domingo, 26 de abril de 2026

Beautify Junkyards – The Beast Shouted Love (2015)

 


Os Beautify Junkyards, que das cinzas dos Hipnotica nos saltaram sem remédio ao caminho no final de 2013, estão de volta menos de dois anos depois. E se, no homónimo disco de estreia, nos haviam conquistado logo à primeira, agora a parada era mais alta. Esse primeiro disco era composto por nove músicas de outros autores, de Nick Drake a Donovan, passando pelos Mutantes ou pelos Kraftwerk, mas passados pelo filtro folk pastoral desta banda. Era, por isso, um disco mais imediato ou mais “fácil”, uma vez que assentava em músicas familiares que um melómano como deve ser já tinha obrigação de conhecer. Com este novo The Beast Shouted Love, o jogo é diferente. Já não se trata apenas de dar um tom folk pastoral e narcótico a uma base pré-estabelecida, mas sim criar uma sonoridade e uma identidade, de raiz.

E a verdade é que, entre dois discos com tamanha diferença “conceptual”, a banda conseguiu uma coerência assinalável. A tal ponto que, ao final de apenas duas obras, podemos dizer que existe, já, uma sonoridade Beautify Junkyards, com tudo o que isso implica. Tal como no disco anterior, também aqui a gravação assentou em improvisos a céu aberto, em busca da paz, da tranquilidade e de alguma transcendência que a banda já nos explicou, em entrevista recente ao Altamont. A diferença é que, agora, o grupo tinha um desafio maior, a criação de originais, e já sabia ao que ia. Contrapondo à exploração quase a brincar da estreia, agora era altura de fazer o aguardado segundo disco de um agrupamento que queria construir em cima do que já tinha feito. Também aqui, houve sucesso, uma vez que não encontramos perda de frescura no resultado final.

O que este disco nos traz são 12 temas com uma linguagem muito marcada. O terreno continua a ser a folk, sobretudo de inspiração britânica dos anos 60, com os adorados ecos de Vashti Bunyan e de Nick Drake, pontuada por um suave psicadelismo que nunca chega a ser eléctrico. O próprio tema de abertura, “Sun Wheel Ceremony”, começa com a natureza, o som primordial dos pássaros, remetendo-nos para o aconchego bucólico de From Gardens Where We Feel Secure, de Virginia Astley. As letras são maioritariamente cantadas em inglês, com uma ou outra investida bem sucedida na língua de Camões, sem que se perca qualquer coerência. Aqui e ali, a electrónica surge, mas ao contrário do que se passava nas camadas e camadas trabalhadas dos Hipnotica, nos Beautify Junkyards esta nunca é a base, apenas aparece como complemento à estrutura “humana” das canções.

Por comparação com o disco de estreia, podemos dizer que se perde alguma luminosidade e variedade (o que é natural, dada a vastidão do universo de originais utilizado então); mas ganha-se em profundidade (os temas são mais trabalhados, às vezes como pequenas caixas de música) e, sobretudo, em coerência, do primeiro ao último tema. Este é, aliás, um disco para se ouvir como um todo, do princípio ao fim. Tal como a sonoridade que serve de inspiração, este álbum é um símbolo deliciosamente anacrónico, numa época de mp3 e de tops de hits no Youtube. Este disco leva-nos para uma altura em que nada disso existia, e em que nada disso era preciso para fazer arte. Apenas uma visão, um conjunto de pessoas, instrumentos, a natureza.

Ao segundo disco – mais difícil que o primeiro pelos motivos já explanados – os Beautify Junkyards saem do desafio com mestria e nota alta. São já uma força estabelecida, numa música contemporânea portuguesa que tem estado cheia de vitalidade mas sem qualquer outro grupo a fazer deste som, ou a trilhar estes caminhos. The Beast Shouted Love já anda por aí. Façam o favor de escutar este delicioso grito.

PS: menção obrigatória para mais um magnífico trabalho gráfico na capa e não só, desta feita a cargo da extraordinária Joana Raimundo, responsável por boa parte do grafismo do Altamont.



Love - Da Capo (1967)


Em seu segundo álbum, o Love expandiu seus horizontes para a psicodelia, com o talento de Arthur Lee para compor melodias comoventes atingindo seu ápice. As seis canções que compunham o lado A deste álbum, em seu lançamento original, formam um conjunto de obras verdadeiramente clássico, com destaque para a explosão atômica do rock pré-punk "Seven & Seven Is" (seu único single de sucesso), os ritmos jazzísticos frenéticos de "Stephanie Knows Who" e a encantadora "She Comes in Colors", talvez a melhor composição de Lee (e, segundo consta, a inspiração para "She's a Rainbow", dos Rolling Stones).
É apenas metade de um ótimo álbum; a sétima e última faixa, "Revelation", é uma jam tediosa de 19 minutos que impede Da Capo de alcançar o status de clássico. [Uma edição expandida do LP apresentava versões mono e estéreo consecutivas do álbum, além de uma sessão de gravação de "Seven & Seven Is".]


Faixas:

faixas estéreo

1 Stephanie Knows Who Lee 2:33
2 Orange Skies MacLean 2:49
3 ¡Que Vida! Lee 3:37
4 Seven & Seven Is Lee 2:15
5 The Castle Lee 3:00
6 She Comes in Colors Lee 2:43
7 Revelation Echols, Forssi, Lee, MacLean 18:57

mono tracks

8 Stephanie Knows Who Lee 2:33
9 Orange Skies MacLean 2:49
10 ¡Que Vida! Lee 3:37
11 Seven & Seven Is Lee 2:15
12 The Castle Lee 3:00
13 She Comes in Colors Lee 2:43
14 Revelation Echols, Forssi, Lee, MacLean 18:57

Bonus track

15 Seven & Seven Is Lee [Tracking Session] 3:13

Time Total 60:16:19





ToeFat - 1971 Two

 

ToeFat - 1971 Duas [Progrock] edição 1994 + 2 bônus
Tendo apresentado a primeira metade de seu curioso nome na capa do primeiro álbum, o Toe Fat abordou a segunda metade no segundo álbum, o imaginativamente intitulado Toe Fat II, com o que parece ser uma cena de batalha, colocando alguma espécie de banha alienígena contra pedaços de frango assado e um cacho de uvas indefeso. Ah, e se você acha que isso não faz sentido, pouca coisa sobre o fracasso do segundo álbum do grupo, lançado pelo selo de rock da Motown, Rare Earth (Parlophone no Reino Unido), também faz. Para começar: mudanças recentes na formação viram membros fundadores...
Ken Hensley e o baterista Lee Kerslake partiram em busca de maiores conquistas com o então nascente Uriah Heep , sendo substituídos por Alan Kendall e Brian Glascock , respectivamente; o baixista John Glascock ainda era creditado com o sobrenome Konas , por algum motivo misterioso; e o veterano vocalista Cliff Bennett — uma relíquia da era pré-Invasão Britânica, famoso por ter liderado o Rebel Rousers — ainda parecia um pouco inseguro em relação a essa nova onda do heavy rock. Como resultado, a confusão também se instalou no âmbito musical, embora o hard rock com influências de blues ainda predominasse, graças aos riffs vigorosos, solos incisivos e o efeito wah-wah estridente do novo guitarrista Kendall , que impulsionavam canções contagiantes como "Since You've Been Gone" e "Midnight Sun", bem como faixas pós-psicodélicas e sombrias como "Idol" e "Three Tie Loser". A banda estava decididamente menos focada no restante do álbum, começando com a faixa de abertura "Stick Heat" — um rock pesado e expansivo que mostrava tendências doom incipientes, e que, por alguma razão inexplicável, foi precedida por dedilhados solitários de banjo; prosseguindo com "There'll Be Changes" — um blues puro, com uma participação especial não creditada de Peter Green e um trabalho de gaita bastante apropriado de Moxy, parceiro da banda; e culminando em flertes tímidos com o ecletismo do rock progressivo no interlúdio atmosférico "Indian Summer" e no hino flower power meio delicado, meio roqueiro, "A New Way". Em resumo, a proposta do Toe Fat estava começando a ficar um pouco batida, e não houve muita surpresa quando foi revelado que o grupo havia decidido encerrar as atividades antes mesmo do lançamento do álbum, no início de 1971. Assim como seu antecessor superior, Toe Fat II acabou acumulando poeira em caixas de discos durante os anos 70, antes de ganhar um novo respeito — como acontece com esses álbuns — ao ser reavaliado por entusiastas do hard rock décadas depois.

Faixas :

1 Stick Heat 6:08
2 Indian Summer 2:10
3 Idol 3:29
4 There'll Be Changes 6:49
5 A New Way 7:54
6 Since You've Been Gone 4:46
7 Three Time Loser 4:30
8 Midnight Sun 4:42




Amon Duul Yeti (1970)


Assim como a criatura mítica que lhe dá nome, YETI, do Amon Düül II, é uma besta gigantesca, ameaçadora e esquiva que facilmente esmagará os ouvintes. Após o épico PHALLUS DEI, YETI encontra o projeto paralelo do Krautrock codificando suas improvisações terrivelmente selvagens em quatro lados de um álbum de excessos psicodélicos e barulhentos, pontuando a paisagem sonora distorcida com composições soltas. "Soap Shop Rock", a faixa de abertura do álbum dividida em quatro partes, apresenta órgão monótono, violino estridente, a dupla de guitarras distorcidas de Chris Karrer e John Weinzierl, e as árias uivantes de Miss Renate Knaup.
A disputa por espaço é intensa, enquanto "Cerebus" libera os anseios mais acústicos e orientais da banda. O álbum inteiro permanece uma das obras-primas do Krautrock pesado, mas acima da espuma se destaca "Archangels Thunderbird", um hino de refrão insano e cativante para todas as épocas.

O CD contém faixas bônus.
A maioria das versões em CD de Yeti contém a versão editada de 2:11 de Pale Gallery, presente em Lemmingmania 

Songs / Tracks Listing

1. Soap Shop Rock:
- a. Burning Sister (3:41)
- b. Halluzination Guillotine (3:05)
- c. Gulp A Sonata (0:45)
- d. Flesh-Coloured Anti-Aircraft Alarm (5:53)
2. She Came through the Chimney (3:56)
3. Archangels Thunderbird (3:30)
4. Cerberus (4:18)
5. The Return of Ruebezahl (1:35)
6. Eye-Shaking King (6:37)
7. Pale Gallery (2:11)
8. Yeti (Improvisation) (18:00)
9. Yeti Talks to Yogi (Improvisation) (6:06)
10. Sandoz in the Rain (Improvisation) (8:55)

Total Time: 67:59

Bonus tracks on 2001 Repertoire release: (this one)

11. Rattlesnakeplumcake (3:18)
12. Between The Eyes (2:29)

Line-up / Musicians

- Renate Knaup / vocals, tambourine
- Chris Karrer / violin, guitars, vocals
- John Weinzierl / guitars, vocals
- Falk Rogner / organ
- Peter Leopold / drums
- Dave Anderson / bass
- Shrat / bongos, vocals

Guests:
- Rainer Bauers / guitar, vocals (10)
- Ulrich Leopold / bass (10)
- Thomas Keyserling / flute (10)





ARCANE Heavy Prog • Australia

 

ARCANE

Heavy Prog • Australia

Biografia do Arcane
Fundada em 2006 em Brisbane, Austrália - Dissolvida em 2015,

a banda Arcane é frequentemente rotulada como metal progressivo, mas seu som, na verdade, não é tão simples assim.

Formada por Jim Grey (vocal), Matthew Martin (teclados), Michael Gagen (guitarra), Mick Millard (baixo) e Stephen Walsh (bateria), essa formação fez shows locais por alguns anos, com o baixo sendo ocupado temporariamente por Shirley Jackson antes de Brendon Blanchard assumir o posto em 2006, permanecendo na banda até hoje.

Em 2007, a banda lançou o álbum "Ashes". Originalmente concebido como um EP contendo apenas a épica faixa-título de 20 minutos, material suficiente foi adicionado para criar um álbum completo. A boa recepção do público fez com que a banda interrompesse as turnês em 2008 para criar um novo álbum, intitulado "Chronicles of the Waking Dream".

Em 2009, o grupo voltou à estrada (com o novo baterista Blake Coulson, que se juntou à banda para a gravação do novo álbum), abrindo os shows da banda australiana Queensrÿche para promover o álbum "American Soldier", além de celebrar o lançamento da ópera rock "Chronicles of the Waking Dream".

Musicalmente, o ARCANE costuma tocar um estilo agressivo de metal progressivo, mas ocasionalmente o tempera com arranjos orquestrais grandiosos e narrativa poética, resultando em um estilo que demonstra uma rica herança que inclui bandas como ANGRA, PORCUPINE TREE e OPETH. Eles proporcionarão uma audição intrigante para os fãs de metal progressivo, particularmente aqueles que apreciam o lado mais alternativo do gênero. Além disso, a banda gosta de mesclar música e performance. Familiarizados com a mídia eletrônica, eles criaram uma página secundária no MySpace dedicada ao álbum "Chronicles of the Waking Dream", que revelava a história em vez da música, e não lançaram nenhum single até tocarem o álbum inteiro ao vivo após o lançamento.

Embora o ARCANE tenha evoluído desde seus primórdios, eles permaneceram com a gravadora independente OzProg Music e continuam a se apresentar principalmente em shows locais, mantendo-se fiéis às suas raízes em Brisbane.

- The Whistler -

Em 2015, lançaram seu terceiro álbum, "Known-Learned", com a ajuda de uma campanha de financiamento coletivo. Adrian GOLEBI agora é o novo baixista fixo.

Chronicles Of The Waking Dream
Arcane Heavy Prog

 ARCANE foi uma banda australiana que lançou três álbuns de estúdio entre 2007 e 2015 antes de encerrar as atividades. Foi após o lançamento do segundo álbum, "Chronicles Of The Waking Dream", que o vocalista Jim Grey se juntou a uma segunda banda, CALIGULA'S HORSE, que tinha uma sonoridade mais voltada para o metal progressivo do que o ARCANE. Recentemente, tive que rir ao reler minha resenha do último álbum do ARCANE, "Known/Learned", de 2015, onde mencionei no primeiro parágrafo que o som do ARCANE era semelhante ao do CALIGULA'S HORSE, inclusive os vocais. Haha, sim, John, eles têm o mesmo vocalista, então os vocais podem soar parecidos. Obviamente, eu não sabia disso em 2015, quando escrevi aquela resenha. Nossa!

O ARCANE se separaria após o monumental "Known/Learned", que parecia ser o álbum de duas bandas diferentes. Um baixista diferente em cada lado também. E o segundo disco é cheio de baladas. Não é a minha praia, e por algum motivo a banda simplesmente se cansou e o vocalista Jim Grey passou a se dedicar completamente ao CALIGULA'S HORSE. Eu prefiro o ARCANE. E minhas expectativas eram baixas, apesar das ótimas avaliações que este lançamento de 2009 recebeu. Descobri rapidamente (após duas audições) que este disco estava em outro patamar quando comparado a qualquer outro trabalho desta banda ou da banda relacionada, CALIGULA'S HORSE.

Sinto que este álbum representa o ponto ideal da banda. Claramente, foi o disco preferido dos fãs entre os três lançados. Uma abundância surpreendente de teclados, até mesmo em relação à guitarra. Temos duas vocalistas convidadas que contribuem bastante, mudando a sonoridade de duas faixas. Gostei de como inseriram essas pequenas peças do "Ano Silencioso" (três delas) ao longo do álbum. Além dessas três curtas, temos duas faixas mais longas, com 12 e 13 minutos respectivamente. Quatro faixas se destacaram para mim, então vamos analisá-las.

Para começar, a música "Glimpse" é uma escolha estranha para abrir o álbum, com os sons de um homem desesperado falando. Ele menciona o dia 26 de maio algumas vezes, e também temos uma música chamada "May 26". A primeira música que realmente me cativou foi a terceira, "The Malice". A música e os vocais ficam bem intensos, mas também temos dois minutos de calmaria. "Secret" está entre as quatro melhores e talvez seja minha música favorita em relação à guitarra. Há bastante piano também. Sons de crianças no recreio podem ser ouvidos antes dos seis minutos, até que uma criança canta "la la la" repetidamente, e então a música fica pesada. A atmosfera (sintetizadores) é incrível. O som de crianças brincando encerra a faixa.

Outra das minhas quatro favoritas é a faixa seguinte, "Fading", que com quase 12 minutos é uma verdadeira viagem. Minha última seleção das quatro favoritas é a terceira e última faixa de interlúdio, chamada "The Third Final Year", com vocais femininos de participação especial e muita atmosfera. O dia 26 de maio é mencionado novamente. Se você é fã do CALIGULA'S HORSE, deveria conferir este álbum; esta é também a minha performance vocal favorita de Jim Grey. Tudo parece funcionar perfeitamente neste trabalho, enquanto que com ambas as bandas, tive minhas ressalvas em relação aos outros álbuns. Quatro estrelas sólidas e um álbum conceitual muito agradável.




Known/Learned
Arcane Heavy Prog

 Este é o mais recente álbum da banda australiana de heavy metal progressivo ARCANE. É um álbum duplo e, nossa, como é longo, com mais de duas horas de duração! Antigamente, seria um álbum triplo, e para mim, é longo demais. O primeiro álbum sozinho tem 72 minutos, mas é muito bom e eu provavelmente daria 4 estrelas se fosse avaliado isoladamente, mas não é. O segundo álbum estraga tudo para mim, pois temos 50 minutos de música no estilo balada, com vocais suaves, e eu não consegui ouvir esse disco inteiro de uma vez; achei muito frustrante.

Vou me concentrar, portanto, no primeiro disco, chamado "Known". "Promise (Part 2)" começa com tudo, mas se acalma quando os vocais suaves entram. Os contrastes entre as seções aceleradas e relaxadas continuam. "Unturning" tem uma ótima introdução de guitarra, bem ao estilo do Iron Maiden. Os vocais entram junto com a bateria, enquanto as linhas de guitarra intrincadas continuam. Riffs e peso surgem aos 2 minutos, enquanto as mudanças de ritmo e atmosfera continuam. "Instinct" é diferente, com a abundância de piano, enquanto o peso aparece e desaparece. Eu realmente gosto do peso com sintetizadores antes dos 4 minutos e meio. "Womb (In Memoriam)" é uma faixa vocal curta.

"Selfsame" soa muito bem quando engata por volta de 1 minuto e meio, é bem emocionante. Guitarra pesada aos 4 minutos, quando a música se torna totalmente instrumental. Ótima parte! Os vocais retornam aos 5 minutos e meio. "Holding Atropos" é suave, com vocais contidos, e eu adoro o dedilhado de guitarra aos 2 minutos. É uma faixa ok no geral. "Keeping Stone: Sound On Fire" soa muito bem quando explode depois de um minuto. Uma calma silenciosa aos 6 minutos, com sons esparsos que podem ser ouvidos fracamente. Não demora muito para eles voltarem a arrasar. "Learned" é a faixa de encerramento do primeiro disco, com mais de 23 minutos. Começa com vocais suaves e uma atmosfera que vai crescendo. Vocais após 3 minutos e ouça a guitarra um minuto depois. Muito bom. Gosto dos vocais a partir dos 6 minutos e meio. A música se acalma com um violão de sonoridade espanhola aos 11 minutos. Isso dura mais de 1 minuto e meio, e então a música volta com tudo. Os vocais aparecem e desaparecem conforme os temas se repetem. Ótima faixa.

Consigo entender por que algumas pessoas estão entusiasmadas com este álbum, com seus vocais excelentes e trabalho instrumental impecável, mas não consigo dar mais do que 3 estrelas ao avaliar esta gravação como um todo.




ARCANA Jazz Rock/Fusion • United States

 

ARCANA

Jazz Rock/Fusion • United States

Biografia do Arcana:
O Arcana foi um projeto paralelo do baixista Bill Laswell, formado em 1995. Os outros membros originais eram o guitarrista Derek Bailey e o baterista Tony Williams. Este power trio lançou o álbum de estreia "The Last Wave" em 1996, com improvisações de jazz-rock improvisadas e energéticas, semelhantes à música do Last Exit. Bailey deixou a banda logo depois, então o segundo álbum foi gravado com os guitarristas convidados Nicky Skopelitis e Buckethead, Graham Naynes no trompete e os saxofonistas Byard Lancaster e Pharoah Sanders ("Arc Of The Testimony", 1997). A música do segundo álbum é mais semelhante aos trabalhos do Material.

A banda se separou após o lançamento do segundo álbum devido à morte de Williams em fevereiro de 1997.

Arc of the Testimony
Arcana Jazz Rock/Fusion

 

 ARCANA foi o projeto do americano Bill Laswell, um músico que participou de centenas de álbuns ao redor do mundo. Ele tem seu próprio estúdio em Nova Jersey e é uma lenda no mundo da música de vanguarda. Ele formou a banda em 1995 como um trio com a ideia de tocar free jazz. Em seu álbum de estreia de 1996, "The Last Wave", temos Laswell no baixo, Tony Williams na bateria e Derek Bailey na guitarra, tocando free jazz puro como se não houvesse amanhã. Não sei se já me irritei tanto com um guitarrista quanto com a performance de Derek nesse álbum. Dei 2 estrelas apesar do talento dos músicos que participaram.

"Arc Of The Testimony" é o segundo álbum da banda, lançado um ano depois, em 1997. Nesse meio tempo, Bailey deixou o grupo, que se apresenta aqui como um duo formado por Tony Williams e Bill Laswell, com participações especiais para completar o som. Então, por que não trazer alguém tão prolífico quanto Laswell? Buckethead na guitarra. Ele adiciona o elemento "rock" em três faixas. Mas também temos um segundo guitarrista, Nicky Skopelitis, nas sete primeiras músicas. Nicky tocou na banda de Laswell, chamada MATERIAL, no final dos anos 80, substituindo Sonny Sharrock, que participou do álbum de estreia. Nicky toca guitarras de 6 e 12 cordas, enquanto Buckethead brilha com seus solos. Que músicos incríveis!

Com a participação de dois saxofonistas lendários do free jazz, Pharoah Sanders e Byard Lancaster, você poderia pensar que este segundo álbum seguiria o estilo do primeiro, com improvisações em abundância e cada um fazendo o que queria. Mas não, trata-se de jazz de vanguarda composto, com Laswell e Williams assinando a música. Por fim, temos o cornetista americano Graham Hayes, que também tocou com Laswell na banda MATERIAL. A parte triste deste álbum é que ele seria o último de Tony Williams. Ele faleceu durante as gravações e, quando o álbum foi finalizado, a banda também se desfez, em respeito ao lendário baterista.

Laswell adiciona elementos eletrônicos e e-bow à sua incrível técnica de baixo aqui. Os elementos eletrônicos tendem a criar uma atmosfera espacial. Há uma boa variedade neste trabalho. Aliás, tudo é instrumental. Não tenho palavras para descrever a bateria do Tony aqui, a energia! Ele não devia estar bem, mas você jamais perceberia isso pela sua performance. Minha faixa favorita é "Into The Circle" pela atmosfera e pelo e-bow que aparecem logo no início, dando lugar ao Tony e ao Bill, com aquela seção rítmica matadora, e depois aos metais. Muita dissonância, eco e efeitos, como em "Bitches Brew".

"Gone Tomorrow", a faixa de abertura, assim como "Into The Circle", ambas têm cerca de 9 minutos e meio e são as duas músicas mais longas. Adoro a construção lenta e a atmosfera poderosa. Pharoah está arrasando no saxofone antes dos 8 minutos. Então, essas duas faixas, mais as três últimas, completam meu top 5 das oito músicas apresentadas. Não há pontos fracos aqui. Esta é uma obra-prima e meu álbum favorito de 1997. Sim, Buckethead pode parecer deslocado aqui com seu estilo, mas o que restou daquela pessoa que eu era no final da adolescência está aplaudindo muito. Eu ficaria sem adjetivos para descrever essas três últimas músicas. A capa também é ótima.





Grandes canções: Arctic Monkeys - "A Certain Romance" (2006)


"Whatever People Say I Am, That's What I'm Not" (tradução: o que quer que as pessoas digam que eu sou, é isso que não sou) foi o disco de estreia do Arctic Monkeys. Lançado no início de 2006, ele balançou a cena roqueira com os singles "I Bet You Look Good On The Dancefloor" e "When The Sun Goes Down". Musicalmente, era uma espécie de Garage Rock Revival misturado com Indie Rock. O álbum foi amplamente aclamado pela sua representação vívida da cultura jovem britânica da época (as letras falavam sobre a vida da perspectiva dos jovens, sempre com muito lirismo). No seu lançamento, o álbum quebrou recordes (como, por exemplo, o álbum de estreia com vendas mais rápidas da história: vendeu 360 mil cópias na primeira semana!). Foi 7x "disco de platina" no Reino Unido. Os Arctic Monkeys, banda de Sheffield (perto de Manchester, norte da Inglaterra), conseguiram ali capturar os pensamentos de uma geração de jovens. Canções com narrativas em primeira pessoa e cheias de observações feitas dentro de contextos vividos por todos aqueles jovens do norte, fosse nos nightclubs, ou em diversas situações da vida noturna, experiências juvenis nas baladas, subculturas e relacionamentos românticos. Pincei deste sensacional álbum, sua última faixa, "A Certain Romance", já descrita pelo NME como "uma canção estranhamente imparcial, que começa desprezando os moradores locais e parece absolvê-los ao final". Ela também era a canção que abria o CDzinho "Beneath The Boardwalk", uma coletânea de 18 gravações demo feitas pela banda, que foram queimadas na mídia e distribuídas gratuitamente nos shows. Ainda hoje, quando quero sentir-me jovem de novo (ah, aquela magnífica sensação juvenil...), coloco este álbum para ouvir. Inebriante.
A Certain Romance / Um Certo Romance
(Shall I keep rolling?) / (Eu devo continuar gravando?)

Well, oh, they might wear classic Reeboks / Bem, oh, eles podem usar seus Reeboks clássicos
Or knackered Converse / Ou seus All-Star acabados
Or tracky bottoms tucked in socks / Ou calças largas enfiadas nas meias
But all of that's what the point is not / Mas tudo isso não é a questão
The point's that there ain't no romance around there / A questão é que não há romance algum por ali

And there's the truth that they can't see / E essa é a verdade que eles não conseguem ver
They'd probably like to throw a punch at me / Eles provavelmente gostariam de me dar um soco
And if you could only see 'em, then you would agree / E se você ao menos pudesse vê-los, aí você concordaria
Agree that there in't no romance around there / Concordaria que não há romance algum por ali

You know? / Você sabe?
Oh, it's a funny thing, you know? / Oh, é uma coisa engraçada, sabe?
We'll tell 'em if you like / Contaremos para eles se você quiser
We'll tell 'em all tonight, they'll never listen / Contaremos tudo para eles esta noite, eles nunca vão ouvir
Because their minds are made up / Porque eles já se decidiram
And course it's all okay to carry on that way / E claro que está tudo bem continuar desse jeito

'Cause over there there's broken bones / Porque por ali existem ossos quebrados
There's only music / Só existe música
So that there's new ringtones / Para existirem novos toques de telefone
And it don't take no Sherlock Holmes / E não é preciso ser nenhum Sherlock Holmes
To see it's a little different around here / Para perceber que é um pouco diferente por aqui

Don't get me wrong though, there's boys in bands / Não me entenda mal, existem garotos em bandas
And kids who like to scrap with pool cues in their hands / E crianças que gostam de brigar com tacos de sinuca nas mãos
And just 'cause he's had a couple of cans / E só porque ele tomou algumas latinhas
He thinks it's all right to act like a dickhead / Ele acha que está tudo bem agir como um idiota

Don't you know? / Você sabe?
Oh, it's a funny thing, you know / Oh, é uma coisa engraçada, sabe?
We'll tell 'em if you like / Contaremos para eles se você quiser
We'll tell 'em all tonight, they'll never listen / Contaremos tudo para eles esta noite, eles nunca vão ouvir
Because their minds are made up / Porque eles já se decidiram
And course it's all okay to carry on that way / E claro que está tudo bem continuar desse jeito

But I said no, oh, no / Eu disse não, oh, não
Well, you won't get me to go / Bem, você não vai conseguir fazer com que eu vá
Not anywhere, not anywhere / Para nenhum lugar, para lugar nenhum
No, I won't go / Não, eu não vou
Oh, no, no / Oh, não, não

But over there there's friends of mine / Mas os meus amigos estão por ali
What can I say? I've known 'em for a long, long time / O que eu posso dizer? Eu conheço eles há muito, muito tempo
And they might overstep the line / E eles podem passar dos limites
But you just cannot get angry in the same way / Mas você simplesmente não pode ficar bravo do mesmo jeito

No, not in the same way / Não, não do mesmo jeito
Said not in the same way / Disse que não do mesmo jeito
Oh, no / Oh, não
Oh, no, no / Oh, não, não




Grandes álbuns do Prog-Rock: Spirogyra - "St-Radiguns" (1971)

 

Fundada em Bolton, Inglaterra, em 1967, esta banda de Prog Folk Rock lançou três álbuns entre 1971-73, antes de encerrar atividades no ano seguinte. Originalmente, o Spirogyra começou como um duo Folk formado por Martin Cockerham (um grande fã de Bob Dylan e The Incredible String Band) e Mark Francis (com experiências numa banda de Blues), no verão de 67 (eles eram amigos de escola). Era a época do "Flower Power". Entretanto, esta encarnação não produziu gravações e acabou no final de 68, quando Cockerham resolveu viajar pela Europa e Israel. 
Martin Cockerham
Foram muitas aventuras e, em out/69, ele retornou para estudar na Kent University, em Canterbury. Ali, Cockerham recrutou vários colegas estudantes para reavivar o projeto musical e formou aquela que seria a clássica versão do Spirogyra. Esta encarnação "Canterbury" começou com Julian Cusack, outro amigo de Martin Cockerham na Kent University (eles eram colegas de primeiro ano na mesma faculdade). Cusack tinha tido treinamento erudito em piano e violino e a dupla decidiu aprontar três canções para um evento Folk de música acústica. Max Hole, encarregado da união estudantil, ficou empolgado com a apresentação e resolveu empresariá-los. Pouco depois, a dupla anunciou vontade de expandir o formato para uma banda. Houve um evento tipo "happening" e daí eles escolheram os músicos que mais gostaram: Steve Borrill (para o baixo elétrico, um estudante mais velho, alto e magro, com cabelos bem longos e ótimo músico) e Barbara Gaskin (garota belíssima, carismática, sofisticada, vinda de Hatfield, com uma bela voz). Ela era amiga de Steve Hillage, outro músico da Universidade, que também tocou no happening (ele já tocava no "The Egg", em Londres, e apresentou Barbara como uma cantora de grande potencial).
Steve Borril, Julian Cusack, Barbara Gaskin e Martin Cockerham

Martin Cockerrham passou a compor muitas canções. Eram dias mágicos, com várias namoradas, criatividade artística no talo, todo o movimento do Folk psicodélico, a ideia de se ultrapassar limites (levando a música Folk original para novos e desconhecidos territórios). Enquanto isto, Steve Borrill alugou um casa de cinco quartos (bem precária) no centro da cidade de Canterbury, perto dos fundos da catedral. Localização fantástica e barata para aqueles jovens. Toda a banda se mudou para lá. Barbara, Steve Hillage, Julian Cusack (e sua namorada Sarah), Steve Borrill (e sua namorada Helen), mais a visita de amigos (como Pete Rhodes, artista e filósofo, estudante da Art College), a casa virou um lugar fantástico com todo tipo de jovens legais aparecendo constantemente. A banda progrediu rapidamente construindo um repertório forte de novas canções (a maioria escrita por Cockerham). Enquanto isto, Max Hole começava a conseguir shows (no início na própria Kent University, mas depois em universidades e faculdades vizinhas ou até mais distantes). Rotulados como "banda universitária", o Spirogyra conseguiu realizar muitas apresentações e viajou por toda a Inglaterra (numa van de Steve Hillage). Pete Bell virou roadie e engenheiro de som (aliás, ele e Hillage fabricaram todos os equipamentos de PA). O progresso foi rápido, a banda tocava muito bem e ganhou prática ao vivo. 
Nesta época, eles fizeram gravação de duas demos na sala de música da Keynes College e elas foram usadas por Max Hole para lhes conseguir um contrato com Sandy Robertson e sua September Productions (aliás, estas gravações passariam 30 anos num sótão até ressurgirem na compilação "Burn The Bridges: The Demo Tapes 1970-1971", lançada em 2000). Com as viagens se estendendo por toda a Inglaterra, eles precisaram solicitar uma licença na universidade (e ver até onde a carreira musical os levaria). Também passaram a viajar para a Holanda, Dinamarca, França e Alemanha. O nome "Spirogyra", lá atrás, havia sido ideia de Cockerham tendo uma ameba, um organismo vivo elementar e primordial em mente, e assim, depois de tudo isto, em 1971, surgiu o álbum de estreia intitulado "St. Radiguns" (nome da rua em que ficava a casa de cinco quartos nos fundos da catedral). Com produção de Robert Kirby (que também produziu Nick Drake), foi gravado no Sound Techniques Studio (em Londres, onde o mesmo Drake e a Incredible String Band gravaram com o mesmo engenheiro de som, Jerry Boys). Uma experiência incrível, emocionante estar num estúdio de gravação de verdade, essencialmente com a banda tocando numa sala e o som sendo mixado ao vivo em estéreo, sem overdubs. O resultado foi vibrante, vivo, cheio de uma intensidade apaixonada. Lançado via B&C Records (na Inglaterra, mas com acordos de distribuição pontuais em diversos países), teve adição de Kirby ajudando nos arranjos (e também cordas/trompete), Tony Cox no sintetizador e Dave Mattacks (do Fairport Convention na bateria, que também trabalhava como "session musician"). Embora fosse um grupo saído de Canterbury, o Spirogyra não se encaixava no famoso som de lá e desenvolvera um dos melhores exemplos de Prog Folk Rock caprichosamente inglês. Música aventureira, muito climática, letras com consciência política e românticas, tudo repleto de ótimas interações instrumentais e com um ótimo duo de vozes (Cockerham e Gaskin). Acid Folk excelente, evitando clichês tradicionais, super inventivo (o suficiente para poder ser chamado de "Prog Folk"), com algumas faixas estupendas e fascinantes, musicalmente complexas, belas melodias, impregnado da então cultura da época e de humor inglês. O álbum era repleto de uma abordagem renovada do Folk, tomando as raízes e acrescentando ideias imaginativas atemporais. Inspirado, com os sublimes vocais mezzo sopranos de Gaskin, com mudanças surpreendentes de andamento, cheio de joias cintilantes, em performances ardentes, criando dimensões Prog a todo instante (com piano, violino, contrabaixo, sintetizador, flauta etc.). As ricas melodias pareciam brincar com as texturas, andamentos e estilos, de um modo completamente envolvente. 
Entretanto, a música do Spirogyra possuía uma atmosfera peculiar. Folk básico de violões, um ou dois vocais (os de Cockerham soando confrontadores e libertários), aumentado moderadamente por vários outros instrumentos (principalmente violino e baixo). Violões energéticos, linhas precisas de baixo e violino em uníssono, com ou sem percussão, adições de cordas e um nível emocional mais cru e autêntico. Muitos já classificaram esta música como "Folk psicológico", talvez pelos comentários sociais da época, mas a maioria a considera um grande disco de Prog Folk (pela infusão criativa do Folk britânico tradicional, outrora plácido, agora criativo e trilhando caminhos até então inexplorados).




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