domingo, 2 de julho de 2023

Crítica: "The Live Conspiracy" de Tangerine Circus, uma discoteca mexicana profissional de rock progressivo ao vivo

 

“The Live Conspiracy” é o primeiro álbum ao vivo do Tangerine Circus, banda mexicana de rock progressivo formada por quatro integrantes: Eduardo Mariné (teclados), Francesc Messeguer (guitarras), Luis Mauricio Sánchez (baixo) e Daniel Hernández (bateria). O grupo teve suas origens em 2009, quando Francesc Messeguer se reuniu formalmente com Eduardo, Luis e Daniel, que já tocavam em outros lugares há alguns anos. Naquela época, eles tinham um propósito muito claro de montar um prog metal completo e sério, então começaram a escrever material que eventualmente se tornou parte do álbum de estreia da banda. Depois de muito tempo de árdua elaboração, durante o ano de 2022,

“The Chronicles” atinge-nos desde o início com fúria, devastadora sem trégua, em cortes bem rítmicos e cerrados. Uma curta melodia na guitarra, ela nos conecta com passagens mais criativamente entrelaçadas e mudanças contínuas. As eufonias voltam a se espalhar, e o conjunto avança em movimento constante, deixando para trás incontáveis ​​compassos em vários andamentos. Uma amostra infinita de ideias aliadas a harmonias com um conceito pensado para libertar a imaginação. Começo difícil. E agora, "Rushing Dreams"Com ares de guitarristas solo dos anos 90, vem em uma série de nuances escolhidas a dedo para destacar a voz meticulosa. Entre os versos, os coros são adicionados respondendo às frases de forma inteligente. Parece que seu nome pode ser interpretado em seu estilo de tocar conforme a música se desenvolve. É um caminho para retratos pintados com cores de múltiplas variações e texturas variáveis ​​fundidas com planaltos ascendentes. Aqui, um solo de sintetizador se destaca para desencadear criações mais espontâneas. 


“Advent of the Thinking” baixa um pouco a intensidade, aparecendo aos poucos, mas atingindo um alto nível de sonoridade. Os riffs encontram o groove da percussão e tudo se transforma em um poderoso fluxo de energia melódica. Só um final épico e transcendente nos desperta para a realidade, levando-nos a “O Grande Eleitor” , faixa versátil nos gêneros que a compõem. As influências podem ser percebidas novamente, talvez de bandas norte-americanas dos anos 60 ou 70, com a natural atualização da performance que chegou até hoje. Quatro minutos bem relacionados com a continuidade das obras que os precedem e os seguem. Assim, encontramos "A Dissolução da Memória", uma odisséia épica que nos impõe melodias apaixonantes na voz e em todos os seus versos. A banda vai se formando gradativamente com um sulco sólido e marcado. As sequências harmônicas evoluem junto com a mensagem, onde a força ganha força conforme avança. Os primeiros minutos pertencem a uma magnífica balada, seguida de um turbilhão de ritmos volumosos com alguns solos poderosos. A troca de riffs e vários andamentos é inevitável, transformando-se num mar de movimentos incessantes e vorazes. Apenas um sintetizador, interrompido com alguma melodia para cortar tanta veemência. Uma música equilibrada em sua instrumentalidade e vocalização. 


Em “A Brief Encounter with Myself” , um baixo antecipa brevemente a enorme viagem que está por vir e que, até agora, é a mais longa, com quase vinte minutos de duração. Seu início, que cresce a cada instante, compartilha conosco as ideias que inevitavelmente se sobrepõem, tecendo texturas marcantes e ascendentes. Entre frases vocais que respondem umas às outras, um criativo solo de guitarra nos entrecruza para subir para trechos mais intensos. No meio de tudo, como não poderia deixar de ser, uma grande passagem instrumental não conduz ao além, deixando-nos satisfeitos com tanta elaboração. “Uma passagem pela minha vida passada”Este espetáculo fecha com claras influências, porém, com um desenvolvimento intimista e original que pode atrair qualquer amante deste gênero. A habilidade dos integrantes se desenvolve ainda mais, juntamente com seu virtuosismo em seus espaços. Há um lugar para desafiar tudo enquanto você se mantém em constante movimento. Verdadeiramente inspirador. 

Definitivamente há um trabalho de milhares de horas aqui em termos de composição em primeiro lugar, depois na produção geral. O conjunto ao vivo da banda é bastante natural, podendo-se desfrutar de uma boa mixagem que foi conseguida com dedicação. Até a capa é uma arte que vale a pena apreciar, visto que se mantém no mesmo nível do restante do material. Parece que cada movimento, em todas as obras, passou por um minucioso radar de seleção, até chegar à decisão final. A participação de todos os instrumentos, aliás, é percebida como essencial e, muito provavelmente, não haverá regravações em estudo, embora, se houvesse, não afetaria este grande e contundente trabalho. Apesar de já ter lançado dois pequenos álbuns ao vivo (Urania 2019: Live in Mexico City e A Live Encounter With Ourselves), The Live Conspiracy é o primeiro grande álbum ao vivo do Tangerine Circus. Capturado durante dois importantes shows realizados em 2022, o festival MexProg 2022 e o ProgFest CDMX 2022. O áudio do álbum já está disponível em todas as plataformas de streaming.


GRAND SUN - CONCEPTUALIZE (𝗟𝗘𝗧𝗥𝗔 da música)

 

Resenha: "The Approval" de AVKRVST, a promissora estreia dos noruegueses no mundo do progressivo e vão dar muito que falar daqui pra frente (2023)


Em meio às inúmeras resenhas publicadas no Nacion Progresiva, muitos trabalhos de artistas menos reconhecidos no gênero podem passar despercebidos (recomendo ouvir o álbum "Persona Grata"!). Ter um nome impronunciável pode ser uma desvantagem para o AVKRVST, mas a genialidade de seu álbum de estreia, 'The Approval', tem o potencial de resgatá-los.

Os amigos de infância Martin Utby e Simon Bergseth fizeram um pacto para formar uma banda no futuro. Assinar a InsideOut foi o primeiro passo para realizar esse sonho, culminando com o lançamento de seu primeiro álbum no mês passado, inspirado por suas influências musicais de longa data, de Mew, Anekdoten e Porcupine Tree a Opeth, Neal Morse e King Crimson. Composto em uma pequena cabana, nas profundezas das florestas norueguesas em Alvdal, o álbum apresenta Simon na composição, guitarra, baixo e voz, Martin na composição, bateria e sintetizadores, Øystein Aadland no baixo e teclado, Edvard Seim nas guitarras e Auver Gaaren na teclados para completar a programação.

Sete temas, 48 ​​minutos: 

“Østerdalen” transporta-nos para um vale norueguês, onde as notas de uma guitarra se fundem com o som ambiente que anuncia uma tempestade. Cenário que pode perfeitamente ser o enquadramento da história que se conta nos tópicos seguintes.

“The Pale Moon”, o primeiro single do álbum, é um passeio hipnótico que nos imerge num mundo de sons cativantes. Com uma combinação magistral entre momentos de calma e elementos sonoros sinistros, esta música consegue nos transportar para uma experiência auditiva imersiva. O encerramento, com uma explosão de elementos do gênero death, fecha impecavelmente esta primeira faixa do álbum. Nota lateral para o vídeo que consegue capturar a essência de “The Pale Moon”.


 Em “Isolation”, terceira faixa do álbum, assistimos a uma emocionante corrida frenética entre guitarras aceleradas e baterias magistrais. Esta viagem musical acelerada é complementada pela intervenção do teclado, que assume alguns troços da canção, transportando-nos da euforia da corrida para um tranquilo passeio pelo vale. As vozes não interrompem até o meio da música e, embora não se tornem o elemento central, acrescentam um toque adicional de profundidade e emoção à composição. 

“The Great White River” continua, levando-nos ainda mais fundo na exploração sonora do álbum. Para além dos elementos que já vão moldando a proposta musical, este tema destaca-se pelas passagens acústicas em que o piano desempenha um papel fundamental. À medida que a música avança, uma atmosfera cativante, onde doçura e introspecção se entrelaçam de forma sublime. Porém, o clímax dessa música vem com o toque das vozes extremas, que irrompem em cena para adicionar um elemento de intensidade e contraste com a delicadeza anterior. Os segundos finais distorcidos nos dão o gancho para a próxima música. 

Em «Arcane Sounds», as vozes de Simon voltam a brilhar mais uma vez, encontrando nuances que lhes devolvem o merecido destaque, entrelaçando-se habilmente com a melodiosa guitarra, criando uma encantadora simbiose musical. 


Uma abertura de sons etéreos em “Anodyne” nos mergulha em um redemoinho por cinco intensos minutos instrumentais. Ao passarmos do meio da música, somos surpreendidos pela transição para um violão e o nascimento da fase vocal da penúltima música. À medida que avançamos, a intensidade aumenta, graças a jogos vocais que acrescentam uma nova dimensão sonora ao álbum. O sujeito desaparece do mesmo jeito que chegou.


Com duração de mais de 13 minutos, “The Approval”, a última faixa do álbum vai além de um mero ensaio do que foi captado anteriormente, tornando-se até a faixa mais experimental do álbum. Esta extensa e ambiciosa viagem musical mergulha-nos em paisagens eletrónicas, mas também em momentos mais rock e progressivo. A música se desenrola entre paisagens intensas e outras calmas, criando uma montanha-russa emocional. Cada seção desta composição épica conta uma história em si e, juntas, criam uma cativante narrativa musical. 

Para gosto pessoal devo citar Eliran Kantor, responsável pela arte do álbum, grande colaborador quando se trata de capas de discos. Seus trabalhos são visualmente impressionantes, com atenção meticulosa aos detalhes e capacidade de capturar a essência e o conceito por trás da música. 

As influências do quinteto norueguês são evidentes em cada recanto da sua música, podem ser sentidas e sentidas em cada recanto. No entanto, mencionar especificamente essas influências pode ser redundante e, de alguma forma, diminuir o mérito de seu trabalho fabuloso. AVKRVST conseguiu criar um trabalho único e marcante, que transcende as influências e se torna algo próprio e distinto. A sua capacidade de fundir diferentes estilos e géneros, a sua capacidade de criar atmosferas cativantes e o seu domínio da execução musical são méritos próprios que merecem ser reconhecidos. Certamente estará entre os destaques de 2023.


Os mexicanos de Lanth nos apresentam seu terceiro novo single "Belladonna" que fala sobre a identidade do ser.

 

A banda mexicana de metal progressivo acaba de lançar seu terceiro single promocional “Belladonna” em todas as plataformas de streaming com um conceito muito original e interessante.

Segundo a banda, o conceito ou tema por trás da música trata do seguinte:

Beladona, a flor da sedução. 

Símbolo de falsidade, perigo e morte. Sua aparência é muito tentadora, mas é venenosa.

No dia a dia é muito fácil se perder, confundir quem você é e criar máscaras na frente dos outros.

A aparência criada é tão sedutora que você pode esquecer quem você realmente é, levando a uma luta interna entre o que você mostra e o que está por trás disso, uma luta entre esse eu moldado e o eu esquecido no escuro. 


Belladona fala dessa batalha entre o que compõe a identidade do ser, a dualidade do que construímos e o que nos é inerente.

Uma viagem introspectiva em que se conclui que somos os dois e devemos aprender a conviver com eles.

 

XUTOS & PONTAPÉS - SOMOS LOBOS (𝗟𝗘𝗧𝗥𝗔 da música)

 

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Resenha: "Peregrino" de Nimb, a banda de Guanajuato que convida os ouvintes a uma peregrinação introspectiva com seu novo álbum

 

Nimb é uma banda de León, Guanajuato, México, cujo som representa a fusão perfeita entre serenidade e tempestade. E é que sua visão musical se alimenta de estilos contrastantes como o metal progressivo, o pós-rock e o minimalismo, combinando-os de forma brilhante para criar uma proposta cheia de identidade e autenticidade. 

Após a aclamada estreia Corvus Corax (2018) e depois de lançar um conjunto de singles de excelente produção, como o grande MET (2019) -o favorito de um servidor- o povo de Leon se prepara para apresentar seu segundo material discográfico completo, um álbum intitulado Pilgrim.

Pilgrim , como o próprio nome indica, procura convidar o ouvinte a uma peregrinação introspetiva inspirada no monomito da viagem do herói em que cada composição representa uma etapa do caminho, uma fase do processo, um elemento do todo. 


CCXXIII é uma introdução emocionante que, usando notas de piano e teclado, bem como efeitos de guitarra, prepara o ouvinte e o coloca no clima certo para apreciar o trabalho.

San Sebastián mantém uma linha melancólica até que de repente uma explosão conduzida por guitarras elétricas gera uma poderosa descarga que pouco a pouco toma forma. A distorção dos riffs é um pilar pois traz não só força, mas também progressão e evolução. Uma secção central comandada pela guitarra e voz abranda para introduzir uma passagem acústica que permite desfrutar do enquadramento sonoro.

Sikelia tem um começo sombrio guiado por riffs de guitarra pesados ​​e um grande apoio instrumental. A bateria, o baixo e a voz formam uma tríade precisa e milimétrica. Uma mudança de ritmo é introduzida organicamente enquanto as decorações de som de sintetizador adicionam texturas à expressividade criada por vocais e distorção.

Páramo , tema inspirado na obra mítica de Juan Rulfo, destaca-se pelo uso de teclados para acompanhar e complementar a marcha de riffs de guitarra arrastados, criando uma sensação de sintetizador que dá um toque misterioso. O som de guitarras pesadas cria passagens intensas que cruzam a fronteira entre o rock e o metal progressivo. 

Torii começa com uma atmosfera mais alegre e serena que dá destaque à voz e à percussão, que se desenrolam até serem interceptadas pela força das guitarras. A linha geral segue pelo lado bom sem esquecer as doses eletrizantes projetadas pelo uso da distorção. Uma seção final completamente pesada e pulsante convida você a acompanhar o ritmo com a cabeça e o corpo.

Gólgota prima pelas diferentes abordagens criadas pelos teclados e sintetizadores, proporcionando uma gama de sonoridades diversificadas e dinâmicas. A explosão das guitarras é acariciada pela presença sempre audível do baixo, que soa elegante e criativo ao mesmo tempo. Os momentos em que guitarra, bateria, baixo e teclados/sintetizadores se combinam criam algumas das passagens mais requintadas de todo o trabalho.

Castillo abre em grande estilo com teclado, guitarra e bateria, trazendo à tona sua precisão técnica e harmonia composicional. A aura stoner dos riffs é uma reminiscência do som do Sabbath no seu melhor. Nessa música, pode-se apreciar o manejo das mudanças de ritmo, tempos e alternâncias de velocidade, que são um recurso composicional exitoso ao criar rupturas em forma de breaks que dão um ar de peso.  

Arcos é conduzido por guitarras e teclados, uma combinação mais do que eficaz apresentada constantemente ao longo da obra. Esta é uma faixa ideal para apreciar a letra dos versos e o grande esforço que foi colocado nas letras. Também oferece um pequeno momento para apreciar o excelente trabalho de bateria e percussão. Enfatiza a criação de ambientes e atmosferas, bem como suas transições e conjunções. 

Valley of Tears é uma peça instrumental introduzida por um piano sombrio e melancólico que é complementado por uma guitarra contrastante que trabalha para apresentar a intenção composicional. Notas e melodias nas guitarras são respondidas pelo piano, criando uma conversa musical mais do que interessante. 

To the Lighthouse parece a faixa climática do álbum, chegando com uma sensação épica e imediatamente brincando com o tempo e as transições. Os solos de guitarra são soltos com toda a intensidade enquanto a distorção exalta a execução vocal. Vale destacar novamente o trabalho expressivo dos solos de guitarra, que se tornam um pilar de acordo com os riffs, as distorções e as mudanças de ritmo. 

Dameon Sol Daellá é um último gostinho dos teclados e do núcleo dialético formado pelas guitarras, tirando o melhor de cada elemento apresentado ao longo do álbum e funcionando como uma espécie de epílogo que encerra a viagem. Uma última transição que oscila entre a distorção dos riffs e a luz dos teclados/sintetizadores se desenrola com força. 

Pilgrim é uma experiência de prazer estético dinâmico e criativo. A sonoridade geral da banda e todos os recursos apresentados criam peças com uma personalidade bem definida, mas simultaneamente elegantes e intensas e fortes.

O uso de guitarras distorcidas e estridentes injeta uma força que exala o mais puro stoner e metal progressivo, enquanto a luminosidade dos teclados e sintetizadores constrói uma combinação perfeitamente orgânica e complementar. Tudo isso enquanto os padrões rítmicos executados pela bateria e as fortes linhas de baixo criam um suporte sonoro sempre presente.

Mudanças de ritmo, velocidade, passagens e transições são tratadas com maestria e precisão extrema, o que fala da destreza técnica proporcionada pelo sempre palpável elemento progressivo. Merecem também uma menção honrosa o trabalho vocal e a soberba secção lírica, que já sabemos ser uma marca de qualidade característica do Nimb.

No geral, é um álbum agradável que cresce a cada escuta, criando uma experiência de audição diversa e variada que irá deliciar os fãs de sons pesados ​​e enérgicos e transições brilhantes e etéreas. 

Nimb é:

Sam Negrete - Vocais

Mine Saavedra - Synth, Piano

Daniel Ramírez - Guitarra

Franc García - Guitarra

Erick Martínez - Bateria

Pichi Carmona - baixo 

Destaque

Cássia Eller - Veneno Antimonotonia (1997)

  Álbum lançado em 1997 e é uma homenagem ao cantor e compositor Cazuza, com regravações de algumas de suas canções. Faixas do álbum: 01. Br...