Primeira antologia completa em 3CD da banda pop psicodélica cult do final dos anos 60 do Reino Unido, The Mirage. Apresenta todos os seus singles (incluindo lançamentos pseudônimos), inúmeras demos, gravações inéditas e sessões da BBC. Depois de servir como aprendiz na cena beat de Hertfordshire em meados dos anos 60, The Mirage tornou-se a banda da casa no estúdio de demonstração do editor dos Beatles, Dick James, em Oxford Street. Depois de formar uma amizade com The Hollies, The Mirage gravou alguns singles para a CBS antes de James e seu parceiro de negócios regular, o gerente de Kinks/Troggs, Larry Page, supervisionarem os lançamentos subsequentes da banda, fortemente influenciados pelos Beatles, nas gravadoras Philips e Page One.
O Mirage então mudou-se para o selo Carnaby de Mervyn Conn, onde gravou um single como Portebello Explosion antes de lançar um álbum de 1970 com o nome de Jawbone.
Um luxuoso conjunto digipack de 3 CDs, 'The World Goes On Around You' é a primeira antologia completa do Mirage, apresentando todos os seus singles, o álbum Jawbone, várias tomadas de estúdio, versões alternativas e sessões da BBC.
Em turnê de divulgação de seu quinto álbum de estúdio, Airborne, os Flying Burrito Brothers se apresentaram no lendário Bottom Line de Nova York em 18 de agosto de 1976. Apresenta muitas das faixas clássicas da banda ao lado de alguns padrões country e ocidentais. A formação dos Burritos para este show foi Skip Battin e Gene Parsons ao lado de Gib Guilbeau, Joel Scott Hill e a lenda do pedal steel “Sneaky” Pete Kleinow. Aqui está o que Sneaky Pete descreveu sobre o set: 1976 foi um grande ano para a reiteração dos Flying Burrito Brothers tendo a oportunidade de viajar pelos EUA comemorando o 200º aniversário da fundação dos Estados Unidos. Embora Gram Parsons não estivesse mais por perto, Chris Hillman embarcou em uma carreira solo, e Chris Ethridge tinha acabado de sair desta banda, nós tínhamos…
…alguns caras legais que por acaso estavam bem familiarizados com a mentalidade do 'Burrito'. Tudo se encaixou de maneira espetacular! Para começar, Gib Guilbeau foi meu amigo de longa data e o cara Cajun por excelência. Gene Parsons, ex-The Byrds, foi o baterista infernal que levou a emoção ao limite (e escolheu um ótimo banjo e uma guitarra de corda). O que posso dizer sobre Joel Scott Hill? Um rebelde? Um fanático reverente? Um artista emotivo e emocional? Tudo o que precede! Depois, há Skip Battin, que acabou de se juntar à banda que todos amavam e chamavam de amigo, que forneceu baixo e suporte vocal muito originais.
1. Hot Burrito Stomp (1:41) 2. Hot Burrito #2 (4:23) 3. Quiet Man (4:16) 4. Dim Lights, Thick Smoke (2:30) 5. Diggy Liggy Li (2: 47) 6. Border Town (3:41) 7. Toe Tappin' Music (3:18) 8. Waiting For Love To Begin (2:46) 9. Take A Whiff On Me (3:24) 10. Faded Love (3:12) 11. Close Up the Honky Tonks (2:56) 12. Truck Driving Man (3:00) 13. Six Days On the Road (5:07) 14. Orange Blossom Special (6:04)
Lenny Kravitz nasceu em Nova Iorque em 1964. A sua mãe, Roxie Roker, era uma atriz nascida nas Bahamas conhecida pela série The Jeffersons, o seu pai, Sy Kravitz, russo-judeu, é um executivo de televisão.[1] Foi casado com a atriz de The Cosby ShowLisa Bonet, de quem se divorciou em 1991. Desta relação nasceu, em 1988, Zoë Kravitz.[2]
Além de ser vocalista e também fazer backing vocals, muitas vezes ele toca todas as guitarras, baixos, baterias, teclados e percussão quando grava. Kravitz ganhou o Grammy Awards para "Melhor Performance Rock Vocal Masculino" por quatro anos consecutivos de 1999 a 2002. Foi classificado na nonagésima terceira posição no VH1's 100 Greatest Artists de Hard Rock.
Em 2008, surgiram rumores de que substituiria Scott Weiland como vocalista da banda Velvet Revolver,[3] mas Kravitz desmentiu essa possibilidade, à revista Rolling Stone.[4] Em 2007, o cantor americano adquiriu a Fazenda São Thomé no município de Duas Barras, na Região Serrana do Rio de Janeiro. Na fazenda, Lenny cultiva produtos orgânicos e frequentemente caminha tranquilamente no centro da cidade.[5]
Abel Makkonen Tesfaye, também conhecido como The Weeknd, é um artista que precisa de pouca apresentação, e o enigmático cantor está em sua melhor forma para seu último álbum, After Hours.
Este cantor, compositor, ator e produtor nascido no Canadá tem compartilhado sua música com o mundo há uma década, mas foi seu lançamento de 2015, Beauty Behind The Madness, que o impulsionou para o garoto estrela que ele é hoje. Alguém que percorreu um longo caminho, de fato, desde sua adolescência repleta de drogas e pequenos furtos. Além de seus projetos seguintes, Starboy e My Dear Melancholy, Tesfaye também conquistou créditos vocais, de composição ou produção em faixas de Kanye West, Beyonce, Daft Punk, Kendrick Lamar, Future, Gucci Mane, Lil Zui Vert, Lana Del Rey… lista continua.
After Hours foi provocado pelo colaborador anterior Gasaffelstein, desde janeiro do ano passado. Na primavera, eles lançaram Power Is Power com SZA e Travis Scott, então, em novembro, o primeiro single do álbum, Blinding Lights, foi anunciado; através de um anúncio de televisão alemão da Mercedes Benz. Isso foi seguido por seu quarto single número um Heartless e In Your Eyes. Depois de muita expectativa para ouvir o projeto na íntegra, a espera finalmente acabou, vamos lá!
Começamos com um começo suave e habilidoso, Alone Again é um sonho, com produção de primeira classe. A escrita de Tesfaye parece ter amadurecido ainda mais, e parece que este álbum será uma verdadeira experiência. Este não é tão pop quanto você poderia esperar para uma abertura, em vez disso, é uma obra-prima cinematográfica ousada, inspirada em ficção científica. Durante as próximas faixas, vemos uma ampla gama de influências musicais; especialmente nas batidas. Começando com Too Late, uma faixa com toque de dubstep/garagem de campo esquerdo, com sintetizadores que caberiam na trilha sonora de Stranger Things (e bateria que poderia ser retirada de Burial ou Synkro). O álbum continua se abrindo como um bom livro, e a estranha vibração de drum'n'bass no estilo Etherwood de Hardest To Love é calmante. Evoca sentimentos de primavera, mas aqui o som vocal de Tesfaye é reservado e, na pior das hipóteses, um pouco Disney. Em seguida, mergulhamos em Scared to Live, com seu órgão de igreja e caixa rom-com dos anos 80. Parece uma cena chuvosa de um filme sentimental ou uma balada poderosa; que até Elton John ficaria orgulhoso. Suas letras são diretas e pessoais, referindo-se a sentimentos familiares de dúvida “com medo de viver de novo”, “não sou nada do que costumava ser”. Esse estilo retrô é revisitado mais tarde, mas de uma maneira muito mais divertida. Se você estava relaxando no sofá até o último, pode se ver dançando pela cozinha ao som de Blinding Lights. Permanecemos no reino digital dos anos 80 nas duas faixas que se seguem, mas elas são muito menos emocionantes (tendendo até mesmo a ser cafona). Suas letras são diretas e pessoais, referindo-se a sentimentos familiares de dúvida “com medo de viver de novo”, “não sou nada do que costumava ser”. Esse estilo retrô é revisitado mais tarde, mas de uma maneira muito mais divertida. Se você estava relaxando no sofá até o último, pode se ver dançando pela cozinha ao som de Blinding Lights. Permanecemos no reino digital dos anos 80 nas duas faixas que se seguem, mas elas são muito menos emocionantes (tendendo até mesmo a ser cafona). Suas letras são diretas e pessoais, referindo-se a sentimentos familiares de dúvida “com medo de viver de novo”, “não sou nada do que costumava ser”. Esse estilo retrô é revisitado mais tarde, mas de uma maneira muito mais divertida. Se você estava relaxando no sofá até o último, pode se ver dançando pela cozinha ao som de Blinding Lights. Permanecemos no reino digital dos anos 80 nas duas faixas que se seguem, mas elas são muito menos emocionantes (tendendo até mesmo a ser cafona).
Onde este projeto realmente atinge um home run, é praticamente um tapa no meio; então, se você só tem tempo para alguns, sugerimos que comece com Snowchild. Este é um R&B contemporâneo e ambiente no seu melhor, apresentando letras preocupantemente suicidas desde o início e o melhor arranjo do álbum até agora. Não há onde se esconder, os vocais iniciais de Tesfaye contam uma história que é mais fácil de seguir; além de ser muito mais fácil de ouvir como uma música, em comparação com os contos épicos anteriores. Parece mais uma música pop, em vez de uma peça teatral que poderia ser mais adequada para uma trilha sonora. Suas palavras são mais uma vez introspectivas e pessoais “mansão de 20 milhões, nunca morei nela, piscina de borda zero, nunca mergulhei nela”. Essa profundidade é acompanhada pela produção, garantindo que você queira continuar ouvindo; e conforme o álbum se desenvolve, a expectativa só aumenta. É seguida por outra música bastante semelhante, com sons de bateria únicos e vocais impressionantes, mas até agora nada se destaca como The Hills, e ainda não ouvimos algo tão amigável para o rádio quanto I Can't Feel My Face. No entanto, é provável que isso seja algo que Tesfaye considerou, e talvez After Hours seja mais uma peça conceitual do que uma coleção de singles de sucesso?
Podemos ter falado cedo demais, porque na faixa 7, Heartless vem correto. Aqui tudo é mais nítido, as palavras mais sinceras e genuínas. O carisma de Tesfaye é inegável, enquanto ele canta sobre sua aparente aversão pela indústria da música “há sete anos que nado com os tubarões”. Tesfaye é um vocalista ágil que parece ser capaz de se encontrar em qualquer lugar musicalmente, mas estamos lutando para ignorar a semelhança dessa música com a faixa de mesmo nome de Kanye West. Há algum conteúdo verdadeiramente deprimente em grande parte do álbum, ele já admitiu que não pode ficar sozinho de novo, que está com medo de viver de novo, e então em Faith ele nos diz “eu perdi meu caminho, estou perdendo minha religião todos os dias”. Até mesmo a capa do álbum é projetada para fazer você se sentir desconfortável,
À medida que o álbum se aproxima do fim, sua penúltima peça titular é mais moderna, com um bumbo que pode levar você a acreditar que seus alto-falantes quebraram. Então, para o final, pouco antes de as cortinas fecharem, almofadas exuberantes, bateria em ritmo de caracol, estabelecem as bases para um incrível sintetizador principal. Essa nebulosidade é acompanhada por vocais desbotados, quase esperançosos “Eu nem quero mais ficar chapado, só quero isso fora da minha vida”.
Esperemos que The Weeknd esteja a caminho da recuperação, mas estes temas de isolamento e solidão são uma combinação perfeita para este tempo de distanciamento.
A cantora e compositora brasileira OAKS, atualmente radicada em Montreal, no Canadá, apresentou o single de estreia “worst nightmare” junto com um clipe produzido para a faixa.
O vídeo foi dirigido por Thaynara Peri e mostra a artista sozinha em casa, percorrendo os cômodos da residência. A sonoridade da canção passeia pelo alt-pop, electropop e synth-pop e a letra fala de uma relação vivida ao lado de uma pessoa instável emocionalmente.
A canção traz um tom de desabafo, com a artista falando da insegurança diante da incerteza sobre o que a outra pessoa queria:
Me sentia sempre ‘no escuro’, como se nunca tivesse respostas concretas. Isso me fazia pensar muito, ter ansiedade, mas, ao mesmo tempo, não conseguia sair dali por sentir algo tão intenso e que sempre me prendia à ela. Por isso, parecia um pesadelo. Passei grande parte do período em que vivi essa relação sozinha, com meus milhões de pensamentos e foi em um desses momentos que escrevi a música
O novo projeto musical da cantora surgiu há cerca de um ano e “worst nightmare” teve a produção da própria OAKS em parceria com Rodrigo de Souza.
Com o lançamento, ela explora a intensidade de seus sentimentos e reflete a respeito do que poderia ter dado certo e a expectativa que invade nossas cabeças quando começamos a gostar de alguém.
Esse é só o começo de uma trajetória que tem tudo para renovar o indie pop brasileiro e você pode acompanhar o trabalho de OAKS pelo Instagram.
A banda Valuá liberou nas plataformas de streaming o visualizer da canção “Não Quero Dormir”, que estará no disco Não Tem Porque Dizer Adeus.
A letra da música fala sobre paixão e reconciliação, conflito e afeto, trazendo um olhar delicado sobre a intimidade de duas pessoas.
“Quem já teve um relacionamento sabe que existem discussões que se resolvem só no dia seguinte e que as madrugadas algumas vezes servem de palco pra prazeres e crises. Só entende quem namora, sabe?,” analisa Rodrigo Reis, vocalista do grupo.
Jay Horsth e Eliel Sartori
O cantor e compositor Jay Horsth, da banda Young Lights, lançou em parceria com o músico Eliel Sartori a faixa “Heart of a Child”. Esta é a quarta parte de um projeto de Eliel dedicado para sua filha, Ivi.
Jalma
O cantor e compositor fluminense Jalma divulgou nos serviços de streaming o clipe da música “Esquece”. O vídeo foi dirigido pelo próprio artista junto com Kleber Paredes e explora o relacionamento amoroso de um casal.
“Cada lançamento é uma história nova que eu vivo. ‘Esquece’ é o meu quarto lançamento e dessa vez eu quis trazer algo deferente e desafiador. Sou artista independente e como sabemos nada cai do céu, mas é gostoso viver as aventuras da carreira. Nesse projeto, eu montei uma campanha interna, chamada ‘patrocinadores do coração’ entre amigos para que conseguisse chegar no valor que precisava na realização desse trabalho. Cada lançamento eu procuro investir no que consigo alcançar,” afirmou o cantor.
Em Abril de 2021, Jalma estreou sua carreira solo com a faixa “Pensando na Gente” e deve lançar ainda neste ano a canção “Sobre Ontem”.
Numa altura em que não podemos contar com quase nada, em que tudo é provisório e indefinido, os planos furam-se com extrema facilidade e as previsões falham a cada variante, há quem contrarie (e muito bem) a dependência no destino.
Não obstante de uma crítica ser sempre um monólogo temperamental, e das qualidades evocadas poderem não existir para o próximo, se um disco é merecedor de uma dissecação minimamente pormenorizada, onde há fumo há fogo…
E no caso de Beth Jeans Houghton é caso para dizermos que há lava incandescente! No seu terceiro trabalho sob o cognome psychedelic-pop “Du Blonde”, Beth Jeans emancipa-se em todos os quadrantes. Apesar dos inúmeros sinais prévios que esta multi talentosa artista já havia dado, ao realizar e animar videoclipes para vários artistas, incluindo Red Hot Chili Peppers, Ezra Furman ou os LUMP de Laura Marling, Beth não se aburguesou. Antes pelo contrário, pressentiu que a sua intrepidez criativa não teria que se esgotar em parcerias visuais.
E porque não ser ela a convidar artistas para majorar as suas próprias criações? Chegara a hora de Du Blonde ensimesmar-se e fazer um dedo do meio à indústria da música e da arte em geral. Homecoming surge na carreira de Beth como uma extensão do seu trabalho pessoal de cura e reabilitação psiquicas, após um período difícil em que a artista se viu mergulhada num grave problema de ansiedade. Este álbum representa um verdadeiro manifesto DIY, pejado de independência criativa e uma incrível determinação artística desta “miuda” inglesa de 32 anos. Escrito, produzido e realizado em nome próprio, para mim, vulgo consumidor de música e péssimo músico amador, só esse feito chega para perder, pelo menos, 5 minutos a folhear rapidamente o manifesto de Du Blonde. Foi o que fiz e em nada me arrependo. Que surpresa deliciosa… Divertimento garantido, apesar das canções deixarem transparecer a contenda que teve que travar consigo mesma. E não serão essas as lutas que mais nos consomem, por não termos em quem culpar os desvarios emocionais da nossa res cogitans?
Homecoming traz-nos de facto de volta à casa de partida. Aquela onde, pelo menos para mim, quase tudo realmente começou. Estavamos em Boston, no ano de 1986, data em que o quarteto americano irrompeu na história da música. Se antes já havia ficado pasmado com outras bandas, foi com Pixies que a minha maturidade musical se consolidou. Foi com Surfer Rosa que completei a edificação da minha consciência musical. Daí para diante a música deixou de ser um acessório para passar a ser também a minha vida. É por demais evidente neste trabalho, o tributo que Du Blonde presta ao legado da banda de Boston- dúvidas houvessem bastar-nos-ía ouvir “Medicated” para ficarmos plenamente esclarecidos. Assim que o disco começa a tocar e as músicas vão-se seguindo, Pixies e Breeders voltam-nos à memória a cada virar de acorde, umas atrás das outras. Está lá tudo! Mas, e é este mas que me faz escrever sobre este álbum, também lá estão as letras e composições de Du Blonde, e a sua voz despida de travestismos pessoais (ainda que formidavelmente distorcida em “Smoking Me Out”).
Uma pequena grande homenagem em versão comprimido, para curar saudades de ser adolescente inconsequente e não ter vergonha de querer ser ansiosamente feliz! Quer-me parecer que não vou ser o único a usar este remédio nos próximos tempos…
Primeira antologia completa em 3CD da banda pop psicodélica cult do final dos anos 60 do Reino Unido, The Mirage. Apresenta todos os seus singles (incluindo lançamentos pseudônimos), inúmeras demos, gravações inéditas e sessões da BBC.
.jpg){kind=spacer}
.jpg){kind=spacer}
