sexta-feira, 12 de maio de 2023

Disco Imortal: Marilyn Manson – Antichrist Superstar (1996)

 

Álbum Imortal: Marilyn Manson – Antichrist Superstar (1996)

Nothing Records/Interscope Records, 1996

“ Depois de sete meses estressantes trabalhando (ou não trabalhando) no disco e lidando com Missi (um longo e intenso namoro, do qual ela acabara de sair de um aborto e que inevitavelmente acabou, em Nova Orleans no final de 1995 e primeiro semestre de 1996), estava começando a emergir daquele casulo de insensibilidade sem alma. À medida que as drogas eram drenadas do meu sistema, a humanidade – lágrimas, amor, ódio, auto-estima, culpa – voltava em grandes doses, mas não da mesma forma que eu me lembrava. Minhas fraquezas se transformaram em minhas forças, minha feiúra em beleza, minha apatia pelo mundo se transformou em um desejo de salvá-lo. Eu havia me tornado um paradoxo. Agora, mais do que em qualquer outro momento da minha vida, comecei a acreditar em mim mesmo ." (Capítulo 15 – Long Hard Road Out Of Hell – 1998, Biografia de Marilyn Manson, Regan Books/Harper Collins Pub.)

A partir desse estado de espírito da força motriz e em grande medida musical também do ilustre Marilyn Manson , as gravações que seriam as faixas da mixagem final de Antichrist Superstar acabam de começar Até aquele momento, nesses sete meses financiados pela gravadora, tudo parecia um capítulo triste e claramente final para alguns roqueiros que, à beira de conseguir, apodreceram nas drogas e no álcool da forma mais repetida que se possa imaginar . Talvez apenas memoráveis ​​pelas histórias pontuais em meio aos excessos, bastante rebuscadas e nem sempre nada engraçadas, que ficam imortalizadas na autobiografia precoce que o cantor e compositor publicou em 1998 junto comNeil Strauss . O excelente livro descreve a odisseia/vida de Brian Warner , que parece ter sido arranjada em seus eventos para que ele criasse o Antichrist Superstar . Tudo parece fazer sentido quando ele chega a este ponto sem volta em sua vida, para imediatamente gravar e dar forma a este grande sucesso e álbum. O resto é literalmente história e também é verdade, como jura nas últimas páginas e linhas do epílogo, quando já vislumbrava seios alienígenas e olhos vermelhos em uma faixa preta em suas visões, isso era só o começo.

Segundo Manson , este álbum é o fim de uma trilogia que teria sido registrada inversamente na cronologia que conhecemos. Ou seja, a história contada começa com Hollywood (Na Sombra do Vale da Morte) (2000), continua com Mechanical Animals (1998) e culmina com Antichrist Superstar (1996). Tem uma coerência estranha do que a paisagem surreal e violenta de Hollywood, seja uma espécie de fluxo de consciência de uma entidade que se canaliza para mais perto de nossa realidade primeiro como um profeta hermafrodita não terrestre, bom para excessos e que vem dizer em que termos o homem viverá seu apocalipse em busca de algo melhor, testando ele mesmo. E então o nascimento do anjo exterminador, a profecia feita carne de Ômega , em Antichrist Superstar , um claro cruzamento entre algo humano e algo não humano, com um ciclo biológico que transforma um escolhido em uma crisálida-verme que se transformará em um homem alado, que cumprirá a tarefa de destruir o planeta para que os mais fortes tenham a possibilidade de recomeçar.

Com alguns acréscimos mais filosóficos aqui e ali, muito bem orquestrados por Brian Warner , mais o empurrão com a afiliação à Igreja de Satã como reverendo do próprio Anton La Vey e que o álbum estreou em 3º lugar nas paradas de vendas, Marilyn Mansonele se tornou uma grande estrela do rock com este álbum fenomenal, ele plantou uma bandeira que eu acho verdadeiramente inegável na história do gênero e muito importante para mim também, acho que ele nos mostrou o quão impressionável e ridículo há pouco tempo nós encarnamos nosso mundo, com acções documentadas e indiscutivelmente orientadas e motivadas directamente por dogmas cristãos contra esta banda pop, cujos principais instrumentos de embate contra estes artistas eram os municípios e as comarcas, em articulação com as suas esquadras locais, sempre promovidas por associações cristãs familiares (onde o braço era disfarçado de alguma igreja oficial de plantão), todas essas festas em chamas literais de indignação, terror e pé de guerra, devido à pomada grosseiramente provocativa de Manson, com argumentos para sustentar esta hostilidade que hoje, menos de 20 anos depois de tudo isto ter acontecido, seria muito desinteressante (além de francamente ridículo) invocar para proibir um grupo de música popular de fazer um espectáculo, que se traduz em actividade económica. . Pensar que o cristianismo poderia certamente arruinar a possibilidade de fazer um bom negócio (optando por um show de cidadão) e que hoje parece uma idiotice, me parece magnífico: e acima de tudo, me dá confiança para acreditar que é possível ter as antenas bem posicionadas, para apreciar e articular grandes mudanças em curtos períodos de tempo, estando nelas. O tempo que vivemos parece-me sem dúvida o mais interessante que pode acontecer a uma pessoa com um ciclo médio de 75 a 85 anos, se tiver agora entre 30 e 45 anos.Marilyn Manson em busca do santo graal do estrelato, vendendo-a como um pseudo-anticristo.

A gravação de Antichrist Superstar , do ponto descrito no início do comentário em diante, foi um imã para o resto da banda, tanto para suas canções e poder quanto para a sobriedade. Este é o único álbum que Marilyn Manson congelou de forma definitiva e também gravou com uma sobriedade espantosa. Depois os excessos regressariam rapidamente até ao romance fulminante até aos dias de hoje do vocalista com Absinth, que acompanha há vários anos. O despertar emocional que teria sido a desintoxicação no dirigente e que está ilustrado na citação inicial, encontrou canal e catarse no doloroso processo que vive o " menino-verme ", o escolhido (Dryed Up, Tied and Dead To The World, Tourniquet, Cryptorchid, Minute Of Decay ), que é maravilhosamente captado e praticamente em retrospecto em Man That You Fear , cujos 2 últimos versos me parecem ser um dos mais belos e sombrios do ao mesmo tempo que se ouve ( O mundo em minhas mãos, não sobrou ninguém para ouvir você gritar / não sobrou ninguém para você – O mundo em minhas mãos não deixou ninguém para ouvir você gritar / não sobrou ninguém para you ) para ir devagar e pesadamente para um dreno de som que é o final do álbum (antes da faixa escondida).

Essa faceta de dor e metamorfose é temperada com a raiva que nosso vingador desencadeia espasmodicamente ao longo das canções mais agradáveis ​​do álbum (Irresponsible Hate Anthem, Little Horn, Angel With The Scabbed Wings, 1996, The Reflecting God ). Os mid-tempos ( Beautiful People , o Deformography-Wormboy-Mr. Superstar trifecta , então Kinderfeld e Antichrist Superstar) são instantâneos, reflexões e conclusões sobre o estado, sempre em via de desintegração, da humanidade, seja ela do protagonista ou do mundo. É uma dualidade ambivalente e bem-sucedida no discurso do álbum em sua unidade, sobre a cota existencial ou crítica que ele manifesta, o que para o próprio Manson foi uma surpresa, vendo-se de um caminho para o outro de muito mais para trás do que aqueles 7 meses em que atingiu o fundo do poço: muito provavelmente o apocalipse que queria representar neste disco não era visível nem para o outro, mas interior, pessoal e muito desagradável.

Essas canções de média velocidade também repassam as fases mais sangrentas da metamorfose do escolhido, até o solilóquio de Kinderfeld , onde ele está em paz consigo mesmo, aceita seu destino e afia suas armas para acabar com todos no terceiro ciclo do álbum. . quando o fim estiver consumado: o nascimento de um messias exterminador, genocida, com um objetivo maior que não está claro se é a purificação da espécie humana através de um apocalipse ou sua total aniquilação, na melhor prova de que chegamos a um beco sem saída como espécie, cujo descontrole veio cancelar sua existência na forma de um vingador sobrenatural disfarçado de astro do rock. Quem é regular na produção de MMDevo admitir que esta é uma ótima maneira de invocar um dos maiores fetiches líricos de Warner : a estrela do rock.

Uma grande consequência de transmitir brilhantemente esta fórmula de impacto junto com este álbum, praticamente pela MTV , que foi muito útil naqueles anos para entrar na boca de todo o planeta (e se você fez as coisas bem, tanto melhor para todos) . , foi que ele voltou o cristianismo e seus aspectos mais observantes contra ele e sua banda de músicos. Daqui e de hoje, fica claro que foi uma pantomima à beira do exagero e às vezes justamente kitsch, bem conseguida, de um verdadeiro Jesus Cristo do rock and roll, maliciosamente interpretada pelo frontman de Miami ( Ohioem rigor geográfico), que cresceu à medida que foi caluniado e atacado. Acho que isso fala maravilhosamente de como era terminal já naqueles meados dos anos noventa, a companhia de acabar com um grupo de músicos com a bandeira da fé: só os tornava maiores, tornando ainda mais irônica a função do cristianismo oficial nos apetites populares ocidentais. no final do século 20. Os cristãos com uma iniciativa semelhante alguns séculos antes teriam terminado em tragédia com certeza. Mas em 1996 e 1997, quanto mais bullying e assédio, mais discos eles vendiam. Faltavam alguns anos para a massificação da internet doméstica e o início da pirataria digital em larga escala, então estamos falando de milhões de registros, além dos milhares de tickets por nem ter aparecido nesse mesmo ano e uma metade em que eles viajaram sem descanso.Mechanical Animals (1998) ou Hollywood (2000), mas definitivamente embaraçoso e patético social. Mesmo a paixão pelo circo de um anticristo carismático de alguns anos antes não bastava em 1999 e depois de 2000 seria inquestionável que a música popular não poderia mais se valer do imaginário judaico-cristão de forma esteticamente impressionante, chocante. Tornou-se mais um elemento da paleta de um look, não algo que carregue moralidade. Para mim, mais um grande ponto para o povo e a favor do reverendo para com a humanidade.

Tive a inestimável oportunidade de vê-los nas 2 vezes que vieram ao Chile em turnê para o Antichrist Superstar , em 22 de novembro de 1996 e 14 de setembro de 1997. Twiggy Ramírez e Pogo (apelido de M. Wayne-Gacy ) eram na época os exatos dois terços das partes musicais de Marilyn Manson , onde a composição da espinha dorsal foi colocada em Ramírez mais do que no líder, que mais tarde faria discos sem o baixista, mas é sem dúvida que Pogo dá a última embalagem estilística, faz sentido , sustentação e peso aos vestidos de Twiggye garantir seu toque de terror. Ele consegue fazer os sorrisos de um palhaço saído do purgatório que o reverendo jorra com grande sucesso em vídeos promocionais e no palco tem amplificação e potência, já que Pogo é quem vem com os sons, ruídos, samplers e teclados afiados que amplificam a vitalidade das composições, permitem que a banda tenha muito mais expressividade em suas músicas e as canções torçam com muito apelo. Ao vivo, o cara consegue fazer todo o festival de sons que não são guitarra-baixo-bateria soar preciso e, o melhor de tudo, orgânico, vivo. Eu recomendo ' Long Hard Road Out Of Hell ' novamente - você saberá como eu que Pogoele também é completamente desequilibrado e que só ele sabe coordenar todo o barulho e teclas dos grandes racks cheios de equipamentos que ele abotoa freneticamente a cada respiração do setlist e que são liberados de seu teclado portátil durante a performance.

Com belos gráficos e embalagem muito cuidada, este é um disco que já tem mais de 20 anos e ainda soa feroz e inquieto, pesado e blockbuster, tocado e ótimo. Um candidato corrupto a disco imortal que, faça o que fizer, estará em pleno cumprimento da lei.


Disco Imortal: Radiohead – OK Computer (1997)

 

Álbum imortal: Radiohead – OK Computer (1997)

Parlophone/Capitol Records, 1997

Não demorou muito para que seu lançamento desse álbum chave na carreira do Radiohead fosse comparado ao elogiado "The Dark Side of the Moon" do Pink Floyd, devido a muitos de seus elementos, com certeza, o de ser um álbum revolucionário para música.mesma carreira da banda e por aquele fator artístico, não tão conceitual quanto o do PF, mas algo complexo e bizarro com o qual se vangloriava. Ambas as placas têm muito em comum, mais do que você pode imaginar.

A comparação pode ter uma certa lógica, no sentido de que, assim como aquela grande obra do Pink Floyd que veio em um momento preciso para a banda de Waters e Gilmour, superando em muito o fantasma da falta de Barrett, esta do Radiohead conseguiu unir claramente um mão cheia de inventividade, atmosferas únicas e nível de composição que o tornam hoje, mais de 20 anos após o seu lançamento, uma delícia de ouvir continuamente. E afastando-se vários quilômetros de seus antecessores The Bends e Pablo Honey.

Corria o ano de 1997 e este Lado Negro da Lua dos “novos tempos” tinha a seu favor a tecnologia e o visionário produtor Nigel Godrich, um assistente de luxo ao som único desta placa. Stanley Donwood e Thom Yorke com a arte da capa contribuíram com a sua, com esta estranha colagem de imagens um tanto surreais, simbologias emprestadas da língua universal esperanto e inglês, finalmente traduzidas por Yorke como slogans de anti-exploração, capitalismo e comercialização. O fato do terror da era da tecnologia e da invasão da Internet também se reflete no nome do álbum, como se avançasse o fato de que essa plataforma ia ser cada vez mais preponderante em todas as áreas, algo que poderia virar loucura ( se ainda não estiver).

Mas vamos para o registro, as músicas. Quando o revêmos do princípio ao fim parece ser um disco que anda numa linha, depressivo, sombrio, desdenhoso e até arrogante, mas não, há canções que encaram outras como pólos totalmente opostos. A entrada 'Airbag' pretendia ser uma segunda parte de 'Planet Telex' do The Bends com a intenção de se destacar do resto do álbum. “É muito mais comovente” comentou Colin Greenwood, se é que se pode chamar isso de comovente, um experimento de bateria digital falando sobre salvação, 'nascer de novo' após um acidente de carro; começo esperançoso, embora o duplo sentido esteja sempre no Radiohead.

'Exit Music (for a Film)' começa a desmanchar esse álbum e fazer a diferença, uma música totalmente emotiva, foi pensada para a trilha sonora de Romeu e Julieta, para o final arrasador, os mellotrons e a bateria que chegam com um o acúmulo de desesperança com a voz de Yorke a torna uma das mais melodramáticas do disco, beirando o exagero talvez, mas única.

Enquanto 'Let Down' surpreende com seu refrão mágico e cativante e fala de existencialismo derrotista, 'Karma Police' derruba qualquer coisa feita com violões e pianos até aquele ponto pela banda (impossível não lembrar daquele vídeo do homem desesperado correndo para sempre até explode um carro -seu perseguidor- que derramou gasolina). Aqui a devoção ao Beatle e aos anos setenta Neil Young da banda é derrubada com todas as suas letras, uma música que com certeza eles não previram resultados e que até um Elton John teria desejado. Se essa não era a maturidade do grupo, então o que.

Se o disco tinha que ser culpado por alguma coisa, é que era quase letárgico e de baixas rotações, mas havia 'Electioneering', por exemplo, agitando ritmos muito mais 'saltitantes' de chocalhos, pandeiros e guitarras e Jonny Greenwood no final atacando fora como um demônio. 'Climbing Up the Walls', apesar de sua onda volátil, treme totalmente também com suas guitarras, outra demonstração de que este foi um disco lento, mas que levou o rock a outra dimensão quando deu vontade.

O caso de 'Paranoid Android' é fora de qualquer roteiro e totalmente inesperado, uma música com trechos, genial pelas melodias, pelos solos de guitarra, pela estrutura bizarra, pela letra, pelo vídeo, é uma infinidade de coisas que o imortalizaram como a "rapsódia boêmia" dos anos 90. A grande obra do Radiohead e o burro de carga da artilharia grossa do disco. Tem parte da vida real, e é um tema bem "Thom Yorke'", apesar de cada uma das partes da música ter sido escrita por um Radiohead diferente, uma das que chama a atenção é aquele capítulo de uma vida história de Yorke em um bar de Los Angeles, com vários personagens estranhos chapados de cocaína e com uma mulher que se tornou violenta ao se molhar com a bebida, lançando um olhar que deixou marcas na cabeça de Yorke (o momento, com alguns curativos mais e menos ,

Para o final, joias de grande calibre aguardam: 'No Surprises' talvez um pouco superestimada para o resto do álbum, mas uma bela canção alimentada por glockenspiels e falando novamente do existencialismo e do tédio humano total, 'Lucky' nos mostra coisas maiores, um bom empresário da comparação da banda com o Pink Floyd, aqui a influência é clara, os refrões são devastadores, os sons dos aviões (a capa francesa deles era um avião que estava desabando) a atmosfera, uma beleza, de chorar. Por fim, 'O Turista' fecha com sutileza e elegância um dos momentos mais brilhantes da carreira do grupo.

A partir de então o zelo experimental da banda de Oxford não apaziguava, em 1997 este álbum conseguiu elevá-los acima do brit boom de bandas como Oasis e Blur que vinham declinando após seu sucesso estrondoso, e Radiohead, por outro lado, superou mesmos, e fê-lo com excelência, com engenho, com enorme trabalho e um talento que todos conhecemos hoje. Talvez, como é opinião de muitos, concordando em vários aspectos, seja o último grande álbum de rock britânico até hoje.


quinta-feira, 11 de maio de 2023

CRONICA - JUSTIN TIPTON & THE TROUBLEMAKERS | Burn These Bridges (2023)

 

Sempre há grupos jovens nos EUA para continuar a homenagear a herança do rock americano, para perpetuar a tradição, mesmo que o contexto da música atual seja muito desfavorável. Justin TIPTON & THE TROUBLEMAKERS é um desses grupos e artistas. Obviamente, eles não dão a mínima para as tendências da moda atual (e eles estão certos!).

Durante a primavera do ano de 2023, Justin TIPTON & THE TROUBLEMAKERS, sem gravadora, chega com um primeiro álbum de estúdio sob o cotovelo, intitulado Burn  These Bridges  e contém 9 títulos com duração de aproximadamente 30 minutos.

Justin Tipton e seus amigos estão, portanto, posicionados no nicho do bom Classic-Rock de estilo americano e seu primeiro álbum  Burn These Bridges está na linha de CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL, LYNYRD SKYNYRD, Tom PETTY, fazendo malabarismos entre Blues-Rock, Southern Rock e Heartland-Rock. Estes músicos não revolucionam o estilo musical que praticam, mas conseguem oferecer títulos muito agradáveis ​​como "Gimme Back What's Mine" e o directo "Everybody Wants To Go To Heaven", composições melódicas de Heartland-Rock com aromas bluesy que fazem tocar seus pés, acaba por ser anti-dor de cabeça, cativante, o mid-tempo da obediência do Blues-Rock com um sabor sulista "Back To Being Me", que cheira bem aos anos 70 e acaba por ser bem feito graças a um rastejante groove, riffs crus, refrão emocionante, solos de guitarra alegres, além da presença de um órgão Hammond. "Fique", falhando em perturbar a face do mundo, revela-se bastante animado no sentido de que este título com conotações Heartland-Rock/Blues-Rock FM está envolto em melodias Pop e, olhando mais de perto, poderia ter feito um sucesso honroso nas paradas entre 1988 e 1992. Na verdade, Justin TIPTON & THE TROUBLEMAKERS se superaram em títulos como “Burn These Bridges”, uma faixa de Blues-Rock com um sabor sulista que tem um ritmo saltitante, bem como um refrão inebriante retomado em refrão; "Your Momma Don't Like me", que começa suavemente e gradualmente revela sua verdadeira natureza através de seus aspectos quentes e cativantes, bem como um refrão inebriante que torna tudo ainda mais viciante, e "Shake 'Em On Down », um fogo extrovertido de Blues/Boogie-Rock, borbulhando com um piano exuberante, um refrão cativante, que ecoa as melhores horas do Classic-Rock nos anos 70 (e, em menor grau, os anos 80) e é particularmente agradável. 2 baladas completam este álbum. "Don't Make Me Sleep Alone" é uma balada country que mostra Justin Tipton em dueto com o cantor Frankie Leonie e a interpretação é bastante comum, nada realmente se destaca. O resultado é mais feliz em “Some Days”, uma balada blues entre Folk e Country que respira a América profunda por todos os poros, liberando ao mesmo tempo um cheiro de nostalgia, um lado retrô viciante.

No final, Justin TIPTON & THE TROUBLEMAKERS produziram um álbum globalmente agradável, sem frescuras, com composições que se sustentam, 3 delas aparecendo acima do lote. Justin Tipton e seus companheiros de viagem, se não gênios, são artesãos sérios e diligentes (o que é diferente das muitas bandas de Rock e Metal jogando a carta da modernidade, cujos rádios e a imprensa nos enchem de ouvidos há vinte anos…). Se Burn These Bridges não vai mudar a face do mundo, continua sendo um álbum que tem um lado retrô que pode reavivar memórias de muita gente nostálgica do passado...

Tracklist:
1. Gimme Back What's Mine
2. Burn These Bridges
3. Back To Being Me
4. Don't Make Me Sleep Alone
5. Some Days
6. Your Momma Don't Like Me
7. Everybody Wants To Go To Heaven
8 Shame 'em On Down
9. Stay

Formação:
Justin Tipton (vocal, guitarra)
Josh Vaughn (guitarra)
Jesse Thompson (baixo)
Sawyer McGee (bateria)
Chris Watson (teclados)
Chad Stockslager (teclados)

Produção : John Pedigo



CRONICA - ROD STEWART | Camouflage (1984)

 

Depois de um Body Wishes muito decepcionante e que também teve uma queda acentuada nas vendas nos EUA, é imperativo que Rod Stewart se recomponha. Mas o nosso roqueiro de corte bombinha tem um baita trunfo na manga: vai se reencontrar com Jeff Beck, quinze anos depois da separação do Jeff Beck Group, e convidá-lo para tocar em seu décimo terceiro álbum, o atual Camouflage . Há claro também os fiéis Jim Cregan, Tony Brock e Kevin Savigar, enquanto teremos direito às tradicionais covers para além das composições originais.

Começamos muito fortes com “Infatuation”. Um título de Dance Rock com o efeito mais bonito e cativante possível. Claro que os sons estão na era do tempo, mas não soam muito datados. E, claro, há o solo de Jeff como a cereja no topo do bolo. Se não funcionar mais do que isso na Europa, caberá a Rod encontrar o top 10 americano após o parêntese Body Wishes .Se antes de tudo nos tinha habituado a fazer covers de clássicos do Soul, é com um dos maiores hinos do Rock que o cantor assume com “All Right Now”. Mas é uma verdadeira releitura oferecida aqui com sonoridades da New Wave que certamente não agradarão a todos. Sem os vocais ásperos e poderosos tão característicos, pode-se pensar que se trata de A Flock Of Seagulls. No entanto, esta versão se mantém e é mais interessante do que um simples copiar e colar do original. Our Rod então retoma "Some Guys Have All The Luck" dos Persuaders, que Robert Palmer já havia abordado dois anos antes. Este mid-tempo com som New Wave será a versão de maior sucesso deste título, uma vez que também entrará no top 10 americano e no top 20 britânico. A melodia é muito pop, obviamente, mas com estilo, é muito eficaz. Os anos 80, novamente. Curiosamente, Robert Palmer também o havia coberto alguns anos antes.

A terceira e última capa do álbum vem de Todd Rundgren. Desta vez estamos no meio do Synth Pop, mas a voz de Rod combina maravilhosamente com sons de sintetizador (felizmente bastante felizes). Com tal título, a presença de Jeff Beck era óbvia demais, e seu solo cristalino é mais uma vez muito apropriado. O tom, embora permanecendo no lado da New Wave, é mais uma vez Rock com a excelente "Bad For You" que se beneficia da enorme bateria de Tony Brock e dos riffs musculosos em jogo igual aos sintetizadores. O resultado é muito cativante e poderia ter sido tema de um single. Pela terceira e - infelizmente - já última vez teremos direito a um solo de Jeff. A saltitante "Heart Is On The Line" também é muito agradável, embora mais Pop, enquanto com “Camouflage” temos uma frenética faixa Dance Funk que olha abertamente para Prince. Algo para encantar quem ama tanto o inglês loiro quanto o americano roxo. Finalmente, apenas a balada "Trouble" parece um pouco marshmallow demais, mesmo que neste exercício Rod Stewart tenha feito e fará muito pior...

Com Camouflage , Rod Stewart não só dá um impulso comercial à sua carreira, como também nos oferece um dos seus melhores discos dos anos 80. e os sons da época, longe do lado acústico áspero do início dos anos 70, mas você ainda teria que estar de má fé (ou então não apoiar o som dos anos 80) para não reconhecer que eles não envelheceram muito mal. Posteriormente, nosso roqueiro áspero retribuirá a cortesia de Jeff Beck cantando em seu novo álbum, mas a colaboração não irá além, infelizmente.

Títulos:
1. Infatuation
2. All Right Now
3. Some Guys Have All The Luck
4. Can We Still Be Friends
5. Bad For You
6. Heart Is On The Line
7. Camouflage
8. Trouble

Músicos:
Rod Stewart: Vocais
Jim Cregan: Guitarra
Michael Landau: Guitarra
Robin Le Mesurier: Guitarra
Jay Davis: Baixo
Tony Brock: Bateria
Kevin Savigar: Teclados
Michael Omartian: Teclados
Jeff Beck: Guitarra Solo (1,4,5)
Jimmy Zavala: Gaita
Gary Herbig: Saxofone
Jerry Hey: Brass
Chuck Findley: Brass
Gary Grant: Brass
KIm Hutchcroft: Brass
Charlie Loper: Brass

Produção: Michael Omartian



CRONICA - DANGEREENS | Tough Luck (2020)

 

2 anos após o lançamento de um interessante EP homônimo de 5 faixas, DANGEREENS decidiu intensificar a marcha e começou a gravar seu primeiro álbum de estúdio real. O grupo canadense ganhou alguma experiência e decide usá-la com sabedoria.

Tendo encontrado um selo independente (Alien Snatch! Records, que tem sede na Alemanha, mas distribui seus discos na América do Norte) para apoiá-lo, o DANGEREENS finalmente lançou seu primeiro álbum em 2020. Este se chama Tough  Luck . Sua capa exala uma coisinha retrô muito agradável que me tocou porque foi assim que descobri DANGEREENS.

Mais ou menos na continuidade do EP homónimo de 2018, este  Tough Luck navega entre as águas do Glam-Rock 70's, Rockabilly 50's e Boogie-Rock. Os quebequenses de DANGEREENS sintetizam habilmente esses gêneros em fogos de artifício como a suingante "Hearse Driving Blonde", emocionante, deliciosamente arranjada com seu refrão retomado em refrões de forma despreocupada, que espontaneamente faz você bater os pés, e a inquieta "Worried Mind ", que se toca no fio da navalha com seu ritmo frenético ao mesmo tempo que se mostra contagiante, viciante com seu piano exuberante, seus solos quentes. Essas 2 peças remetem aos fundamentos do Rock. O Glam-Rock 70's é notavelmente homenageado, seja em "Thieves", uma colorida peça de Rock n' Roll, pontilhada de notas de piano, um inesperado solo de saxofone, seja na jovial "Lucky In Love", tubesque, chamativa pra caramba, que recorda o T-REX das grandes horas (e também evoca um pouco CRASH KELLY), ou em "Nomadic Step", que também vê surgir um inesperado solo de saxofone. Algumas inclinações do Hard Rock são até aparentes em "1003", uma peça rítmica e espontânea que também é iluminada por um solo de saxofone muito agradável, ainda que em menor grau a divertida e arejada "Love Jive", na qual aparece um forte sabor de blues. , convidam-se para o festival das guitarras gêmeas e que fica algures entre T-REX e THIN LIZZY para uma renderização bastante viciante. O aspecto mais cru do renascimento do Glam 70 manifesta-se em "Streets Of Doom", um fogo com pitadas de Garage-Rock, até Punk, bastante directo, expedito (duração: 1'57) e simples, mas que vai directamente ao essencial . Ansiosa por variar os prazeres, DANGEREENS também se permite algumas incursões Pop-Rock como evidenciado por "Twelve Below Zero", uma composição ao mesmo tempo aérea, despreocupada, sedutora que exala um certo charme dos anos 60, com destaque para um solo de piano sobreposto ao dos seis- cordas, e permite que você escape, assim como o mid-tempo "Booboo", que por outro lado é indefinido. Outro título que poderia ser taxado como um filler é "Cutpurse Blues", um Classi-Rock mid-tempo muito convencional que não avança o schmilblick. O fantasma dos anos 50 é reativado de forma decidida na própria Rockabilly "(Bye Bye) Little Uptown Girl", com seus coros indiferentes que respondem olho por olho ao cantor, assim como na balada Doo-Wop elegantemente arranjada "Holy Water», acompanhado por um solo de saxofone fixe, que se revela ao mesmo tempo um belo sucesso,

Este primeiro álbum de estúdio real do DANGEREENS é, portanto, muito emocionante. As composições são eficazes, contagiantes e o bom humor marca presença ao longo deste  Tough Luck . Sentimos os músicos apaixonados, envolvidos no que empreendem e este álbum provavelmente encantará muitas pessoas que amam ROLLING STONES, NEW YORK DOLLS, T-REX e até Rockabilly.

Tracklist:
1. Streets Of Doom
2. Thieves
3. Hearse Driving Blonde
4. Lucky In Love
5. Microwave Boogie
6. Twelve Below Zero
7. Love Jive
8. Worried Mind
9. Cutpurse Blues
10. 1003
11. Booboo
12. Nomadic Step
13. Holy Water
14. (Bye Bye) Little Uptown Girl

Formação:
Hugo Chartrand (vocal, guitarra)
Felix Brisson (guitarra)
Charles Duval (guitarra)
Jordan Pichette (baixo)
Olivier Cormier (bateria)

Marcador : Alien Snatch! Registros



IDLES – Ultra Mono (2020)


 

Ultra Mono é um cão de guarda caseiro que fica à porta a ladrar a tudo o que passa e como tal já ninguém lhe liga, nem o dono, quando o perigo é mesmo real.

A comparação/ligação era fácil de fazer – seriam os IDLES os Sex Pistols que esta geração precisa, para despertar os mais jovens para alguns dos problemas do mundo através de um punk adaptado ao século XXI? O potencial estava lá, sendo que os IDLES quiseram mostrar logo de início ter algo mais a dizer do que um “Don’t know what I want but I know how to get it”, abordando temas latentes da sociedade como o racismo, o machismo, as incoerências da política britânica e do populismo que vai ganhando o seu espaço. Mas se o fizeram com um bom equilíbrio entre pertinência, suporte musical e vigor no anterior Joy as an Act of Resistance, de 2018, aqui o balanço perdeu-se – Ultra Mono quer ir a todas as “guerras” mas fá-lo de forma superficial; quer recriar sonoricamente o ambiente de concerto ao vivo mas só consegue criar barulho; o vigor é mesmo o único elemento que se mantém intacto.

Não haverá muito mais a dizer, não querendo fazer desta uma crónica preguiçosa pode-se acrescentar que há alguns momentos bem conseguidos, nomeadamente em “Model Village” onde se questiona os modelos de sociedade do século XX, uma provocação com ironia e dedo na ferida em doses certas. Em “Danke”, canção que encerra o disco, Joe Talbot vai buscar o hino de Daniel Johnston (“True love will find you in the end”) recriando-o em mantra energético sobre a amizade. Em “Ne Touche Pas Moi” há a participação de Jenny Beth, mas que é quase imperceptível.

Os IDLES correm, com este disco, o risco de passarem a ser um simples cão de guarda, que ladra muito mas não morde ninguém, e irrita por ladrar muito e sempre alto, sem consequências daí advindo.


Destaque

Maysa - Maysa (1974)

Lançado há cinquenta anos, em dezembro de 1974, nos formatos de LP e fita cassete, o disco intitulado apenas Maysa ganhou em meio século uma...