5 músicas que você não sabia que Kris Kristofferson escreveu para outros artistas, primeiro

 As letras de Kris Kristofferson permeiam o songbook americano por mais de 50 anos, desde o canto pensativo de Janis Joplin Freedom's apenas outra palavra para nada mais a perder em "Me and Bobby McGhee" até a recontagem lamentável de Waylon Jennings de um amor unilateral em "The Taker ”, mas o caminho para a composição foi um tanto pouco convencional para o artista no início.

Nascido em 22 de junho de 1936, em Brownsville, Texas, no final da década de 1950, Kristofferson começou a escrever e tocar suas próprias canções como bolsista de Rhodes na Universidade de Oxford, na Inglaterra, onde se formou em Literatura Inglesa. Anos antes de lançar sua estreia em 1970 , Kristofferson , ele gravou seu primeiro álbum sob o nome de Kris Carson antes de se alistar no Exército dos EUA, onde mais tarde ensinou literatura inglesa em West Point, no estado de Nova York. Filho de militar, seu avô paterno era oficial do exército sueco e muitas vezes se mudou quando criança devido ao serviço militar de seu pai. Em 1965, Kristofferson decidiu deixar a vida militar e se mudar para Nashville para se dedicar à composição, para desgosto de sua família, que o deserdou.

Em 1966, Kristofferson teve um sucesso inicial com sua música “Viet Nam Blue”, que foi gravada por Dave Dudley e alcançou o Top 20 da parada country. Nos anos seguintes, Kristofferson encontrou mais sucesso nas paradas com músicas como “Jody and the Kid”, gravada por Roy Drusky, “From the Bottle to the Bottom” de Billy Walker e os Tennessee Walkers em 1969, Ray Stevens chegando ao país e paradas pop com "Sunday Mornin' Comin' Down" de Kristofferson - mais tarde se tornando um hit número 1 para Johnny Cash em 1970 - e "Your Time's Comin'" de Faron Young chegando ao top cinco na parada country.

Ao longo dos anos 1970, 80 e 90, Kristofferson continuou escrevendo mais sucessos, incluindo "Please Don't Tell Me How the Story Ends", "Help Me Make It Through the Night" e "I Won't Mention It Again, ” enquanto também se aventura na atuação, estrelando mais de 50 filmes, incluindo o clássico musical de 1975 A Star is Born with Barbra Streisand.

Lançando mais de duas dúzias de álbuns ao longo de mais de cinco décadas, incluindo álbuns colaborativos com Willie Nelson, Rita Coolidge e outros, Kristofferson também excursionou e escreveu e gravou três álbuns (de 1985 a 1995) com o supergrupo country The Highwaymen, que contou com Nelson, Waylon Jennings e Johnny Cash.

Recompensado por sua contribuição para a composição, Kristofferson foi introduzido no Hall da Fama dos Compositores de Nashville em 1977, no Hall da Fama dos Compositores em 1985 e no Hall da Fama da Música Country em 2004.

Dezenas de artistas foram os primeiros a gravar as músicas de Kristofferson, enquanto outros continuaram a cobrir suas histórias ao longo das décadas. Em 2021, Willie Nelson compartilhou uma nova versão da música de 1973 de Kristofferson “ Why Me ”, que Nelson originalmente cobriu em 1979 em seu álbum  Sings Kristofferson .

Aqui está uma pequena amostra de músicas de destaque do final dos anos 60 e 70 escritas por Kris Kristofferson e gravadas pela primeira vez por outros artistas.

1. “Me and Bobby McGee”, Roger Miller (1968)
Escrito por Kris Kristofferson e Fred Foster

Antes de Kris Kristofferson gravar “ Me and Bobby McGee ” em sua estreia em 1970, Kristofferson , a música foi originalmente gravada pelo falecido cantor de honky tonk Roger Miller (1936-1992) em 1968. “Me and Bobby McGee” segue um par de amantes que estão viajando juntos e eventualmente se separam com “Bobby” inicialmente escrito na música por Kristofferson como uma mulher.

A versão de Miller alcançou o 12º lugar na parada Billboard Hot Country Singles e obteve um impulso maior quando atingiu o primeiro lugar no Hot 100 três anos depois, com o lançamento da versão póstuma de Janis Joplin . Joplin também trocou “Bobby” por um homem, e a música foi lançada como single em 1971, de seu segundo e último álbum, Pearl .

Liberdade é apenas mais uma palavra para nada mais a perder
Nada não vale nada, mas é de graça
Sentir-se bem era fácil Senhor quando Bobby cantava o blues
Sentir-se bem era bom o suficiente para mim
Bom o suficiente para mim, Bobby McGee

Das minas de carvão de Kentucky ao sol da Califórnia
Bobby compartilhou os segredos da minha alma
Permanecendo bem ao meu lado Senhor através de tudo que eu fiz
Toda noite ela me protegeu do frio
Então em algum lugar perto do senhor de Salinas eu a deixei escapar
Procurando pelo casa eu espero que ela encontre
E eu troquei todos os meus amanhãs por um único ontem
Segurando o corpo de Bobby próximo ao meu

Ao longo das décadas, “Me and Bobby McGee” também foi regravada por Loretta Lynn, Dolly Parton, Kenny Rogers, Olivia Newton-John, Grateful Dead, Melissa Etheridge, Dottie West e Statler Brothers, entre outros.

2. “Once More with Feeling”, Jerry Lee Lewis (1970)
Escrito por Kris Kristofferson e Shel Silverstein

Kristofferson levaria quase uma década para gravar “ Once More with Feeling ” para seu nono álbum Shake Hands with the Devil em 1979, mas ele primeiro compartilhou a balada com Jerry Lee Lewis , que gravou a música para seu 13º álbum, She Even Woke Eu para dizer adeus .

A gravação de Lewis alcançou o primeiro lugar na parada de singles do Cash Box Country e o segundo lugar na parada country da Billboard.

Estamos apenas seguindo os movimentos
Das partes que aprendemos a tocar
Nunca tão juntos como antes
Porque de alguma forma querida, algo bom
Se perdeu no caminho
E nossa música não é mais nada
Especial

3. "I've Got to Have You", Carly Simon (1971)
Escrito por Kris Kristofferson

" I've Got to Have You ", de Kristofferson , que ele mesmo gravou em 1974, foi lançado pela primeira vez por Carly Simon como a balada acústica de encerramento de seu segundo álbum, Anticipation . Sua faixa-título atingiu o terceiro lugar na parada Adult Contemporary nos EUA, enquanto "I've Got to Have You" foi lançada como single na Austrália, onde alcançou o Top 10 nas paradas em 1972.

Segurando em falar, sem dizer nada.
Sabendo em um momento que eu poderia te perder.
Então, sem aviso, lembrei-me de que
Você tremeu ao toque da minha mão.
Sabendo quando você veio até mim que ninguém
jamais sentiria o mesmo em meus braços
Está tudo acabado... Eu tenho que ter você.

Acordando de manhã com a ternura
De segurar você dormindo em meus braços.
Sonhando enquanto meu cabelo estava soprando
Mais suave do que um sussurro na minha bochecha.
Eu não conheço o sentimento então eu não sei se é amor
Mas é o suficiente... É o suficiente
Eu não posso evitar... Eu tenho que ter você.
Está tudo acabado… Eu tenho que ter você.

4. “The Taker”, Waylon Jennings (1971)
Escrito por Kris Kristofferson e Shel Silverstein

Seguindo a história de um homem que dá valor a uma mulher e depois a deixa, Waylon Jennings  gravou “The Taker” como a faixa-título de seu álbum de 1971 The Taker/Tulsa . Kristofferson mais tarde gravaria a música em seu segundo álbum, The Silver Tongued Devil and I , em 1972, que foi produzido por seu co-escritor de “Me and Bobby McGee”, produtor de longa data e fundador da Monument Records Fred Foster, que também trabalhou em estreita colaboração com Roy Orbison - que mais tarde gravaria "Something They Can't Take Away" de Kristofferson ( veja abaixo ) - e trabalhou com Willie Nelson e Dolly Parton no início de suas carreiras.

Ele é um encantador, ele vai encantá-la com dinheiro
E maneiras que eu nunca aprendi
Ele é um líder, ele vai levá-la através
de pontes bonitas que ele está planejando queimar.

Ele é um falador, ele vai falar com ela imediatamente
Mas ele não vai falar por muito tempo
Porque ele é um fazedor, e ele vai fazê-la do jeito
Que eu nunca, maldito seja, se ele não a fizer errado

5. “Something They Can´t Take Away”, Roy Orbison (1976)
Escrito por Kris Kristofferson

Gravado e lançado pela primeira vez por  Roy Orbison  em 1976 em seu 20º álbum Regeneration , o álbum - incluindo "Something They Can't Take Away" - marcou o retorno de Orbison à Monument Records depois de sair em 1964 com Fred Foster produzindo o álbum.

Orbison canta através de um conto comovente de um amor há muito perdido que nunca partiu.

Muito em breve fomos soprados sobre
Nossos caminhos separados novamente
E nossos sonhos quentes de verão Juntaram
as folhas caídas
Que caíram no vento com os ecos
E traços de vozes e rostos
E lugares que deixei para trás
Mas há momentos pela manhã
E há vezes no fim do dia
Quando sua memória vem fácil como um sorriso
E isso é algo que eles não podem tirar
Eu posso morrer sem nunca
Conhecer a felicidade novamente

Top 10 músicas de Joss Stone que merecem uma revisão

 Joss Stone foi emblemático dos diferentes gostos musicais encontrados nos EUA e no Reino Unido em meados dos anos 2000. Muito parecido com Amy Winehouse, a sensibilidade de reminiscência de Stone e os vocais comoventes rapidamente a tornaram um rosto familiar nas paradas na Inglaterra, enquanto, inversamente, chegava aos EUA.

Uma vez que ela conseguiu atravessar a lagoa, porém, não havia como parar Stone e os grooves dos anos 70 que ela trouxe com ela.

Abaixo, estamos passando por apenas 10 dos maiores sucessos de Stone dos anos 2000, bem como suas ofertas mais contemporâneas. Se você é bem versado na discografia de Stone ou está apenas começando agora, cada uma dessas músicas merece um lugar na sua lista de reprodução.

10. “Super Duper Love”

Aparecendo como a segunda faixa do primeiro álbum de Stone, “Super Duper Love” incorpora o som retrô e cheio de alma que ela incorpora em grande parte de sua música. Escrita por Willie Garner, a faixa foi originalmente lançada por Sugar Billy em 1974, tornando-se uma das muitas capas do álbum. Seus vocais ricos e sensibilidades retrô estão bem em exibição aqui.

9. “No Man`s Land” – feat Jeff Beck

Quando um herói da guitarra e um dos cantores mais emocionantes dos últimos 20 anos se unem, é seguro assumir que o resultado será algo inspirador – exatamente o que aconteceu quando Stone e Jeff Beck se uniram para “No Man's Land. ” A música foi escrita em 1976 por Eric Bogle como uma homenagem aos jovens soldados mortos em batalha. Ela foi regravada por inúmeros artistas folk, mas nunca soou tão emocionante quanto quando Stone a canta.

8. “The Answer”

Lançado em seu álbum de 2015 Water for Your Soul , “The Answer” é um número animado e emocionante que imbui uma quantidade saudável de otimismo nas lutas da vida. Escrita por Stone ao lado de Jonathan Shorten e Conner Reeves, a faixa prova sua capacidade de escrever uma joia, além de emprestar seus vocais a sucessos duradouros.

7. “Pillow Talk”

“Pillow Talk” exala alma dos anos 70. A abordagem descontraída de Stone para os vocais neste cover mostra o quão versátil ela pode ser como artista – atinge tão forte, se não mais do que qualquer uma das ginásticas vocais que ela faz em outras faixas.

6. “Tell Me What We`re Gonna Do Now”

“Tell Me What We're Gonna Do Now,” marcou a entrada de Stone nos Estados Unidos. A gravadora fez uma campanha massiva para trazer o cantor inglês do outro lado do oceano com esta faixa abrindo o caminho. O groove arrastado e o coro de minhocas são difíceis de abalar. É fácil ver por que acendeu a estrela de Stone mais uma vez em 2007.

5. “Cry Baby / Piece of My Heart” com Melissa Etheridge

Cobrir Janis Joplin é uma façanha assustadora para qualquer cantora, mas quando Stone aceitou o desafio no Grammy Awards de 2005, ela apresentou uma performance de “Cry Baby” e “Piece of My Heart” com facilidade. Melissa Etheridge juntou-se a Stone no palco para o que agora se tornou uma homenagem lendária a Joplin. A performance ao vivo mais tarde passou a ser lançada como single.

4. “Fell In Love With A Boy”

Para seu álbum de estreia, Stone fez um cover de uma música clássica do White Stripes, “Fell In Love With A Boy”. Ela fez a faixa totalmente sua com pouca semelhança com o original. Seu retrabalho mostra o quão brilhante Stone é em arranjar música à sua maneira. Sabemos que o próprio Jack White estava curtindo essa.

3. “You Had Me”

Stone conquistou seu single de maior pico até hoje em 2004 com “You Had Me”. Escrita por Stone, a música apresenta um riff de baixo suave enquanto ela canta Spittin' in my eyes and I still see / Tried to keep me down, I'm breakin' free. A faixa lhe rendeu uma indicação ao Grammy de "Melhor Performance Vocal Pop Feminina".

2. “Don´t Cha Wanna Ride”

Mind Body & Soul apresenta alguns dos melhores trabalhos de Stone, e é por isso que tantos de seus singles chegaram a esta lista. A quarta faixa lançada do álbum, intitulada “Don't Cha Wanna Ride”, rapidamente subiu nas paradas do Reino Unido após seu lançamento – e por boas razões. É sem dúvida uma de suas músicas mais fortes e uma jam irresistível.

1. “Tell Me Bout It”

Nossa escolha número um tem que ir para “Tell Me 'Bout It”. Lançada em Introducing Joss Stone , a música foi o primeiro single de Stone a entrar no Top 100 dos EUA. Aproveitando um groove dos anos 2000 e infundindo um lirismo sugestivo, “Tell Me 'Bout It” continua sendo um dos hits mais duradouros de Stone.

George Harrison - Cloud Nine (1987)

 George Harrison - Cloud Nine (1987)

MUSICA&SOM

Cloud Nine é o 11º álbum de estúdio de Harrison, gravado em 1987 no Friar Park Studio e foi lançado depois de um hiato de cinco anos sem lançar discos. Ele pediu ao líder da banda ELO e colega Jeff Lynne para co-produzir o álbum com ele, outros artistas envolvidos nas sessões de gravação incluído Jim Keltner e Ringo Starr na bateria, Eric Clapton na guitarra e Gary Wright e Elton John nos teclados, o single "Got My Mind Set On You" rapidamente atingiu o 1º nos Estados Unidos e 2º no Reino Unido e o clip passou muito na MTV, esse álbum é considerado um dos melhores álbuns de George Harrison.

Wilco – Yankee Hotel Foxtrot [Super Deluxe Edition] (2022)

 

Há um universo alternativo onde Wilco lançou seu quarto álbum na Warner/Reprise como planejado, recebeu boas críticas, desembarcou em algumas listas de fim de ano, excursionou por locais um pouco maiores, e é isso. Eles continuaram sendo uma banda de rock de nível médio ao invés de uma das bandas de rock mais reverenciadas do século 21, que é o que eles fizeram em nosso universo. E há outro plano de existência onde eles se separaram antes que o quarto álbum fosse lançado, onde tanto Jeff Tweedy quanto Jay Bennett se tornaram vítimas das pílulas que estavam tomando no estúdio. Isso significa que há também um mundo onde Son Volt se tornou o principal cronista da vida americana moderna.
Em retrospecto, tudo no Yankee Hotel Foxtrot parece surpreendentemente precário.

MUSICA&SOM

É um álbum que inspira infinitas dúvidas: E se não tivesse sido muito bom, ou se tivesse sido extremamente bom, mas não de uma forma que capturou a imaginação de tantos ouvintes? E se Jim O'Rourke estivesse muito ocupado para atender o telefonema de Tweedy e nunca os conectasse com Glenn Kotche ou mixasse o álbum final? E se Nonesuch tivesse passado o disco, roubando-nos a narrativa satisfatória de que Wilco fez a Warner pagar pelo álbum duas vezes? E se o streaming em seu site tivesse esgotado as vendas em vez de impulsioná-las? E se uma tragédia nacional não tivesse dado imediatamente à música mais gravidade e relevância do que Wilco poderia ter sonhado? Cada hipotética representa um novo universo, um novo mundo de possibilidades.

Mas vivemos neste mundo, onde todas essas decisões e ações se alinharam para fazer do Yankee Hotel Foxtrot um dos álbuns de rock que definiram os anos 2000. Vinte anos depois, recebemos essa curiosa reedição, que fornece evidências de que Wilco também está pensando em todos aqueles hipotéticos e possíveis Wilcovers. Quando eles encaixotaram seus dois álbuns anteriores, a banda revelou sua relação tensa com a música pop como profissão e obsessão, e apresentou esses álbuns como peças de três atos independentes: escrever as músicas e fazer demos, gravar e montar o lista de faixas final e, finalmente, fazer uma turnê pelo álbum e deixar a música viver por conta própria. O conjunto de aniversário do Yankee Hotel Foxtrot, no entanto - em particular a versão maciça de 11xLP - rejeita essa estrutura dramática. Em vez de apresentar uma história de gestação, nascimento e vida,

Nas edições deluxe, Wilco organizou todas as demos usuais e outtakes e entrevistas de rádio e apresentações ao vivo em diferentes álbuns representando diferentes conjuntos de possibilidades e resultados, cada um com seu próprio título evocativo. Há o American Aquarium, mais cru e estranho, mas ainda atolado na paleta pop de Summerteeth. There's Here Comes Everybody, mais escuro e um pouco mais cáustico. Há Lonely in the Deep End, que soa como se eles tivessem aberto a porta para um armário superlotado: uma confusão de ideias. Essas iterações não são apenas pontos em uma linha do tempo que levam a um destino familiar; o processo criativo era confuso demais para uma trajetória tão organizada. Em vez disso, eles demonstram que nada sobre o Yankee Hotel Foxtrot foi resolvido, nem mesmo seu título.

É uma ideia fascinante, especialmente para este álbum em particular, dado o quão minuciosa e meticulosamente a banda se debruçou sobre cada música, cada letra, cada nota. “Kamera” soa especialmente instável, cada versão é um instantâneo completamente diferente da mesma vista. No American Aquarium, ela abre com uma dramática fanfarra de bateria que lembra claramente Phil Spector, antes de se lançar em um galope medido. É tudo construção, sem recompensa. Eles apagaram tudo e começaram de novo em Here Comes Everybody, com teclados como um cravo de barril e uma batida mais insistente que provoca Tweedy. E depois há a versão em The Unified Theory of Everything que substitui tudo por uma guitarra fuzzed e tem Tweedy cantando como se estivesse na frente daquela banda local do “Heavy Metal Drummer.

Essa precariedade se apegou ao álbum, e talvez seja por isso que foi recebido com tanto entusiasmo e até reverência há 20 anos. A banda estava se fragmentando, com o baterista de longa data Ken Coomer demitido sem cerimônia e Bennett desempenhando um papel maior. Havia novos rostos (Kotche, O'Rourke) e novos desafios, a maioria dos quais tinha a ver com drogas. Em algum nível, devemos ter entendido que o disco chegou muito perto de não existir, pelo menos não dessa forma, e a música em nossa versão de Yankee Hotel Foxtrot transmite essa sensação de que quase não existia. Temos sorte neste universo, porque Wilco encontrou uma maneira de fazer com que suas explorações obstinadas melhorassem em vez de obscurecer a humanidade nessas músicas. É um álbum sombrio, certamente. Quando Tweedy canta sobre tirar dinheiro de um caixa eletrônico para comprar “Diet Coca-Cola e cigarros apagados” (alguém vende cigarros acesos?), o momento ainda soa como um suspiro monumental. Quando ele canta sobre assistir a uma banda de heavy metal subir ao palco “no patamar no verão”, a memória ainda ressoa com calor e admiração. E quando ele canta sobre assassinato na avenida, ainda é tão confuso como sempre. (Ouvi-lo cantar “I assassinate the avenue” na versão do American Aquarium da música não esclarece nada.)

Todas essas diferentes iterações da mesma coisa se fundem em uma declaração ousada de incerteza, um retrato lúcido da confusão, uma representação alegre do desespero – todas as contradições que tornam a música mais relacionável, mais imersiva, mais maleável. Este conjunto de aniversário também é um lembrete de que o álbum se tornou mais estável ao longo do tempo, graças ao documentário de Sam Jones, ao livro de Greg Kot, ao livro de Tweedy e inúmeras críticas, perfis e entrevistas. Tornou-se familiar, talvez até reconfortante – um lembrete de uma época na América que, em retrospecto, parece estranhamente fodida. A entrevista da Sound Opinions, gravada logo após o 11 de setembro, não é apenas um artefato convincente, mas uma demonstração de como o Yankee Hotel Foxtrot já estava fora do controle da banda. Há um cansaço muito específico na voz de Tweedy que será familiar para qualquer um que viveu aquele dia, e Wilco toca essas músicas no ar como se não reconhecessem mais as coisas que criaram. Este conjunto de caixa de aniversário empurra o álbum de volta ao seu eixo. A música oscila novamente, lembrando-nos que desconforto e confusão eram seus aspectos mais relacionáveis.

Se Being There entendia o rock como uma missão de tolos e se Summerteeth apresentava o rock como um consolo de tolos, então nosso Yankee Hotel Foxtrot mostra como nós tolos (não apenas Tweedy, mas você e eu também) queremos desesperadamente que a música reflita o mundo de volta nós. Mesmo naqueles momentos mágicos em que uma música pop nos oferece um vislumbre de algo maior, nunca é suficiente. Queremos que ela ordene o mundo, faça tudo fazer sentido, transforme tragédias sem sentido em um alívio tranquilizador. A música não pode fazer isso. O mundo – não apenas este, mas cada um dos infinitos outros mundos hipotéticos – é glorioso e terrivelmente confuso para uma banda, um álbum ou uma música capturar. O mundo frustra a arte, mas é tudo o que temos, então nos contentamos. Esse núcleo de tristeza e frustração persiste em todos os universos e em todas as versões do Yankee Hotel

 Foxtrot.

CD1:

01. I Am Trying To Break Your Heart (6:58)
02. Kamera (3:30)
03. Radio Cure (5:09)
04. War on War (3:49)
05. Jesus, etc. (3:52)
06. Ashes of American Flags (4:45)
07. Heavy Metal Drummer (3:09)
08. I’m The Man Who Loves You (3:56)
09. Pot Kettle Black (4:00)
10. Poor Places (5:19)
11. Reservations (7:24)

CD2:

01. Anniversary (Nothing Up My Sleeve) (2:47)
02. Venus Stopped The Train (4:11)
03. Poor Places (3:24)
04. I Am Trying To Break Your Heart (5:39)
05. American Aquarium (6:05)
06. Cars Can’t Escape (2:32)
07. Kamera (2:54)
08. War On War (2:46)
09. I’m The Man Who Loves You (4:00)
10. Ashes Of American Flags (4:00)
11. Not For The Season (Laminated Cat) (5:57)
12. Shakin’ Sugar (3:31)
13. Let Me Come Home (2:40)
14. Poor Places (3:27)
15. Reservations (3:30)

CD3:

01. Not For The Season (Lamintated Cat) (3:14)
02. Remember To Remember (Hummingbird) (4:18)
03. I Am Trying To Break Your Heart (6:14)
04. Kamera (3:14)
05. Radio Cure (4:41)
06. War On War (3:36)
07. Venus Stopped The Train (4:30)
08. I’m The Man Who Loves You (3:34)
09. The Good Part (3:10)
10. Pot Kettle Black (4:36)
11. Ashes Of American Flags (5:36)
12. Poor Places (3:50)
13. Shakin’ Sugar (3:11)
14. Reservations (3:21)
15. Cars Can’t Escape (4:00)

CD4:

01. A Magazine Called Sunset (2:53)
02. Remember To Remember (Hummingbird) (4:48)
03. I Am Trying To Break Your Heart (7:03)
04. Kamera (3:21)
05. Radio Cure (5:39)
06. War On War (3:59)
07. Jesus, Etc. (3:52)
08. Ashes of American Flags (Stravinsky Mix) (5:26)
09. Heavy Metal Drummer (3:31)
10. I’m The Man Who Loves You (3:40)
11. Pot Kettle Black (4:20)
12. Poor Places (3:46)
13. Reservations (3:46)

CD5:

01. Love Will (Let You Down) (5:17)
02. Lost Poem Demo (3:05)
03. I’m The Only One Who Lets Her Down (4:03)
04. Has Anybody Seen My Pencil? (4:14)
05. The Good Part (5:06)
06. A Magazine Called Sunset (2:41)
07. A Magazine Called Sunset (Backing Track) (2:36)
08. Anniversary (Nothing Up My Sleeve) (Backing Track) (2:45)
09. Kamera (2:44)
10. I’m The Man Who Loves You (4:16)
11. I Am Trying To Break Your Heart (4:53)
12. Jesus, Etc. (3:17)
13. Reservations (Backing Track) (3:43)
14. Let Me Come Home (Synth) (1:32)
15. Ooby Dooby (2:10)

CD6:

01. Interview (3:24)
02. War On War (Live In The Studio) (3:16)
03. Interview (5:33)
04. Interview (13:57)
05. In The Man Who Loves You (Live In The Studio) (3:53)
06. Interview (20:11)
07. Should’ve Been In Love (Live In The Studio) (3:43)
08. Interview (2:02)
09. She’s A Jar (Live In The Studio) (4:41)
10. Interview (7:45)
11. Ashes Of American Flags (Live In The Studio) (4:40)

CD7:

01. I Am Trying To Break Your Heart (5:44)
02. I’m The Man Who Loves You (4:20)
03. War On War (3:59)
04. Kamera (3:16)
05. Radio Cure (5:37)
06. A Shot In The Arm (5:11)
07. She’s A Jar (5:32)
08. I’m Always In Love (5:21)
09. Sunken Treasure (7:09)
10. Jesus, Etc. (4:12)
11. Heavy Metal Drummer (4:08)
12. Pot Kettle Black (4:56)

CD8:

01. Ashes Of American Flags (4:43)
02. Not For The Season (Laminated Cat) (8:36)
03. Reservations (6:53)
04. California Stars (6:30)
05. Red-Eyed And Blue (2:19)
06. I Got You (At The End Of The Century) (5:00)
07. Misunderstood (6:48)
08. Far, Far Away (4:53)
09. Outtasite (Outta Mind) (2:35)
10. I’m A Wheel (3:34)