Disco Imortal: Creedence Clearwater Revival – Willy and the Poor Boys (1969)

Registros de fantasia, 1969

A verdade era difícil diferenciar qual é o álbum mais clássico ou o mais imortal desta tremenda banda da cidade de El Cerrito, Califórnia.

1969 foi um ano extremamente produtivo para os CCRs, o número de canções escritas naquela época foi impressionante, precedido por dois excelentes álbuns como Green River e Bayou Country . Perfeitamente eles poderiam ter feito algo mais ambicioso como unir as infindáveis ​​composições em um ótimo disco duplo, mas a qualidade e, bem, a gravadora Fantasy Records também preferiu comercialmente, para não dar bobeira.
A escolha tem a ver mais do que tudo com o simples facto de destas três joias esta ter sido de longe uma das mais bem trabalhadas, os americanos estavam no auge da sua lucidez composicional e a revisão das faixas está mais do que demonstrada.

Vamos ao álbum em questão, e que melhor canção para abrir do que 'Down On The Corner', dando conta desde o início do espírito de consciência sócio-política de que se alimentaria este álbum, uma melodia serena infestada de pedra. Hitazo e peça fundamental ao longo de décadas para a banda e rock clássico em geral.
Si la banda termina su nombre con la palabra 'revival' no es por nada, la concepción del grupo siempre estuvo centrada en rememorar lo mejor del rock n' roll de los cincuentas y en 'It Come Out Of The Sky' se hace mas latente que nunca. Em 'Cotton Fields', original do lendário bluesman Leadbelly, eles fazem uma espécie de música praiana que os Beach Boys já adorariam. O solo de gaita de John Fogerty junto com a guitarra rítmica de seu irmão Tom serve como um bom prelúdio para aquele baterista que vem anunciando algo assustador, é a sombria 'Feelin Blue', que leva todo o tempo do mundo para avançar um passo furtivo até que ele encontra seu fadeout final correspondente.

A fusão de folk, country, blues e rock & roll que este álbum nos proporciona torna-se mágica na execução destes génios, 'Fortunate Son', uma das canções de protesto mais comentadas da história. nos ossos e de passagem dá um tapa na cara do Tio Sam, da burguesia e do abuso de poder exercido pelo governo e pelos militares americanos da época.
A sulista 'Don't Look Now' soa desde o início com Fogerty com um falsete que facilmente nos lembra Elvis Presley. Eis mais um dos aclamados grandes clássicos da banda: 'The Midnight Special', sem ser uma música que apele aos dons virtuosos dos californianos, cumpre sua missão graças aos seus refrões e refrões cativantes. Não é o caso da instrumental 'Side Of The Road', onde a mão de John Fogerty reencontra o blues e aliás acende uma das luzes mais altas do disco, com solos antológicos como só ele soube fazer ao longo de toda a carreira. .

Para terminar fechamos esta magnum opus com 'Effigly', uma música de outra dimensão, para quem não está satisfeito com os êxitos da banda, percebemos que é aqui que estão as verdadeiras preciosidades, uma introdução com uma melodia sombria e uma guitarra de blues que persiste tocando com os refrões e que encontra seu clímax total no final com um solo incrível que é desligado novamente por um fade out que talvez nunca quiséssemos que aparecesse. Este é um broche de ouro com todas as suas letras.

Como dissemos, é muito provável que não concordemos com aquele que é o melhor álbum da banda, mas neste trabalho encontramos o Creedence mais do que inspirado. Talvez seja o ano, o outono ou o imenso feriado que infelizmente mais tarde se diluiria, mas este conjunto de canções geniais, sem dúvida, faz dele um clássico imortal.

 

Disco Imortal: Faith No More – Angel Dust (1992)

 

Slash Records/Reprise Records, 1992

Divergências à parte, escolhemos este disco do Faith No More como o mais imortal dos imortais por causa e consequência. É um álbum bem diferente de seu antecessor The Real Thing , onde vemos pela primeira vez o talentoso Mike Patton colaborando musicalmente e por sinal, como a cara do grupo mudou! Embora o horizonte musical já estivesse se abrindo, foi aí que eles realmente começaram a experimentar diferentes estilos, seja pop, soul, rock progressivo, coros gospel, distorcedores de voz e samplers, entre outros.

Começa, ou melhor, explode com um riff de guitarra ameaçador e um baixo de Mr. Gould com 'Land Of Sunshine', uma música cheia de nuances, mudanças drásticas de ritmo, vocais em primeiro plano e fundo e um teclado que encontra um líder papel. Um dos começos mais devastadores e impressionantes para um registro do gênero. Logo em seguida, latidos e uivos de cachorros e um riff esmagador que nos leva direto ao headbanger de 'Caffeine', a voz de Patton em diversos temas, beirando o gutural, nos refrões com estilo semi-gang, e uma bateria que é extrema sua força quase a ponto de destruir a caixa, uma batida muito ritmada mais a voz sombria de Patton, que novamente atua em diferentes nuances atingem praticamente a perfeição, o refrão «você é perfeito, sim, é verdade, mas sem mim é só tu» com certeza uma das mais cantadas a plenos pulmões nas suas apresentações, um hit total, hit dark mas indiscutível. O belo e angelical piano que se repetirá constantemente em 'RV' somado à fala quase esquizofrênica de Patton nos dá motivos para comentar que esta é uma das canções mais bizarras, até hoje, compostas pelo quarteto.

A quantidade de canções inovadoras é incrível, em 'Everything's Ruined' é notável a combinação de pianos, marcas de baixo, jogos vocais de Patton e riffs completamente heavy metal. Para 'Malpractice', encontramos uma música delirante, industrial, onde a devassidão e a loucura são totais, a mão de Patton na fabricação dessa música é pesada, o eclético da escola Mr. Bungle cai aqui com todas as suas letras. Outro trabalho de destaque é descartado com 'Kindergarten', um rap de Patton que se cruza com riffs poderosos e um refrão com uma melodia totalmente cantável e inesquecível.

O disco é apreciado por suas melodias, isso é claro, e toda uma série de experimentos sonoros atingem o objetivo; Digamos que essa seja a grande graça do prato. A melancólica introdução de órgão é apenas o prelúdio para uma música funky muito groovy como 'Be Aggresive', dotada daquele coro particular com vozes femininas escritas exatamente como 'BE AGGRESIVE', outro hit por qualquer medida.

Como se não bastasse, e já entrando em três quartos do disco, surge 'A Small Victory', quase com uma vocalização terna de Patton no início e letras implacáveis, um show de scratch e um pico intenso de riffs para um finale. da antologia com a teimosa frase "você ainda não vai ouvir" (você ainda não ouve). Mais uma vez o baixo vigoroso de Gould marca a frase em 'Crack Hitler', a distorção da voz proporciona um encontro sombrio com o característico "hail" dos soldados da Alemanha nazista saudando o temível führer, coros gospel por todos os lados, um belo caos que acabou de repente. A pesadíssima 'Jizzlober' nos espera quase no final com os gritos viscerais de Patton que, como pulgas na orelha, não dão trégua ao longo de todo o disco.

Falar em bônus nunca é demais, a bela melodia instrumental de 'Midnight Cowboy' nos remete a uma noite quente do velho oeste, daqueles filmes de Clint Eastwood, quase à beira dos sonhos.

A reedição japonesa também incluiu 'Easy', a música original de Lionel Richie que agora qualquer tipo de comentário seria supérfluo, uma beleza de capa. Também estava incluída a regravação da ótima música 'As The Worm Turns', do álbum de estreia da banda onde a interpretação seria fornecida por Chuck Mosely, desta vez com a voz de Patton e com engenharia de som que foi bastante aprimorada graças a o trabalho de Matt Wallace, a música volta à vida e com uma vantagem formidável.

Curiosamente, este álbum marcou a saída do guitarrista Jim Martin, que não concordava com a viragem musical que a banda estava a dar, apelando para o facto de estarem a deixar o heavy metal (com certeza pensou no sentido mais purista), mas FNM tomou esse caminho e as consequências que isso poderia trazer não importavam e isso é algo que é apreciado até hoje. Não é de estranhar que hoje a banda nas suas setlists ao vivo perfazem mais de cinquenta por cento deste álbum, onde a criatividade e inovação musical fluíram demais, é talvez o melhor álbum de rock alternativo dos anos noventa e a sua influência marcou tendência no que foi vai ser feito a partir de então, sem dúvida.

Disco Imortal: The Vaselines – Dum-Dum (1989)

53º e 3º Registros, 1989

O único álbum desta mítica banda de Edimburgo, na Escócia, e uma preciosidade que vale a pena comentar.
O álbum foi gravado entre 1988 e 1989 e foi lançado pelo selo 53rd & 3rd Records pouco antes de desaparecer. Os escoceses para este disco impuseram um estilo mais punk rock de garagem do que seus singles lançados anteriormente, nos quais a tendência era mais folk.

Deve-se dizer que uma das principais importâncias deste álbum é o que iria influenciar significativamente o som inicial do Nirvana e, portanto, seu significado. Sem ir mais longe, Kurt Cobain comentou em algum momento que era sua banda fetiche e a considerava a segunda melhor da história do rock, depois da primeira: The Beatles. E sua filha Frances foi batizada em homenagem à vocalista da banda, Frances McKee.

O álbum abre com 'Sex Sux' soando como The Stooges com uma onda indie-noise brilhante totalmente dançante, em 'Slushy' e 'No Hope' o som do Velvet Underground é recapturado; os jogos vocais entre McKee e Eugene Kelly evocam essa essência quase o tempo todo no prato. Ainda existem ótimas músicas que ligam no primeiro contato como 'Monsterpussy' e 'Teenage Superstar'. Em 'Oliver Twisted', um jogo de palavras com acenos ao livro do famoso escritor Charles Dickens, regressam canções folclóricas feitas no início e com um violino convidado a dar-lhe um bom plus.

Durante esses anos a banda teve sérios problemas devido ao polêmico teor anticatólico de suas letras, chegando a ser censurada em diversas ocasiões. Em canções como 'Dum Dum' eles até invocam Satanás no melhor sentido irônico da palavra. A simples existência dessa banda é uma pena, mas é a mesma coisa que os levou a se tornar uma banda cult. Para o amante do som indie, garage rock e pós punk e amante de guitarras sujas e sons com muita vibe dentro do contexto alternativo, essa produção é essencial; e acima de tudo entender o som que se vivia no início dos anos 90 em Seattle. Um clássico imortal.

 

Os 40 melhores álbuns do Punk Rock de todos os tempos

 

Segue a lista elaborada pela “Rolling Stone”, 

40. Dead Kennedys – ‘Fresh Fruit for Rotting Vegetables’ (1980)
39. Devo – ‘Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!’ (1978)
38. White Lung – ‘Deep Fantasy’ (2014)
37. Blink-182 – ‘Enema of the State’ (1999)
36. Crass – ‘Penis Envy’ (1981)
35. Fugazi – ’13 Songs’ (1989)
34. Joy Division – ‘Unknown Pleasures’ (1979)
33. The Slits – ‘Cut’ (1979)
32. The Misfits – ‘Walk Among Us’ (1982)
31. Yeah Yeah Yeahs – ‘Fever to Tell’ (2003)
30. Sonic Youth – ‘Evol’ (1986)
29. The Replacements – ‘Sorry Ma, Forgot to Take Out the Trash’ (1981)
28. The Germs – ‘(GI)’ (1979)
27. Minor Threat – ‘Complete Discography’ (1989)
26. Flipper – ‘Generic’ (1982)
25. Mission of Burma – ‘Vs.’ (1982)
24. The Jam – ‘All Mod Cons’ (1978)
23. Pere Ubu – ‘Terminal Tower’ (1985)
22. Bikini Kill – ‘The Singles’ (1998)
21. Richard Hell and the Voidoids – ‘Blank Generation’ (1977)
20. X-Ray Spex – ‘Germfree Adolescents’ (1978)
19. Bad Brains – ‘Bad Brains’ (1982)
18. Green Day – ‘Dookie’ (1994)
17. Television – ‘Marquee Moon’ (1977)
16. Descendents – ‘Milo Goes to College’ (1982)
15. New York Dolls – ‘New York Dolls’ (1973)
14. Sleater-Kinney – ‘Dig Me Out’ (1997)
13. Hüsker Dü – ‘Zen Arcade’ (1984)
12. Patti Smith – ‘Horses’ (1975)
11. The Buzzcocks – ‘Singles Going Steady’ (1979)
10. Nirvana – ‘Nevermind’ (1991)
09. X – ‘Los Angeles’ (1980)
08. Black Flag – ‘Damaged’ (1981)
07. Minutemen – ‘Double Nickels on the Dime’ (1984)
06. Wire – ‘Pink Flag’ (1977)
05. Gang of Four – ‘Entertainment!’ (1979)
04. The Stooges – ‘Funhouse’ (1970)
03. The Sex Pistols – ‘Never Mind the Bollocks Here’s the Sex Pistols’ (1977)
02. The Clash – ‘The Clash’ (1977)
01. Ramones – ‘Ramones’ (1976)

ALBUM DE EXPERIMENTAL JAZZ ROCK

Bruford Levin - Upper Extremities - Blue Nights (2000)

 Outro CD duplo ao vivo, exibindo música instrumental pós-moderna eclética, combinando o poder do rock e a liberdade do jazz do espírito criativo ilimitado de quatro músicos de alta classe que não querem seguir as regras, uma formidável combinação de díspares, mas complementares. Esta gravação narra as apresentações ao vivo, mostrando sua combinação única: uma banda com maneiras jazzísticas e texturas carmesim e, ocasionalmente, apenas voos experimentais. Se você gostou do álbum de estúdio, não pode perder esse, e se não gostou também!

Artista: Bruford Levin
Álbum: Upper Extremities - Blue Nights
Ano: 2000
Gênero: Experimental jazz rock
Duração: 103:14
Referência: Discogs
Nacionalidade: Inglaterra/EUA

Mais um dos trabalhos formados pela excelente equipe rítmica do baterista Bill Bruford e do baixista Tony Levin, ou a espinha dorsal de mais de uma encarnação clássica do King Crimson . Torn era o curinga musical e criativo do grupo, a mundos de distância do caos estruturado de Fripp, seu estilo quase indefinível, combinando estranhas texturas de guitarra com trabalho de loop para resultados quase inigualáveis. E adicionar um trompete foi como adicionar um elemento extra a uma combinação já rica. As linhas finas e limpas do trompete de Chris Botti mantêm a música firmemente fundamentada quando ela ameaça voar muito longe em um território desconhecido, e também dá à banda seu sabor de jazz fresco.

Sobre o álbum, acho que não dá para comparar essas versões com suas versões de estúdio, mas esses músicos costumam dar o seu melhor no palco, correndo muito mais riscos do que no ambiente seguro de um estúdio de gravação. Muitas das canções tornam-se improvisações soltas na performance ao vivo. Existem muitas camadas rarefeitas a partir das quais esses caras operaram, então isso será muito saboroso para qualquer um que tenha ouvido a gravação em estúdio e tenha ouvidos e mente abertos.

E o conjunto deste grupo, apesar das capacidades individuais de cada membro, é muito mais do que a soma das suas partes. E que as peças aqui são de um nível tremendamente alto...

Pena que outros compromissos impediram esta banda de se tornar mais do que um empreendimento temporário, mas este "Blue Nights" ficou com o tempo, e é reconfortante saber que há tanta música boa esperando para ser encontrada, revivida e apreciada, impedindo-a de ser encontrado, perdido na escuridão do esquecimento. Do blog principal não permitiremos

Podem ouvi-lo a partir deste espaço no Bandcamp, que é nada mais nada menos que aquele com as boas vibrações carecas:
https://tonylevin-papabear.bandcamp.com/album/blue-nights

Lista de faixas:
Disco um:
1. Piercing Glances (7:54)
2. Etude Revisited (5:24)
3. A Palace Of Pearls (5:58)
4. Original Sin (8:14)
5. Dentures Of The Gods (6:25)
6. Deeper Blue (6:32)
7. Cobalt Canyons (7:30)

Disco dois:
1. Fin De Siècle (5:46)
2. Picnic On Vesuvius (9:28)
3. Cerulean Sea (7:03)
4. Bent Taqasim
5. Torn Drumbass (5:40)
6. Cracking The Midnight Glass (6:53)
7. Presidents Day (6:47)
8. 3 Minutes Of Pure Entertainment (10:54)
9. Outer Blue (6:06)

Formação:
- Bill Bruford / bateria, percussão
- Tony Levin / baixo, baqueta
- David Torn / guitarra, loops, oud
-Chris Botti/trompete

 

ALBUM DE ELECTRIC PROGRESSIVO

 

Arnaud Bukwald - La Marmite Cosmique Six (2020)

Se você pensou que gênios musicais não existiam, é porque você não ouviu esse cara. Por aqui estamos sempre ferrando com um pouco de tudo que está rolando no francês progressivo, e estamos aqui não só para apresentar o clássico mas também o novo desde que seja de qualidade, como neste caso, que seja algo de grande classe e nobreza musical. Esta é a sexta parte de "La Marmite Cosmique", e ainda não ouvi as cinco primeiras versões da saga, mas esta já é o suficiente para que eu as recomende. The Frog tem uma abordagem caprichosa e imprevisível para compor sua música, uma produção excêntrica e eclética. Space rock, música clássica moderna, jazz rock, progressivo experimental misturado com estilos vintage bastante barrocos e rock psicodélico em um contexto de trilha sonora, às vezes sendo quase uma reminiscência de Art Zoyd em sua experimentação e abordagem RIO. criando um progressivo caprichoso, com muita diversão, e talvez até desconcerto, mas também delicado e refinado. O álbum tem apenas duas músicas completas: a primeira tem 22 minutos, enquanto a outra tem quase 12 minutos. O resultado é outro álbum atraente de prog moderno que ultrapassa quaisquer limites musicais e reúne formas de uma forma que de alguma forma faz sentido musical total e completo. Altamente recomendado! enquanto o outro tem quase 12 minutos. O resultado é outro álbum atraente de prog moderno que ultrapassa quaisquer limites musicais e reúne formas de uma forma que de alguma forma faz sentido musical total e completo. Altamente recomendado! enquanto o outro tem quase 12 minutos. O resultado é outro álbum atraente de prog moderno que ultrapassa quaisquer limites musicais e reúne formas de uma forma que de alguma forma faz sentido musical total e completo. Altamente recomendado!

Artista: Arnaud Bukwald
Álbum: La Marmite Cosmique Six
Ano: 2020
Gênero: Eclectic Progressive
Duração: 34:04
Referência: Rate Your Music
Nacionalidade: França

Arnaud Bukwald, multi-instrumentista progressivo de grande alcance, lançou em 2020 o sexto álbum da série "La Marmite Cosmique" e agora desembarca no blog da cabeça. 

A incrível habilidade de Arnaud de adaptar sons, estilos e riffs antigos para fundi-los em algo totalmente novo e fresco é incrível, nossos sons favoritos do passado agora trazidos de volta à vida e adaptados de uma maneira incrível. Este é um álbum que eu acho que exige ser ouvido com fones de ouvido, para que você possa realmente entrar em todas as nuances e não perder nada, porque você tem que estar muito atento. Você nunca sabe aonde a música vai te levar, às vezes é muito experimental, outras vezes é mais mainstream, e apesar do fato de que há muita coisa acontecendo e a música muda drasticamente em termos de estilo e abordagem, também é incrivelmente interessante de ouvir e apreciar quando você o ouve pela primeira vez.

O fantástico virtuosismo artístico de Arnaud revela-se ao longo do álbum e é impossível descrevê-lo na totalidade, tem de tudo, cheio de mudanças e complexidades, desde deliciosas vozes femininas temperadas com sabor oriental, a um jazz rock bastante lírico que poderia recordar uma veia semelhante ao multifacetada comunidade do rock quebequense, música eletrônica, partes épicas emocionantes e velozes, juntamente com um atraente desfile de instrumentos: jogos de guitarra e canções solenes, órgãos de tubos imprimem texturas que vão do sinfonismo a temas onde impera o órgão psicodélico, as explosões do blues guitarra, shoegaze lento que imprime uma melancolia suave, linhas funky e outras paisagens sonoras diversas podem ser ouvidas ao longo da criação.Tudo muito variado para tentar cobrir em palavras, você tem que ouvir isso.

Isso é algo completamente agradável do começo ao fim. Sonic magic encerrado em um álbum muito agradável. Altamente recomendado!

Música brilhantemente colorida e surpreendente. Há algum gênio real e raro acontecendo aqui. Composições emocionantes e muitas vezes espirituosas, criando uma aventura incrível. Em conclusão, você tem sorte de poder descobrir seu talento musical através deste álbum. Um material fascinante.

Você pode ouvi-lo na íntegra em seu espaço no Bandcamp:
https://arnaudbukwald.bandcamp.com/album/la-marmite-cosmique-six

Tracklist:
1. Contes Lunaires (22:14)
2. Dynamogeny (11:50)

Formação:
- A. Bukwald / vocal, arranjos
- Cherry Pob / vocal

ALBUM DE POST-ROCK

 

Sigur Rós - Taak (2005)

 Lembra-nos os gelados e bucólicos islandeses, continuando com o seu estilo próprio, talvez cansando uns mais que outros mas sem deixar de os desmerecer porque encontraram o seu som e exibem sempre a sua musicalidade, que é um embate de magia e instrumentos, e palavras que a maioria de seus ouvintes nunca entenderá. Um álbum de profunda beleza com o toque comercial certo para vender milhões, mas sem ceder ao sistema e continuar a cultivar o seu estilo que os tornou tão conhecidos, porque querendo ou não, Sigur Rós fez aqui um álbum muito acessível disco que ainda carrega seu som único e com aquele potencial emocionalmente paralisante que parece ter saído da final da Copa do Mundo no Catar. Sua música, apesar de simples, consegue soar maravilhosa, com muitas cordas sendo usadas em quase todas as faixas do disco, com muitos instrumentos e músicos convidados. Então, se você ainda não ouviu, eu recomendo fortemente, para você e qualquer pessoa que queira ouvir um álbum inovador.

Artista: Sigur Rós

Álbum: Taak
Ano: 2005
Gênero: Post-Rock
Nacionalidade: Islândia

Sigur Rós é um dos grupos de Post-Rock mais criativos e inclassificáveis ​​e, de fato, a mera tentativa de catalogá-los já é um ato bastante ousado. Até como Post-Rock, mas hey, temos que colocá-los em algum lugar... até onde eu sei, metade das músicas são cantadas em "Vonleska", um idioma legal que inventou o vocal (qualquer semelhança com Magma é produto de a imaginação de alguma mente febril, esclareço), que consiste em fonemas sem nenhum léxico e sem nenhum significado, com os quais quem o ouve pode imaginar o que significa. E a outra metade é cantada em islandês, o que não acho muito diferente da vonleska, pelo menos para nós.

Takk... (Thank You...) é o quarto álbum de estúdio da banda islandesa de post-rock Sigur Rós. Foi lançado em 12 de setembro de 2005.
Os primeiros singles, Glósóli e Sæglópur, foram lançados em 15 e 16 de agosto de 2005, respectivamente. O single Hoppípolla foi lançado no Reino Unido em 28 de novembro de 2005 e entrou no UK Singles Chart na 35ª posição em 4 de dezembro. Após seu relançamento em maio de 2006, alcançou a posição # 24.
Nos Estados Unidos, Takk... vendeu quase 30.000 cópias na primeira semana após o lançamento. Em 7 de abril de 2006 o álbum foi certificado ouro pela British Phonographic Industry após registrar mais de 100.000 cópias compradas no Reino Unido. No total, Takk... vendeu mais de 800.000 discos em todo o mundo.[citação necessária]
A BBC frequentemente usa canções de Takk... em seus programas. Hoppípolla foi usada como música de fundo para os trailers da aclamada série de documentários Planet Earth.
O tema Hoppípolla foi também utilizado pela RTVE para uma campanha de promoção interna dos seus canais temáticos.

Wikipedia

Se gostamos mais ou menos do grupo, devemos reconhecer que as contribuições da banda em termos musicais são, no mínimo, notáveis.

A experimentação pós-rock de alguns grupos como o islandês Sigur Rós pode cativar alguns com suas disposições noise-art-pop e irritar outros com um pé no saco insuportável de ruídos ambientais e texturas autoindulgentes. Apesar de bom, sempre, e para melhor, existe um meio termo.
“Takk” (2005) é o quarto álbum do grupo e mais uma viagem emocional através de uma mistura de art-pop, new age, música orquestral e ambientes psico-progressivos com luxuosos arranjos etéreo-espaciais.
Tudo isto centrado na criação de atmosferas de precioso-ruído com vozes andróginas-evocativas (por vezes fantasmagóricas e operísticas) em peças lentas (muito extensas) com crescendos em clímax intensos a nível sensorial, ornamentados com arranjos de cordas, glockenspiel, azul claro, pianos . , trombetas...
Às vezes o álbum é bastante enfadonho, pretensioso e repetitivo (principalmente a voz, em muitas ocasiões bastante insuportável), e outras vezes traz uma estranha sensação de beleza agradável na exposição pós-rock de passagens sonoras que desenham cenas relaxantes, cativantes, frio, mas emocional, gerado por uma combinação de instrumentação experimental e vocais ululantes.
Provavelmente o melhor do álbum está em peças como "Saeglopur", com um piano simples e um glockenspiel que parece simular gotas de chuva. O desenvolvimento do tema atinge seu auge em momentos de épica emoção com a percussão, o ruído de fundo, a voz intensa de Jonsi Birgisson e os épicos arranjos de cordas.
A balada "Hoppipolla" também contém belos pianos e um arranjo pop (orquestral) mais acessível para os menos afeitos à experimentação, "Glosoli" é como misturar Enya com My Bloody Valentine e o desfile do exército russo pela Praça Vermelha, enquanto "Sé Lest” tem uma sonoridade interessante com xilofone e azul claro, um desenvolvimento um tanto enfadonho e uma parte final divertida no estilo Dixieland.
“Gong” é outra das faixas mais audíveis (pelo menos não dura doze minutos em um desenvolvimento onanista), com uma melodia pop dos sonhos, cordas elegantes, bateria suave, guitarras estridentes e a voz afetada, caricatural e insuportável de sempre .tentando transferir emoção para nós em crescendo. Você vai conseguir com alguns. Isso vai abalá-los. Isso vai te fascinar. Acabo ficando entediado com tanta pomposidade, tanta grandiloquência repetitiva.

AlohaPicky

 

Como eu disse uma vez, eles me são monótonos e me cansam, embora eu não deixe de reconhecer sua arte. Mas não vou escrever tanto se neste comentário eles disserem mais ou menos a mesma coisa que eu penso:

A questão de Sigur Rós é uma das mais impossíveis de abordar a partir da falsa equidistância. É um clichê: ou você os ama ou os odeia. É surpreendente, não surpreendentemente, que tal tópico tenha se apegado tão firmemente à música dos islandeses. A priori não deveria ser um grupo que provocasse debates acalorados. A priori não deveria ser um grupo que provoca debates. Os Sigur Rós navegam entre uma certa popularidade que choca frontalmente com a natureza do seu som: primeiro denso, depois mais leve, com desenvolvimentos muito longos, quase ambientais, demasiado oníricos, pródigos, excessivamente elegíacos. Nada sugere que sua história deva ser uma história de sucesso, mas é. Sigur Rós quebrou o molde de seu gênero e, de alguma forma ainda fascinante hoje, eles ultrapassaram os limites da irrelevância popular.
As duas faces da mesma moeda
Como costuma acontecer, esse fato tem levado ao surgimento de uma massa acrítica de torcedores que defendem todas e cada uma das etapas do grupo e, em contrapartida, um núcleo de adversários de ferro de qualquer um de seus desvios sonoros. . Como em muitas outras ocasiões, nunca soube bem onde me posicionar. Sigur Rós tem tantos motivos em suas canções para amá-los quanto para odiá-los. Infelizmente, o meio-termo é o pior que pode existir no pop, então tendo a olhar para os discos islandeses de um certo ponto de vista de indiferença respeitável. É o pior porque me impede de mergulhar neles, para o bem ou para o mal.
Mas nem sempre é assim. Ao longo dos seus anos de existência, Sigur Rós proporcionou-me momentos de gozo e momentos de tédio. No momento, o primeiro venceu o segundo, mas a tendência é preocupante depois de seu soporífero Valtari. Esse foi um álbum recebido com aplausos pelos seguidores mais ferrenhos do grupo, mas por trás das texturas ambientais e guitarras geladas não havia nada além de tédio. Nem frio nem calor emocional. Valtari não estava transmitindo nada. Sigur Rós às vezes não transmite nada. Eles se perdem em suas ideias geladas, muitas vezes se homenageiam. Qual é o caminho que leva de sua estreia Von a Valtari?
Certamente esse caminho é () ou a segunda metade do Takk… Sigur Rós faz recordes tão longos e tão grandes que inevitavelmente acabam perdendo peso em uma de suas curvas. E esse Takk... é o álbum que os catapultou para a popularidade com algum mérito. Ao se afastar do pós-rock, Sigur Rós surgiu com hinos de cunho alegre para todos os públicos. 'Hoppípolla' era até aquele momento a única música até então que merecia o nome de hit. Estava em letras maiúsculas: anúncios de televisão, promoções, vídeos caseiros. Era uma música de acompanhamento ideal e resumia muitas das virtudes do grupo: o histrionismo emocional suave, os sons da paisagem, o piano que salta devido ao peso rítmico da bateria.
O brilho de um bom começo
Em Takk… foram mais duas ou três canções que moldaram os Sigur Rós do futuro. Apareceu 'Glósóli' ou 'Milano' para trazer a severidade profunda de () para um terreno mais leve. Mas quando Takk… entrou em parafuso, quase não houve inspiração que os levou a Ágætis Byrjun. Poucos grupos tocaram as teclas do pós-rock e dos sons ambientais com tanta emoção quanto em seu segundo álbum, aclamado pela crítica e merecidamente um dos melhores trabalhos da última década, mesmo que tenha sido publicado nas pós-métricas da os noventa. Ágætis Byrjun é seu álbum. Aquele que sobreviverá à passagem do tempo e fará deles uma banda digna de ser lembrada. É justo dizer, porque é apenas o que emerge de suas canções.
Alguém se pergunta se 'Viorar Vel Til Loftarasa' é uma das canções mais sinceras que uma banda já escreveu. Dez minutos de progressão melancólica ao ritmo de guitarras estratosféricas que são como serras mecânicas destruindo o coração de Jón Þór Birgisson. Sem falsete ou exagero, Birgisson, um homossexual, narra o seu drama e o de milhares de crianças que simplesmente foram vítimas de um ambiente social demasiado conservador. Sigur Rós soa tão sincero nessa música que é quase assustador chegar perto deles. Eles nunca, jamais alcançariam tal nível de abstração emocional, e sua discografia subsequente teria mais de suas preocupações artísticas do que de suas obsessões emocionais.
O resto de Ágætis Byrjun beira o excelente, com outros momentos brilhantes como o homônimo 'Ágætis Byrjun' ou 'Svefn-g-englar'. De fato, foi um bom começo. Sua continuação jamais daria o mesmo magentismo. Mas () é uma boa unidade de qualquer maneira. A essa altura, Sigur Rós sabia o que queria de si e para onde queria se levar. () não tem nome, é apenas um parêntese. Suas canções, às vezes inspiradas (número 4), às vezes não (número 7), anunciam sua propensão à irrelevância ambiental e evocam seu talento para inspirar emoções geladas. Você pode olhar nos olhos daquele () e fazer isso sem condescendência.
enrolados em si mesmos
Há muitas coisas que desde então não gostei em Sigur Rós, como a necessidade de criar um universo paralelo à sua música. Às vezes, Sigur Rós foi tentado a alimentar seu personagem desnecessariamente. Os títulos das canções, que traduzidas do islandês resultam num coelhismo assustador, são uma pista. Sigur Rós peca pelo excesso de espiritualidade. E espiritualidade excessiva é, de longe, uma das piores coisas que um grupo de suas características pode pecar. Quase todos os seus detratores entram aqui e levantam a mão: não dá para acreditar tanto na sua música. Aquele tipo de experiência mística que apura os sentidos e purifica a alma. Uma nova religião para milhares de crentes cuja devoção é a fé. Nada real para segurá-lo.
Valtari jogou neste terreno descaradamente. Não sei se eles sabiam disso, no álbum anterior, Sigur Rós experimentou instrumentos mais folk e ambientes pop de sonho. Ou pop diretamente. O experimento não foi o maior sucesso do grupo, mas também não foi um erro monumental. O único problema com Með suð í eyrum við spilum endalaust é que os levou a um terreno onde milhares de outros grupos eram capazes de fazer exatamente a mesma coisa. Com a mesma graça: relativa. É o caminho que Jónsi tentou seguir sozinho e que deu o mesmo resultado. Qual pode ser o futuro, então, de Sigur Rós? É a encruzilhada deles e eles devem resolvê-lo.
Teremos a resposta não muito tarde. Já sabemos que vão lançar um novo álbum este ano, numa produtividade surpreendente após o anúncio não tão distante da cessação temporária da atividade. Ele se chamará Kveikur e já temos uma prévia ou duas, como 'Brennisteinn'. Não ouvi mas já li os mesmos comentários amargos de sempre: por um lado, a maravilha mística das guitarras paisagísticas; de outro, o tédio sublime produzido pelo post-rock de olhar para o umbigo, em uroboro musical. Será Sigur Rós um Saturno que devora não seus filhos, mas a si mesmo? Acho que eles têm margem de manobra, mas não sei se eles estão cientes disso.

mohorte

 
Comentários sobre o álbum podem ser encontrados em toda a rede, e cada um tem sua opinião, como este caso...

Takk… é um álbum ensolarado, mas no mundo dele o sol é frio e sempre parece outono. O grupo Sigur Rós é conhecido pelas suas longas canções, pelos seus violinos e pela sempre aguda e encantadora voz de Jónsi (que por vezes fala numa língua inventada). Tudo isso soa como sinônimo de música inacessível, mas não: ouça o disco -não importa se você não entende a letra ou se não está acostumado com esses sons- e entenderá o que eu estou falando.
Já começamos com uma introdução que deslumbra em menos de dois minutos, e depois continuam os temas elegantes e descontraídos. Mas não pense que vai dormir: “Hoppípolla”, a mais conhecida da banda, é radiante e explode de otimismo, enquanto a impressionante “Sæglópur” abandona rapidamente a calma para atacar com uma bateria de arrepiar os cabelos. Assim como cada música pode variar entre a calmaria e a tempestade, o álbum é composto por uma gama de paisagens diferentes. Quase nunca uso a palavra “linda” como descrição, mas esta viagem honestamente merece.

pós-rocker

 

Aqui trago a vocês, graças ao LightbulsSun, mais um álbum da banda islandesa mais famosa, pelo menos não me lembro de outro famoso, além da Bjork que é uma artista solo, se eu estiver errado me avisem, não estou infalível, mas o que eu tenho para trazer é um que eu gosto mais do que este e tenho para que possa vir à cabeça do blog a qualquer momento.

 

Para completar este dia de quarta-feira, aqui deixamos o Sigur Rós ... um belo álbum para quem o sabe aproveitar e não se aborrece pelo caminho...

 

 

Track List:
01 - Takk...
02 - Glósóli
03 - Hoppípolla
04 - Með blóðnasir
05 - Sé lest
06 - Sæglópur
07 - Mílanó
08 - Gong
09 - Andvari 10
- Svo hljótt
11 - Heysátan

Formação:
- Jónsi Birgisson / Voz e guitarras
- Georg Holm / Baixo
- Orri Páll Dýrason / Bateria
- Kjartan Sveinsson / Teclados
Músicos convidados:
Amiina / cordas
Kristín Lárusdóttir / violoncelo
Júlía Mogensen / violoncelo
Stefanía Ólafsdóttir / viola
Eyjólfur Bjarni Alfreðsson / viola
Ingrid Karlsdótti r / Violin
Gréta Salóme Stefánsdóttir / Violin
Matthías Stefásson / Violin
ólöf Júlía Kjartansdóttir / Violin
Eiríkur Orrifsson / Trompete
Snorri Sigurðarson / Trompete
Helgi Hrafn Jósson / Trombone
Samúel Jón Samúelson Big Big Big
/ TUBA