Em 1972, o guitarrista Edelmiro Molinari fundou o Color Humano após o fim do Almendra. O projeto não se baseava em um power trio fixo: Rinaldo Rafanelli tocava baixo, enquanto a bateria era dividida entre David Lebón (ex-Pappo's Blues) e Rodolfo García, ex-baterista do Almendra, dependendo da música. Essa formação fluida refletia perfeitamente o estado do rock argentino na época: instável, em constante evolução, mas transbordando criatividade.
O nome do grupo não é insignificante. Color Humano foi emprestado diretamente da faixa principal do primeiro álbum do Almendra, composta por Edelmiro Molinari. Essa composição já funcionava como um verdadeiro manifesto estético: uma forma psicodélica, expansiva e imersiva, que flertava com o rock progressivo, onde sombras hendrixianas, lirismo dramático e tensão elétrica se cruzavam.
Ao batizar seu novo grupo dessa forma, Eldemiro Molinari afirma claramente sua linhagem, ao mesmo tempo que anuncia o desejo de ir além: rumo a um rock mais denso, mais abrasivo, mais visceral. Essa direção é plenamente confirmada por seu primeiro álbum, Color Humano, lançado em 1972 pela Microfon.
Embora haja algumas faixas folk com violão acústico delicado e vocais de apoio sussurrados, como “Padre Sol, Madre Sal” e “El Hachazo”, com sua atmosfera íntima e crua, esses momentos são fugazes. Este álbum é impulsionado principalmente por uma visão stoner rock e cósmica, profundamente influenciada pelo espírito de Jimi Hendrix, cantada em espanhol.
O exemplo mais marcante é “Humberto”, com mais de 10 minutos de duração. Uma peça elástica, uma verdadeira extensão de “Color Humano”, parece querer recapturar o espírito de “Hear My Train A Comin'”, mas de forma mais sombria, mais beligerante, mais alucinatória. Sobre um andamento lento e um baixo bluesy, o violão de seis cordas é imerso em efeitos wah-wah nebulosos, enquanto Edelmiro Molinari entrega vocais teatrais.
Quanto ao resto, “Silbame, Oh Cabeza” é um boogie rastejante e feroz que termina numa improvisação xamânica, nebulosa e jazzística, que lembra o Quicksilver Messenger Service enraizado nos pampas. Com uma sonoridade à la Pink Floyd, “Larga Vida Al Sol” tenta nos embalar numa névoa dramática com suas melodias. No hard jazz rock, a instrumental “Introducción Polenta” encerra este LP num cenário pesado e lunar.
Um álbum de estreia do Color Humano onde acid rock, psicodelia e cosmos se misturam com um blues intenso, anunciando um grupo pronto para explorar territórios sonoros desconhecidos.
Títulos: 1. Padre Sol, Madre Sal 2. Sílbame Oh Cabeza 3. Larga Vida Al Sol 4. El Hachazo 5. Humberto 6. Introducción Polenta
Músicos: Edelmiro Molinari: Guitarra, Voz, Piano Rinaldo Rafanelli: Baixo, Órgão, Coro David Lebón: Bateria, Coro + Rodolfo García: Bateria
A palavra bwana vem do suaíli, uma língua da África Oriental (Quênia, Tanzânia, etc.). Significa literalmente "senhor", "mestre" ou "chefe". Originalmente, era um termo de respeito usado para se dirigir a um homem importante, africano ou não.
Durante o período colonial (séculos XIX e XX), os colonizadores europeus (particularmente britânicos) eram frequentemente chamados de bwana por seus servos ou empregados africanos. A partir daí, em certos contextos, a palavra adquiriu uma conotação paternalista ou racista, simbolizando a relação colonial de dominação (o “mestre branco”).
Mas Bwana também é o nome de um grupo originário da Nicarágua. Para Roman Cerpas (baixo), Salvador Fernández (bateria), Ricardo Palma (guitarra), Roberto Martínez (guitarra), Danilo Amador (órgão) e Donaldo Mantilla (percussão), esse nome evoca exotismo, África e seus ritmos, mas acima de tudo uma Nicarágua multicultural.
A Nicarágua, no entanto, vive sob o regime repressivo da dinastia Somoza, no poder desde 1936: um clã anticomunista, corrupto e estreitamente alinhado com os Estados Unidos. A família concentra em suas mãos as alavancas políticas e econômicas do país (bancos, indústrias, terras, etc.) em uma das nações mais pobres da América Central, onde a oposição é silenciada pela Guarda Nacional, criada há muito tempo sob influência americana.
Desde 1967, o país tem sido governado com mão de ferro por Anastasio Somoza Debayle. Em 1972, quando seu mandato se aproximava do fim, ele se recusou a deixar o poder e estabeleceu uma junta presidencial composta por três membros, incluindo ele próprio, é claro.
1972 foi também o ano em que Bwana lançou seu primeiro álbum.
O grupo foi formado dois anos antes, provavelmente em Manágua, a capital. Após um concurso local, os seis músicos tiveram a oportunidade de gravar um álbum na Costa Rica.
No local da gravação, a afiliada local da CBS, encarregada de supervisionar a sessão, inicialmente hesitou: o rock latino do sexteto não estava entre suas prioridades comerciais. Mas alguns meses depois, a ascensão meteórica de "Evil Ways" , de Santana , nas rádios da América Central mudou tudo. Chamados de volta ao estúdio, os nicaraguenses finalmente gravaram seu LP homônimo, que foi distribuído por toda a América Latina e localmente nos Estados Unidos.
Antes de discutirmos o conteúdo, precisamos falar da capa. Na primeira edição, vemos uma caricatura de um personagem de pele muito escura, com um afro e um largo sorriso branco, tocando conga acima do nome da banda. O estilo gráfico evoca claramente certas imagens "exóticas" ou "afro" populares nas décadas de 1960 e 70. Uma mistura ingênua de fascínio e estereótipo, herdada da cultura pop ocidental.
Este é o tipo de ilustração que, hoje, seria considerada problemática, até mesmo ofensiva, por reduzir a representação da África a um clichê visual. No entanto, no contexto da época, a intenção do grupo certamente não era de zombaria: tratava-se, antes, de evocar um toque tropical e uma conexão imaginada com a África, vista como fonte de ritmo e energia.
A edição equatoriana aqui apresentada, publicada pela CBS Ecuador, opta por uma abordagem radicalmente diferente: um leão multicolorido sobre um fundo de folhagem verde, acompanhado do título Motemba (uma das faixas do vinil). Essa imagem mais simbólica e psicodélica evita a caricatura e transmite melhor a dimensão espiritual e orgânica da música de Bwana.
Ao ouvir este álbum, a influência de Santana é imediatamente evidente. É como ouvir jams esquecidas do famoso guitarrista mexicano, ainda sob o impacto da sua performance em Woodstock. Entre percussão tribal, um órgão cavernoso e soul, guitarras funky com toques de acid house, um baixo denso e envolvente, uma batida festiva e vocais que variam do espanhol ao inglês, encontramos o mesmo desejo de criar um diálogo entre os espíritos mágicos da África subsaariana e da América Latina. Só que, em Bwana, a guitarra não busca brilhar. Ela serve às composições, ao conjunto, em vez de exibir seu virtuosismo. Não se trata do culto ao solista, mas de um transe compartilhado, uma respiração coletiva.
O álbum abre com a faixa instrumental “Tema de Bwana”, oito minutos de improvisação com ritmos afro-cubanos. Dentro dessa paisagem sonora efervescente, um órgão envolvente, guitarra com riffs exóticos e solos marcantes, e uma profusão de percussão e bateria que multiplicam as variações de andamento se entrelaçam. Essas mudanças, em uma atmosfera febril, certamente agradarão aos fãs de rock progressivo.
Mais adiante, encontramos o espírito livre dessa banda, com gosto pelo ritmo e pela exploração, por vezes comparável ao Weather Report. Isso começa com os sete minutos de “Chapumbambe”, que diminui ligeiramente o ritmo, mas se revela mais sensual, mais cativante, antes de culminar em uma viagem de space rock que lembra o Pink Floyd pós-Syd Barrett. Mas é sobretudo o final, “Lolita”, que impressiona. Mais de treze minutos onde tropicalia, jazz e efeitos cósmicos se fundem. Uma ascensão sonora hipnótica, quase ritualística.
No centro, as faixas mais curtas estão longe de serem anedóticas. “La Patada” revela um sexteto com um apurado senso melódico. “La Jurumba”, por sua vez, soa como uma releitura rock de Tito Puente, transportando-nos para os mercados de frutas nos arredores de Manágua, saturados de cor e aroma de café. A sombria “Motemba” assume o tom de uma jornada mística, enquanto “Todo es Real” desdobra seus arabescos psicodélicos, explorando contrastes de emoção e texturas sonoras.
Poucos meses após seu lançamento, em dezembro de 1972, um terremoto devastador atingiu Manágua, destruindo grande parte da capital e mergulhando o país no caos. A banda, como tantas outras na cena local, se dissolveu em meio às ruínas. Estúdios fecharam, instrumentos desapareceram e a luta pela sobrevivência tornou-se prioritária em relação à música.
De Bwana, tudo o que resta é um único álbum, frágil, porém incandescente, imbuído de uma liberdade repentina e intensa. Na encruzilhada do rock psicodélico, do jazz e dos ritmos afro-latinos, este disco captura um momento em uma Nicarágua febril, antes que o silêncio retorne.
Para ser ouvido em volume bem alto, com nostalgia, algures entre Abraxas e Caravanserai .
Títulos: 1. Tema De Bwana 2. La Patada 3. La Jurumba 4. Chapumbambe 5. Motemba 6. Todo Es Real 7. Lolita
Músicos: Roman Cerpas: Baixo Salvador Fernandez: Bateria, Congas, Percussão Donaldo Mantilla: Bateria, Percussão Danilo Amador: Órgão Ricardo Palma: Piano, Órgão, Vocais Roberto Martinez: Vocais, Guitarra
Após o ápice criativo e conceitual de La Biblia , o Vox Dei passou por uma transformação. A saída de Jeremías Pies de Plomo transformou o grupo em um trio, composto por Willy Quiroga (vocal e baixo), Ricardo Soulé (guitarra e vocal) e Rubén Basoalto (bateria), alterando radicalmente sua dinâmica musical. Os épicos bíblicos e as peças épicas ficaram para trás; o Vox Dei agora se encaminhava para um som de rock mais direto, com raízes no blues e no folk, ora cru, ora introspectivo.
Lançado em 1972, Jeremías Pies de Plomo não possui a dimensão monumental de seu antecessor, mas revela outra faceta do grupo: a de um power trio capaz de misturar energia bruta e sutilezas melódicas, com canções mais curtas e estruturadas, prontas para cativar o ouvinte sem artifícios conceituais.
Isso fica imediatamente claro em faixas como a homônima de abertura ou "Juntando Semillas en el Suelo", que são puro hard-boogie sem concessões. As influências psicodélicas e progressivas se dissiparam, dando lugar a riffs repetitivos, solos incisivos e vocais politicamente engajados. Apenas a faixa de hard rock "Por Aquí se te Echó de Menos" evoca o passado, com sua guitarra ácida evocando o fantasma de Hendrix.
O restante do álbum é menos brutal. O trio se concentra em melodias contemplativas e acolhedoras, frequentemente explorando as emoções. "Detrás del vidrio" se desdobra em duas partes: a primeira é trágica e dolorosa, a segunda mais rock-folk, onde a urgência e o desespero são palpáveis. "Sin Separarnos más" abre com um blues rústico no qual um violino bluegrass surge no coração dos Pampas. "Ahora es el Preciso Instante" é uma poderosa balada folk, simples, porém eficaz, com um refrão cativante. Como o nome sugere, "Ritmo y Blues con Armónicas" é uma faixa blues-folk conduzida por uma gaita melódica que, por vezes, evoca a poeira do deserto.
O álbum termina com "Por Aquí se te Echó de Menos", uma magnífica canção folk-rock nostálgica que evoca vastos espaços abertos.
Um disco de 33 rpm que não traz nada de revolucionário, mas que se revela cativante e fácil de ouvir.
Títulos: 1. Jeremias, Pies De Plomo 2. Detrás Del Vidrio Pt.1 3. Detrás Del Vidrio Pt.2 4. Juntando Semillas En El Suelo 5. Sin Separarnos Más 6. Ahora Es El Preciso Instante 7. Y Blues Con Armónicas 8. Esta Noche No Parece Igual 9. Por Aquí Se Te Echo of Menos
Músicos: Willy Quiroga: Baixo, Voz; Ricardo Soulé: Guitarra, Voz, Gaita, Violino; Rubén Basoalto: Bateria ; Calambre: Piano
Após o lançamento de dois álbuns brilhantes em 1970, o grupo argentino Almendra se desfez. Rodolfo García (bateria) e Emilio Del Guercio (vocal e baixo) decidiram continuar a aventura com uma nova formação. Para completar a banda, recrutaram o guitarrista Héctor Starc.
Inicialmente, o trio se apresentava anonimamente, transitando entre salas de concerto, teatros e clubes badalados de Buenos Aires, incluindo um show no Parque Lezama que terminou com intervenção policial. Pouco depois, o tecladista Hugo González Neira se juntou ao grupo e, em março de 1972, o quarteto adotou o nome Aquelarre. Em seguida, gravaram seu álbum de estreia homônimo pelo selo Trova.
Ao ouvir este álbum de estreia, reconhece-se imediatamente a sensibilidade crua e a sensibilidade melódica que caracterizaram Almendra, particularmente nas faixas cantadas por Emilio Del Guercio. Mas Aquelarre acrescenta um toque de dissonância, uma nova dissensão, que marca uma clara mudança e faz toda a diferença.
Isso fica evidente logo na primeira faixa. “Canto Desde el Fondo de las Ruinas Acordes” é desarmante. Uma canção de rock misteriosa e elusiva, com uma atmosfera fragmentada, que rejeita respostas fáceis e afirma imediatamente a identidade única do Aquelarre. Uma faixa difícil de definir, mas inegavelmente cativante, situada na encruzilhada entre o rigor angular dos riffs do King Crimson e o folk-hard rock à la Led Zeppelin, compartilhando sua atmosfera inquietante e terrena.
Sentimos novamente aquela fragilidade melódica herdada de Almendra em “Yo Seré El Animal, Vos Serás Mi Dueño” e “Jugador, Campos Para Luchar”, mas agora permeada por tensões mais tempestuosas e atormentadas. Essa evolução está inegavelmente ligada à presença de Héctor Starc, mas especialmente à de Hugo González Neira, que leva Aquelarre para um território decididamente progressivo. A guitarra então ascende a um proto-metal sombrio e épico, enquanto o órgão desdobra sonoridades góticas, conduzidas por um groove quase surreal.
As outras faixas, igualmente complexas e cantadas por Hugo González Neira, convidam os ouvintes a explorar novos horizontes, mantendo essa atmosfera única. A luminosa balada “Cantemos Tu Nombre” assume as características de uma canção country à la Pink Floyd. Os sete minutos de “Movimiento”, assombrados pela sombra de Hendrix, desdobram um folk-rock galopante, pontuado por mudanças de ritmo, para concluir o álbum em um transe de tirar o fôlego.
Mas o ponto alto continua sendo “Aventura En El Árbol”, com quase nove minutos de duração, onde o aroma dos vastos espaços abertos permanece no ar. Uma verdadeira epopeia blues, a faixa evoca coros celestiais ao estilo de CSN&Y e solos de rock psicodélico deslumbrantes que lembram o Grateful Dead. Uma composição repleta de nostalgia, como uma lembrança de Woodstock… mas um Woodstock cósmico, transcendido por um órgão nebuloso e de outro mundo.
Com sua audácia e originalidade, este primeiro trabalho de Aquelarre vai muito além dos limites do rock nacional e se estabelece como uma obra livre e não convencional.
Títulos: 1. Canto 2. Yo Seré El Animal, Vos Serás Mi Dueño 3. Aventura En El Árbol 4. Jugador, Campos Para Luchar 5. Cantemos Tu Numéro 6. Movimiento
Músicos: Rodolfo García: Bateria Emilio Del Guercio: Vocais, Baixo Hugo González: Órgão, Vocais Héctor Starc: Guitarra
Em 1972, o Uruguai atravessava um período particularmente tenso. O país era abalado por uma crescente agitação social e política: greves e manifestações estudantis e operárias se multiplicavam, enquanto o grupo armado Tupamaros intensificava suas ações contra o governo. Diante dessa agitação, o Estado reforçou a repressão, e a sombra de uma ditadura militar pairava no ar, impondo censura e vigilância.
No âmbito cultural, apesar dessa atmosfera opressiva, a cena musical uruguaia começa a tomar forma em torno do rock, do folk e da fusão de jazz, mesclando influências locais e internacionais. É nesse contexto frágil, porém fértil, que surge o Opus Alfa, de Montevidéu.
O grupo foi formado em 1970 e tinha como integrantes Jesús Figueroa (vocal), Daniel Bertolone (guitarra, flauta), Flaco Barral (baixo), Atilano Losada (teclados, violino) e Jorge Graf (bateria). Tocando em clubes da capital, o Opus Alfa inicialmente fazia covers de Jimi Hendrix, Rolling Stones, Beatles e outros, até que o quinteto decidiu compor em espanhol, seguindo os passos das bandas pioneiras do rock argentino. Essa mudança permitiu que os músicos lançassem um single em 1971 e se apresentassem na 3ª edição do BA Rock em Buenos Aires, em 1972. Após esse sucesso, a banda uruguaia lançou um álbum homônimo pelo selo Discos de la Planta.
Com faixas como a stoner rocker “Blues De Mi Ciudad”, a impactante “Vamos Mal, Ah No!” com suas harmonias celestiais, a desencantada “Miel Y Humo” e a soul à la Hendrix de “Calma De Un Dia”, Opus Alfa parece nos oferecer um LP de heavy blues que lembra Cream e Ten Years After. Apresenta um órgão cavernoso com uma levada quase religiosa, uma guitarra com um solo afiado e vocais trágicos.
Mas, através do uso da flauta e do violino combinados com aquele teclado cósmico, o Opus Alfa ousa aventurar-se no rock progressivo, mantendo um toque sutil de blues. A flauta em “Padre” evoca inegavelmente Jethro Tull. Um delicado violão conduz a bucólica “Ilusion”, acompanhado por um violino outonal e monástico. A folk bucólica e terna “Destino De Mis Pasos” cresce até uma intensidade épica antes de flertar com o jazz, enquanto “Tanguez” se transforma em um tango arabesco e dramático.
Mas o ponto alto é, sem dúvida, a teatral “El Hueco De Mi Soledad”, com mais de sete minutos de duração. Começa com uma flauta peculiar e um sutil solo de guitarra com efeito wah-wah. Em seguida, a banda embarca numa jornada por uma paisagem desencantada, nebulosa, poética e sombria, guiada por um violino country-blues com toques de jazz.
Obra densa, contrastante e audaciosa, Opus Alfa captura um momento frágil em que o rock sul-americano buscava seu caminho entre a herança anglo-saxônica e sua própria identidade. Um álbum único e profundamente sentido que merece ser redescoberto hoje como uma das joias escondidas do Rio da Prata.
No entanto, pouco tempo depois, o Opus Alfa se desfez. Jorge Barral, Daniel Bertolone e Jorge Graf formaram a lendária banda Dias de Blues. Já Jesús Figueroa tentou uma carreira solo.
Títulos: 01. Blues De Mi Ciudad 02. Ilusion 03. Vamos Mal, Ah Não! 04. El Hueco De Mi Soledad 05. Miel Y Humo 06. Padre 07. Destino De Mis Pasos 08. Tanguez 09. Calma De Un Dia
Músicos: Jesús Figueroa: Vocais Daniel Bertolone: Guitarra, Flaco Flaco Barral: Baixo Atilano Losada: Teclados, Violino Jorge Graf: Bateria
