Deep Purple: crítica de NOW What?! (2013)

É interessante acompanhar o que acontece com uma banda como o Deep Purple, literalmente há décadas na estrada. Formada em 1968 na cidade de Hertford, Inglaterra, o lendário grupo lançou recentemente seu décimo-nono disco de estúdio, ironicamente batizado de NOW What?!.

Como ocorre com outros ícones que teimam em não encerrar as suas atividades (como é o caso de nomes como Rolling Stones e The Who, só para ficar em dois exemplos), ao ouvir um novo álbum do Deep Purple é preciso deixar o passado de lado e concentrar-se no presente. Evidentemente não temos aqui a energia exuberante dos anos dourados, bem como a criatividade sem limites que levou a banda ao topo. Em seu lugar surge a experiência e a maturidade. A idade avançada dos músicos - Ian Gillan e Roger Glover beirando os 68 anos, Ian Paice e Don Airey do alto dos 65 e o caçula Steve Morse com 59 -, ao mesmo tempo em que naturalmente impõe algumas limitações, compensa esse aspecto com a enorme trajetória acumulada.

Produzido por Bob Ezrin, NOW What?! surpreende por trazer uma sonoridade refrescante, que cativa pela espontaneidade e pela sempre bem-vinda aura própria que o grupo construiu ao longo dos anos. Não há a sensação de estarmos ouvindo um trabalho feito apenas para cumprir tabela, muito pelo contrário: fica evidente a paixão, o envolvimento e o comprometimento com que o quinteto gravou o disco. E isso, em se tratanto de uma banda que está na ativa há 45 anos e já nos brindou com as suas obras-primas indiscutíveis, é um elogio sincero e um convite à diversão.

O Deep Purple não faz mais  música para adolescentes, para jovens que estão descobrindo o rock nesse exato momento. Para eles, Machine Head (1972) e Burn (1974)  seguirão sendo as Pedras de Roseta. O Purple de 2013 faz música para, primeiramente, cinco pessoas: Ian, Roger, Paice, Don e Steve. E, por consequência, para quem acompanha o conjunto há um longo período e, assim como os próprios músicos, também amadureceu, ficou mais velho, perdeu cabelos, ganhou peso e segue apaixonado pelo rock.

Primeiro disco de inéditas em 8 anos, desde Rapture of the Deep (2005), NOW What?! é claramente superior aos últimos trabalhos, incluindo na conta também Bananas (2003) e Abandon (1998). Pode-se até afirmar, sem cometer exageros, que trata-se do melhor álbum do Deep Purple com Steve Morse desde a estreia do guitarrista na banda, em Purpendicular (1996). E o ponto-chave para essa certeza é improvável e atende pelo nome de Don Airey. Improvável porque Airey, na banda desde 2002, brilha em NOW What?! como nunca brilhou antes, imprimindo o seu toque pessoal à música do Purple, construindo essa identidade sobre o irretocável passado pintado com primazia pelo imortal Jon Lord. Airey respeita o legado de Lord, mas pela primeira vez não fica preso a ele, indo além com grande talento.

Há em NOW What?! uma sólida coleção de faixas que, entretanto, exigem que o ouvinte esteja na mesma sintonia da banda. É preciso ter claro que você não irá ouvir aqui uma nova “Smoke on the Water”, uma nova “Mistreated”, uma nova “Child in Time”. Isso já foi feito. A sonoridade que chega aos ouvidos em NOW What?! é rica e cativante, com pequenos toques e elementos de vários estilos e histórias, diversas experiências e timbres que só poderiam vir ao mundo justamente por uma banda com músicos tão rodados e calejados como os do Purple.

Gillan canta com muito bom gosto, sabendo usar a sua voz com sabedoria. Paice segue sendo um monstro na bateria. Glover mantém o groove sempre pulsando. Morse entra na jogada com riffs inspirados, enquanto Airey, como já dito, é o grande destaque, com solos que hipnotizam e intervenções sempre certeiras.

Eu não esperava, a essa altura não só da minha vida, mas sobretudo da vida dos integrantes do Purple, ouvir um disco como NOW What?!. Ponto para a banda, que mostra que, apesar da eterna reclamação dos saudosistas, ainda tem o que mostrar e está longe de se aposentar. Por mais que queira evitar o clichê, aqui ele se faz mais do que adequado: como um bom vinho, o Purple segue mantendo a sua qualidade mesmo com o passar dos anos.

Faixas:
1 A Simple Song
2 Weirdistan
3 Out of Hand
4 Hell to Pay
5 Body Line
6 Above and Beyond
7 Blood from a Stone
8 Uncommon Man
9 Après vous
10 All the Time in the World
11 Vincent Price

Lolly Lee – Everything Spins (2026)

 

Lolly Lee começou sua carreira tocando guitarra rítmica e cantando para as bandas The Mortals e Split the Dark, grupos de rock do sul dos Estados Unidos que fizeram sucesso regional durante a década de 1980. Ela se casou e abandonou a música para criar os filhos, dedicando-se a outros projetos, embora continuasse compondo. Este é o seu segundo álbum solo, lançado após a morte do marido em 2023. As canções e seus temas refletem essa experiência de vida e são narrados com uma voz que alterna entre a aspereza de Lucinda Williams e a beleza e pureza que surpreendem pela sua idade, às vezes na mesma música.
A faixa de abertura, que dá título ao álbum, estabelece a base instrumental que permeia todo o disco: Lee no violão, seu produtor…

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…Anthony Crawford no bandolim, baixo e bateria, Savana Lee nos vocais de apoio e cordas por Chris Carmichael. Trata-se de uma formação coesa e impressionante, com instrumentos trocados em diferentes faixas e uma adição sutil, porém significativa, de convidados em faixas-chave. "Everything Spins" estabelece o tema do movimento na letra, comparando a vida a estar em um carrossel… até que ele pare. Isso se repete em "Bar Fly", onde a personagem da música senta e bebe com um dos frequentadores assíduos do bar até sentir tonturas, desejando voar para longe, com a mosca do bar sendo uma metáfora para se perder na bebida, terminando com o verso pungente "Um belo dia, quando esta vida acabar, eu voarei para longe". Em "Trailerhood", uma música de rock vibrante com uma linha de guitarra marcante, a protagonista relembra com certo orgulho sua infância em um parque de trailers, que é destruído por um tornado, restando apenas os blocos de concreto sobre os quais seu trailer ficava.

Em um álbum onde nenhuma das músicas se torna cansativa, a mais curta é "Lost in Love", com 1:35. Talvez como uma resposta pessoal a comentários excessivamente compreensivos, ela canta "Quem disse que é melhor ter amado e perdido do que nunca ter amado, nunca ter se perdido no amor?", sobre uma base folk de bandolim e violão dedilhado. Isso é contrabalançado emocional e musicalmente pela mais animada "Celebrate", com o refrão: "Tudo o que temos são todos os dias e muito amor, o amor é bom, o amor é ótimo, abra seu coração e celebre". Sem o contexto, isso poderia soar banal e clichê, mas aqui pode ser visto como uma visão otimista do futuro e um convite para aproveitar cada dia.

Lee utiliza seus convidados de forma eficaz em duas faixas. Em "Better Angels", ela conta com a última gravação de Harry Gale na guitarra antes de sua morte prematura. É uma ótima música country pop com uma performance vocal que transita de Lucinda Williams no verso para Taylor Swift no refrão cativante. Em "Shut Up Y'all", uma canção com influências gospel sobre o excesso de "ruído" moderno que impede as pessoas de ouvirem Jesus, ela tem Will Kimbrough na guitarra, as McCrary Sisters nos vocais e pandeiro e Spike Sykes no órgão Hammond B3. Um apelo à paz e à reflexão com um som muito autêntico, contado de forma bem-humorada.

A faixa de encerramento, "When I'm Gone", talvez seja a mais estilisticamente diferente. Ela possui um acompanhamento esparso de um bumbo em loop, bandolim e um som de guitarra elétrica que lembra muito o violão ressonador de Chris Whitley em seus primeiros álbuns. Isso confere à música um tom sombrio, preparando o terreno para o refrão "quando eu me for, você não vai me encontrar... você não vai me encontrar quando eu me for". A canção tem um peso emocional real e completa os temas de seguir em frente e perda

Drivin N Cryin – Crushing Flowers (2026)

 

Você não precisa ser do Sudeste dos Estados Unidos para ter ouvido falar ou apreciar a música do Drivin N Cryin… mas ajuda. Embora tenham feito turnês nacionais, sua abordagem sulista um tanto peculiar, como era de se esperar, fez mais sucesso nos estados do sul dos EUA.
E não precisa se perguntar há quanto tempo eles estão na ativa, já que a resposta (1985) está na contracapa, em letras garrafais, do mesmo tamanho da fonte do DNC.
O grupo de Atlanta – geralmente um quarteto, às vezes um trio – está na ativa há quarenta anos, embora tenha havido intervalos de décadas entre os lançamentos. O vocalista, compositor e líder da banda, Kevn Kinney, também construiu uma carreira solo simultaneamente com o DNC, frequentemente com sua banda paralela, a um pouco mais…

 320 ** FLAC

…psicodélico The Sun Tangled Angel Revival. O extenso trabalho de Kinney foi recentemente reconhecido com uma homenagem de quatro discos e 100 artistas (!).

O lançamento de 'Crushing Flowers' acontece após um hiato de sete anos sem gravações em estúdio, uma série de shows e dois EPs ao vivo. O álbum consolida o som do DNC, que antes se dividia entre o country e o bluegrass mais suaves ("cryin") e o rock mais pesado ("drivin"). Este último estilo proporcionou à banda seus maiores sucessos, como "Fly Me Courageous", "Honeysuckle Blue" e o hit "Straight to Hell", perfeito para cantar junto com o público.

Mas, além da comovente e sincera "Dead End Road", onde Kinney canta "Você tem que continuar... continuar seguindo em frente, esse é o sonho" – uma declaração tão autobiográfica quanto possível de um artista com uma carreira tão longa –, o disco tende para um som mais pesado e frequentemente acompanhado por acordes de violão, típico do Americana.

Um som de guitarra cristalino, ao estilo de Tom Petty, permeia a reflexiva e agridoce "Mirror Mirror", uma canção sobre a demência de sua mãe ("Eu sei que você está aí em algum lugar... talvez você se lembre de mim... é possível que não"), cantada com a intensidade nasal característica de Kinney. É o momento mais tocante, pessoal e provocativo do show.

Compare isso com a animada "Come On and Dance", uma faixa de garagem divertida e vibrante dos anos 60 que teria sido um ótimo single dos Ramones. Em "Looks Like We're Back Again", o DNC mergulha no power pop preciso do Cheap Trick, com guitarras marcantes e refrões que exploram a sensibilidade melódica mais roqueira da banda.

Alice Cooper teria feito qualquer coisa para incluir a estrondosa "The Death of Me", com sua batida pulsante e solos em dobro, no álbum 'School's Out'.

Quem acha que a faixa-título tem semelhanças com o REM, especialmente em sua fase psicodélica mais recente, só precisa conferir os créditos para ver o nome de Peter Buck. O guitarrista, fã e apoiador de longa data, também produziu o álbum de estreia solo de Kinney, lançado em 1990.

Há também muita pancadaria e estrondo na versão de "Why Don't You Go Around", uma mistura de AC/DC com Blackberry Smoke, trazendo uma atitude distinta do rock sulista enquanto as guitarras vibram e queimam.

O fantasma do T. Rex aparece no brilho glamouroso de “Jesse Electric”, onde Kinney se mostra desafiador em relação à indústria musical, cantando: “Os artistas tiram a arte de uma cidade em decadência/Mas aí vem o dinheiro e temos que fugir”. A banda presta a maior homenagem ao falecido Todd Snider (este álbum é dedicado a ele), dando-lhe os vocais principais na faixa de encerramento, o rock pulsante de “Iggy Monkey”. A música, uma homenagem peculiar, ainda que afetuosa, aos Monkees e a Iggy Pop, faz referência a este último grupo e aos Stooges em sua letra.

Quem ainda não se juntou à onda Drivin N Cryin pode compensar o tempo perdido com o fantástico 'Crushing Flowers'. Liderado por Sadler Vaden, membro atual da 400 Unit de Jason Isbell, este é um dos trabalhos mais precisos e concisos que eles já gravaram.

Melhor ainda, agora você tem cerca de uma dúzia de álbuns anteriores para curtir. E também pode aguardar ansiosamente o próximo disco do DNC, porque está claro que esses caras não pretendem se aposentar tão cedo. 

They Might Be Giants – The World Is to Dig (2026)

 

Foi quase um milagre o quanto o They Might Be Giants conseguiu preservar intacto seu otimismo peculiar característico. Isso durou até o último álbum, Book (2021). Em The World is to Dig , eles ainda se agarram a essa energia em algumas faixas, mas em outras fica claro que até eles finalmente sucumbiram ao cansaço do mundo que todos conhecemos.
Talvez a surpresa seja que eles tenham permanecido imunes a isso por tanto tempo. Os dois Johns da banda, Flansburgh e Linnell, estão agora na casa dos sessenta, a banda existe há mais de quatro décadas e este é o seu 24º álbum. Mas é difícil ignorar uma nova atmosfera melancólica em muitas músicas, começando pela faixa de abertura. O verso "É ótimo estar de volta a Los Angeles" vem de um cantor que soa extremamente irritado.

  320 ** FLAC

Entre as 18 músicas aqui presentes, há muitos outros exemplos dessa mudança de humor. Temos uma canção sobre simplesmente estar cansado e querer deitar (“Je N'en Ai Pas”). Temos outra sobre tentar bloquear informações falsas e ódio, na qual a afinação é distorcida por mudanças microtonais (“Telescope”). Há uma música verdadeiramente depressiva, “Garbage In”, que novamente destaca um vocalista com afinação fraca e incerta. Uma das características mais positivas do TMBG sempre foi o carinho evidente pelas músicas que compõem. Havia mordacidade nas letras, mas uma alegria despreocupada na música, preservando uma conexão com os fãs. Para mim, pelo menos, exemplos como esses, que minam a solidez e a qualidade da música, correm o risco de quebrar esse pacto. Percebi que estava oscilando entre momentos de prazer e motivos para decepção.

É verdade, o som e a atmosfera da banda são inimitáveis, e seus músicos habituais, como Danny Weinkauf (baixo), Marty Beller (bateria) e Dan Miller (guitarra), estão todos presentes e em plena forma no novo álbum. E como as músicas são geralmente curtas – a maioria com menos de três minutos – todos os tipos de aventuras são possíveis, e sempre há a próxima música, a próxima faixa, para elevar o astral.

Por exemplo, os dois singles impactantes lançados antes do álbum completo são as duas músicas que melhor representam o som e a essência típicos do TMBG. Tanto "Wu-Tang" quanto a excelente "Character Flaw" – esta última com forte semelhança à música icônica do TMBG, "Birdhouse in My Soul", do clássico álbum Flood – agradarão aos fãs da banda.

Há também uma surpresa particularmente agradável: um cover do single "Overnight Sensation", dos Raspberries, de 1974. Esta nova versão diverge da sequência musical da original, incluindo um solo de guitarra de muito bom gosto de Dan Miller, mas a essência está lá, com cada palavra da letra original claramente expressa. Em certo sentido, é autêntica e autobiográfica: Linnell diz que se lembra de ouvir a música no ônibus escolar. Mas o momento do lançamento desta música pelo TMBG é deliciosamente irônico. Justamente quando todos os compositores começam a lidar com o tsunami de falsidades e ilusões geradas por IA, é deliciosamente irônico retornar a uma música sobre fazer sucessos musicais, e uma que retrata tão vividamente um mundo muito mais inocente

Lime Garden – Maybe Not Tonight (2026)

 

Em seu álbum de estreia, One More Thing , o Lime Garden apresentava crônicas descomplicadas e vulneráveis ​​dos altos e baixos de suas vidas no início dos vinte anos, um estudo de contrastes: indie rock irreverente e autoconsciente em contraposição a baladas introspectivas. Em Maybe Not Tonight , a perspectiva mudou. Ao retratar uma noite de festa do começo ao fim — e as dúvidas e bravatas entre um momento e outro — o Lime Garden se mostra maior, mais ousado e muito mais pop.
A banda contratou um produtor de renome para seu segundo álbum (Charlie Andrew, que já trabalhou com artistas que vão de Wolf Alice a David Gilmour) e isso fica evidente: Maybe Not Tonight é uma colagem completa de rock ruidoso e brilho eletrônico. “Cross My Heart” é um exemplo disso…

 320 ** FLAC

…vocais distorcidos, bongôs e um synth-pop ao estilo de La Roux sobre uma batida dance-punk que faz o quadril vibrar, enquanto “Do You Know What I'm Thinking” alterna entre dedilhados acústicos e distorção ensurdecedora em questão de segundos.

Em comparação com o ritmo oscilante de One More Thing, as músicas de Maybe Not Tonight podem ser mais refinadas, mas seus sentimentos certamente não são. Chloe Howard expõe suas entranhas com eloquência, canalizando a dor de coração em arrogância em “Always Talking About You” (“Eu quero ser uma idiota/E ainda quero vencer”) e encontrando solidariedade na autoaversão em “Body” (“Eu também odeio a aparência do meu corpo”). Sua habilidade de soar incrivelmente autodepreciativa e autoconfiante ao mesmo tempo é a chave para o charme acessível de Maybe Not Tonight . “Me veja decompor/Enquanto faço pose”, ela grita no hino da crise dos 25 anos, “23”. Em “Downtown Lover”, a maneira como ela alterna entre sussurros pop e vocais guturais é perfeitamente acompanhada pelas guitarras ao estilo Pixies e pelos irresistíveis vocais de apoio com “ooh ooh”.

O som do Lime Garden nunca foi tão cativante quanto na efervescente faixa indie disco "All Bad Parts", que oscila entre flerte e repulsa, ou no dance-punk frenético da faixa-título, onde as confissões sinceras de Howard ("Eu quero andar por aí sem me comparar com todas as minhas amigas") soam como ouvir o monólogo interno de alguém no banheiro de um bar. Nessas músicas e no restante do álbum, o Lime Garden reivindica seu lugar entre as artistas femininas que se recusam a escolher entre autenticidade indie e imediatismo pop. Assim como Wet Leg, Charli XCX e Lola Young, o Lime Garden está escrevendo suas próprias histórias e cometendo os melhores erros. Elas podem estar deixando para trás o início dos seus vinte anos, mas com Maybe Not Tonight , chegam como uma força musical a ser reconhecida.

Pictish Trail – Life Slime (2026)

 

Embora ainda contenha traços da mistura peculiar do projeto, que mescla folk-rock visceral, pop psicodélico envolvente e efeitos eletrônicos inusitados, algo soa um pouco mais maduro e sério no sexto álbum de Johnny Lynch pela Pictish Trail , Life Slime . Acontece que ele nasceu de um período de turbulência emocional, resultando em seu álbum mais pessoal até o momento. Em outra mudança, Life Slime foi produzido por Mike Lindsay (Tunng, LUMP), colaborador estreante, no estúdio MESS de Lindsay em Margate, Inglaterra, além de contar com a participação de colaboradores de longa data como Rob Jones e Joe Cormack. Com uma sonoridade soft rock
calorosa, sintetizada e de andamento médio, a faixa-título do álbum inclui uma referência à onipresente tira em quadrinhos KC Green…

 320 ** FLAC

…um cachorro sentado calmamente com uma bebida em um quarto em chamas, repetindo “Está tudo bem” em meio a efeitos sonoros crepitantes. Essa música é seguida pelo breve instrumental de sintetizador analógico “Toxic Spillage”; a metáfora da gosma continua a se repetir ao longo do álbum. A psicodélica “Infinity Ooze”, com suas harmonias vocais brilhantes e texturas eletroacústicas hipnóticas, fica fascinada pela forma como a chamada gosma se move pelo corpo (“A maneira como flui, se liga e se forma novamente”). Em outro momento, a melancólica e levemente disco “Sorry Eyes” mostra Lynch se afastando dos outros, incluindo daquela pessoa com os “olhos tristes e lamentáveis”, de quem ele não quer de volta nem quer se afastar.

Com o título da primeira música apresentando um duplo sentido, Life Slime termina com a combinação de “Torch Song” e “Werewolf Ending”. Começando como uma meditação acústica tranquila com vocais sobrepostos em vocoder, “Werewolf Ending” eventualmente se transforma em algo mais urgente e cinematográfico, um adjetivo inspirado por letras como “Nessas cenas finais, enquanto os créditos rolam/Você era o final, afinal?”. Com suas letras, texturas e detalhes de produção trabalhando em conjunto, Life Slime é o álbum mais substancial e impactante do Pictish Trail até o momento

Ashley Monroe – Dear Nashville (2026)

 

Para um observador externo, Ashley Monroe é um exemplo de sucesso em Nashville. Como ela escreveu em sua postagem no Instagram anunciando o lançamento de seu mais recente álbum, Dear Nashville , nos últimos 23 anos, ela lançou seis álbuns solo, quatro com o grupo Pistol Annies, coescreveu duas músicas que chegaram ao primeiro lugar nas rádios country e foi indicada ao Grammy três vezes. Ela conquistou muito mais do que a típica cantora e compositora em busca da glória na capital da música country.
No entanto, Monroe não está satisfeita com a forma como foi tratada pela cidade. Dear Nashville é um álbum conceitual sobre suas experiências profissionais. As oito canções contam sua história como uma carta de amor. Ela começa com a diatribe "I Hate Nashville" e termina com "Quittin'", mas nenhum dos títulos...

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…é verdade. Seu amor por Nashville fica claro na letra da primeira música e, apesar de seus protestos na última faixa, ela vai ficar. Monroe e a cidade já passaram por momentos bons e ruins, mas continuam juntas.

Monroe coescreveu todas as faixas com Luke Laird, que já trabalhou com muitos dos melhores artistas de Nashville (por exemplo, “American Kids” com Kenny Chesney e “Space Cowboy” com Kacey Musgraves). Laird e Monroe se conectaram por sua relação de amor e ódio com “Cashville”. Eles adoram os músicos (o guitarrista de steel guitar Paul Franklin, Vince Gill, Dolly Parton e Emmylou Harris são citados) e detestam a indústria da música country.

É um tanto clichê, mas Monroe se detém nos detalhes emocionais para enriquecer o material. Não se trata simplesmente de dinheiro contaminando a arte. Segundo consta, Monroe apresentou a Laird o conceito "Eu Odeio Nashville", que os inspirou a escrever todo o álbum sobre esse tema. As canções tratam a cidade como um parceiro romântico, permitindo que expressem sentimentos complexos em vez de adotar uma abordagem mais analítica. Você só odeia quem ama. Em um mundo onde metade dos casamentos pode terminar em divórcio, por que seria diferente na música country?

Monroe canta em primeira pessoa, na maior parte do tempo com uma voz suave que revela sua mágoa. Ela não está com raiva, mas sim magoada. Nashville é o amante que não a ama de volta ou não a ama o suficiente. Em canções como "Haunted", "Steal" e "Dreaming", os títulos de uma só palavra idealizam apaixonadamente o desejo da cantora por uma conexão amorosa. O talento da cantora é evidente. Ela comove o coração do ouvinte. O som da guitarra havaiana ao fundo intensifica os sentimentos melancólicos. Existe algum instrumento que possa chorar melhor do que uma guitarra havaiana? Preparem os lenços.

Então, por que Monroe simplesmente não abandona Nashville? O mistério de por que alguém não deixa um parceiro abusivo ou negligente é problemático. Ela se culpa parcialmente ("What Are We?"), mas sugere que o poder do amor é simplesmente forte demais. Talvez seja verdade. O fascínio de Nashville ainda atrai dezenas (senão mais) de admiradores todos os meses à Cidade da Música, na esperança de encontrar seus sonhos realizados. Os milhões de pessoas que compram discos de música country produzidos em Nashville todos os anos mostram o quão sedutora é essa música.

Este álbum comprova essa ideia. Ashley Monroe está triste, mas nos faz querer sentir compaixão por ela. Dá vontade de agarrar Nashville pelo pescoço e explicar o quão boa a cidade é, mesmo enquanto apreciamos ouvir a artista expressar sua infelicidade. Dizem que a tristeza gosta de companhia. Dear Nashville seria uma companhia excelente

X-Fusion - Ultima Ratio (2009)

 

Style: EBM/Industrial

Origin: Germany

Tracklist:

CD1

01. The Calm Before The Storm

02. Leave No Seed

03. House Of Mirrors

04. Psychopath

05. Burn Down The Flags

06. Ultima Ratio

07. Follow Your Leader

08. Rise And Fall

09. Exspes

10. Still Breathing

11. Already Dead

12. Daily Dose

13. Inferno

CD2

01. Catacomb

02. Syncope

03. Beyond Reality

04. Intoxicated

05. Sepulchral Waltz

06. The Chase 

MUSICA&SOM ☝

X-Fusion - Thorn in my Flesh (2011)

 

Style: EBM/Industrial

Origin: Germany

Tracklist:

01. Proem

02. Stroke By Stroke

03. Strange New World

04. Holy Grail

05. Divine Spite

06. Easy To Hate

07. Thorn In My Flesh

08. Funeral Cortege

09. Shadow Of Myself

10. Just A Scar

11. Second Sight

12. Odd One Out

13. Kalt

14. No Way Back  

15. Mythomaniac  

16. Stroke By Stroke (Edit)  

17. Syncope (The Sequel) 

MUSICA&SOM ☝

X-Fusion - What Remains is Black (2013)

 

Style: EBM/Industrial

Origgin: Germany

Tracklist:

01. Existence

02. What Remains Is Black

03. The Beast Inside

04. I Am Your God

05. Waiting For Apocalypse

06. Hexed

07. Wicked But Blessed

08. Be Warned

09. Sneaky Lies

10. Raise Your Voice

11. Trockenblume

12. Quietus 

MUSICA&SOM ☝