. Mas quanto mais se observa, mais luz se vê, até que toda a cena se torna luminosa, com brancos brilhantes e verdes vibrantes. Wahj , que em árabe significa "radiância", cria um efeito semelhante, com vislumbres de esperança brilhando em seu denso e apocalíptico universo sonoro. Como artista, Geitani é atraído pelas consequências do desastre, pelo que existe além do próprio evento. Sua formação original é em cinema, e seu primeiro longa-metragem, O Desaparecimento de Goya (2018), é um acerto de contas com a Guerra Civil Libanesa. Ele nasceu após o fim da guerra, mas viveu sob seus efeitos; sua cidade natal…

320 ** FLAC

…Beirute ainda carregava as marcas da violência durante toda a sua infância. O evento que desencadeia Wahj não é nomeado, mas seu tema de catástrofe permanece o mesmo. A experiência de Geitani no cinema também é relevante, porque o disco é essencialmente cinematográfico — uma epopeia de 75 minutos com vocais arrebatadores, percussão estrondosa e sintetizadores melancólicos, aparentemente feita para as telonas.

Geitani faz parte de uma crescente comunidade de músicos, incluindo Nadah El Shazly e SANAM, que integram aspectos da música tradicional árabe em estilos modernos. Em Wahj , ele arranja melodias de maqam e improvisações vocais layālī em ambientes eletrônicos impecavelmente elaborados. “Hal” abre o álbum com vinil crepitante, órgão de tubos e cordas melancólicas que gaguejam e se transformam diante de uma parede de sintetizadores analógicos. Em seguida, surge a voz de Geitani, soando ao mesmo tempo exausta e esperançosa, como se estivesse observando uma cena de destruição em busca de um caminho a seguir.

Wahj é um álbum grandioso em escopo e escala, com muitas ideias apresentadas de forma grandiosa e dramática. Como um cineasta habilidoso, Geitani conduz o álbum alternando peças extensas com breves interlúdios. “Fajr Al Khamees” é uma faixa drone de desenvolvimento lento que encontra sua força tanto no timbre quanto na melodia, com os vocais fortemente distorcidos de Geitani flutuando em um espaço sem batida. Em seguida, vem “Sawtuka”, um pequeno esboço que leva esses vocais com efeitos ao limite, funcionando como uma pontuação antes da introdução de um novo conjunto de ideias na faixa jazzística e percussiva “Ruwaydan Ruwaydan”.

Geitani tem plena consciência da ressonância que os samples podem ter e os utiliza com cuidado; além de estudar cinema, ele possui mestrado em música eletrônica, com uma dissertação intitulada “Sampling as a Political Medium” (Amostragem como Meio Político). Em faixas como “Wasla” e “Madda Mudadda”, vozes sampleadas emergem de ruídos eletrônicos e estática, falando conosco de um passado distante. Elas se apresentam em Wahj como lembranças entre ruínas, nos recordando a mensagem central do álbum: mesmo nos momentos mais sombrios, a humanidade sobrevive com um brilho suave.

Altered Five Blues Band – Hammer & Chisel (2026)

A Altered Five Blues Band de Milwaukee está prestes a completar 25 anos de carreira e retorna com seu oitavo álbum de estúdio, Hammer & Chisel. Os indicados a vários prêmios BMA são um dos grupos de blues mais confiáveis e enérgicos da cena. Mais uma vez, Tom Hambridge assume a produção, pela sexta vez consecutiva. O álbum foi gravado em Nashville. O principal compositor e guitarrista, Jeff Schroedl, agora está à frente da Blind Pig Records, gravadora da banda há quase uma década.
Schroedl é um dos quatro membros originais que estão na banda desde o início. Os outros são o vocalista Jeff Taylor, o baixista Mark Solveson e o baterista Alan Arber. O novo membro Steve Huebler assume os teclados, substituindo o membro original Raymond Tevich, a quem eles...

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…dedicam o álbum. O virtuoso da gaita Jason Ricci participa em três faixas, enquanto o saxofonista Max Abrams e o trompetista Julio Diaz abrilhantam uma delas.

Prepare-se, pois, como o título sugere, este é um blues implacável e visceral, em sua maior parte puro e preciso. Eles abrem o show com a única faixa com metais, a animada "I Got It Good", impulsionada pela batida insistente de Arber, pela interação vibrante entre Schroedl e Huebler, enquanto a poderosa vocalista Taylor domina uma música composta pela banda. A composição conjunta de Schroedl e Hambridge, "Dare Me to Do It", soa como o blues lento e vintage de uma música de Willie Dixon, com Ricci preenchendo os espaços com sua gaita blues aguda e lamentosa. O boogie vibrante à la John Lee Hooker, com rimas inteligentes, "Who Can You Trust", vem a seguir, imbuído das linhas de guitarra pulsantes de Schroedl, do piano de barril de Huebler e da gaita blues de Ricci. "As pessoas dizem isso, as pessoas dizem aquilo/É difícil saber quem te apoia/Alguns querem o seu bem, te defendem/Mas muitos só querem te prejudicar."

"Lotta Love Left in Me" é outro blues lento, uma ode à resiliência, com Huebler no piano. A faixa-título, com seu ritmo sincopado, uma das três escritas exclusivamente por Schroedl, mostra Taylor ostentando sua independência, quebrando todas as regras uma a uma. Da independência desafiadora às lutas pessoais, a banda retorna ao seu estilo boogie característico em "Can't Shake It". A música transborda solos de piano, a impressionante performance de bateria de Arber e os virtuosismo de Ricci na gaita. A terceira faixa composta coletivamente pela banda, "Headline Blues", denuncia o ciclo de notícias deprimente e constante, que, por mais que queiramos resistir, nos atrai incessantemente.

Taylor, há muito aclamado como um dos vocalistas de blues mais formidáveis, coescreveu a enfática e impactante "Hell or High Water" com Schroedl, assim como fez com "Can't Shake It" e a faixa de encerramento "Will of Man". A primeira é um excelente exemplo do talento emotivo de Taylor, onde ele faz uma declaração inequívoca de devoção, acompanhado por uma guitarra espiralada e poderosas ondas de Hammond B3. Taylor reforça sua forte lealdade em "My Love Ain't a Lie", outra faixa que destaca o B3 de Huebler. Pode-se dizer que eles guardam o melhor para a faixa de encerramento, "The Will of Man", onde Taylor nos implora para permanecermos firmes, não importa o quão sombrias as coisas se tornem. "Toda raça, credo e cor, mulher e homem/Com toda a sua força, você pode se reerguer/Passo a passo/Fique de pé/Não é mentira/Você pode fazer tudo isso.

Jon Hopkins & Biggi Hilmars – Wilding (Original Soundtrack) (2026)

A trilha sonora de Wilding foi produzida em parceria pelo músico eletrônico inglês Jon Hopkins e pelo compositor islandês Biggi Hilmars. As contribuições de Hopkins misturam efeitos sonoros gerados e/ou processados eletronicamente, enquanto Hilmars tende a enfatizar texturas orquestrais, com ambos colaborando e mesclando seus sons ocasionalmente. As 13 faixas curtas de Wilding formam a trilha sonora ambiente de um documentário de 2024 de mesmo nome, que conta a história da "selvageria" de 3.500 acres de terras agrícolas inglesas, permitindo que terras antes intensamente cultivadas sejam recolonizadas por sua flora e fauna.
…Na faixa de abertura do álbum, "Wilding Theme", com seis minutos de duração, Hopkins processa eletronicamente sua voz para soar "como um tipo estranho…

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…de um antigo instrumento de sopro de madeira”, “antigo e constante”, como “algo há muito presente na terra que finalmente está voltando à vida”.

…Em “Butterflies”, Hilmars utiliza motivos de cordas cíclicos e vibrantes, comuns em documentários sobre vida selvagem, como tema de otimismo, renovação e vitalidade, como no surgimento da primavera, e também alude ao rejuvenescimento da paisagem através do repovoamento com espécies selvagens. Em “Back to Farm”, as cordas são concisas e irregulares, evocando o retorno gradual e hesitante da vida vegetal e animal selvagem. Essa tensão também pode ser uma reação a um obstáculo burocrático no plano de repovoamento, embora a música seja mais empolgante do que uma reunião municipal.

Em “Worms” e “Networks”, Hilmars e Hopkins mesclam suas texturas orgânicas e eletrônicas. Hopkins gera sons que remetem a sinos e carrilhões. Os títulos dessas duas peças sugerem uma preocupação com os efeitos da vida subterrânea, oculta à vista de todos. Ainda assim, os sons se combinam para criar efeitos cintilantes e brilhantes que evocam a combinação de chuva e sol que nutre o mundo sob a superfície.

A capa do álbum Wilding apresenta um retrato frontal de um majestoso veado da propriedade de Petworth, descrito no livro como tendo "uma linhagem que remonta a cinco séculos" e "galhadas largas e planas que podem pesar entre quatro e quatro quilos e medir quase um metro de diâmetro", que lhe conferem "uma aparência imponente e cativante". Meu exemplar do livro inclui uma ilustração de uma rola-turca, cujo arrulhar pode "aliviar a mente, evocando pensamentos suaves e agradáveis, difíceis de descrever".

A maioria das faixas dura cerca de dois minutos, o que impede que o álbum se desenrole como uma longa viagem ambiente. Em vez disso, soa muito familiar, como trilhas sonoras de filmes, televisão e videogames. Às vezes, essa familiaridade confere acessibilidade; outras vezes, limita a transcendência. A música raramente se arrisca à abstração além do que sua função documental exige.

Mas é justamente essa contenção que busca o equilíbrio. Assim como o próprio projeto de restauração da natureza, a trilha sonora se concentra menos no espetáculo e mais na sintonia. Ela não oprime; ela convida. Em seus momentos mais suaves, quando as texturas eletrônicas e orquestrais se dissolvem umas nas outras, ela consegue evocar aquela abertura que o livro defende com tanta paixão.