Biografia de Rabih Abou-Khalil Nasceu em Beirute, Beirute, Líbano, em 17 de agosto de 1957
O flautista e tocador de oud com formação clássica Rabih Abou-Khalil mudou-se para a Alemanha durante a guerra civil do Líbano em 1978. Após seus estudos na Academia de Música de Munique, Abou -Khalil gravou alguns álbuns como flautista com pouca aclamação. Ele voltou ao oud com a formação de uma banda em turnê em 1986 que incluía o famoso baixista da banda de jazz do Oregon, Glen Moore, e o ex-saxofonista de Miles Davis, Sonny Fortune, entre outros.
Nos anos que se seguiram a esse esforço inicial, Abou-Khalil seguiu uma longa carreira marcada por inúmeras colaborações com músicos de jazz, folk e étnicos de renome mundial e regional. Sua música transcende qualquer estilo único, tendo sido creditada em vários momentos como abrangendo jazz, folk do Oriente Médio, klezmer, cigana e música clássica moderna.
Seu lançamento mais recente marca um retorno às suas raízes, com um grande esforço solo apresentando sons folk acústicos étnicos oud e sua marca registrada irreverente, música global que ignora normas políticas, religiosas e sociais em favor de celebrar as ricas texturas da música e vida. Hoje Abou-Khalil reside e grava em Munique e no sul da França.
Rabih Abou-Khalil é inegavelmente um músico mundial, enquanto seu estilo eclético, instrumentação tradicional e composições inovadoras são uma prova de uma mente criativa. Ele merece um lugar no ProgArchives para esses talentos.
RABIH ABOU-KHALIL discografia
RABIH ABOU-KHALIL top albums (CD, LP, MC, SACD, DVD-A, Digital Media Download)
Foi a surpreendente estreia desses desconhecidos corvos negros, porém, o álbum foi lançado em 1990, ano em que a explosão do grunge abalou tudo e os olhares da mídia e dos fãs estavam voltados para essa direção. Os anos oitenta deixaram-nos vestígios cada vez mais esbatidos do som mais puro e clássico do blues hardrock, sujo e fiel às raízes como aconteceu nos anos setenta com grandes nomes como The Rolling Stones ou Led Zeppelin.
Quase como uma tábua de salvação desse espírito vem The Black Crowes e esta muito mais do que uma grande estreia. Desde a abertura percebemos imediatamente a ênfase em recapturar aquele som com duas joias como 'Twice As A Hard' e 'Jeauulous Again', onde heavy blues guitar e slide guitars estão na ordem do dia, somados ao sujo mas eficaz Chris Robinson voz e alguns pianos de boogie impecáveis que imediatamente nos levam de volta à volátil era dos anos setenta, em 'Could I've Been So Blind' acontece exatamente a mesma coisa.
E é que o revival do estilo foi total, e talvez tenham sido "pioneiros" nisso que continuou a acontecer ao longo dos anos com expoentes como The Black Keys, Rival Sons ou Greta Van Fleet. Os irmãos Robinson com suas roupas hippies, incluindo calças de elefante, entraram nessa era dos anos 90, ponto zero, quase em grande estilo. As baladas do álbum são tremendas: 'Sister Luck', linda em seus arranjos e composição; e destaque com 'She Talk To Angels', liricamente e musicalmente chocante contando a comovente história de uma garota viciada que se refugia nas drogas para mitigar a dor da perda de seu filho. Provavelmente o melhor do álbum e o clímax emocional do álbum.
Também para esta estreia gloriosa está um cover do clássico 'Hard To Handle' de Otis Redding, com uma dose de energia e frescor neste caso para abalar até o próprio Redding em seu túmulo. Essa música foi a porta de entrada para as rádios e para os olhos da mídia e dos fãs, e merecidamente, de resto, um ótimo cover que não perde força, mas tem mais preciosidades para resenhar, o gospel e os coros femininos foram outro conceito que os irmãos Robinson trouxeram de novo, e que ao longo dos anos marcaria uma marca característica na banda; 'Seeing Things' é um exemplo claro disso. Rock 'n' roll em seu extrato mais puro volta à vida também com 'Struttin Blues' ou 'Stare It Cold', com um fechamento vertiginoso e intenso, diga-se de passagem.
Para não ficar aquém dos elogios, vale destacar o som bem conseguido da placa, e é que o "'dream team" que a equipe de produção tinha era dotado de gênios dos knobs como Rick Rubin, Brendan O 'Brien e Kevin Shirley, que seriam tão relevantes em seus trabalhos freelance daqui em diante.
Os Black Crowes cumpriram plenamente sua missão de reviver os sons vintage do rock 'n' roll e mais do que isso, encheram o estilo de vigor. Talvez a qualidade deste álbum o tenha prejudicado muito em sua carreira, pois para muitos nunca conseguiram superar a tremenda vara que ele deixou para trás. Por tudo isso e o que significou para a história dos corvos, merecidamente mantemos este álbum na seção de álbuns imortais.
A verdade era difícil diferenciar qual é o álbum mais clássico ou o mais imortal desta tremenda banda da cidade de El Cerrito, Califórnia.
1969 foi um ano extremamente produtivo para os CCRs, o número de canções escritas naquela época foi impressionante, precedido por dois excelentes álbuns como Green River e Bayou Country . Perfeitamente eles poderiam ter feito algo mais ambicioso como unir as infindáveis composições em um ótimo disco duplo, mas a qualidade e, bem, a gravadora Fantasy Records também preferiu comercialmente, para não dar bobeira. A escolha tem a ver mais do que tudo com o simples facto de destas três joias esta ter sido de longe uma das mais bem trabalhadas, os americanos estavam no auge da sua lucidez composicional e a revisão das faixas está mais do que demonstrada.
Vamos ao álbum em questão, e que melhor canção para abrir do que 'Down On The Corner', dando conta desde o início do espírito de consciência sócio-política de que se alimentaria este álbum, uma melodia serena infestada de pedra. Hitazo e peça fundamental ao longo de décadas para a banda e rock clássico em geral. Si la banda termina su nombre con la palabra 'revival' no es por nada, la concepción del grupo siempre estuvo centrada en rememorar lo mejor del rock n' roll de los cincuentas y en 'It Come Out Of The Sky' se hace mas latente que nunca. Em 'Cotton Fields', original do lendário bluesman Leadbelly, eles fazem uma espécie de música praiana que os Beach Boys já adorariam. O solo de gaita de John Fogerty junto com a guitarra rítmica de seu irmão Tom serve como um bom prelúdio para aquele baterista que vem anunciando algo assustador, é a sombria 'Feelin Blue', que leva todo o tempo do mundo para avançar um passo furtivo até que ele encontra seu fadeout final correspondente.
A fusão de folk, country, blues e rock & roll que este álbum nos proporciona torna-se mágica na execução destes génios, 'Fortunate Son', uma das canções de protesto mais comentadas da história. nos ossos e de passagem dá um tapa na cara do Tio Sam, da burguesia e do abuso de poder exercido pelo governo e pelos militares americanos da época. A sulista 'Don't Look Now' soa desde o início com Fogerty com um falsete que facilmente nos lembra Elvis Presley. Eis mais um dos aclamados grandes clássicos da banda: 'The Midnight Special', sem ser uma música que apele aos dons virtuosos dos californianos, cumpre sua missão graças aos seus refrões e refrões cativantes. Não é o caso da instrumental 'Side Of The Road', onde a mão de John Fogerty reencontra o blues e aliás acende uma das luzes mais altas do disco, com solos antológicos como só ele soube fazer ao longo de toda a carreira. .
Para terminar fechamos esta magnum opus com 'Effigly', uma música de outra dimensão, para quem não está satisfeito com os êxitos da banda, percebemos que é aqui que estão as verdadeiras preciosidades, uma introdução com uma melodia sombria e uma guitarra de blues que persiste tocando com os refrões e que encontra seu clímax total no final com um solo incrível que é desligado novamente por um fade out que talvez nunca quiséssemos que aparecesse. Este é um broche de ouro com todas as suas letras.
Como dissemos, é muito provável que não concordemos com aquele que é o melhor álbum da banda, mas neste trabalho encontramos o Creedence mais do que inspirado. Talvez seja o ano, o outono ou o imenso feriado que infelizmente mais tarde se diluiria, mas este conjunto de canções geniais, sem dúvida, faz dele um clássico imortal.
Divergências à parte, escolhemos este disco do Faith No More como o mais imortal dos imortais por causa e consequência. É um álbum bem diferente de seu antecessor The Real Thing , onde vemos pela primeira vez o talentoso Mike Patton colaborando musicalmente e por sinal, como a cara do grupo mudou! Embora o horizonte musical já estivesse se abrindo, foi aí que eles realmente começaram a experimentar diferentes estilos, seja pop, soul, rock progressivo, coros gospel, distorcedores de voz e samplers, entre outros.
Começa, ou melhor, explode com um riff de guitarra ameaçador e um baixo de Mr. Gould com 'Land Of Sunshine', uma música cheia de nuances, mudanças drásticas de ritmo, vocais em primeiro plano e fundo e um teclado que encontra um líder papel. Um dos começos mais devastadores e impressionantes para um registro do gênero. Logo em seguida, latidos e uivos de cachorros e um riff esmagador que nos leva direto ao headbanger de 'Caffeine', a voz de Patton em diversos temas, beirando o gutural, nos refrões com estilo semi-gang, e uma bateria que é extrema sua força quase a ponto de destruir a caixa, uma batida muito ritmada mais a voz sombria de Patton, que novamente atua em diferentes nuances atingem praticamente a perfeição, o refrão «você é perfeito, sim, é verdade, mas sem mim é só tu» com certeza uma das mais cantadas a plenos pulmões nas suas apresentações, um hit total, hit dark mas indiscutível. O belo e angelical piano que se repetirá constantemente em 'RV' somado à fala quase esquizofrênica de Patton nos dá motivos para comentar que esta é uma das canções mais bizarras, até hoje, compostas pelo quarteto.
A quantidade de canções inovadoras é incrível, em 'Everything's Ruined' é notável a combinação de pianos, marcas de baixo, jogos vocais de Patton e riffs completamente heavy metal. Para 'Malpractice', encontramos uma música delirante, industrial, onde a devassidão e a loucura são totais, a mão de Patton na fabricação dessa música é pesada, o eclético da escola Mr. Bungle cai aqui com todas as suas letras. Outro trabalho de destaque é descartado com 'Kindergarten', um rap de Patton que se cruza com riffs poderosos e um refrão com uma melodia totalmente cantável e inesquecível.
O disco é apreciado por suas melodias, isso é claro, e toda uma série de experimentos sonoros atingem o objetivo; Digamos que essa seja a grande graça do prato. A melancólica introdução de órgão é apenas o prelúdio para uma música funky muito groovy como 'Be Aggresive', dotada daquele coro particular com vozes femininas escritas exatamente como 'BE AGGRESIVE', outro hit por qualquer medida.
Como se não bastasse, e já entrando em três quartos do disco, surge 'A Small Victory', quase com uma vocalização terna de Patton no início e letras implacáveis, um show de scratch e um pico intenso de riffs para um finale. da antologia com a teimosa frase "você ainda não vai ouvir" (você ainda não ouve). Mais uma vez o baixo vigoroso de Gould marca a frase em 'Crack Hitler', a distorção da voz proporciona um encontro sombrio com o característico "hail" dos soldados da Alemanha nazista saudando o temível führer, coros gospel por todos os lados, um belo caos que acabou de repente. A pesadíssima 'Jizzlober' nos espera quase no final com os gritos viscerais de Patton que, como pulgas na orelha, não dão trégua ao longo de todo o disco.
Falar em bônus nunca é demais, a bela melodia instrumental de 'Midnight Cowboy' nos remete a uma noite quente do velho oeste, daqueles filmes de Clint Eastwood, quase à beira dos sonhos.
A reedição japonesa também incluiu 'Easy', a música original de Lionel Richie que agora qualquer tipo de comentário seria supérfluo, uma beleza de capa. Também estava incluída a regravação da ótima música 'As The Worm Turns', do álbum de estreia da banda onde a interpretação seria fornecida por Chuck Mosely, desta vez com a voz de Patton e com engenharia de som que foi bastante aprimorada graças a o trabalho de Matt Wallace, a música volta à vida e com uma vantagem formidável.
Curiosamente, este álbum marcou a saída do guitarrista Jim Martin, que não concordava com a viragem musical que a banda estava a dar, apelando para o facto de estarem a deixar o heavy metal (com certeza pensou no sentido mais purista), mas FNM tomou esse caminho e as consequências que isso poderia trazer não importavam e isso é algo que é apreciado até hoje. Não é de estranhar que hoje a banda nas suas setlists ao vivo perfazem mais de cinquenta por cento deste álbum, onde a criatividade e inovação musical fluíram demais, é talvez o melhor álbum de rock alternativo dos anos noventa e a sua influência marcou tendência no que foi vai ser feito a partir de então, sem dúvida.
O único álbum desta mítica banda de Edimburgo, na Escócia, e uma preciosidade que vale a pena comentar. O álbum foi gravado entre 1988 e 1989 e foi lançado pelo selo 53rd & 3rd Records pouco antes de desaparecer. Os escoceses para este disco impuseram um estilo mais punk rock de garagem do que seus singles lançados anteriormente, nos quais a tendência era mais folk.
Deve-se dizer que uma das principais importâncias deste álbum é o que iria influenciar significativamente o som inicial do Nirvana e, portanto, seu significado. Sem ir mais longe, Kurt Cobain comentou em algum momento que era sua banda fetiche e a considerava a segunda melhor da história do rock, depois da primeira: The Beatles. E sua filha Frances foi batizada em homenagem à vocalista da banda, Frances McKee.
O álbum abre com 'Sex Sux' soando como The Stooges com uma onda indie-noise brilhante totalmente dançante, em 'Slushy' e 'No Hope' o som do Velvet Underground é recapturado; os jogos vocais entre McKee e Eugene Kelly evocam essa essência quase o tempo todo no prato. Ainda existem ótimas músicas que ligam no primeiro contato como 'Monsterpussy' e 'Teenage Superstar'. Em 'Oliver Twisted', um jogo de palavras com acenos ao livro do famoso escritor Charles Dickens, regressam canções folclóricas feitas no início e com um violino convidado a dar-lhe um bom plus.
Durante esses anos a banda teve sérios problemas devido ao polêmico teor anticatólico de suas letras, chegando a ser censurada em diversas ocasiões. Em canções como 'Dum Dum' eles até invocam Satanás no melhor sentido irônico da palavra. A simples existência dessa banda é uma pena, mas é a mesma coisa que os levou a se tornar uma banda cult. Para o amante do som indie, garage rock e pós punk e amante de guitarras sujas e sons com muita vibe dentro do contexto alternativo, essa produção é essencial; e acima de tudo entender o som que se vivia no início dos anos 90 em Seattle. Um clássico imortal.
40. Dead Kennedys – ‘Fresh Fruit for Rotting Vegetables’ (1980) 39. Devo – ‘Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!’ (1978) 38. White Lung – ‘Deep Fantasy’ (2014) 37. Blink-182 – ‘Enema of the State’ (1999) 36. Crass – ‘Penis Envy’ (1981) 35. Fugazi – ’13 Songs’ (1989) 34. Joy Division – ‘Unknown Pleasures’ (1979) 33. The Slits – ‘Cut’ (1979) 32. The Misfits – ‘Walk Among Us’ (1982) 31. Yeah Yeah Yeahs – ‘Fever to Tell’ (2003) 30. Sonic Youth – ‘Evol’ (1986) 29. The Replacements – ‘Sorry Ma, Forgot to Take Out the Trash’ (1981) 28. The Germs – ‘(GI)’ (1979) 27. Minor Threat – ‘Complete Discography’ (1989) 26. Flipper – ‘Generic’ (1982) 25. Mission of Burma – ‘Vs.’ (1982) 24. The Jam – ‘All Mod Cons’ (1978) 23. Pere Ubu – ‘Terminal Tower’ (1985) 22. Bikini Kill – ‘The Singles’ (1998) 21. Richard Hell and the Voidoids – ‘Blank Generation’ (1977) 20. X-Ray Spex – ‘Germfree Adolescents’ (1978) 19. Bad Brains – ‘Bad Brains’ (1982) 18. Green Day – ‘Dookie’ (1994) 17. Television – ‘Marquee Moon’ (1977) 16. Descendents – ‘Milo Goes to College’ (1982) 15. New York Dolls – ‘New York Dolls’ (1973) 14. Sleater-Kinney – ‘Dig Me Out’ (1997) 13. Hüsker Dü – ‘Zen Arcade’ (1984) 12. Patti Smith – ‘Horses’ (1975) 11. The Buzzcocks – ‘Singles Going Steady’ (1979) 10. Nirvana – ‘Nevermind’ (1991) 09. X – ‘Los Angeles’ (1980) 08. Black Flag – ‘Damaged’ (1981) 07. Minutemen – ‘Double Nickels on the Dime’ (1984) 06. Wire – ‘Pink Flag’ (1977) 05. Gang of Four – ‘Entertainment!’ (1979) 04. The Stooges – ‘Funhouse’ (1970) 03. The Sex Pistols – ‘Never Mind the Bollocks Here’s the Sex Pistols’ (1977) 02. The Clash – ‘The Clash’ (1977) 01. Ramones – ‘Ramones’ (1976)
Outro CD duplo ao vivo, exibindo música instrumental pós-moderna eclética, combinando o poder do rock e a liberdade do jazz do espírito criativo ilimitado de quatro músicos de alta classe que não querem seguir as regras, uma formidável combinação de díspares, mas complementares. Esta gravação narra as apresentações ao vivo, mostrando sua combinação única: uma banda com maneiras jazzísticas e texturas carmesim e, ocasionalmente, apenas voos experimentais. Se você gostou do álbum de estúdio, não pode perder esse, e se não gostou também!
Artista: Bruford Levin Álbum: Upper Extremities - Blue Nights Ano: 2000 Gênero: Experimental jazz rock Duração: 103:14 Referência: Discogs Nacionalidade: Inglaterra/EUA
Mais um dos trabalhos formados pela excelente equipe rítmica do baterista Bill Bruford e do baixista Tony Levin, ou a espinha dorsal de mais de uma encarnação clássica do King Crimson . Torn era o curinga musical e criativo do grupo, a mundos de distância do caos estruturado de Fripp, seu estilo quase indefinível, combinando estranhas texturas de guitarra com trabalho de loop para resultados quase inigualáveis. E adicionar um trompete foi como adicionar um elemento extra a uma combinação já rica. As linhas finas e limpas do trompete de Chris Botti mantêm a música firmemente fundamentada quando ela ameaça voar muito longe em um território desconhecido, e também dá à banda seu sabor de jazz fresco.
Sobre o álbum, acho que não dá para comparar essas versões com suas versões de estúdio, mas esses músicos costumam dar o seu melhor no palco, correndo muito mais riscos do que no ambiente seguro de um estúdio de gravação. Muitas das canções tornam-se improvisações soltas na performance ao vivo. Existem muitas camadas rarefeitas a partir das quais esses caras operaram, então isso será muito saboroso para qualquer um que tenha ouvido a gravação em estúdio e tenha ouvidos e mente abertos.
E o conjunto deste grupo, apesar das capacidades individuais de cada membro, é muito mais do que a soma das suas partes. E que as peças aqui são de um nível tremendamente alto...
Pena que outros compromissos impediram esta banda de se tornar mais do que um empreendimento temporário, mas este "Blue Nights" ficou com o tempo, e é reconfortante saber que há tanta música boa esperando para ser encontrada, revivida e apreciada, impedindo-a de ser encontrado, perdido na escuridão do esquecimento. Do blog principal não permitiremos
Lista de faixas: Disco um: 1. Piercing Glances (7:54) 2. Etude Revisited (5:24) 3. A Palace Of Pearls (5:58) 4. Original Sin (8:14) 5. Dentures Of The Gods (6:25) 6. Deeper Blue (6:32) 7. Cobalt Canyons (7:30)
Disco dois: 1. Fin De Siècle (5:46) 2. Picnic On Vesuvius (9:28) 3. Cerulean Sea (7:03) 4. Bent Taqasim 5. Torn Drumbass (5:40) 6. Cracking The Midnight Glass (6:53) 7. Presidents Day (6:47) 8. 3 Minutes Of Pure Entertainment (10:54) 9. Outer Blue (6:06)
Formação: - Bill Bruford / bateria, percussão - Tony Levin / baixo, baqueta - David Torn / guitarra, loops, oud -Chris Botti/trompete
.jpg){kind=spacer}
.jpg){kind=spacer}
