Tordo Eremita: o pássaro que consegue reproduzir a escala musical

 

Todos os músicos sabem que a escala musical começa a partir de uma nota base às quais se sucedem outras notas que, gradualmente, aumentam de tom, partindo sempre da nota original. Foi a partir do conceito de escala musical que uma equipa de investigadores da Smithsonian comprovou que cerca de 70% das canções de um certo pássaro, o tordo eremita, seguem a escala musical.

O tordo eremita do sexo masculino (Catharus guttatus) consegue cantar entre 6 a 10 tipos de música, que tendem a contar com sons mais agudos e rápidas. Além do mais, estas músicas começam normalmente com um assobiar muito baixinho que vai aumentando gradualmente. A partir desta primeira análise, a Dra. Emily Doolittle, compositora do Cornish College of the Arts em Seattle e  o biólogo Tecumseh Fitch, da Universidade de Vienna, iniciaram uma investigação que é no mínimo interessante.

No total, esta dupla de investigadores analisou 144 tipos de músicas diferentes produzidas por 14 tordos eremitas masculinos. A partir desta análise meticulosa, os investigadores concluíram então que 70% das músicas do Tordo Eremita podiam ser associadas à escala musical humana, ou seja, tais composições criadas pelos pássaros eram semelhantes às composições que podiam ser de facto feitas por compositores humanos.

“Ouvindo as músicas à velocidade normal, percebemos que eram muito atraentes, mas não tínhamos qualquer indício de que pudessem beber da escala musical”, disse a Dr. Doolittle, referindo-se à fase que antecedeu à investigação.

Uma vez que iniciaram a análise, começando então por abrandar as músicas, os especialistas  conseguiram então detetar padrões da escala musical que eram, na verdade, bastante claros. Apenas 5% das músicas analisadas parecia ser composta meramente por notas aleatórias.

Os investigadores estão agora curiosos para saber por que razão consegue o tordo eremita cantar melodicamente, uma vez que o trato vocal de um pássaro não é especialmente concebido para produzir notas específicas de uma escala musical.

Na mesma investigação, a Dr. Doolittle enfatizou que os pássaros, ainda que componham as suas músicas deliberadamente usando escalas musicais, costumam no entanto usar intervalos e pausas que podem ser também encontradas na música humana.

Por exemplo, investigações anteriores mostraram que galinhas domésticas costumam usar notas consonantes – uma combinação de notas que parecem agradáveis quando tocadas ao mesmo tempo.

“A escala musical é, acima de tudo, um fenómeno físico, não uma construção culturalmente específica, por isso faz sentido que possa ser encontrada em canções de uma variedade de espécies diferentes”, escreve a Dr. Doolittle na investigação.

A investigadora acredita ainda que, uma vez que os seres humanos partilham características musicais com outras espécies, pode haver algo na nossa biologia que faz com que certas combinações de notas sejam de facto mais atraentes que outras.

Resenha do álbum: Floating Points – Crush

 

Analisamos Sam Shepherd, também conhecido como Floating Points, em 2017, e falamos muito bem de seu álbum experimental Mojave Desert. Desde então, ele tem apoiado o The XX em sua turnê e tem apresentado um show ao vivo improvisado alucinante; como sua última oferta, Crush, se compara?

Crush é o terceiro álbum deste multitalentoso músico, produtor e neurocientista originário de Manchester. Sua produção está estável desde que ele apareceu por volta de 2009, mas não ouvimos nada dele por quase 2 anos. Shepherd é um artista especialmente criativo, que se inspira nos mundos da síntese modular e do techno, bem como na tradição da batida do hip-hop de samplear peças raras de vinil. Esse ethos lhe rendeu um catálogo extremamente impressionante, com afiliações de gravadoras que vão de Ninja Tune a Planet Mu. Seu trabalho inicial como DJ certamente o preparou bem, mas seu trabalho ao vivo lhe rendeu uma de suas maiores conquistas até hoje. Seu conjunto Floating Points ao vivo de 16 peças ganhou o prêmio de “Melhor Sessão de Maida Vale da BBC Radio 1”, e alguns de vocês podem ter visto a aparição de sua banda no festival de Glastonbury (que também foi ao ar pela BBC). Além dessa atividade, Shepherd também encontra tempo para lançar lançamentos de ARP 101, Funkineven, Fatima e mais via Eglo Records, que ele co-fundou.

Crush é muito menos intenso do que seus programas audiovisuais recentes sugeririam, e começa com uma peça de declaração real na forma de Falaise. O arranjo cinematográfico é tão suave que os ouvintes podem aumentar o volume de seus alto-falantes e, quando você ouve a emotiva seção de cordas, tudo começa a gaguejar. Há uma influência definitiva do jazz e da música clássica aqui, misturando elementos eletrônicos e acústicos como faz o Bonobo. À medida que a peça requintada aumenta, também aumenta a tensão; e a expectativa do que está por vir. Um silêncio corajoso leva às batidas quebradas e cheias de falhas de Last Bloom, uma oferta menos dramática que leva os ouvintes a uma paleta mais futurista. Os fãs de Bicep certamente apreciarão esta, e muitas das faixas de Crush também ficam naquele espaço confortável entre a pista de dança e a audição em casa. Fãs de longa data de Floating Points ficarão felizes em ouvir um passo atrás em seu antigo som, homenageando os primeiros dias das noites FWD>> no Plastic People. Tanto em Bias quanto em Anasickmodular, ele canaliza seu Burial interior e interpreta a era em que o dark garage floresceu no dubstep, mas com uma pitada sutil de inovação IDM. Na verdade, a música eletrônica underground do Reino Unido se infiltrou neste álbum mais de uma vez, com acenos de selva e breakbeat também aparecendo aqui e ali. Shepherd sabe o que funciona em um clube e não tem medo de misturar seus estilos do passado e do presente com grande efeito. Tanto em Bias quanto em Anasickmodular, ele canaliza seu Burial interior e interpreta a era em que o dark garage floresceu no dubstep, mas com uma pitada sutil de inovação IDM. Na verdade, a música eletrônica underground do Reino Unido se infiltrou neste álbum mais de uma vez, com acenos de selva e breakbeat também aparecendo aqui e ali. Shepherd sabe o que funciona em um clube e não tem medo de misturar seus estilos do passado e do presente com grande efeito. Tanto em Bias quanto em Anasickmodular, ele canaliza seu Burial interior e interpreta a era em que o dark garage floresceu no dubstep, mas com uma pitada sutil de inovação IDM. Na verdade, a música eletrônica underground do Reino Unido se infiltrou neste álbum mais de uma vez, com acenos de selva e breakbeat também aparecendo aqui e ali. Shepherd sabe o que funciona em um clube e não tem medo de misturar seus estilos do passado e do presente com grande efeito.

Crush é o segundo álbum de estúdio do músico eletrônico britânico Sam Shepherd, lançado sob seu pseudônimo Floating Points.

Karakul, no entanto, é provavelmente o ponto mais corajoso do álbum, usando o espaço para contar a história. Seu uso de cliques, pops, pingos e quedas de ficção científica, sons e atmosferas sintéticas fora de ordem e com falhas cria um arranhão na cabeça; no entanto, como um interlúdio antes da batida techno de LesAlpx, faz todo o sentido. Aqueles que se tornaram fãs de Floating Points através de seu álbum Mojave Desert serão atraídos para Birth, um solo de piano espetacularmente bem pensado, onde o instrumento é trocado por um sintetizador analógico muito mais expressivo. Essa mentalidade mais musical e mínima continua com Sea-Watch e Requiem For Strings. Cada faixa é sem bateria ou percussão, mas a elegância dessas faixas pode ser arruinada por camadas rítmicas adicionais. À medida que os projetos chegam ao fim, o ritmo aumenta, e notamos influências do IDM nerd dos anos 90 e da juke efervescente. Há uma estranha beleza em torno da Apoptose pt. 1 e 2, mas para alguns essas peças finais podem deixar um gosto amargo.

Shepherd provou mais uma vez que ele é um verdadeiro mestre em seu ofício, e qualquer crítica aqui foi difícil de encontrar. O álbum é rico e expansivo, mas tem momentos de minimalismo tranquilo e confiante que é incomparável. Muitas das faixas são mais como sinfonias e, como um todo, o álbum parece um livro envolvente. Se você ainda não ouviu, recomendamos que resolva isso o mais rápido possível.

Resenha do álbum: Sunn O))) – Pyroclasts

Os Lordes do Drone Metal Dark Ambient Sunn O))) produziram uma nova e empolgante continuação de seu álbum parceiro, Life Metal 

Os Sunn O de Seattle))) (pronuncia-se “sun”) não são para o fã de música comum, mas mais para o ávido explorador das adaptações mais complexas de seu gênero favorito. Pyroclasts é o que alguns podem chamar de uma extensão ou um álbum parceiro do esforço anterior de 2019, Life Metal - um pico magnífico por si só. As faixas que se manifestaram no álbum já foram as sessões de prática meditativa que aconteciam todos os dias antes da gravação de Life Metal . Essas sessões foram projetadas para sincronizar cada membro um com o outro e funcionaram como uma pausa na pressão constante da gravação; uma espécie de terreno comum para todos os músicos. Além disso, uma qualidade tonal geral, atmosfera e humor compartilham características em ambos os lançamentos.

Os membros principais Stephen O'Malley e Greg Anderson, que estão com o Sunn O))) desde sua criação em 1998 (originalmente tocando e gravando sob diferentes apelidos desde o início dos anos 1990) ainda conseguem oferecer música de ponta em seu respeitado campo. Construindo seu repertório com uma combinação impressionante de guitarras elétricas afinadas, distorção pesada, uso de feedback e uma cornucópia de outros efeitos e ruídos de fundo para culminar em um som poderoso e emocional.

Life Metal foi um excelente exemplo de como todas essas escolhas artísticas se unem de forma eficaz e Pyroclasts estende essa grandeza um pouco mais, mas não tanto quanto o evento avassalador de seu antecessor.

Começando com a faixa “Frost (C)”, ela abre com um brilho de leves drones de guitarra que dançam em torno das frequências mais altas sutilmente, até abrir as comportas de graves e médios pesados ​​entrando por um minuto na faixa . Juntando-se a esses tons colossais estão os efeitos do vento que envolvem o ouvinte em um terreno baldio escaldante, que quando ouvido em um par de bons fones de ouvido pode ser um fenômeno comovente na primeira audição. A partir daqui, ele se desenvolve com os tradicionais swells de guitarra poderosos de Sunn O))) e o rumble low-end.

A segunda faixa “Kingdoms (G)” tem um zumbido pulsante subjacente que lembra uma batida de coração – fazendo a faixa parecer viva e de tamanho colossal. Esse pulso varia ao longo da faixa e diminui conforme se aproxima do final. A faixa aumenta e se desenvolve maciçamente ao longo de seus 11:04 minutos de duração, com alguns gritos de guitarra mais ásperos perfurando a mixagem de vez em quando. Fechando duas faixas “Ampliphaedies (E)” e “Ascension (A)” continuam a forma das duas faixas anteriores com alguns efeitos mais duros inseridos esparsamente para apimentar os procedimentos. “Ampliphaedies (E)” é facilmente o mais sombrio do grupo, com alguns drones profundos e pesados ​​sendo a peça central, enquanto o álbum mais próximo “Ascension (A)” consegue transmitir uma sensação muito mais leve e positiva por meio de seus tons mais brilhantes.

Pyroclasts é uma audição sedutora por si só, mas ouvir isso de costas com Life Metal , onde os dois lançamentos são quase sinônimos, é aqui que o álbum realmente se torna notável. Sunn O))) criaram músicas que fazem o ouvinte refletir, pensar e ponderar sobre os maiores mistérios da vida; cada escuta poderia render uma nova revelação. Uma boa adição à coleção de qualquer fã de música ávido, este álbum vem com algumas das melhores faixas do Drone Metal, mas é ligeiramente ofuscado pelo monumental antecessor da banda. Sunn O))) são conhecidos por serem alguns dos artistas ao vivo mais barulhentos, então assista-os ao vivo para o que certamente será uma experiência emocionante e avassaladora!

Foto: Pedro Beste

Resenha do álbum: Amon Tobin – Long Stories

O produtor de música eletrônica experimental de renome mundial, Amon Tobin, lançou sua continuação para o álbum  Fear In A Handful Of Dust, este mês, onde ele nos levará a seguir nesta jornada ambiental?

A segunda parte da programação deste ano segue o exemplo e é novamente lançada em seu próprio selo Nomark, mas também é uma obra de arte separada. Long Stories parece exatamente isso, contos musicais sobre a descoberta do universo, talvez? Possivelmente Amon Adonai Santon de Araujo Tobin, também conhecido como Amon Tobin, foi inspirado pela movimentação esporádica de sua família quando criança, nascido no Brasil mas com raízes no Marrocos, Holanda, Londres, Portugal e Madeira. Tobin lançou nove álbuns de estúdio no total desde Bricolage de 1997, incluindo dois álbuns no Ninja Tune, bem como dois álbuns sob seu pseudônimo de Two Fingers; trabalhando com o colaborador Doubleclick. Sem surpresa, seu estilo cinematográfico e inovador também rendeu suas aparições musicais em inúmeras trilhas sonoras de filmes, anime e videogames.

O comunicado de imprensa deste álbum sugere que a maior parte do álbum foi feita em apenas um instrumento defeituoso, um substituto da autoharp dos anos 1980. O uso deste Suzuki Omnichord quebrado é proeminente ao longo do álbum, e suas imperfeições instáveis ​​são uma grande parte do charme deste projeto. One Shy Morning é o primeiro single do álbum e foi descrito em detalhes pelo próprio Tobin como “o som de Margot Robbie cavalgando um unicórnio para o sol logo antes de o mundo explodir e tudo o que resta é o fantasma do amor”; um sentimento exaustivo, mas ele realmente pinta um quadro! Ao longo das dez faixas do projeto, ele mostra sua destreza musical e técnica, sem dúvida há muita habilidade por trás dos dois álbuns deste ano.

A peça de abertura flutua à vista com uma timidez que de alguma forma ainda é ousada. Ele apresenta alguns dos únicos elementos percussivos do álbum, bem como uma batida de pandeiro que é provavelmente o primeiro e o último som acústico que você ouvirá. O ouvido e a musicalidade de Tobin permitem que ele se dê bem com alguns momentos ridiculamente desafinados, encontrando beleza em hardware antigo defeituoso. Conhecer as regras e quebrá-las é algo que ele faz de melhor e, para cada elemento estranho que é lançado contra você, há algo para combatê-lo. Por exemplo, suas progressões de acordes totalmente inspiradas em Clear For Blue e Full Panther podem ser negligenciadas por alguns, especialmente aqueles que prestam atenção apenas ao seu design de som incomparável. Em outra parte da Lua Vermelha, alguns dos sons sintéticos são como algo do desenho animado Moomins, com gotas de chuva cósmicas, outros órgãos mundanos,

Este tema também inspirou a arte que o acompanha, retratando um planeta estilo pôster de ficção científica com uma figura solitária à distância. Essa abertura certamente não é acidental, geralmente o ritmo ficou em segundo plano e, quando os tambores aparecem, são apenas para complementar as atmosferas e paisagens sonoras. Em comparação com uma de suas faixas mais populares, Bridge, que se baseia fortemente em uma batida de jazz, a produção deste ano tem sido mais sobre design de som e experimentação. Mesmo que muitas das faixas não tenham bateria, batidas percussivas fortemente afetadas são ocasionalmente usadas para causar impacto, e às vezes até se repetem o suficiente para inspirar uma batida de pé ou um aceno de cabeça (por exemplo, o final de Dust For A Duster). A faixa-título do álbum, Long Stories, é de fato uma de suas peças mais vazias, mas o espaço inquieto no meio é utilizado com grande efeito mais uma vez.

Você pode notar que muitos dos títulos das faixas são excessivamente descritivos, mas a maioria realmente dá uma ideia do que você está prestes a ouvir, Brushed Aluminium Reeds, Sounds Like Moths, One Shy Morning e Red Moon são exemplos fantásticos disso. Embora não tenha sido lançado como um, este projeto se comporta como um álbum conceitual. É inteligente e preciso, além de manter uma natureza inesperada e livre. À medida que cada peça deriva de forma inteligente para a próxima, a emoção de que beleza louca se seguirá mantém as coisas interessantes. Long Stories é um conto expansivo, cheio de crepitações ásperas e efervescentes, zaps e guinchos alienígenas, mas talvez o mais importante, uma base de belos acordes e melodias. Isso pode não ser para todos, mas é uma jornada incrível para os entusiastas da música experimental e ambiente. 

ALBUNS DE ROCK PROGRESSIVO

 

Banana - Etapa Sinfónica 79-80 (2016)

 Todos conhecem César "Banana" Pueyrredón como um dos maiores expoentes da música pop e das baladas românticas peidosas da  querida Argentina. O que muitos desconhecem é que entre 1979 e 1980 lançou duas obras de cariz sinfónico claramente progressivo, de grande qualidade e com influências de Yes, Genesis, Focus e Crucis. Este trabalho compila suas melhores composições elaboradas, compiladas pelo selo Viajero Inmóvil Records.

Artista: Banana
Álbum: Symphonic Stage 79-80
Ano: 2016
Gênero: Symphonic Rock
Nacionalidade: Argentina

Um disco, talvez, com poucas expectativas comerciais, que nada tinham a ver com o que ele havia feito até então. Um verdadeiro salto no vazio; que eu queria dar (...) Quando levantei essa intenção na EMI tive a sorte de encontrar um cara maravilhoso como o Chacho Ruiz, presidente da empresa na época, que me apoiou sem problemas nessa virada artística da minha carreira. Também foi possível devido a uma mudança de mentalidade nos produtores artísticos da companhia. Lembro-me de muitos rostos dos caras no dia em que apresentei o disco finalizado. Quando Chacho e outros executivos da empresa ouviram meu trabalho, um deles disse: “Mas isso é uma rapsódia…”; insinuando que não conseguiriam vendê-lo a ninguém; no entanto, Chacho o apoiou. O disco, comercialmente, não deu certo, mas foi um impacto. Honestamente, Para mim foi um prazer levar o Banana -que era um grupo de música melódica, divertida e pop- a um plano mais profundo, mais desenvolvido, e colocar o grupo para fazer músicas com textura de rock. (...) Do ponto de vista comercial, essa característica das músicas era uma loucura porque elas nunca poderiam ser transmitidas, a menos que houvesse um programa especial de rock sinfônico... E mais, na época a EMI fazia uma versão reduzida de “ Aun es Tiempo de Soñar”, onde editaram a música para que sumisse após o primeiro refrão, com o solo de guitarra, e sem finalização. Essa foi a versão que eles usaram para transmitir o álbum no rádio. ) Do ponto de vista comercial, essa característica das músicas era uma loucura porque nunca poderiam ser transmitidas, a não ser que houvesse um programa especial de rock sinfônico… E mais, na época a EMI fez uma versão reduzida de “Aun es Tiempo de Dreaming” , onde editaram a música para que sumisse após o primeiro refrão, com o solo de guitarra, e sem finalização. Essa foi a versão que eles usaram para transmitir o disco no rádio. ) Do ponto de vista comercial, essa característica das músicas era uma loucura porque nunca poderiam ser transmitidas, a não ser que houvesse um programa especial de rock sinfônico… E mais, na época a EMI fez uma versão reduzida de “Aun es Tiempo de Dreaming” , onde editaram a música para que sumisse após o primeiro refrão, com o solo de guitarra, e sem finalização. Essa foi a versão que eles usaram para transmitir o álbum no rádio.

César "Banana" Pueyrredón

Finalmente, todas as canções de rock sinfônico lançadas pela banda Banana viram a luz do dia em um CD. Chama-se Banana "Etapa SInfónica 1979-1980" e reúne as canções originalmente lançadas no LP completo "Aún Es tiempo de Soñar" de 1979, mais as canções deste estilo incluídas no próximo LP da banda chamado "Licuado" de 1980, em uma luxuosa edição do prestigioso selo Viajero Inmóvil Records da Argentina.
Antes de continuar, gostaria de dizer que se você estiver interessado em ter este álbum e apreciá-lo, pode comprá-lo no espaço Viajero Inmóvil Records , pode ouvi-lo ou comprá-lo digitalmente, mas também tem a opção de comprando o CD físico escrevendo para info@viajeroinmovil .com. E convido você a rever o catálogo completo dessa marca porque tem iguarias mais que interessantes.

Ao longo de mais de 40 anos de carreira, Cesar Banana Pueyrredón conseguiu traçar uma trajetória de sucesso no pop melódico argentino, com projeção internacional que o levou, inclusive, a tocar em vários países da América Latina. Porém, poucos sabem que em 1979, em um período situado entre seu popular grupo Banana e sua posterior carreira solo a partir dos anos 80 - época em que o nome desse grupo se tornaria seu apelido -, César lançou um álbum de rock progressivo em sintonia com o mesmo tipo de música feita por grupos internacionais como Genesis , Yes e Camel , ou La Máquina de Hacer Pájaros , Crucis e Espíritu no rock argentino.
BananaAlém de fazer repertório próprio, fizemos covers de músicas do Gentle Giant , Genesis , Yes ; e, a partir de 1975-76, começaram a ter uma virada mais rock após a incorporação de Pablo Guyot e Willy Iturri, com quem chegaram a fazer material do Deep Purple

no álbum "Aun es Tiempo de Soñar" (em 1979, muito procurado por colecionadores de rock progressivo no exterior), o cantor com cara de sacada se joga totalmente no rock sinfônico, e mais tarde várias canções do álbum "Licuado" (1980) também possuíam aquela já citada qualidade sinfônica.
Com muita inteligência, o selo argentino Viajero Inmóvil compilou em um único CD as canções mais sinfônicas desses dois LPs, produzindo um trabalho coerente e homogêneo que causará grande espanto a quem não conhecia essa faceta da banda de César Pueyrredón. .
O álbum Etapa Sinfónica '79-'80 exibe um estilo muito influenciado por bandas como Genesis, Yes ou Focus e, mais ainda, La Máquina de Hacer Pájaros, Espíritu, Serú Girán ou Crucis. O impacto sonoro é ainda maior graças ao excelente som desta reedição, de Gustavo Bolasini.
Com seis músicas de "Aún es Tiempo de Soñar" e cinco de "Licuado", o álbum será uma das mais agradáveis ​​surpresas lançadas até agora pela maravilhosa gravadora argentina.


Lista de tópicos:
1. Preludio Antesala (3:29)
2. Vispera (9:48)
3. Donde te Escondes Niña del Viento? (5:12)
4. Igual Cantare Mi Cancion (Parte II) (4:15)
5. El Escultor y la Estatua (9:15)
6. Aun es Tiempo de Soñar (6:00)
7. Huellas de la Tierra (3:26)
8. Preguntas al Cielo (10:10)
9. Barrilete al Cielo (7:03)
10. Un hombre en la Hoguera (6:09)
- a. Preparacion
-b. Sacrificio
-c. Humo y cenizas
11. Quien se Acordara (2:12)
(Textos: fragmentos de la rima LXI de Gustavo A. Becker)

Formação:
- Cesar Pueyrredon / teclado, piano, vocal principal
- Pablo Guyot / guitarras
- Juan Gelly / guitarras, vocais
- Alberto Bengolea / guitarras
- Miguel Cerviño / baixo, voz
- Fori Mattaldi / baixo, voz
- Arturo Perona / bateria
- Jose Luis Meniño / baixo
- "Toro" Martinez / baixo
- Jose Torres Zavaleta / saxofone
- Daniel Pueyrredon / voz, som assistente
- "Babu" Cerviño / vocal
- Rody Correa Avila / guitarra, vocal
- Diego Chornogubsky / bateria

ALBUNS DE ROCK

Aquelarre - Candiles (1973)

 Uma das grandes bandas argentinas de todos os tempos, banda fundamental do rock que tanto amamos. E tal como o seu nome sugere, é toda uma cerimónia de música pagã, porque se o diabo fez algo de bom, foi para inspirar estes músicos a nos deliciar com o virtuosismo e tornar mais suportável o nosso purgatório quotidiano... por isso, reivindicamos estes cultos ao Deus da música, estes sabás, no nosso caso... estes Aquelarre, que reaparece aqui com "Cándiles" caso alguém ainda precise de ouvir a sua música... Desfrutem do paganismo feito música.. .

Artista: Aquelarre
Álbum: Candiles
Ano: 1973
Gênero: Rock psicodélico melódico
Nacionalidade: Argentina
Duração: 38:37

Depois daquele relâmpago fugaz e brilhante que foi Almendra , Spinetta fundou Pescado Rabioso , Edelmiro Molinari fez Color Humano e Rodolfo García e Emilio Del Guercio deram vida a Aquelarre , uma das grandes bandas de rock argentino.

 

Aquelarre é uma banda que leva o legado de "The Yes Album", "Fragile", basicamente pelo uso de guitarras acústicas e elétricas, cravos, moog e pela forma arrítmica e melódica com que o baixo se desenrola em algumas passagens. Recomendo "Siesta" e "O melhor de Aquelarre" 

 Os dois ex-Almendra Rodolfo Garcia e Emilio Del Guercio forneceram uma base rítmica muito sólida, complementada por um som vertiginoso e impressionante da guitarra de Hector Starc e do teclado bluesy de Hugo Gonzalez Neira, que fizeram do Aquelarre uma das bandas mais marcantes dos anos 70. , não só pela sua popularidade e originalidade, mas também pela abertura de novos mercados europeus à música nacional.
Embora a estreia oficial só tenha ocorrido em março de 1972, eles já haviam se apresentado no BARock II em novembro de 1971. Nesse mesmo ano gravaram seu primeiro álbum e, apenas seis meses depois, sua segunda placa.
Segundo a crítica da época, a banda se consolidou como uma das opções mais originais e criativas do rock argentino. Seu estilo elaborado, com constantes mudanças rítmicas e melódicas, suas letras surreais, sua abordagem ao free-jazz, não se encaixavam nos denominadores comuns da época, mas fascinavam o público do rock.
O momento de maior popularidade foi em 1975 com o álbum "Siesta". Antes de ser colocado à venda, eles decidiram iniciar uma turnê pela Espanha, o que os manteve fora da Argentina por quase um ano. AB Estávamos prestes a nos dissolver. A viagem salvou o grupo porque lá não tínhamos mais estrelas, não havia pesos e tínhamos que carregar tudo sozinhos. Essas coisas nos fizeram voltar ao BB, reconhece Starc (E.Abalos, página 118). Regressaram em 1977 para dar o concerto de despedida no Luna Park, com Carlos Cutaia a substituir Gonzalez Neira e lançaram um álbum com os seus melhores êxitos.

Camilo Ruiz-Tagle

Segundo a crítica da época, a banda se firmou como uma das opções mais originais e criativas dentro do rock do país. Seu estilo elaborado, com constantes mudanças rítmicas e melódicas, suas letras surreais, sua abordagem ao free-jazz, não se encaixavam nos denominadores comuns da época, mas o grupo foi apreciado desde o início e foi aceito pela energia de seu som. e letras.compromissos de seus membros em anos que começaram a pesar no plano institucional com a chegada de Juan Domingo Perón, sua morte e ascensão da Ditadura Militar.
Apenas seis meses após o lançamento do seu primeiro álbum "AQUELARRE", a banda liderada por Emilio Del Guercio, Héctor Starc, Hugo González Neira e Rodolfo García voltam a entrar em estúdio e gravam "CANDILES", que inclui várias canções contemporâneas às do primeiro álbum.disco.

"Candiles" é chamado, então, o segundo álbum de Aquelarre e difere do primeiro em uma ideia fundamental: enquanto "Aquelarre" foi conduzido pela guitarra explosiva e vibrante de Héctor Starc, em "Candiles" predomina a sutileza e variedade de efeitos de González Os teclados de Neira, além daquela voz aveludada e sedutora que anima canções como a abertura "Cruzando La Calle" ou o belo encerramento com espírito blueseiro "Iluminen La Tierra". Com a pintura de Goya como capa, "Candiles" é um álbum que amplia as ideias e o conceito sonoro do LP anterior, mas é um pouco menos sombrio e progressivo.

Como seria uma marca registrada do Aquelarre , as canções são exibições impressionantes de teoria musical bem apreendida, com timings esquisitos, estruturas tremendas e cortes em um azulejo. A instrumental "Patos Tornados" testemunha isso, assim como a bela "Cuentos Tristes".

Um álbum impressionante que marcaria a decolagem definitiva dos Aquelarre , que mudariam de gravadora após este lançamento e se tornariam uma grande referência de autogestão posteriormente, em sua viagem à Espanha. 

 

Os poucos meses que separam os dois primeiros discos de Aquelarre permitem-nos apreciar as vantagens e desvantagens de Candiles, já que são os mesmos da estreia homônima do quarteto argentino. Destacam-se a preferência pelo lirismo, a dívida para com Almendra, certos veios de hard rock em certas passagens e as linhas instrumentais, mas também são notórios os elementos que precisam de se concretizar na proposta: as composições que ainda não atingiram a maturidade adequada e as preferências pois as circunlocuções melódicas, mais do que a construção de uma estrutura bem definida que possa sustentar a proposta deste segundo álbum, colocam-se como elementos pouco positivos para o balanço final.
Hermana vereda, em particular, lembra os arranjos vocais multivocais de alguns hinos de Almendra, primeira banda da qual participaram Emilio del Güercio e Rodolfo García. A inclusão da flauta lembra a música Figuración, também obra de Del Güercio.
Talvez os melhores momentos do plástico estejam nas mudanças e arranjos inesperados que proporcionam surpresa e variedade. Acontece, por exemplo, com a incorporação de efeitos eletrônicos em Hermana vereda ou as inesperadas mudanças de ritmo em Olha aquele imbecil. Por outro lado, grooves mais longos como Deranged Ducks e Light Up the Earth têm bons momentos, mas são esmagados após a repetição desnecessária do padrão. Algo semelhante ao que aconteceu com o primeiro álbum.
A banda encontrará sons mais próximos de suas intenções em álbuns sucessivos, sem perder o espírito progressivo, a harmonia vocal e o interesse surreal e descarado pelas letras.

cesarpita 

 

Este álbum foi lançado em vinil em 1973, e nunca teve uma edição oficial em CD até 2006, quando o quarteto relançou seus primeiros álbuns, com sua correspondente remasterização e arte original.

Lista de faixas:
1. Cruzando La Calle (6:16)
2. Soplo Nuestro (4:36)
3. Hermana Vereda (3:43)
4. Cuentos Tristes (3:37)
5. Miren A Este Imbécil (5:38)
6. Patos Trastornados (6:23)
7. Iluminen La Tierra (8:24)

Formação :
- Emilio del Güercio / baixo, voz
- Héctor Stark / guitarra, voz
- Hugo González Neira / teclados, voz
- Rodolfo Garcia / bateria, voz

Green Day – Nimrod [25th Anniversary Edition] (2023)

…A Edição do 25º Aniversário inclui o álbum original, um disco com as demos inéditas de 'Nimrod' e um set ao vivo da Filadélfia gravado um mês após o lançamento de 'Nimrod'. O disco de demos de 14 faixas inclui duas faixas inéditas (“You Irritate Me” e “Tre Polka”), além de um cover da clássica música de Elvis Costello “Allison” (inédita). O álbum ao vivo foi gravado no The Electric Factory na Filadélfia em 14 de novembro de 1997. O conjunto de 20 canções inclui várias canções de 'Nimrod', além de favoritos dos fãs de seus álbuns e singles anteriores.
Após a fria recepção ao Insomniac , o Green Day se retirou dos holofotes por um ano para descansar e passar um tempo com suas famílias. Durante aquela pausa prolongada, eles decidiram não se preocupar…

MUSICA&SOM

…sobre sua credibilidade nas ruas supostamente perdida e fazer um álbum de acordo com seus instintos, o que significava mais experimentação e menos de sua marca registrada punk-pop. É claro que o punk rápido e cativante está no centro do som do grupo, então há muitos momentos familiares no álbum resultante, Nimrod , mas também há novos detalhes que tornam o álbum uma escuta revigorante, embora ocasionalmente frustrante. Embora o punk-pop seja o forte do Green Day, eles soam mais vivos no Nimrodquando eles estão rompendo com sua fórmula, seja o embaralhado “Hitchin' a Ride”, o humor irônico e mal-intencionado de “The Grouch”, o instrumental de surf crescente “Last Ride In”, o trompete enérgico saga drag-queen conduzida por "King for a Day" ou a balada acústica "Good Riddance". É apenas quando o trio se limita a três acordes que soa cansado, mas Billie Joe tem um dom tão grande para melodias cativantes e instantaneamente memoráveis ​​que mesmo esses momentos são agradáveis, embora não sejam dignos de nota.

Ainda assim, Nimrod sofre por ser simplesmente demais - embora tenha menos de 50 minutos, as 18 faixas passam a uma velocidade tão vertiginosa que o deixa um tanto atordoado. Com um pouco de edição, o crescimento do Green Day teria sido colocado em um relevo mais nítido, e Nimrod teria sido o salto triunfante que pretendia ser. Do jeito que está, é um disco confuso, mas intermitentemente empolgante, cheio de promessas.