Richie Furay e Timothy B Schmit, The Troubadour, 16 de novembro de 2018
Richie Furay anunciou que está se aposentando de uma agenda de turnês como atração principal. (Ele fez várias datas de despedida em 2020 e novamente em 2022, e tem pelo menos uma em 2023; veja aqui .) Em 2018, ele comemorou o 50º aniversário do Poco com uma breve turnê em clubes focada no álbum ao vivo de 1970 da banda de country rock, Entregando . Em 16 de novembro de 2018, o célebre músico foi acompanhado no Troubadour em West Hollywood por seu ex-colega de banda, Timothy B. Schmit, para várias canções.
A turnê foi anunciada como apresentando músicas adicionais das duas outras bandas de curta duração, mas memoráveis, de Furay: Buffalo Springfield e Souther, Hillman e Furay. (Foi lançado como um álbum de concerto ao vivo 50th Anniversary Return to the Troubadour em 2021 como um CD duplo, bem como um único filme de concerto em DVD. Infelizmente, não parece mais estar disponível nos Estados Unidos)
Após a separação de Springfield, Furay e o colega de banda Jim Messina formaram o Poco com Rusty Young, George Grantham e Randy Meisner em 1968. Um ano depois, a banda lançou seu primeiro álbum, Pickin 'Up the Pieces , uma referência não tão sutil ao rompimento de Buffalo Springfield. E, exceto em 1979, e por meio de inúmeras mudanças na formação, cada ano significava um novo lançamento do Poco.
No entanto, apesar de seu pedigree e aclamação, a banda nunca alcançou verdadeiramente o sucesso previsto. Em seus primeiros 10 lançamentos, nenhum álbum alcançou mais de 38º lugar na parada de álbuns. O mesmo vale para as rádios pop: canções memoráveis como "You Better Think Twice", "A Good Feelin' To Know" e "Rose of Cimarron" falharam em agradar os 40 principais programadores de rádio em uma época em que as bandas de country rock eram sendo abraçado pelo formato.
Como prometia o projeto do Troubadour, o repertório incluía material de todas as bandas de Furay.
Assista Furay cantando “Go and Say Goodbye”, escrita por Stephen Stills e lançada originalmente no álbum de estreia autointitulado de Buffalo Springfield em 1966
Uma banda proeminente com muitas raízes country rock - e muito sucesso no Top 40 - foram os Eagles, a quem Schmit se juntou em 1977 após seu mandato com Poco. Ele se reuniu com Furay muitas vezes ao longo dos anos e quando os Eagles fizeram uma pausa prolongada entre suas muitas datas de 2018 e a turnê mundial de 2019, Schmit foi um convidado importante no show de seu amigo no Troubadour.
Assista Furay e Schmit no final da noite, “A Good Feelin' To Know”
(Meisner, o primeiro baixista de Poco, estava nos bastidores do show, mas não se apresentou.)
Veja a banda tocar três músicas favoritas do Poco
Ironicamente, Poco obteve seu maior sucesso vários anos após a partida de Furay, com seu álbum de 1978, Legend , e seus sucessos gêmeos, "Crazy Love" e "Heart of the Night".
Na primavera de 1973, o movimento Southern Rock estava solidamente entrincheirado. O primeiro catalisador do gênero, a Capricorn Records, de Phil Walden, com sede na Geórgia, foi uma das primeiras histórias de sucesso de uma gravadora independente da era do álbum do rock.
The Allman Brothers Band lançou não apenas seu inovador LP duplo At Fillmore East (1971), mas também o comparável Eat a Peach (1972) - sua última gravação com o irmão Duane Allman - com Brothers and Sisters (agosto de 1973) não muito longe atras do. Wet Willie também havia lançado dois álbuns, e sua descoberta com o single “Keep On Smilin'” ainda faltava um ano. Apenas White Witch, a estranha banda da Capricorn Records (sua imagem é mais glitter-rock do que Southern rock), não conseguiu ganhar força.
Enquanto isso, trabalhando para MCA, ao contrário de Capricórnio, Lynyrd Skynyrd lançou seu primeiro álbum produzido por Al Kooper, Pronounced 'Lĕh-'nérd 'Skin-'nérd. Esse LP continha “Gimme Three Steps”, mas, muito mais importante, um álbum de nove minutos mais próximo que se tornaria um hino do rock sulista: “Free Bird”.
The Marshall Tucker Band em uma foto promocional inicial
Com a maior parte da ação saindo da Geórgia e da Flórida, era hora da vizinha Carolina do Sul entrar no jogo. A banda Marshall Tucker Band de Spartanburg, SC Spartanburg é “quieta, rural, suave”, Jerry Eubanks, flautista, saxofonista e tecladista da banda, explicou-me em um show na Evans Fieldhouse da Northern Illinois University em DeKalb, Illinois, em dezembro de 1974 “As pessoas [em Spartanburg] não sabem muito sobre rock 'n' roll, mas não te incomodam. O clima é temperado. As montanhas não deixam que fique muito quente ou muito velho.”
Eubanks também foi rápido em explicar que ninguém na banda se chamava Marshall Tucker. Em vez disso, o nome emanou de uma inscrição em uma chave que abria a porta da antiga sede do grupo. A banda descobriu mais tarde que o armazém que estava alugando para ensaio havia sido alugado por um afinador de piano cego. Os membros praticavam naquele espaço cinco noites por semana e todos também trabalhavam durante o dia. Ocasionalmente, eles tocavam localmente. Assim que sentiram que seu repertório havia solidificado o suficiente, eles contataram Phil Walden no complexo de Capricórnio de Macon.
Em abril de 1973, a Marshall Tucker Band lançou seu primeiro álbum pela Capricorn, produzido por Paul Hornsby, cujos créditos também incluíam Gregg Allman, Elvin Bishop, Charlie Daniels Band, Captain Beyond, Livingston Taylor e Grinderswitch. Hornsby tocou com Duane e Gregg Allman em dois precursores dos Allman Brothers, o Hour Glass e o Allman Joys.
O álbum homônimo da Marshall Tucker Band saiu das gráficas em 1973 e gerou dois sucessos, "Take the Highway", com sua coceira para divagar, e o lamento do amante "Can't You See". (Quarenta e nove anos e várias novas tecnologias depois, é justo dizer que “Can't You See” foi o maior sucesso dos dois, registrando 174 milhões de giros no Spotify em comparação com os nada respeitáveis oito milhões de giros para “Take the Highway .” “Can't You See” foi relançado e retrabalhado como single quatro anos depois, em 1977, e foi destaque na cinebiografia de Tonya Harding de 2017 , I, Tonya. )
“Podemos estar ficando grandes”, explicou Eubanks em 1974, “mas nunca pretendemos fazer sucesso. Nosso single, 'Take the Highway', era apenas a faixa do LP cortada. Nenhuma de nossas músicas é concebida como single. Não queríamos pensar em entrar nesse lado do mercado até que nossos álbuns nos provassem. Se acontecer agora, eu não me oporia. Se uma banda começa com um hit, ela fica com eles. As pessoas começam a vir aos shows para ouvir o single e você consegue um público diferente.”
Dito isso, é difícil imaginar que a banda, que já dura meio século e ainda grava e faz turnês, se oporia a ter um disco de sucesso hoje em dia. (Acontece que eles tinham mais alguns no idioma do rock antes de mudar para o country mainstream nas décadas posteriores. Ou, mais precisamente, o country mainstream já havia chegado ao que a Tucker Band sempre fez.)
“Acho que você poderia dizer uma vez, o resto da nação pensou que éramos caipiras”, disse Eubanks. “Agora eles estão chegando e vendo que muitas de suas bandas do norte não são tão boas. Otis Redding, ele era a música do sul no sentido mais verdadeiro. Não consigo me lembrar de uma época em que não houvesse música sulista.”
O álbum de estreia, como o próprio espectro do rock sulista, mostrou mais diversidade do que os primeiros fãs de Allman e Skynyrd deram crédito. Enquanto “Ramblin'” é um número de boogie do sul que teria ficado em casa em um dos primeiros álbuns de Allmans, “Losing You” expandiu o escopo da instrumentação com sua intrincada trama de bandolim, pedal steel e piano.
A folclórica “Ab's Song”, que pelo que vale a pena ostenta a terceira maior popularidade do álbum nas décadas que se seguiram, é o último pedido de um jovem moribundo: “Se eu morrer aos 23 anos, você me enterraria ao sol? Por favor, deixe-me saber que você ainda é meu. E quando a grama crescer sobre mim, deixe-me saber que você ainda me ama.”
A estranha música do álbum, no entanto, é uma versão ao vivo do clássico do blues de 1935 “Every Day I Have the Blues”, originado por Aaron “Pinetop” Sparks e Milton Sparks, e coberto após a Segunda Guerra Mundial por Memphis Slim e BB King. . A jam de blues de 12 minutos, começando com um solo de guitarra de Toy Caldwell, poderia ter sido uma faixa do Allmans ' At Fillmore East .
Avançando para os dias atuais, a discografia da banda Marshall Tucker cresceu para 22 álbuns de estúdio e sete álbuns ao vivo, com 12 álbuns de compilações também. Quando o Capricorn faliu no final dos anos 70, a banda mudou para a Warner Bros. Em 1980, o co-fundador e baixista Tommy Caldwell (irmão de Toy) sofreu um traumatismo craniano grave em um acidente de carro e faleceu logo depois. Em 1984, os únicos membros originais remanescentes eram Eubanks e o vocalista Doug Gray. Em 1993, a banda abraçou formalmente Nashville e vice-versa - Garth Brooks contribuiu com uma música ("Walk Outside the Lines"), chamando a oportunidade de escrever para eles um "marco" em sua própria carreira estratosférica. A banda marcou cinco sucessos country nas paradas (tinha nas paradas country três vezes no final dos anos 70). Eventualmente,
Prêmio disco de ouro RIAA para o LP de estreia
“Somos uma banda de músicos sérios”, concluiu Eubanks enquanto conversávamos em 1974, “então temos pouco a ver com o rádio AM. Não nos sentimos restritos. Faremos isso desde que permaneça interessante e não restritivo. Pode ser três semanas. Pode ser 10 anos.”
Tente 50 anos! E sem fim à vista!
Vídeo Bônus: Dois jovens reagem ao ouvir “Can't You See” pela primeira vez.
Neste post, colocarei algumas das melhores e mais marcantes linhas de bateria do rock, não se atendo só a introdução, mas na música toda, tocadas por alguns youtubers, pra poder se observar melhor o que foi feito nas músicas dando o foco ao baterista.
30 Seconds To Mars - Kings and Queens (Shannon Leto) - O baterista do vídeo adicionou alguns fraseados a mais nessa linha, mas a versão está tão sensacional que merece ser compartilhada.
O Bon Jovi vinha da explosão planetária e da conquista do mundo proporcionada pelos álbuns Slippery When Wet (1986) e New Jersey (1988) quando Jon Bon Jovi e os demais músicos sentiram necessidade de dar uma parada para respirar e absorver melhor tudo que estava acontecendo com a banda. O período, que seria de pausa, acabou levando os dois principais compositores do quinteto, Jon e o guitarrista Richie Sambora, a explorarem novos caminhos e darem início às suas carreiras solo.
Enquanto Sambora colocou Stranger in This Town nas lojas em 1991, o vocalista estreou um ano antes com Blaze of Glory. A ideia para o álbum veio do convite do ator Emilio Estevez, que conversou com Jon para conseguir a permissão para incluir “Wanted Dead or Alive” na trilha do seu então novo filme, Young Guns II (no Brasil, Jovens Demais Para Morrer). Bon Jovi entendeu que a letra não conversava com a história contada no filme e decidiu compor uma música que tivesse mais a ver com período e o cenário da obra. Rapidamente, escreveu “Blaze of Glory” acompanhado apenas do violão e tocou a canção para Estevez e para o roteirista John Fusco. A recepção foi excelente e nova composição se tornou a música tema do longa. Isso motivou Jon, que mergulhou de cabeça no projeto e concebeu as outras nove canções que fizeram parte da trilha de Jovens Demais Para Morrer.
Musicalmente, Blaze of Glory traz Jon Bon Jovi equilibrando novos caminhos com sonoridades familiares aos fãs. A música que abre o álbum, “Billy Get Your Guns”, poderia estar tranquilamente nos dois discos anteriores do Bon Jovi. Mas o que dá um tempero todo especial para Blaze of Glory é a inserção de elementos country e de western para as baladas do vocalista. Isso acontece não apenas na música título, que se tornou um dos seus maiores sucessos e foi tocada inúmeras vezes pelo Bon Jovi em seus shows, mas também em pérolas como “Miracle” e “Santa Fe”. A primeira é uma típica balada hard rock e que se tornou hit no mundo todo, enquanto a segunda traz uma das melhores interpretações vocais de Jon em toda a sua carreira e é uma das pérolas de seu repertório.
É preciso mencionar o time de músicos que tocou em Blaze of Glory, que inclui Jeff Beck (responsável pelos solos antológicos de “Miracle” e “Blaze of Glory”), Robbin Crosby (guitarrista do Ratt), Kenny Aronoff (baterista com longa ficha corrida e um dos mais requisitados músicos de estúdio dos EUA), Elton John (que toca piano em todas as canções), Aldo Nova (guitarrista que tocaria no próximo álbum solo de Jon, Destination Anywhere, lançado em 1997), o lendário Little Richard (que canta e toca piano em “You Really Got Me Now”), e muitos outros.
O sucesso foi enorme e mostrou que Jon Bon Jovi era uma marca forte mesmo descolado de sua banda. O disco chegou ao terceiro lugar do Billboard 200, ao segundo posto na Inglaterra, vendeu mais de 2 milhões de cópias nos Estados Unidos, venceu o Globo de Ouro de Melhor Trilha e foi indicado ao tanto ao Oscar quanto ao Grammy. Além disso, marcou a estreia cinematográfica do vocalista, que a partir de então faria diversos filmes e séries e teria até mesmo um papel recorrente no seriado Ally McBeal (2002).
Jovens Demais Para Morrer teve a sua trilha perfeita. E Bon Jovi comprovou na prática que, não importasse a idade de sua música, ela jamais seria esquecida.
O Modern Talking nasceu em 1983 com a união do vocalista Thomas Anders e do produtor, compositor e guitarrista Dieter Bohlen. Quase que imediatamente, a banda se tornou um sucesso em seu país natal, a Alemanha, e em toda a Europa. A dupla é apontada como uma das precursoras do euro-disco, variação da disco music que foi muito popular na década de 1980, inclusive aqui no Brasil, onde as músicas da banda eram presença certa nas festas da época.
Desde o primeiro single, “You´re My Heart, You’re My Soul”, o Modern Talking sacudiu não só as pistas de dança, mas também o mercado. O compacto com a música chegou ao top 10 em 35 países e vendeu mais de 8 milhões de cópias em todo o mundo. Esse sucesso estabeleceu a fórmula vencedora da dupla Thomas e Dieter: melodias grudentas amparadas por batidas dançantes, que cresciam nos refrãos cantados em coro e repetidos em falsete. Essa receita está em todos os maiores clássicos do Modern Talking: a já citada “You’re My Heart, You’re My Soul”, “Cheri Cheri Lady”, “Brother Louie” e “Geronimo’s Cadillac”. As quatro foram lançadas em sequência, encabeçando o quarteto de álbuns que a banda gravou entre 1985 e 1986.
25 Years of Disco-Pop é uma compilação dupla que foi lançada em comemoração aos vinte e cinco anos do single de estreia do Modern Talking. O CD duplo traz 32 faixas que reúnem o melhor da produção de Anders e Bohlen, além de takes alternativos, remixes e músicas raras. A Sony Music lançou a coletânea no Brasil no mesmo ano do lançamento internacional, sabendo da popularidade do duo por aqui. A edição brasileira vem em um digipack de três faces e conta com um encarte de oito páginas totalmente em português, que conta a história da banda.
Ouvindo a compilação, fica evidente o motivo pelo qual o Modern Talking foi um fenômeno, e também porque esse fenômeno perdeu força rapidamente. Dieter Bohlen nunca conseguiu se distanciar da fórmula que tornou a música do grupo famosa, e os singles que não alcançaram sucesso planetário deixam isso bem claro, transmitindo a sensação de estarmos ouvindo variações sobre um mesmo tema. Ainda que canções como “Just Me Two (Mona Lisa)” e “Atlantis is Calling (S.O.S. For Love)” tentem sair da fórmula padrão, são apenas ingredientes sutis dentro de uma receita de sucesso que vendeu milhões de discos.
Musicalmente, o som do Modern Talking é baseado em bateria eletrônica e com uma profusão de teclados, que além das melodias criam também camas onde o vocal agradável de Thomas Anders deita e rola. A música do duo soa totalmente deslocada para ouvidos mais jovens, mas carrega um aspecto emocional e geracional muito forte, pois marcou quem a conheceu em uma época onde a vida era menos complicada. E, nesse ponto, entra o fator que torna a música a mais subjetiva das artes: o significado que as canções da dupla alemã possuem para ouvidos hoje na casa dos 40 e 50 anos, que variam entre recordações saudáveis e o entendimento que só a maturidade é capaz de trazer. Pois, mesmo não curtindo tanto na época – como é o meu caso -, revisitar esse passado traz uma sensação prazerosa que vale a pena sentir em tempos como o que vivemos, onde a música, a cultura e própria vida passam na velocidade da luz e as pessoas se tornam cada vez mais incapazes de perceber os pequenos detalhes que tornam a música, e a própria vida, uma experiência única e que sempre vale a pena.
25 Years of Disco-Pop está fora de catálogo há um bom tempo aqui no Brasil. O que é uma pena, pois o Modern Talking marcou uma época mais inocente da música eletrônica e dançante com seus hits, além de fazer história como o artista pop alemão de maior sucesso de todos os tempos, com mais de 120 milhões de discos vendidos.
Matt Heavy, líder do Trivium, já havia revisitado suas raízes nipônicas – filho de mãe japonesa e pai norte-americano, ele nasceu em Iwakuni, no Japão, em 1986 – no quarto álbum da banda, Shogun (2008). Agora, retorna a um universo semelhante em Rashomon, disco de estreia do Ibaraki.
Essencialmente, o Ibaraki é um projeto de black metal progressivo que Heafy desenvolveu ao longo dos anos com a ajuda e participação de lendas do metal extremo como Ihsahn (Emperor) e Nergal (Behemoth), além do multitarefa Gerard Way (My Chemical Romance e autor da série de HQs The Umbrella Academy). Seus colegas de Trivium também batem ponto: o guitarrista Corey Beaulieu toca em diversas faixas, o baixista Paolo Gregoletto faz uma participação especial em “Kagutsuchi” e o baterista Alex Bent assume o instrumento em todo o álbum.
A música do Ibaraki alterna momentos de peso massacrante com passagens atmosféricas, com Heafy variando entre vocais guturais e limpos. Sonoramente, contrasta bastante com o Trivium atual, que conseguiu unir peso, violência e melodia de forma magistral em seus discos recentes. Todas as canções de Rashomon trazem títulos em japonês e são longas, variando entre cinco e mais de nove minutos. É uma epopeia sônica que se revela, em diversos aspectos, como a obra mais pessoal que Matt Heafy já deu ao mundo, com uma profundidade lírica, musical e artística nunca vista nos álbuns de sua banda principal.
Produzido pelas mãos habilidosas e experientes de Ihsahn, um dos músicos mais influentes e uma das maiores lendas da cena black metal norueguesa, e mixado por Jens Bogren, produtor sueco que assinou Quadra, do Sepultura, e Omni, do Angra, Rashomon é desafiador em alguns momentos, porém cativante em sua totalidade.
Lançado no Brasil pela Shinigami Records em uma edição em acrílico, o CD vem com encarte de dezesseis páginas e uma mídia picture muito bonita, que valorizam ainda mais a obra de Heafy.
Os fãs do Trivium poderão estranhar o mergulho do vocalista e guitarrista de sua banda favorita no universo do metal extremo, e Rashomon talvez não agrade uma parcela dos admiradores de discos como What the Dead Men Say (2020) e In the Court of the Dragon (2021). Mas o fato é que, explorando mais a fundo um aspecto que sempre esteve presente em sua musicalidade, Matt Heafy demonstra o quão amplo é o seu espectro artístico e deixa abertas muitas possibilidades para os anos que virão.
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