Edgar Froese: teclados, guitarras, guitarra sintetizada, bajo, efectos.
Chris Franke: teclados, efectos, secuenciadores, percusión electrónica.
Músicos colaboradores – Klaus Krüger (batería) y Eduard Meyer (violonchelo).
Dos poucos álbuns que o Tangerine Dream produziu durante sua breve incursão no rock progressivo sinfônico, meu favorito é "Force Majeure ", e eu diria até que é um dos meus favoritos de todos os tempos. Completamente distante do som sombrio e minimalista de seus primeiros trabalhos, a dupla Edgar Froese e Chris Franke demonstrou com este álbum que ainda era capaz de evolução artística com ideias musicais interessantes à medida que a década de 1980 se aproximava. "Force Majeure" segue o caminho iniciado com "Cyclone", mas desta vez retornando ao foco na criação de material puramente instrumental e mantendo o baterista Krieger como músico de apoio. As contribuições do violoncelista Eduard Meyer também são importantes, adicionando texturas sonoras a vários dos momentos mais tranquilos da suíte homônima que ocupa o lado A do vinil (Nota do editor: lançado originalmente pela Virgin Records, primeiro no Reino Unido e posteriormente em outros países).
Já que começamos a discutir esta suíte de quase 18 minutos e meio, vamos descrevê-la como um catálogo engenhoso de seções diversas, cativantes e belas que fluem perfeitamente umas para as outras. Essas passagens variam da introdução e alguns interlúdios espaciais a seções orquestradas com mais distinção, onde solos de guitarra e sintetizador são destacados dentro da estrutura sinfônica do Pink Floyd de meados dos anos 70 ou até mesmo de seus compatriotas Eloy e Novalis . Perto do final, surge um segmento construído sobre uma melodia de inspiração folclórica, executado em um estilo que lembra o Kraftwerk (sintetizadores e bateria eletrônica), criando uma mistura encantadora do calor ingênuo do bucólico com a estrutura eletrônica da tecnologia industrial. Em resumo, "Force Majeure" é uma suíte que é ao mesmo tempo diversa e coesa.
As duas faixas seguintes não chegam a fazer você esquecer completamente esta excelente suíte, mas também possuem inegáveis méritos artísticos: "Cloudburst Flight" é uma espécie de cruzamento entre "Wish You Were Here" do Pink Floyd e "Moon Madness " do Camel , enfatizando o elemento melódico sem deixar o solo de guitarra e os floreios de teclado se estenderem demais. Talvez a faixa pudesse ser mais longa, já que, pessoalmente, acho anticlimático que o fade-out interrompa abruptamente o belo solo de Mini Moog que estava apenas começando. De qualquer forma, ainda é uma peça muito bonita e evocativa. As coisas ficam ainda mais épicas e intensas com a faixa de encerramento, "Thru Metamorphic Rocks ", que consiste em duas seções distintas: a primeira segue um caminho muito semelhante ao da faixa anterior, embora com um pouco mais de impacto , enquanto a segunda remete à era de 1975-77, com uma sequência sintetizada furiosa que estabelece a base rítmica e harmônica para uma exibição agressiva de efeitos e texturas de sintetizador. Ao contrário das conexões estabelecidas em "Force Majeure", aqui não há uma transição suave, mas uma mudança abrupta que, segundo os registros históricos do Tangerine Dream, foi basicamente devido a um erro nas mesas de mixagem. Diante disso, Froese e Franke decidiram encarar como um feliz acidente e retrabalhar a estrutura inicial da faixa com base nesse contraste inesperado. A energia e a inventividade demonstradas nesta faixa a tornam uma conclusão perfeita para um álbum belo e exuberante, que em grande parte prenuncia o compromisso com a definição melódica que marcará os melhores álbuns da emergente era Schmoelling (1980-1985), mas essa é outra história... "Force Majeure" é uma joia brilhante do rock progressivo alemão, ponto final.
"Durante a gravação de 'Thru Metamorphic Rocks', houve um acidente na mesa de mixagem. Enquanto gravávamos, todos os instrumentos estavam bloqueados e improvisávamos bastante o tempo todo. De repente, algo deu errado com a mesa: ruídos estranhos apareceram na faixa, completamente fora do contexto, mas que, na verdade, faziam sentido dentro da composição. Ouvimos repetidamente e nos perguntamos: 'Deveríamos? Não deveríamos?' Finalmente, dissemos: 'Ok, vamos deixar como está.'"
Começamos a semana com mais um dos grandes álbuns de 2025, mais uma dose de melancolia britânica de alta qualidade, com a capacidade de fazer a guitarra soar como a de David Gilmour, mas com aquele toque de "depressão moderna" que tanto amamos em Steven Wilson. É como assistir a um filme de ficção científica dos anos 70, mas visto de um mundo moderno e um tanto distópico, mais próximo de "Blade Runner" do que de qualquer odisseia espacial, mas em vez da música de Vangelis, soa mais como Pink Floyd. Os teclados etéreos e as atmosferas farão você se sentir como se estivesse flutuando em uma cápsula espacial... embora talvez a cápsula tenha vazamentos e não haja Wi-Fi. O título diz tudo: "The Orphan Epoch" (A Época dos Órfãos), e este álbum aborda como a tecnologia e a passagem do tempo estão nos deixando "órfãos" de nossa própria história. Depois de ouvir o álbum e entender sua mensagem, você pode sentir vontade de jogar o celular no rio e se mudar para uma cabana para ler livros (livros de papel, devo esclarecer), não por nostalgia do passado, mas com a consciência do que nos aguarda se continuarmos neste caminho. E estou falando do conceito, não da música, porque este álbum tem muito a dizer. Vá até a postagem e leia tudo... e compre o álbum, é maravilhoso. Este é o único álbum que pode te fazer sentir nostalgia por um futuro que ainda não aconteceu... Altamente recomendado e belíssimo!
Falar de Cosmograf é falar de Robin Armstrong, o "exército de um homem só" que parece nunca dormir em sua busca por transmitir conceitos profundos. E Robin Armstrong fez isso de novo. Se você pensou que com seu álbum anterior ("Heroic Materials", que resenhamos no blog principal) já tínhamos refletido o suficiente sobre o passado, em "The Orphan Epoch" ele nos dá uma dose de realidade sobre o futuro e o quão sozinhos estamos (mas com belos solos de guitarra, de modo que a honestidade crua é perdoável). "The Orphan Epoch" é outra obra-prima de Cosmograf . É um álbum cinematográfico, então se você gosta de rock progressivo que conta uma história, que tem partes pesadas, mas nunca perde de vista a melodia, este é o seu álbum para 2025.
Embora Robin faça praticamente tudo (ele toca teclado, guitarra, baixo e canta), ele sempre traz consigo alguns amigos de primeira linha. A bateria fornece a energia necessária para que o álbum não seja apenas "música para ficar olhando para o teto". A produção é tão impecável que você consegue até ouvir o suspiro de Robin antes de começar um verso... bem, ele precisa tomar cuidado para não soltar um pum, porque isso também seria gravado, completo, cristalino e preciso, como tudo neste álbum, com um nível de qualidade sonora impressionante.
Esta obra se destaca em todos os aspectos graças à profundidade e ao poder emocional de suas letras, acompanhadas por uma música verdadeiramente hipnótica que atende a todos os requisitos imagináveis em termos de qualidade e bom gosto. Na trajetória do artista, trata-se de mais uma jornada introspectiva pela identidade e pela condição humana. Armstrong apresenta talvez seu álbum mais poderoso tematicamente e musicalmente diverso até o momento. Como alguém que acompanha Cosmograf há algum tempo, achei este álbum uma mistura fascinante de familiaridade e reinvenção ousada. Não é apenas uma continuação, mas uma espécie de "reorganização e recomeço". Embora você precise ouvi-lo várias vezes antes de perceber o quão bom ele é, cerca de seis audições e uma ou três doses daquela bebida que você certamente vai tomar serão suficientes.
Uma das diferenças mais notáveis neste álbum para mim é que a voz de Robin soa mais vulnerável em comparação com o que me lembro dos álbuns anteriores. Outra característica notável é a sua força musical, visto que apenas três músicos participaram deste projeto. Robin Armstrong (vocal, guitarra, teclados, baixo) é acompanhado por um baterista e uma backing vocal, enquanto Peter Jones faz uma contribuição impressionante no saxofone na terceira faixa, que, combinada com o solo de guitarra estratosférico de Robin, resulta em uma música verdadeiramente imponente. Com tantas seções transitando de passagens mais pesadas para uma peça mais suave, onírica e melódica, você imaginaria que haveria muito mais músicos envolvidos... mas não há, e não há necessidade.
O que torna "The Orphan Epoch" tão especial, pelo menos para mim, é a forma como entrelaça seus temas, não apenas liricamente, mas também musicalmente, em cada detalhe. Não se trata apenas de um álbum conceitual no sentido tradicional a que estamos acostumados; em vez disso, é uma experiência emocional coesa. Não se trata tanto de questionar a natureza da realidade, mas sim de navegar pelos destroços emocionais que ela produz, e talvez seja o álbum que melhor captura o que Robin Armstrong é capaz de fazer quando expande seu alcance musical e temático, sendo introspectivo, inteligente, por vezes furioso, mas sempre profundamente humano.
Mas tudo isso pode ser resumido para você no vídeo a seguir, que incluí abaixo.
Proponho o seguinte, segui os passos um a um, e aqui está minha recomendação:
Coloque os melhores fones de ouvido que você tiver.
Apague as luzes (ou deixe uma luz fraca acesa para parecer intelectual, se necessário).
Deixe Robin partir seu coração um pouquinho enquanto você se maravilha com sua técnica musical e sua capacidade de transmitir sentimentos.
Se você já se sentiu alienado, à deriva (digamos, todos os dias desta maldita vida), ou simplesmente precisa de algo que te faça sentir algo, "The Orphan Epoch" vai te tocar profundamente. Um ótimo álbum para começar a semana e para ter sempre à mão quando precisar de algo que te mantenha firme e te conecte consigo mesmo...
Lista de faixas: 1. Division Warning (6:56) 2. We Are The Young (9:53) 3. Seraphim Reels (6:33) 4. Kings And Lords (5:47) 5. You Didn't See The Thief (7:19) 6. Empty Box (5:19) 7. The Road Of Endless Miles (5:30)
Formação: - Robin Armstrong / vocais, guitarras, teclados, baixo Com: Kyle Fenton / bateria, vocais de apoio Peter Jones / Saxofone (3)
Imagine um cientista maluco que fumou muita maconha misturando músicas antigas de videogames, alguns discos do National Health e do Gong, a discografia mais rara de Frank Zappa e um jazz-fusion alucinante em um liquidificador — o resultado é este álbum. Vamos apresentar algo que poderíamos chamar de neo-Canterbury, de uma dupla francesa que é realmente algo à parte, em mais um dos excelentes álbuns de 2025. Este é um projeto fascinante cuja música transita entre os sons de Canterbury e o jazz-rock, incorporando um toque sutil de Zeuhl, tornando-a incrivelmente viciante para quem aprecia esses estilos. E é cativante, tanto musical quanto timbralmente, graças ao uso de instrumentos que eles mesmos inventaram, então você está diante de uma oferta bastante especial que eu recomendo que você descubra. Este é o primeiro álbum deles, algo com um som muito fresco que cria uma experiência quase mágica da primeira à última nota. Então coloque seus fones de ouvido, aumente o volume e não se esqueça de se segurar firme na cadeira, porque este não é um álbum comum; É um parque de diversões para pessoas cujos cérebros funcionam com 220 volts. Perfeito para fritar os poucos neurônios que lhe restam!
O gênio por trás disso é Louis de Mieulle, um baixista e compositor que claramente tem um senso de humor bastante peculiar. A música tem aquela vibe de "Cartoon Core" ou videogame dos anos 90, mas turbinada. Há ruídos de sintetizador que aumentam e diminuem, mudanças de ritmo que te deixam perdido e uma constante sensação de que tudo está prestes a sair dos trilhos... mas nunca sai.
A primeira coisa que você nota é que Matt Garstka (o monstro do Animals as Leaders) está tocando aqui. Se você achava que o cara já era um monstro, aqui parece que ele recebeu carta branca para detonar a bateria. Os ritmos são tão insanos que, se você tentar acompanhar com o pé, provavelmente vai acabar no ortopedista. É uma aula magistral de como tocar coisas impossíveis que, milagrosamente, soam divertidas.
Então... é para ouvir enquanto você limpa a casa? Definitivamente não! Se você colocar isso para tocar enquanto aspira o pó, vai acabar aspirando o gato sem querer. Este é um álbum para ouvir com fones de ouvido e tentar entender o que está acontecendo, ou para tocar para aqueles amigos sabichões que dizem que "já ouviram de tudo" e observar suas caras de confusão. Mas, acima de tudo, é para curtir a loucura técnica sem que pareça uma palestra chata de conservatório.
Mas deixarei a árdua tarefa de tentar decifrar esta obra para o nosso sempre presente e involuntário comentador, que nos diz o seguinte:
Hoje temos o prazer de apresentar a dupla francesa de vanguarda progressiva e eclética FULGUROMATIC e seu álbum de estreia homônimo, lançado pela gravadora áMARXE Música no início de abril deste ano, 2025. O álbum foi lançado em CD e vinil. O coletivo é formado por Paul Cossé [pianos acústico e elétrico Fender Rhodes, flauta automatizada, flauta de garrafa, xilofone, percussão, banjolim e vocais] e Lancelot Rio [bateria, xilofone, percussão, guitarras, baixo automatizado, piano acústico, sintetizador de apito e vocais]. Todo o material de “Fulguromatic” foi composto pelos dois músicos, que também cuidaram da engenharia de som e da mixagem. O FULGUROMATIC iniciou suas atividades em 2022, e seus integrantes imediatamente se dedicaram a um interessante trabalho criativo que transcendia as habilidades de um tecladista e do outro baterista: a expertise instrumental dos senhores Cossé e Rio é utilizada com inegável eficácia nos arranjos e gravações em estúdio das complexas e ecléticas composições reunidas no álbum que nos apresenta hoje. Vejamos agora os detalhes. Os primeiros 6,5 minutos do álbum são ocupados por "The Sigh Of A Whittled Grove", uma peça que começa com uma placidez graciosa, cujo uso preciso da agilidade permite a maior amplitude possível na exibição da cor melódica que forma o corpo central da obra. Por volta dos dois minutos, a peça se transforma em uma demonstração de vigor jazz-rock, onde a estrutura instrumental se torna ligeiramente mais densa, algo como uma interpretação à la Hatfield do clássico do Weather Report de seus dois primeiros álbuns. Assim, a agilidade se intensifica. Uma seção subsequente repousa sobre um swing sofisticado após uma pequena ponte construída com linhas etéreas de flauta; a vitalidade e a grandiosidade contínuas garantem um final grandioso para esta impressionante abertura do álbum. "The Unconceivable Curse of Atahualpa" reforça o dinamismo jazz-progressivo herdado das seções mais enérgicas da faixa anterior, dentro de uma resolução expressionista aristocrática que lembra compatriotas como CAMEMBERT e LE GRAND SBAM. Existem, de fato, alguns elementos de vanguarda progressiva nos arranjos de percussão tonal e flauta, mas o que predomina na jam central é um espírito semelhante à fase de 1975-77 do ZAO e à faceta jazzística dos clássicos de Zappa do início dos anos 70. É particularmente estimulante que o álbum comece com a sequência desses dois momentos marcantes. A miniatura de menos de dois minutos, "Hidden Realm", é essencialmente uma orgia percussiva com um sistema bem definido de cadências sobre o qual se sobrepõem ornamentos de piano elétrico, flauta e vocais. Uma versão melódica de THIS HEAT, perpetrada por AKSAK MABOUL em 1977? Talvez essa seja a maneira mais precisa de descrever essa peça peculiar. Já em "Top 5 Des Citations d'Albert Einstein", a dupla se propõe a explorar ainda mais seu lado distintamente vanguardista. Após um prólogo abstrato, surge uma jam delicadamente extrovertida, que ressoa como uma ideia perdida do álbum NEU! reciclada pelo ESKATON sob a direção dadaísta e bem-humorada do imortal Frank Zappa. As vocalizações cerimoniosamente satíricas são cruciais para reforçar o espírito da música. 'Nutriscore Z' serve principalmente para capitalizar e reforçar a vitalidade sofisticada da faixa nº 2, preservando os recursos vocais satíricos que marcaram a peça anterior. Em suma, é mais um filtro à la Zappa para um esquema híbrido de jazz-prog e vanguarda inspirado pelo som influenciado pela fusão de Zeuhl (à la ZAO e ESKATON). Há algumas passagens estratégicas onde a engenharia rítmica se torna abstrusa, estabelecendo efetivamente elementos sombrios e tensos em meio ao que é, em sua maior parte, uma celebração surreal. Os pulsos exultantes empregados ao longo do minuto final são irresistíveis. 'Lil' Appeau' é uma composição muito peculiar, pois parece focada em combinar a distinção deslumbrantemente solipsista do álbum de estreia do Henry Cow com a acidez aventureira de News from Babel. O papel proeminente das camadas minimalistas de órgão infunde todo o bloco instrumental com um charme misterioso. Para ser honesto, seus quase 3 minutos e 45 segundos parecem bastante breves, mas então surge "An Odd Bird's Bill", uma composição ainda mais encantadora. Sua estratégia de mobilizar um desdobramento complexo de recursos de fusão com um tom progressivo remete, em grande parte, àquela sofisticação singular que marcou e sustentou a magia da faixa de abertura do álbum. Poderíamos até dizer que essa magia abraça uma dose ainda maior de força sonora nesta composição. Sendo a faixa mais longa do álbum, com mais de 7 minutos e 45 segundos, "Grmmf" também é responsável por encerrá-lo, e o faz em grande estilo, com a prevalência dos aspectos mais ácidos e tensos da visão musical da dupla. Mas, não se engane, esta não é uma peça sinistra, mas sim imbuída de uma requintada elegância jazz-progressiva que sabe como expandir e explorar as variações temáticas que se desdobram. Os arranjos vocais que surgem por volta dos quatro minutos anunciam um breve retorno à ironia, preparando o terreno para um exercício desconstrutivo de percussão: bem, é assim que começa, mas acabará se tornando um epílogo que exibe uma paisagem crepuscular à maneira de uma evocação onírica. Em nossa humilde opinião, é nessas duas últimas faixas do álbum e em "The Sigh Of A Whittled Grove" que apreciamos as demonstrações mais exigentes de bateria: é impressionante como ela influencia a ênfase de várias pistas melódicas, ao mesmo tempo que sustenta fundamentos rítmicos tão explicitamente complexos. Em geral, e como resumo final, saibam que os nomes FULGUROMATIC e "Fulguromatic" estão marcados com destaque em nossas agendas para futuras explorações musicais. O que este fabuloso álbum que acabamos de analisar nos ofereceu foi um catálogo altamente inspirado de explorações ecléticas dentro de diversos legados da vanguarda progressiva, tanto do passado quanto do presente.
É claro que todas essas explicações são inúteis se não houver como experimentar esses sons, então aqui está o vídeo a seguir...
Fresco e divertido, este é um excelente álbum para tocar ao fundo numa noite de festa. É curto, intenso e deixa a sensação de ter sido atropelado por um caminhão de sorvete tocando jazz. Num mundo onde o rock progressivo por vezes se torna demasiado sério e enfadonho, o Fulguromatic surge para dizer: "Ei, é possível ser um virtuoso incrível e, ao mesmo tempo, soar como um desenho animado psicodélico."
Se gosta de Tigran Hamasyan , Zappa ou simplesmente quer ouvir músicos de outro planeta a divertirem-se como Milei maltratando pensionistas e deficientes, este álbum homónimo é imperdível, mas com uma vibe muuuito melhor do que a daquele maluco do Milei. Só tenha um ibuprofeno à mão para depois, por precaução.
Lista de Temas: 1. The Sigh of a Whittled Grove (6:31) 2. The Unconceivable Curse of Atahualpa (5:19) 3. Hidden Realm (1:54) 4. Top 5 des citations d'Albert Einstein (6:58) 5. Nutriscore Z (6:44) 6. Lil' Appeau (3:44) 7. An odd Bird's Bill (4:29) 8. Grmmf (7:50)
Formação: - Paul Cossé / Fender Rhodes, flauta automatizada, flauta de garrafa, vozes, xilofone, piano, percussão, banjo - Lancelot Rio / Bateria, sintetizador de baixo automatizado, vozes, xilofone, piano, sintetizador, canto de pássaro, percussão, guitarras
Grandes artistas e grandes músicos para dar continuidade à nossa saga da boa música brasileira. Muito underground, muito independente, pouco conhecido no resto do mundo, mas cuja qualidade merece um lugar na página principal deste blog. Grande versatilidade, grande musicalidade; instrumentalmente, são de primeira linha, com apenas algumas pequenas falhas nos vocais. Suas composições variam de melodias acústicas suaves a um agradável rock sinfônico que por vezes apresenta um toque de blues, momentos ecléticos com ocasionais explosões de hard rock repletas de virtuosismo e até mesmo longas seções improvisadas, e outros elementos que analisaremos no corpo deste post, mas que criam um som que é uma mistura de Yes, Pink Floyd, Nektar e um Dream Theater mais leve e diluído. Uma banda formada em meados dos anos 90 que lançou este único álbum em 2002, que vale muito a pena lembrar e recomendar!
Álbum:Zaravásh Ano: 2002 Gênero: Crossover Prog / Heavy Prog Duração: 69:33 Nacionalidade: Brasil
Lembro-me de que, quando ouvi falar dessa banda brasileira pela primeira vez, imediatamente me veio à mente uma referência a um dos personagens de um famoso desenho animado infantil que quase todos nós já vimos:
Claro, mas o nome dele não é Zarg , é Zurg ! Depois de pesquisar um pouco mais, descobri o verdadeiro protagonista a quem o nome da banda se refere:
PARAPrepare-se para a luta contra o robô! Neste álbum da banda brasileira com o nome estranhamente robótico, Zarg, a banda apresenta um repertório que remete ao gênero. Com considerável domínio musical, versatilidade e um bom equilíbrio entre guitarra e teclados, o Zarg é uma banda brasileira de rock progressivo formada em meados dos anos 90, com apenas um álbum lançado em 2002 — este que apresentamos aqui. A música da banda combina momentos ecléticos com passagens sinfônicas aqui e ali. Em alguns momentos, flerta com o space rock, lembrando o Pink Floyd , e incorpora elementos de hard rock e neo-progressivo, além de algumas influências de jazz fusion. Em resumo, agrada a todos os gostos. Com composições que variam de peças acústicas suaves baseadas no rock sinfônico, às vezes com um toque de blues, a seções muito mais pesadas, quase metal, talvez contando com um vocalista que por vezes oferece uma voz suave, mas em outros momentos solta gritos prolongados que lembram Bruce Dickinson ou James La'Brie , mas com uma performance vocal que não tem a qualidade necessária para me convencer, e que ocasionalmente desafina e se torna insuportável (bem, na verdade, algo muito semelhante ao que acontece com James La'Brie ao vivo; existem gravações que demonstram isso), acho que se tivessem escolhido um vocalista diferente, talvez um com um estilo mais contido, ou alguém que pudesse se manter dentro de certas estruturas onde não precisasse "pular" vocalmente, este álbum teria sido muito melhor. Mas esteja avisado, a banda tem músicos muito talentosos que só precisam de um vocalista melhor. Zarg parece ter sido influenciado por uma variedade de bandas; O álbum explora diversos estilos, empregando frequentemente mudanças rápidas de andamento que indicam uma inclinação para estruturas complexas, com peças longas e bem organizadas e performances poderosas. Embora eu deva dizer que, por vezes, o álbum se torna um pouco tedioso devido a algumas quedas na intensidade das músicas, os músicos não desanimam e demonstram sua habilidade do início ao fim, permitindo-lhes concluir um álbum do qual podem se orgulhar, mesmo que o resultado e a produção não sejam excelentes... hmm, para dar um exemplo, como quando a seleção equatoriana abandonou o campo, apesar do empate contra a França, e foi eliminada. Entende agora? Mas, no fim das contas, este ainda é um álbum muito interessante, com certa complexidade, desafiador e energético, e com estruturas valiosas. O grupo soa como uma fusão de rock progressivo old-school com sons modernos. Um grupo de hard rock sinfônico com uma abordagem inovadora em suas composições... dê uma ouvida!
Devo esclarecer que acabei de perceber que Nelio Porto , ex-integrante do Recordando o Vale das Maçãs , toca teclado na banda . É um álbum agradável, mas sem muitas melodias memoráveis. É mais ou menos o que se espera desse tipo de trabalho, e é algo que recomendo a todos. Claro que tem seus defeitos, mas quem não tem? Dê uma ouvida no álbum e veja se gosta; talvez você nem precise destruí-lo e acabe adorando.
Lista de faixas: 1. Subconsciente infinito 2. Ouça as vozes chamando em minha cabeça 3. Filhos do sol 4. Zaravash 5. Uga uga ou morra 6. Prelúdio de Zarg 7. Acordem, tolos 8. Alma 9. Noite na taverna 10. Zaravash, parte II
Formação: - Alexandre Siqueira / vocal, steel guitar, percussão - Leonardo Coutinho / guitarra elétrica, violão de nylon, vocal - Nelio Porto / teclado, vocal - Geraldo Morais / baixo - Anderson Alarca / bateria, percussão
Então, hoje inauguramos esta nova seção, começando com o segundo álbum desta excelente banda americana, com uma música tão estranha, inquietante e requintada quanto a sua capa (uma vibe retrô-futurista, digna de uma animação da Rockarte, aliás). Este álbum apresenta o estilo e as letras clássicas de vários subgêneros do rock progressivo (Canterbury, sinfônico, avant-garde, psicodélico, heavy prog), abordando temas espaciais, como Rush, Hawkwind, Gong e tantos outros fizeram tão bem, mas modernizado para o mundo atual com um toque amargo e sinistro, sem deixar de lado momentos de grande doçura e sensibilidade. É um ótimo álbum que estamos trazendo à luz, mas você precisa ouvi-lo com atenção e consciência, pois a recompensa é enorme. Soberbo, altamente recomendado!
Este é um ótimo álbum, perfeito para inaugurar nossa seção de "recomendações desconhecidas", que apresentaremos diariamente. Geralmente não tenho muita fé em projetos dos EUA, mas de vez em quando preciso engolir meus preconceitos, e esta é uma dessas vezes...
Dizem que o primeiro álbum deles também era muito bom, até melhor do que este que estamos discutindo agora. Não sei ao certo, mas vou ouvi-lo em breve para confirmar. O último álbum deles, embora muito bom, não o considero tão bom quanto este, mas, de qualquer forma, reforça a ideia de que esta é uma ótima banda com composições incríveis e um futuro brilhante no mundo do rock progressivo. Mas, enfim, ainda não sabemos ao certo. O que posso garantir é que este é um ótimo álbum, um que eu realmente gosto, e que esses caras são músicos excelentes. E, diga-se de passagem, eles têm uma imaginação exuberante. Referências ao espaço, estrelas e uma atmosfera cósmica em geral permeiam este álbum, mas sem se aventurar demais no território atmosférico do space rock. Claro que, em termos de som, há um uso irrestrito de sintetizadores que revelam um timbre dramático à medida que as faixas progridem.
Vale ressaltar que suas sete faixas, totalizando 41 minutos, incorporam elementos de muitas bandas clássicas do rock progressivo, desde um som progressivo sinfônico que lembra Yes em alguns momentos e Kansas em outros, até mudanças de compasso e ritmo à la Gentle Giant e, ocasionalmente, rock de vanguarda no estilo de King Crimson — tudo isso misturado com a atitude feroz do The Mars Volta e a intensidade do punk rock em pleno esplendor progressivo.
E se essa justaposição de elementos díspares despertou seu interesse, deixe-me dizer mais: o resultado é coerente e cativante. Portanto, acho que você não deveria perder essa pequena surpresa que estamos oferecendo, algo que imagino que você nunca esperaria ouvir.
Aqui está um pouco de tudo isso...
Para concluir, este é o álbum ideal para apresentar nesta nova seção de álbuns desconhecidos e recomendados do blog Cabeza. Reserve um tempo para descobri-lo, apreciá-lo e começar a desfrutá-lo. Lembre-se, porém, que para realmente apreciá-lo, é preciso ouvi-lo várias vezes; não é algo que você possa simplesmente pegar e tocar.
Lista de faixas: 1. Sudden Sun (4:19) 2. The Hrossa (6:18) 3. Mother River (4:32) 4. Isolation and Foreboding (6:33) 5. Child of Tomorrow (5:27) 6. Fate of the Alacorn (7:06) 7. Yesterday Is Gone (6:47)
Formação: - Michael Trew / vocais, flauta, guitarra elétrica de 12 cordas (5) - Dave Webb / guitarras elétricas, caixa de ferramentas de metal, pá, grunhidos primordiais - John Allday / piano elétrico, órgão, sintetizadores, orquestra virtual, vocais, canto mercurial - Mike Murphy / baixo elétrico com e sem trastes, vocais, percussão, murmúrios terrenos - Kelly Mynes / bateria e percussão
Possivelmente o nome mais forte da cena progressiva na Espanha, oTRIANAé resultado das idéias musicais do tecladista Jesus De La Rosa, um músico bem conhecido da cena local de Sevilla, cansado da música tradicional, e que decidiu formar em 1974, uma banda de Rock Progressivo com raízes fortes no flamenco. A ele se juntaram Juan Jose Palacios (bateria/percussão) e Eduardo Rodriguez (guitarra).
Lançado em 1975, "Triana" é oprimeirodisco autointitulado da banda, uma combinação única de Rock Progressivo com teclados atmosféricos e música Flamenca. O bom mellotron, os arranjos sinfônicos e a voz majestosa de De La Rosa combinam incrivelmente com a bateria jazzificada/étnica de Palacios e o estilo Flamenco da guitarra de Rodriguez. Infelizmente, "El Patio'' foi amplamente despercebido devido à sua pobre promoção, contudo trata-se de uma jóia musical simplesmente fantástica.
A relevância de "El Patio" também foi significativa, pois abriu as portas para a irrupção latente de muitas bandas progressivas com toques de Flamenco que estavam surgindo em muitas cidades do sul da Espanha. E o repertório em si? Bem, é incrivelmente lindo, emocionalmente cativante e cheio daquela mística especial que só o Flamenco possui; e, no entanto, não é simples Folk, mas uma reinvenção progressiva do Flamenco, uma reinvenção baseada em um diálogo permanente entre frases da guitarra espanhola e orquestrações e solos de teclado (órgão, mellotron, sintetizador, piano), compactamente sustentadas pela bateria de Flamenco-Jazz de Palacios . O canto espanhol (acentuado com tanta paixão que torna desnecessário ao ouvinte compreender a língua ou estar familiarizado com o Flamenco para se deixar levar por aquele fogo misterioso). Uma menção especial vai para o convidado na guitarra solo, que serve como estimulador dos principais solos de sintetizador e fonte de pirotecnia poderosa e rochosa, bem ajustada ao toque Flamenco. "Abre la Puerta" dá o pontapé inicial no álbum definindo essas regras claramente, e assim continua na próxima faixa, "Sé de un Lugar". Outra obra-prima é a balada sinfônica "El Lago", algo que só pode ser descrito como Paco de Lucia encontra-se com "Dark Side..." do PINK FLOYD, com toques adicionais de um sombrio e emocional KING CRIMSON. Esses três números por si só são impressionantes o suficiente para fazer o álbum inteiro brilhar em si mesmo; mas é claro, as canções menos ambiciosas também são bastante brilhantes. "Luminosa Mañana" e "Diálogo" são de pura beleza, enquanto "Todo es de Color" nos leva de volta à simplicidade acústica do lado mais relaxado do Flamenco, e "Recuerdos de una Noche" eleva o clima com um senso de ingênua alegria. Esse registro nada mais é do que certamente uma obra esplendorosa do Rock Progressivo do sul da Espanha.
Para conhecer o trabalho do TRIANA seria recomendável começar com este álbum e, em seguida, obter "Hijos del Agobio" sendo o caminho natural para ouvir uma banda que estava no seu maior momento artístico, criativo e emocional.
