Búho Ermitaño - Horizonte (2014)

 

Econtinuamos nossa série sobre o melhor do rock peruano. Em uma confluência de sons que lembram Can, Pink Floyd, Agitation Free e Ozric Tentacles, esses peruanos surgem para imprimir sua própria marca pessoal, original e altamente imaginativa: uma mistura de psicodelia e krautrock com charangos, bongôs, güiros e quenachos. Sua música abrange stoner rock, rock progressivo atmosférico, space rock, experimentação e até mesmo sutis toques de música folclórica andina e indígena. Em mais uma semana dedicada à cena experimental peruana, revisitamos o primeiro álbum desta banda, lançado quase dez anos antes de "Implosiones", que apresentamos ontem.

Artista: Coruja-eremita

Álbum: Horizonte
Ano: 2014
Gênero: Rock Psicodélico / Space Rock
Duração: 69:07
Nacionalidade: Peru

Eles são uma das mais recentes encarnações da fusão psicodélica/krautrock/experimental na cena de Lima, uma das mais vibrantes da América Latina, e esta semana apresentaremos alguns de seus artistas que ainda não apareceram no blog, além de outros que teremos para apresentar em breve. Sua música é um rock de forma livre, geralmente na linha da improvisação psicodélica "krautrock", alterada com elementos de etno-fusão, toques de free jazz, avant-rock e música eletrônica experimental. A criação de cada faixa ocorre em um contexto onde os sons de clássicos como Can , Pink Floyd e Agitation Free , bem como elementos mais modernos no estilo de Ozric Tentacles e muitos outros, são revisitados com uma forte presença de charangos e bongôs. Eles afirmam que seu som se expande além do legado dos roqueiros cósmicos alemães dos anos 70. Se nos guiarmos pelo seu primeiro lançamento, "Horizonte", lançado simultaneamente na Grécia e no Peru, essa parece ser a resposta, sem dúvida alguma. O rock psicodélico e os motivos tribais aos quais aludem, juntamente com o rock progressivo que canalizam repetidamente em suas improvisações, atestam isso.

No entanto, a atmosfera e a dinâmica demonstradas em sua estreia revelam uma saudável vontade de se entregar, de não deixar nada mais importar, apenas a música e a sensação de ela tomar conta da mente e do corpo — "Sem música, a vida seria um erro", costumava dizer um velho amigo. Esse fator, combinado com seu inegável talento para realizar suas odisseias sonoras e a curiosidade e o desapego aos preconceitos que demonstram, denota um futuro promissor para essas corujas, amantes do misticismo, da improvisação livre e da serpente mordendo o próprio rabo. Sem mais delongas, aqui está Hermit Owl.
Hermit Owl é um tipo diferente de banda de rock. Os músicos têm liberdade para experimentar com base no que outro membro criou. Assim nasceu Horizonte, o primeiro álbum da banda, que apresenta uma gama diversificada de sons e foi muito elogiado pela crítica. Três integrantes da banda estiveram na Rádio Ciudad para falar sobre essa produção.

O som deles é muito denso e rico. Embora os momentos de improvisação ocupem o centro do palco de uma maneira incomum, quase absurda, o Buho Ermitaño raramente vacila em sua abordagem e constrói um estilo muito particular e pessoal. O grupo tece padrões melódicos intrincados de forma coordenada entre todos os músicos, onde, às vezes, um dos guitarristas inicia um solo que os demais acompanham, ou então se lançam em uma exploração programada de desenvolvimentos improvisados. O material soa como se tivesse sido gravado "ao vivo", capturado cru e sem edição de pós-produção. O som é muito bom, resultando em um álbum interessante em todos os aspectos, e que recomendamos a todos que gostam desse estilo...
E uma ótima maneira de começar a semana, na qual teremos várias bandas peruanas e muitas outras surpresas.

E agora, alguns comentários de terceiros e, como esperado, começaremos com nosso comentarista involuntário de sempre. Vejamos o que ele tem a dizer sobre este interessante álbum...

Hermit Owl parte rumo a um horizonte de odisseias e impressões psicodélicas.
Hoje apresentamos o grupo peruano BÚHO ERMITAÑO (Hermit Owl), um dos expoentes mais sólidos da vanguarda psicodélica peruana dos últimos anos. Formado em 2008 por Franz Núñez e Diego Pando, o grupo passou por diversas formações até chegar ao sexteto formalizado e consolidado que gravou este primeiro álbum intitulado “Horizonte” (Horizonte). O sexteto em questão é composto por Franz Núñez [guitarra elétrica, baixo, charango e quenacho], Diego Pando [guitarras elétrica e acústica, baixo e charango], Irving Fuentes [guitarra elétrica, sintetizador e baixo], Leonardo Pando [guitarra elétrica, sintetizador e baixo], Juan Camba [bateria] e Ale Borea [djembe, bongôs e güiro]. Além disso, o baterista Aldo Castillejos (ex-integrante da lendária SERPENTINA SATÉLITE) faz uma participação especial em quatro faixas de “Horizonte”, desempenhando um papel fundamental nessas aparições esporádicas, já que esteve envolvido nos respectivos processos de composição. Agora, com o orgulho de ter “Horizonte” lançado pela gravadora grega GOD Records, os membros do BÚHO ERMITAÑO estão promovendo ativamente essa primeira contribuição oficial para o mundo da psicodelia progressiva. Vamos acompanhar o repertório do álbum.
'Kharasiri' abre o álbum com uma presença avassaladora e misteriosa, suas atmosferas e grooves se acomodando confortavelmente sobre uma estrutura rítmica exuberantemente exótica, como um híbrido de dança tribal indiana e celebração afro-tropical. Logo após os seis minutos, a percussão pausa, permitindo que as paisagens sonoras da guitarra preparem o terreno para a segunda jam, mais incisiva em seu groove e com uma sonoridade mais inclinada aos padrões tradicionais do space rock (quase à la Steve Hillage). Dessa forma, o conjunto finaliza a faixa com uma dose saudável de energia rock. 'Odisea En El Espacio' evoca diretamente aqueles tempos remotos do krautrock explorando atmosferas de fusão (Dzyan, Ibliss, Embryo), bem como o Hawkwind de seus dois primeiros álbuns. A vigorosa exibição de linhas precisas e recorrentes do baixo fornece a base para a consistência robusta da instrumentação. Na seção final, o grupo aumenta o volume, ameaçando explodir em sons incendiários, mas o que emerge, em última análise, é uma variação contemplativa sobre o tema central. Após o breve interlúdio 'Kundalini' – construído sobre camadas minimalistas de órgão – surge 'Impresiones De Marcahuasi', uma jornada musical cuja primeira parte é construída a partir de dedilhados de charango, frases de guitarra com influência árabe e cadências cerimoniais do trio rítmico, tudo entrelaçado numa atmosfera tão cinzenta quanto intensa – uma atmosfera imbuída de densidade estilizada pelo trabalho magistral do sexteto. A segunda parte se move numa névoa onírica onde o charango ocupa um papel de liderança na paisagem sonora, servindo como uma espécie de transição para a languidez cerimonial e cósmica da terceira parte, muito no estilo do PINK FLOYD (a era “Ummagumma”).
Com todo o ímpeto acumulado após os lançamentos de 'Odisea En El Espacio' e 'Impresiones De Marcahuasi', o grupo está pronto para direcionar seu foco para o lado mais extrovertido e conferir-lhe um dinamismo novo e revigorante: chegou a hora de 'Camino A La Montaña', uma peça que deve ser apreciada como o ápice decisivo de “Horizonte”. Ao mesmo tempo que gera uma vibração eletrizante e renovadora em seu corpo central, esta peça também oferece uma sólida continuidade às atmosferas que amadurecem à medida que avançamos pelo repertório. Sua parte final se move em uma atmosfera ligeiramente mais contida, no estilo do paradigma AGITATION FREE. Nos últimos 16 minutos do álbum, temos a dupla 'Estampida De Elefantes' e 'Asunción'. 'Estampida De Elefantes' estabelece um panorama avassalador e absorvente com riffs de guitarra afiados como navalha e um dinamismo ressonante que se entrelaçam nervosamente para refletir a ansiedade perpétua de uma fuga visceral e infinita. Em um dado momento, a banda diminui ligeiramente o ritmo para realinhar seus elementos essenciais e restabelecer o groove dominante. Finalmente, 'Asunción' completa o repertório do álbum com uma aura flutuante que evoca mais uma vez o paradigma do krautrock influenciado pela fusão e, nesta ocasião específica, o aspecto orientalista do AMON DÜÜL II. O bloco sonoro soa robusto em sua atmosfera bem definida.
Tudo isso foi "Horizonte", a canção do BÚHO ERMITAÑO no alvorecer de sua carreira gravada, que esperamos que se expanda amplamente em um futuro próximo. Enquanto isso, temos certeza de que eles se estabeleceram como uma presença marcante na vanguarda peruana contemporânea.
Nota: 8,5/10

César Inca

 

 

Mas há muitas pessoas que querem dar sua opinião sobre este álbum...

É um prazer encontrar álbuns como este na cena nacional, álbuns que não soam como mais do mesmo, nem como um pós-punk rebelde, nem como meros "revivals". A banda Búho Ermitaño, de Lima, apesar de paradoxalmente não oferecer nada inovador ou vanguardista em seu álbum de estreia, Horizonte, apresenta algo diferente, algo pouco explorado em nossa cena, com resultados mais do que satisfatórios, o que é realmente louvável. Eles até contaram com o apoio de uma gravadora grega (!) para o lançamento.
O que há de novo em Horizonte? Sua exploração de diversos estilos ao longo de suas sete faixas, onde a música exótica e andina se mistura com a cumbia, passando por sons progressivos, psicodélicos, pós-rock e até mesmo folk. E o fato de arriscarem com cinco faixas com mais de dez minutos e outras duas com mais de seis. Cada uma delas segue o espírito do rock progressivo de estruturar peças musicais, cada uma com suas respectivas partes, capítulos, episódios, ou como quer que possamos chamar, que não são imediatamente aparentes na lista de faixas. No entanto, uma audição atenta revelará as mudanças pelas quais as composições passam durante sua execução.
O projeto foi iniciado em 2008 por Franz Nuñez (guitarra, quena, charango) e Diego Pando (guitarras elétrica e acústica, baixo, charango), mas foi somente em fevereiro de 2012 que eles estrearam sob o nome Búho Ermitaño (Coruja Eremita) em um concerto no bairro de Barranco, em Lima. O álbum também conta com a participação de Irving Fuentes (sintetizadores, charango, guitarra e baixo), Leonardo Pando (baixo, guitarra, sintetizador), Juan Camba (bateria), Ale Borea (percussão exótica) e inclui uma colaboração com Aldo Castillejos, ex-integrante das bandas Espira, Serpentina Satélite e Ahora Registros Akásicos, na bateria em algumas faixas.
O álbum abre com a expansiva "Kharisiri", que se destaca por sua música serena e etérea. Seus sons com influência oriental evocam o folclore hindu característico, ocasionalmente se misturando com a cumbia. As guitarras e a bateria transitam para ritmos mais rápidos, por vezes dançantes, enquanto teclados espaciais e esporádicos conferem um toque psicodélico, e as cordas nos transportam por paisagens oníricas e exóticas. "Odisea del Espacio" oferece mais de 14 minutos de Krautrock lisérgico. Por volta dos 10 minutos, guitarras distorcidas se transformam em uma explosão de feedback corrosivo, baixo penetrante e cordas abrasivas de hard rock. A breve e minimalista "Kundalini" – tocada apenas com órgão – serve como uma interface perfeita para nos conectar com a bateria espacial e os charangos delirantes de "Impresiones de Marcahuasi", este último instrumento que, em certos trechos da faixa, emite explosões sonoras espetaculares, enriquecendo ainda mais nossa experiência auditiva, embora essa explosão de sons diminua gradualmente, dando lugar a atmosferas mais serenas.
Em "Camino a la Montaña" (Caminho para a Montanha), a banda continua com os sons suaves estabelecidos na seção final da faixa anterior, mas sob uma atmosfera mais sombria. Uma marcha tribal lenta aumenta gradualmente em intensidade, e riffs fugazes, dedilhados sutis e efeitos psicodélicos de wah-wah emergem para criar paisagens sonoras mais ricas e cromáticas. Guitarras afiadas seguem um ritmo oscilante sobre tambores exóticos e pratos reverberantes na avassaladora "Estampida de Elefantes" (Estampida de Elefantes), que culmina em uma poderosa onda de guitarras ruidosas e ensurdecedoras. Finalmente, em "Asunción" (Assunção), a bateria viciante mais uma vez convida a uma dança étnica com influências orientais, enquanto riffs de guitarra de outro mundo oferecem um deleite psicodélico.
Talvez algumas faixas possam ser consideradas pretensiosas e, por vezes, se tornem insossas, mas não podemos negar que este trabalho, abstraído da "improvisação" com um desejo sincero de explorar e ir além do convencional na busca por um novo horizonte sonoro, entrega uma música imbuída de um poderoso ecletismo, o que nos torna uma das propostas mais ousadas e, pode-se dizer, inéditas da cena nacional atual. - Isso soa experimental.

Guido Pelaez


Mais um comentário e vamos ao álbum...

A banda fez sua primeira apresentação em 2008 com Diego Pando e Franz Nuñez. Em 2012, começaram a se apresentar como Búho Ermitaño (Coruja Eremita) e estão na ativa desde 2014.
Búho Ermitaño é uma daquelas bandas que, ao apertar o play, imediatamente te transporta para um estado alucinatório. Sua música é tão evocativa e harmoniosa que você sente como se tudo ao seu redor se transformasse em uma história repleta de caminhos e cores diferentes que te manterão grudado no seu aparelho de som, como um filme.
“Kharisiri” é o single que abre essa aventura espacial no mundo do “krautrock”, um estilo musical que surgiu no final da década de 1960 na região da Alemanha, caracterizado por influências que vão do jazz ao rock psicodélico, com toques minimalistas, ambientais e outros. Assim começou “Horizonte”, o primeiro álbum de estúdio da banda peruana, gravado em março de 2014 pela GOD Records (Atenas, Grécia).
Em seguida, temos “Space Odyssey”, a segunda faixa do álbum, com sons de guitarra arrepiantes e um baixo envolvente e cativante — uma combinação perfeita para dar continuidade à jornada. Após 25 minutos imersos nesse mundo, encontramos “Kundalini”, uma faixa que surpreende pela sua brevidade em comparação com as outras músicas do álbum. Um transe hipnótico acompanhado por sintetizadores, djembês e bongôs. Parece uma fase de um jogo onde você pode recuperar seu personagem e tudo volta à calma.
“Impressões em Marcahuasi” é a quarta faixa de “Horizonte”. Marcahuasi é um planalto localizado na Cordilheira dos Andes, a leste de Lima, a uma altitude de quatro mil metros acima do nível do mar. A música começa com uma explosão de energia, ideal para um nascer do sol em meio à natureza, acompanhada por riffs de guitarra elétrica e um baixo com charango que cria uma atmosfera de tranquilidade. Sincronia perfeita que pode ser usada para praticar algum tipo de
exercício de meditação ou algo do gênero, ou simplesmente para relaxar.
A próxima faixa é “Camino a la montaña” (Caminho para a Montanha), que evoca a essência do jazz, um som elegante e sutil com 13 minutos de puro deleite. É a segunda faixa mais longa do álbum, depois de “Odisea en el Espacio” (Uma Odisseia no Espaço) (14:33). Vamos continuar pela trilha; a montanha se torna um pouco mais complexa. O som acelera e a tensão começa a aumentar, para então retornar a um ritmo mais calmo, impulsionado pela bateria característica do jazz — precisa e evocativa.
“Estampa de Elefantes” (Estampa de Elefantes), o penúltimo single do álbum, inicia sua despedida com um som misterioso e tribal. Uma batida de bateria intermitente e pulsante é acompanhada por bongôs e o güiro, um instrumento de percussão raspado originário de Cuba. A faixa segue a estrutura principal do álbum, alternando entre estados tranquilos e fugazes e outros altamente distorcidos e energéticos, como se uma bomba lisérgica estivesse prestes a explodir.
A faixa que encerra o álbum de estreia de Búho Ermitaño é "Asunción", uma composição repleta de mistério e sons repetitivos que transportam o ouvinte para um estado de transe, como se a história fosse interminável. As guitarras evocam os sons do antigo Egito, criando uma profunda sensação de mistério. Esta obra foi composta por um grupo de jovens músicos que embarcaram nessa aventura com a ideia de fazer música livre, sem
parâmetros preestabelecidos.

Ramiro Rodríguez Oliva

Você pode ouvir e comprar o álbum na página deles no Bandcamp :
https://godrecordsgardenofdreams.bandcamp.com/album/b-ho-ermita-o-horizonte

 

Lista de faixas:
1. Kharisiri
2. Space Odyssey
3. Kundalini
4. Impressions of Marcahuasi
5. Road to the Mountain
6. Elephant Stampede
7. Assumption

Formação:
- Franz Núñez / guitarra elétrica; baixo; charango; quenacho
- Diego Pando / guitarra elétrica; guitarra acústica; baixo elétrico; charango
- Leonardo Pando / guitarra elétrica; sintetizador; baixo
- Irving Fuentes / guitarra elétrica; baixo; sintetizador; charango
- Juan Camba / bateria
- Ale Borea / percussão; djembê, bongôs, güiro
Convidado especial:
Aldo Castillejos / bateria

 

Circe Link & Christian Nesmith - Arcana (2024)

 

Otro disco desconocido y muy recomendado. Vamos con un dúo yanky que hace rock sinfónico, la voz femenina encantadora más un multi-instrumentista (algo parecido al caso de los brasileros Fleesh, la mina es un ángel cantando, y el otro la segundea instrumentalmente de manera perfecta), unidos en principio para reversionar canciones de Yes, ahora haciendo sus propias canciones de progresivo sinfónico. Ya tienen varios álbums, y este es el primero que escucho, siendo su último álbum, metido ya de cabeza en el desarrollo de su propio estilo, y dando como resultado un disco muy disfrutable que los invito a conocer en una entrada cortita y al pie pero no por ello menos disfrutable. Su onda me parece muy en sintonía con lo mejor del Yes moderno, o sea, setentoso pero con producción y toques actuales, y en su totalidad el disco no decepciona. Les aseguro que esto va a ser una sorpresa para varios, por la calidad de las canciones, por las interpretaciones, por el buen gusto y por cerrar un disquito redondo!

Artista: Circe Link & Christian Nesmith
Álbum: Arcana 
Año: 2024
Género: Rock sinfónico
Duración: 57:03
Referencia: Rate Your Music
Nacionalidad: EEUU

¿Qué onda "Arcana" de Circe Link & Christian Nesmith? La posta es que no me esperaba nada así que cuando lo escuché me sorprendió, es un buen disco que, de movida, te vuela la peluca. El título, que hace referencia a las cartas del Tarot, ya te adelanta que la cosa viene mística, con ese toque esotérico que tantas veces se impregnan en los conceptos de rock progresivo; cada canción de este álbum es una reinterpretación de las cartas La Torre, El Mago, El Loco, El Colgado y El Carro. Con bastante trabajo sobre las guitarras y los teclados, crean buenas atmósferas, épicas y relativamente complejas y de buen gusto. Los riffs, los solos, los pasajes acústicos... todo está en su lugar y todo suena bien.

Pero la joya de la corona es la voz de la minita. Es como una mezcla entre la de Jon Anderson (por lo angelical y limpia) y la de algún hada que te canta mientras te perdés en un bosque. Es un viaje de ida. Y no solo por su calidad, sino por cómo se acopla con la música. Hay momentos en que canta sola, otros en los que se desdobla en mil voces para crear coros hermosos.

Pero mejor me callo y los dejo que los escuchen por ustedes mismos...

En resumen, "Arcana" es un disco que no inventa la rueda, pero que la hace girar con la gracia y la potencia necesaria para que sea del gusto de la gran mayoría de los cabezones (eso lo podría asegurar). Es un tributo a la época dorada del prog, hecho con pasión y con un buen nivel técnico, creando un viaje sonoro que vale cada minuto. Un gran trabajo con todas las letras.

Otro disco desconocido que les recomiendo empecinadamente. Escúchenlos por favor...

Lo pueden escuchar y disfrutar desde Bandcamp:
https://circelink.bandcamp.com/album/arcana

Lista de Temas:
1. The Tower (11:37)
2. The Magician (11:16)
3. The Fool (8:29)
4. The Hanged Man (9:58)
5. The Chariot (15:41)

Alineación:
- Circe Link / Vocals
- Christian Nesmith / All instruments
with
Christopher Allis / drums
Matt Brown / keyboards (5)

Moonshine Blast - Realm Of Possibilities (2024)

 

E continuamos com nossa seção de obras altamente recomendadas, porém praticamente desconhecidas. Esta é sobre sons modernos e alternativos, um rock mais elétrico com um toque de frescor. Da França, chega o segundo álbum de jovens que carregam muito da sonoridade do Porcupine Tree — rapazes que soam coesos, que soam bem, que tocam com muita energia, que compõem muito bem e que sabem exatamente o que querem fazer. Eles contam até com participações especiais de veteranos do calibre de Colin Edwin e Pat Mastelotto, que contribuem com sua experiência e virtuosismo. E sejamos francos, qualquer banda que receba apoio de figuras desse calibre já é um sinal de aprovação que jamais deve passar despercebido, então este álbum é garantia de qualidade. Eis um néctar energético de som moderno, transcendente e ambicioso que convida a uma viagem, um álbum repleto de vida musical. Altamente recomendável, convido você a conferir...

Artista:  Moonshine Blast
Álbum:  Realm Of Possibilities
Ano:  2024
Gênero:  Crossover Prog / Neo prog
Duração:  75:28
Referência:  Discogs
Nacionalidade:  França

E agora chegamos a um álbum interessante, longo (talvez até longo demais), mas muito agradável. Certamente não é muito original, com suas reminiscências do  trabalho solo de Steven Wilson , do Riverside e, principalmente, do Porcupine Tree , mas eles ainda conseguem criar suas próprias canções e imbuí-las com um toque de originalidade e estilo próprio. A vocalista tem uma boa voz, todos os músicos são instrumentistas muito habilidosos e cada música acerta em cheio.

Faixas com melodias cativantes e diretas que farão você bater o pé. Obviamente, as músicas têm influências familiares óbvias e facilmente detectáveis, então não vou me dar ao trabalho de mencioná-las, com exceção da épica de 16 minutos que é "The Cell", que captura a essência do álbum e cria uma composição que engloba muitos clássicos do rock progressivo.

Todo o espectro sonoro do álbum é futurista, cinematográfico e eletrônico, mas também incorpora elementos orgânicos, dominando implacavelmente diversas tendências derivadas da tecnologia e criando um resultado impecável. Dito isso, vamos ser breves e passar para a única coisa que falta, que é a mais importante...

E, claro, o mais importante é que vocês ouçam um pouco do que estamos tentando explicar com tantas palavras vazias... 

Ritmo e preparação impecáveis, misturando uma variedade de elementos, resultando em um álbum bem coeso, exceto pela falta de originalidade. Talvez em seu próximo trabalho, esses caras finalmente encontrem seu próprio som, e então não hesitaríamos em declará-los uma das grandes bandas surgidas do underground mais profundo. Por enquanto, os apreciamos como um grupo promissor.

Você pode ouvir o álbum na página deles no Bandcamp:
https://moonshineblast.bandcamp.com/album/realm-of-possibilities

Lista de faixas:
1. Realm of Possibilities (4:00)
2. Cruel Immission (7:32)
3. Only You (3:44)
4. No Exit (5:47)
5. Liquid Feels I (3:52)
6. Liquid Feels II (4:30)
7. Broken Arrow (5:41)
8. Strangled (4:02)
9. Fractal (7:55)
10. Under Control (6:23)
11. The Cell (16:02)
12. When the Wind Blows (6:00)

Formação:
- Nicolas Duke / vocal principal, piano, teclados, violão
- Gabin Rock / guitarra, backing vocals
- Renaud Lyabastre / baixo
- Thomas Zecchinon / bateria e percussão
Com:
Colin Edwin / baixo
Pat Mastelotto / bateria

Búho Ermitaño - Implosiones (2023)

 

 De Lima vem o rock psicodélico experimental, com muita improvisação, folk, noise, space rock e stoner rock — um som de grande versatilidade e em constante busca por novas sonoridades. Os sintetizadores pendem para o space rock, os charangos e a percussão os aproximam do folk, tudo combinado com a força das guitarras elétricas psicodélicas e uma poderosa seção rítmica que cria um estilo muito particular e único. Este é o segundo álbum completo (e, por enquanto, o último) desta banda psicodélica peruana, uma confluência de sons que lembram o Krautrock do Can, o Pink Floyd mais espacial, o Agitation Free e o Ozric Tentacles, mas com um toque latino-americano. Isso cria um estilo muito particular e único que tentaremos descrever hoje, fazendo o nosso melhor para descrever este adorável álbum, bastante inclasificável, uma anomalia sonora muito interessante que recomendo fortemente que você ouça.

Artista:  Hermit Owl
Álbum:  Implosions 
Ano:  2023
Gênero:  Rock Psicodélico / Space Rock
Duração:  41:06
Referência:  Discogs
Nacionalidade:  Peru

Em primeiro lugar, recomendo que você assista à animação que a Rockarte fez na época sobre a arte gráfica deste álbum: 

https://cabezademoog.blogspot.com/2023/10/buho-ermitano-implosiones-edicion.html 

E agora vamos nos concentrar um pouco no próprio álbum...

Algo que me lembro de Horizonte, o álbum de estreia do coletivo Búho Ermitaño, de Lima (lançado em 2014 — é evidente que esses caras não têm pressa), era o foco nas possibilidades da improvisação. Seu som bebia do krautrock dos anos 70, da psicodelia oriental e da música andina, resultando em faixas expansivas que buscavam imergir o ouvinte em uma espécie de transe (o que poderia testar a paciência de qualquer um, especialmente porque algumas faixas não eram totalmente satisfatórias, na minha opinião). Implosiones, seu segundo lançamento, tem um caráter mais contido, focado em confinar suas ideias em um formato mais conciso, mas no qual adicionam novas influências ao seu repertório. Assim, a faixa de abertura, "Herbie", é uma brincadeira hipnótica e percussiva que flerta com o avant-funk; os vocais surpreendentes de "Explosions" me lembram um pouco o Animal Collective; "Prelude" ostenta um arpejo crepuscular que a torna a faixa mais bela do álbum em um sentido convencional. O restante do álbum se desenrola em coordenadas próximas ao space psych-rock, familiar para quem conhece a banda, embora com texturas mais refinadas e polidas do que em seu álbum de estreia cru e — o mais importante — com uma direção composicional clara, como em "Ingravita" e "Buarabino", faixas cujas transições instrumentais são fluidas e altamente convincentes. O mesmo pode ser dito de "Rebirth", a faixa de encerramento, que novamente sucumbe à influência da música vernacular, apresentando instrumentos indígenas, mas gradualmente se transforma em uma seção energética e ruidosa antes de retornar à calma em seus minutos finais. Em suma, este é um trabalho bastante sólido de um projeto que opera intermitentemente no circuito de shows da capital, mas consegue capturar sua evolução sonora em uma gravação e apresentar ideias interessantes — mesmo partindo da natureza antiquada de suas referências — que são empregadas com competência e agora com um maior senso de propósito.

LesterStone

 

Mas muitas pessoas tentaram explicar essa anomalia sonora chamando-a de "implosões", então vamos nos aprofundar nessa discussão...

Hoje, trago para vocês o álbum "Implosiones", lançado em junho deste ano pela banda peruana Búho Ermitaño, produzido pela gravadora independente peruana Buh Records, sediada em Lima.
Como amante da música neo-psicodélica, devo dizer que "Implosiones" apresenta elementos muito interessantes para análise musical. Além de incorporar elementos familiares do rock psicodélico, um revival do folk e uma exploração da música instrumental, Búho Ermitaño nos leva a uma jornada psicodélica com este álbum repleto de influências do rock alternativo, rock psicodélico, space rock, acid rock, jam sessions e música experimental (e ainda tem uma capa belíssima!).
O álbum apresenta uma exploração de vários instrumentos, como sintetizadores, theremin, flauta, charango, talkbox e cítara, juntamente com a formação clássica de guitarra elétrica e baixo, loops interessantes e pedais de efeito. Além de incorporar as influências clássicas já presentes no rock neopsicodélico dentro do contexto europeu e americano, a banda peruana consegue apresentar ritmos interessantes e uma exploração instrumental e rítmica enraizada na cultura latino-americana.
Este álbum é definitivamente um dos meus lançamentos favoritos de 2023. Recomendo que os ouvintes reservem um tempo do seu dia para relaxar e ouvi-lo, embarcando nesta jornada psicodélica através de "Implosions".

Nathália Andrião


E é melhor você ouvir enquanto eu termino o post...

Vamos então ao último comentário que selecionei para tentar descrever este pequeno álbum com o qual encerramos mais uma semana no blog.

Algo que me lembro de Horizonte, o álbum de estreia do coletivo Búho Ermitaño, de Lima (lançado em 2014 — é evidente que esses caras não têm pressa), era o foco nas possibilidades da improvisação. Seu som bebia do krautrock dos anos 70, da psicodelia oriental e da música andina, resultando em faixas expansivas que buscavam imergir o ouvinte em uma espécie de transe (o que poderia testar a paciência de qualquer um, especialmente porque algumas faixas não eram totalmente satisfatórias, na minha opinião). Implosiones, seu segundo lançamento, tem um caráter mais contido, focado em confinar suas ideias em um formato mais conciso, mas no qual adicionam novas influências ao seu repertório. Assim, a faixa de abertura, "Herbie", é uma brincadeira hipnótica e percussiva que flerta com o avant-funk; os vocais surpreendentes de "Explosions" me lembram um pouco o Animal Collective; "Prelude" ostenta um arpejo crepuscular que a torna a faixa mais bela do álbum em um nível convencional. O restante do álbum se desenrola em coordenadas próximas ao space psych-rock, familiar para quem conhece a banda, embora com texturas mais refinadas e polidas do que em seu álbum de estreia cru e — o mais importante — com uma direção composicional clara, como em "Ingravita" e "Buarabino", faixas cujas transições instrumentais são fluidas e altamente convincentes. O mesmo pode ser dito de "Rebirth", a faixa de encerramento, que novamente sucumbe à influência da música vernacular, apresentando instrumentos indígenas, mas gradualmente se transforma em uma seção energética e ruidosa antes de retornar à calma em seus minutos finais. Em suma, este é um trabalho bastante sólido de um projeto que opera intermitentemente no circuito de shows da capital, mas consegue capturar sua evolução sonora em uma gravação e apresentar ideias interessantes — mesmo partindo da natureza antiquada de suas referências — que são empregadas com competência e agora com um maior senso de propósito.

LesterStone

 

Você pode ouvir o álbum na página deles no Bandcamp:
https://buhrecords.bandcamp.com/album/implosiones

Lista de faixas:
1. Herbie (6:00)
2. Explosions (6:15)
3. Prelude (2:44)
4. Ingravita (6:12)
5. Buarabino (8:35)
6. Entre los Cerros (3:52)
7. Renacer (7:28)

Formação:
- Leo Pando / sintetizadores (1,2,4,6), theremin (4), baixo (2,5), guitarra elétrica (7)
- Franz Núñez / guitarra elétrica (1-6), flauta (1), vocais (2), sintetizador (6), baixo (7)
- Irving Fuentes / charango (5,7), baixo (4), vocais guturais (2), talkbox (6)
- Diego Pando / guitarra elétrica (1-5,7), vocais principais (2), baixo (1,6), gritos (1)
- Ale Borea / loops e pedal de efeitos (1,2,4), percussão (1,5,6), cítara (4)
- Juan Camba / bateria (1-7), percussão (1-2,5), flautas (7)

Archive - Glass Minds (2026)

 

Chegamos agora a um dos grandes álbuns do ano, e a primeira vez que apresentamos o Archive no blog, com seu estilo estranho e inclasificável. O que esses caras fizeram em "Glass Minds" é algo para ser ouvido com a mente aberta. Depois do monstro que foi "Call to Arms & Angels" em 2022, eles reaparecem com o que é, de longe, o melhor trabalho de sua longa carreira; entregaram 75 minutos de fragilidade mental nascida da incerteza e do desconforto, criando um álbum profundo e devastador. O que mais se destaca é a reminiscência de "Londinium" (1996), onde retornam ao seu trip-hop complexo, porém com um toque de ressaca, com aquela melancolia penetrante e aquela atmosfera urbana e noturna. Os ritmos pesados ​​estão de volta, assim como a melancolia penetrante e a atmosfera urbana e noturna. Doze faixas e quase 80 minutos de música formam uma muralha de introspecção que emerge das sombras da melancolia. Um álbum que mescla diversos estilos, com uma multiplicidade de texturas e atmosferas que buscam conter as emoções, com uma parede sonora quase cinematográfica que te envolve com elegância.


Artista:  Archive
Álbum:  Glass Minds
Ano:  2026
Gênero:  Crossover Prog
Duração:  77:53
Referência:  Discogs
Nacionalidade:  Inglaterra

Sem explosões, aqui a tensão é pura; eles abandonaram as explosões de rock agressivo, não há pressa, nem refrões para cantar junto no carro; é rock progressivo eletrônico de vanguarda para pessoas com a paciência de um santo ou de um bêbado. Comecemos pela primeira descrição de um álbum multifacetado que pode ser visto sob diversas perspectivas, algo como a própria capa.

O misterioso coletivo londrino Archive permanece ativo três décadas após seu surgimento. O grupo lança agora “Glass Minds”, um novo exemplo de sua mistura característica de música eletrônica, synth-pop, trip-hop, dream-pop, vanguarda e indie-pop. Essa mistura familiar perdeu um pouco de sua ousadia e do toque vanguardista que outrora definiam o projeto, mas mantém qualidades como bom gosto, inspiração e uma certa ousadia na exploração sonora.
“Glass Minds” não é um álbum convencional, repleto de texturas ricas que gradualmente moldam canções que quase todas ultrapassam os cinco minutos de duração, chegando a oito. Entre os destaques estão a faixa-título, “Glass Minds”, o single “Patterns”, a delicada e bela “City Walls” e “Wake Up Strange”, que se destaca como uma joia da coletânea. Este é, portanto, um álbum para ser apreciado com paciência, uma virtude necessária para digerir um conteúdo meticulosamente elaborado que, à primeira audição, pode parecer um tanto denso.
A percepção muda quando os quase oitenta minutos do álbum são totalmente absorvidos. “Glass Minds” se afirma então como uma obra inegavelmente interessante, com múltiplas áreas para explorar em busca de nuances e detalhes, ostentando um som meticulosamente elaborado que só melhora a cada nova audição. Em última análise, este é um trabalho que traz o Archive de volta à sua melhor forma, bem diferente da formação que deslumbrou com seu estilo e abordagem em álbuns como “You All Look The Same To Me” (Hangman, O2) ou “Noise” (Warner, O4), embora ainda relevante.

Raúl Julián

 

Uma maré negra que te afoga. É uma obra-prima de maturidade, mas esteja avisado: talvez tenham exagerado um pouco na duração, e faltariam alguns minutos a mais de suspense. Mas quem somos nós para dizer que encurtem? Cada um terá sua opinião, mas, no fim das contas, é o trabalho deles, e eles o executam brilhantemente!

A alquimia luminosa de "mentes de vidro":
o título deste álbum é o eixo central em torno do qual gira toda a metamorfose do Archive. Depois de anos construindo densas paredes sonoras, muitas vezes opacas, o coletivo londrino decidiu que a única maneira de evoluir era se tornar transparente e confrontar a vulnerabilidade. O vidro representa essa dualidade. Seu material permite que a luz o atravesse completamente, mas, ao mesmo tempo, esconde o risco de fratura sob a pressão certa.
Essa ideia de fragilidade permeia cada sulco do disco. Busca uma honestidade que só emerge quando se desfazem as camadas protetoras da produção excessiva. Ao se apresentarem como "mentes de vidro", a banda nos diz que não tem mais nada a esconder. Seus pensamentos e emoções estão totalmente expostos, filtrados pela simplicidade recuperada de sua estreia e por suas influências clássicas. É um convite para olhar através deles, descobrindo que a beleza reside não na dureza, mas na capacidade de deixar a clareza passar sem distorção.
Após décadas navegando pelas sombras do trip-hop e pela densidade do rock progressivo, a entidade mutante Archive retorna para estilhaçar seu próprio espelho. Não se trata de uma ruptura violenta, mas de uma fragmentação controlada. O dia 27 de fevereiro de 2026 ficará marcado como o momento em que o coletivo decidiu deixar para trás o peso da angústia para abraçar uma clareza quase dolorosa. Com seu décimo terceiro álbum de estúdio, a banda entrega uma obra que respira, que se expande e que, pela primeira vez em muito tempo, parece contemplar o sol sem queimar os olhos.
Sob as paredes de "Glass Minds",
lançado pelo selo Dangervisit com distribuição global pela [PIAS], este trabalho representa o ápice de um processo criativo que começou logo após as intensas sessões de gravação de seu lançamento anterior. A gravação foi dividida entre o icônico Metway Studios em Brighton e o histórico Angel Studios em Londres, buscando o equilíbrio entre a granulação analógica e a pureza acústica.
A produção fica mais uma vez a cargo do próprio coletivo, juntamente com seu colaborador de longa data, Jerome Devoise, cujo braço direito nos controles garante a coesão sonora característica. A masterização ocorreu em Paris, no Studio DES, adicionando aquele toque final de elegância europeia. Visualmente, a arte da capa é uma obra do aclamado Alaric Hammond, um artista cuja presença na Galeria Saatchi valida uma visão estética que vai muito além do mero marketing musical. O álbum também marca o retorno triunfal de Jimmy Collins, que traz uma energia urbana necessária para equilibrar a sofisticação geral.
Biografia e trajetória do "coletivo perpétuo"
Falar de Archive é falar de uma das trajetórias mais singulares e duradouras da cena musical britânica. Surgindo em meados da década de 90, quando o trip-hop dominava as paradas, o núcleo formado por Darius Keeler e Danny Griffiths jamais se contentou em ser uma mera réplica do som de Bristol. Desde sua estreia com o agora lendário Londinium (1996), a banda estabeleceu uma ética de trabalho baseada no coletivismo e na experimentação sem limites. Eles não são uma banda típica. São uma célula criativa por onde passaram diversas vozes e talentos, sempre mantendo uma identidade inconfundível.
Ao longo de trinta anos, eles se transformaram da música eletrônica atmosférica ao pós-rock cinematográfico de álbuns como You All Look the Same to Me (2002) ou à ambição conceitual da saga Controlling Crowds (2009). Sua evolução não foi linear, mas cíclica, frequentemente retornando às suas raízes para redescobri-las sob uma nova luz. Com a chegada da década de 1920, a banda atingiu o auge de sua intensidade com Call to Arms & Angels (2022), um álbum duplo que exorcizou os fantasmas da pandemia. Agora, com três décadas de experiência, eles demonstram que maturidade não significa complacência, mas sim a capacidade de sintetizar sua complexidade em estruturas mais diretas e empolgantes.
Os atuais "arquitetos de vidro":
No epicentro desse novo ataque sonoro, a banda se apresenta mais sólida e coesa do que nunca. Darius Keeler atua como a mente por trás das cenas, operando os teclados e sintetizadores. Seu trabalho meticuloso de programação sustenta a estrutura conceitual de Glass Minds. Ao seu lado, Danny Griffiths atua como o arquiteto das texturas. Ele é responsável pelos efeitos e pela amostragem meticulosa que confere aquela profundidade abissal tão característica da banda londrina.
A dimensão vocal do Archive atinge níveis de intensidade de tirar o fôlego neste trabalho. Dave Pen contribui com seus vocais e guitarra, injetando uma pulsação de rock alternativo carregada de urgência emocional. Enquanto isso, a versatilidade técnica de Pollard Berrier permite que o coletivo explore territórios muito mais progressivos sem perder sua bússola melódica. No entanto, é Lisa Mottram quem define grande parte da nova luz do álbum. Sua performance magnética se torna o fio condutor de uma obra que busca transparência absoluta.
A pulsação urbana e a herança do asfalto retornam com Jimmy Collins. Sua contribuição marca o retorno do rap com força renovada, atingindo com precisão os momentos mais crus do álbum. Para manter esse motor emocional funcionando sem problemas, Steve "Smiley" Barnard se posiciona atrás da bateria como uma força motriz rítmica implacável e orgânica. Finalmente, Mickey Hurcombe completa esse círculo de artesãos. Com sua guitarra elétrica, ele adiciona as camadas necessárias de distorção e atmosfera para que o vidro sonoro nunca se estilhace completamente.
O simbolismo de "Glass Minds":
O título de um álbum é muitas vezes o buraco da fechadura pelo qual devemos olhar para entender a sala em que estamos prestes a entrar. Com Glass Minds, o Archive não apenas nomeia uma coleção de músicas, mas também define um estado psicológico coletivo. Depois de anos navegando por paisagens sonoras densas e muitas vezes sufocantes, Darius Keeler e companhia escolheram duas palavras que encapsulam o paradoxo da condição humana hoje: a coexistência de extrema fragilidade e clareza absoluta.
Se analisarmos o termo "Minds" no plural, entenderemos que o título reforça a identidade do Archive como um coletivo, não como uma banda fechada. Não se trata da visão de uma única pessoa, mas de um caleidoscópio de perspectivas convergindo na mesma frequência. Em um contexto global onde a saúde mental e a exposição constante nas redes sociais fragmentaram nossa percepção, essas "mentes de vidro" representam a necessidade de sermos vistos como realmente somos, sem filtros ou distorções. Essa ideia se conecta diretamente com a letra da faixa-título, "Glass Minds", onde Lisa Mottram canta: "Nossas mentes são de vidro, transparentes até o fim".
Uma evolução da escuridão do asfalto
. Comparado à herança crua do trip-hop de seus primeiros trabalhos, este título marca uma evolução em direção ao otimismo. Enquanto no passado a banda se refugiava na opacidade da poluição londrina, em 2026 eles preferem a pureza do vidro. O conceito de "Mente de Cristal" sugere um despertar, uma saída da caverna de Platão para uma realidade onde a simplicidade inspirada em Elgar substitui a complexidade desnecessária. Em última análise, é um convite para olhar através dos olhos deles, descobrindo que seus medos e esperanças não são tão diferentes dos nossos.
O eco de "Nimrod" e "Variações" de Elgar
A maior surpresa deste novo trabalho é a sua natureza expansiva. Darius Keeler confessou que grande parte da inspiração veio da peça clássica Nimrod, das Variações Enigma de Edward Elgar. Essa influência se traduz em um uso magistral de instrumentos de sopro, que injetam uma dimensão emocional profunda e majestosa nas composições. O som não é mais apenas uma parede de sintetizadores; agora há espaço entre as notas, uma orquestração que eleva as canções a um clímax quase espiritual.
A instrumentação combina o minimalismo de seus primórdios com a grandiosidade do rock sinfônico. Os instrumentos de sopro não são usados ​​ornamentalmente, mas como uma seção rítmica e melódica que impulsiona as faixas. Há uma busca perceptível pela simplicidade, inspirada em sua estreia, mas filtrada por trinta anos de experiência de vanguarda. É um som limpo, otimista em sua melancolia, onde o piano de Keeler permanece a âncora emocional sobre a qual se constroem catedrais do som contemporâneo.
"Para este álbum, queríamos retornar à pureza daquilo que nos deu início." Ou seja, a simplicidade de 'Londinium', mas com todo o peso da nossa experiência atual. A música de Elgar nos deu essa chave: a emoção não precisa ser complicada para ser imensa.” — Darius Keeler.
Análise Vocal: Do Sussurro ao Grito Urbano.
O trabalho vocal neste álbum merece um capítulo à parte. Lisa Mottram se confirma como a grande protagonista feminina, com uma voz que ganhou em nuances e confiança. Sua capacidade de transmitir fragilidade e força simultaneamente é o eixo em torno do qual faixas como a própria faixa-título giram. Por outro lado, a dualidade entre Dave Pen e Pollard Berrier continua funcionando como um relógio, contribuindo com aquela herança do rock britânico que lhes cai tão bem.
A verdadeira surpresa é o retorno de Jimmy Collins. Substituindo Rosko John nas partes de rap, Jimmy traz uma cadência mais fluida e contemporânea. Sua contribuição não parece forçada; pelo contrário, emerge organicamente do caos eletrônico, remetendo aos melhores momentos da banda nos anos noventa, mas com uma perspectiva de 2026. É um contraste perfeito entre a doçura de Mottram e a aspereza das ruas. Análise da capa
: o mosaico da identidade.
A capa, criada por Alaric Hammond, é uma representação visual exata do que encontraremos ao ouvir o álbum. Trata-se de uma composição geométrica, um mosaico de triângulos que alternam entre texturas industriais e orgânicas. Podemos observar superfícies oxidadas, padrões de pontos que remetem à estética da pop art e fragmentos de rostos humanos que parecem querer emergir do metal.
O uso da tecnologia de meio-tom e dos tons ocre e preto sugere algo que foi reconstruído. É a ideia de mentes de vidro: frágeis, capazes de se quebrar, mas que possuem uma beleza intrínseca quando remontadas. Os rostos fragmentados representam a natureza coletiva da banda, onde as individualidades se dissolvem em um todo artístico. É uma imagem poderosa que fala da erosão do tempo e da permanência da essência.
"Trabalhar com Alaric Hammond na arte da capa foi uma escolha natural. O trabalho dele tem aquela mistura de ferrugem e luz que define perfeitamente o som de 'Glass Minds'. É um reflexo de nossas identidades fragmentadas", diz Danny Griffiths.
Uma jornada pelas doze "mentes de vidro":
Ouvir Glass Minds é como mergulhar no vazio antes da agulha tocar o primeiro sulco do vinil. No primeiro contato, começa uma peregrinação por doze estações de fragilidade deslumbrante. A Archive criou um mapa emocional onde cada música funciona como uma lente distinta. Essa jornada é uma sequência de doze estados de consciência entrelaçados. Tudo serve de guia através do labirinto de luz.
A jornada nos força a confrontar nossas próprias fragilidades enquanto as vozes de Lisa Mottram e Dave Pen nos amparam. É um convite para caminhar na beira do precipício sem medo de sermos cortados pela realidade. Nesse caminho, a melancolia do asfalto se transmuta em uma esperança vibrante que inunda tudo. Cada uma das doze mentes cristalinas que compõem esta obra oferece um refúgio do ruído externo. Prepare-se para uma imersão onde o silêncio final é a única recompensa possível após a catarse. São doze fragmentos de uma verdade que só se revela quando ousamos, enfim, ser transparentes.
Em busca da transparência,
o álbum se desdobra em doze faixas que fluem como um único fluxo de consciência. A jornada começa com "Broken Bits", onde a percussão industrial se funde com uma melodia de piano que parece reunir os pedaços de um naufrágio emocional. A letra fala de reconstrução: "Os fragmentos do que éramos dançam na luz." Sem perder o ritmo, mergulhamos na peça central, "Glass Minds", um exercício de pop psicodélico onde a voz de Lisa se eleva acima de uma seção de metais que evoca a influência de Elgar mencionada por Keeler. Aqui, a banda proclama que "nossas mentes são como vidro, transparentes antes do fim".
O ritmo acelera com "Patterns", uma faixa eletrônica hipnótica que leva diretamente a "Look At Us", onde as guitarras de Pen e Berrier assumem o protagonismo. É uma música direta, quase uma celebração da sobrevivência do coletivo. No entanto, a calma retorna com "When You're This Down", uma balada minimalista que exala brutal honestidade: "Quando você está tão mal, só o eco é seu amigo". Essa melancolia se transforma em aceitação em "So Far From Losing You", uma das composições mais belas do álbum, onde a orquestração atinge níveis cinematográficos.
"Não é por amor, é por dor. Lágrimas nos afogarão até não sobrar nada (...) O medo e as mentiras nos alcançarão" – "Look At Us".
Penetrando o feixe de luz,
a segunda metade do álbum se torna mais experimental com "Wake Up Strange", uma viagem lisérgica que nos leva ao limiar de "City Walls". Nesta última faixa, a banda retoma seu ritmo mais urbano, descrevendo a alienação das metrópoles modernas. A transição para "The Love The Light" é pura magia sonora, uma ponte de sintetizadores que leva a um hino de esperança onde Lisa brilha mais uma vez com uma performance comovente: "O amor é a única luz que não se apaga quando você fecha os olhos". O trecho
final começa com a poderosa "Shine Out Power", preparando o terreno para o momento mais aguardado: "Heads Are Gonna Roll". Aqui, Jimmy Collins assume o microfone para entregar rimas afiadas sobre uma batida trip-hop densa e sombria, lembrando-nos de que o grupo nunca se esqueceu de suas raízes. A letra é uma crítica social mordaz: "Cabeças rolam no tabuleiro de xadrez enquanto nós jogamos". Finalmente, o álbum se encerra com "Where I Am", uma peça ambiente e reflexiva que nos deixa em um estado de paz absoluta, com a sensação de termos completado um ciclo de vida necessário.
“Você saiu da sua concha e se encontrou em outro mundo, onde os prédios se erguem imponentes e estão cercados por todos os lugares onde você poderia morrer” – Wake Up Strange. 
O triunfo da clareza, pensamentos finais.
Com este novo lançamento, a banda britânica prova que não é preciso gritar para ser ouvido. O coletivo conseguiu produzir um álbum que soa fresco e necessário, afastando-se da escuridão autoindulgente para buscar a redenção sonora. É uma obra que satisfaz os fãs dos seus primeiros trabalhos com o retorno às texturas atmosféricas, mas também cativa aqueles que buscam a complexidade do rock progressivo moderno. O grupo lapidou suas arestas, transformando sua música em um diamante que reflete todas as facetas da experiência humana. Em última análise, é um álbum que nos ensina que, embora nossas mentes sejam feitas de vidro, elas são capazes de conter o universo inteiro.

Carlos Flaqué Monllonch

 
E vamos ouvir um pouco de tudo o que temos falado...

Este é mais um daqueles álbuns que as pessoas se esforçam para definir e sobre os quais escrevem extensivamente, então vou parar por aqui, e se você quiser mais comentários, encontrará muitos online... 

Partindo de um lugar de incerteza e inquietação, o Archive criou um álbum profundo e devastador: Glass Minds. Composto por 12 faixas e quase 80 minutos de meticulosa introspecção sobre intimidade vulnerável e as sombras da melancolia, o álbum busca novos pontos de equilíbrio através da contenção das emoções.
A obra permite suspiros, pausas e, em seguida, ameaça com conclusões perturbadoras. Ela nos eleva, nos puxa para baixo, nos atrai, nos empurra, nos deita… tornando-nos vulneráveis ​​ao seu fascínio. Sem recorrer a grandes explosões ou gritos ferozes, esta é uma obra que captura a atenção de uma forma mais silenciosa e poderosa; é um álbum que nos comove em sua própria atmosfera de introspecção. 

Visão Sonora
 

Em última análise, este é um álbum para ouvir quando o ruído da cidade se dissipa e resta apenas você com suas dúvidas, seus medos, seus pensamentos, em uma jornada musical hipnótica onde o que importa não é o destino, mas sim suportar a viagem. Se você quer alguém para sussurrar em seu ouvido enquanto o mundo se estilhaça como vidro, este é o seu álbum. 

Você pode ouvi-lo no Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/02GSMZnoKZ7g4YAvfAsFi5

Lista de faixas:
1. Broken Bits (6:51)
2. Glass Minds (5:54)
3. Patterns (8:20)
4. Look at Us (5:37)
5. When You're This Down (5:48)
6. So Far from Losing You (7:52)
7. Wake Up Strange (5:31)
8. City Walls (5:12)
9. The Love the Light (6:15)
10. Shine Out Power (4:59)
11. Heads Are Gonna Roll (6:57)
12. Where I Am (8:37)

Formação:
- Darius Keeler / sintetizadores, piano, teclados
- Danny Griffiths / sintetizadores, teclados, efeitos
- Dave Pen / vocais, guitarras elétricas
- Pollard Berrier / vocais, guitarras elétricas
- Lisa Mottram / vocais, guitarra elétrica
- Jimmy Collins / vocais
- Steve "Smiley" Barnard / bateria e percussão
- Jonathan Noyce / baixo, sintetizador Moog
- Mickey Hurcombe / guitarras elétricas
- Steve Harris / guitarras elétricas
- Stevie Watts / órgão Hammond
- Lee Pomeroy / Mellotron
- Karen Gledbill / acordeão
- English Session Orchestra / seção de metais