Quando nos referimos a "dança" geralmente temos um estilo específico de dança em mente. Pode ser qualquer coisa, desde "the running man" e "the moonwalk" até "the dougie" ou "the dab". Breakdance, no entanto, não é simplesmente um estilo de dança. É uma cultura única com sua própria história, linguagem, cultura e uma vasta variedade de movimentos de dança.
Então vamos conhecer a arte do breakdance, começando com uma definição simples.
O que é Breakdance?
Breakdancing ou break é uma forma de dança de rua que incorpora intrincados movimentos corporais, coordenação, estilo e estética. As pessoas que executam esse estilo de dança são conhecidas como b-boys ou b-girls. Às vezes, eles são chamados de disjuntores.
A História do Breakdance
Breakdance é o estilo de dança hip-hop mais antigo conhecido. Acredita-se que tenha se originado no Bronx, em Nova York, na década de 1970. As inspirações musicais remontam às enérgicas performances do maestro do funk, James Brown.
Nos primeiros dias de DJ, apresentador e breakdance, um break - a parte instrumental de uma música que é repetida repetidamente pelo DJ - era normalmente incorporada às músicas para permitir uma demonstração de movimentos de breakdance.
No final dos anos 1960, Afrika Bambaataa reconheceu que o breakdancing não era apenas uma forma de dança. Ele a via como um meio para um fim. Bambaataa formou uma das primeiras equipes de dança, os Zulu Kings. Os Zulu Kings gradualmente desenvolveram uma reputação como uma força a ser reconhecida nos círculos de breakdance.
O Rock Steady Crew, indiscutivelmente o coletivo de breakdance mais importante da história do hip-hop, adicionou movimentos acrobáticos inovadores à arte. Breaking evoluiu de simples headpins e backspins para sofisticados movimentos de força.
Música para dançar break
A música é um ingrediente essencial no breakdance, e as canções de hip-hop são uma trilha sonora ideal. Mas o rap não é a única opção. Também é ótimo para dançar: soul, funk e até jazz dos anos 70 também funcionam.
Estilo, moda, espontaneidade, conceito e técnica também são aspectos vitais do breakdancing.
Selling, a combinação artística de Gold Panda e Jas Shaw, lançou um álbum de 9 faixas intitulado: On Reflection.
Conhecendo-se há uma década, os dois decidiram lançar um projeto juntos. No passado, Shaw (metade do Simian Mobile Disco) mixou dois álbuns do Gold Panda, incluindo seu álbum de estreia Lucky Shiner. Shaw foi diagnosticado com AL Amyloidosis, o que levou ao cancelamento da Simian Roller Discos US Tour. On Reflection é o segundo álbum que ele produziu durante o tratamento quimioterápico.
De acordo com Shaw, On Reflection começou como uma desculpa para levar o Gold Panda em sua casa para beber chá, e que o álbum foi feito, em última análise, para se divertir. Isso pode definitivamente ser ouvido na música. Os dois experimentaram sintetizadores e samples modulados para criar uma mistura de padrões techno, ambiente e batidas espaciais.
Abrindo o álbum com Qprism, somos recebidos com alguns sintetizadores discordantes que se sobrepõem e se expandem acima de uma linha de baixo compacta. Logo os sintetizadores começam a inchar e deformar ao redor dos ouvidos. A maior parte da faixa começa a se desviar com os sintetizadores conforme eles ecoam e desaparecem, o padrão principal volta, mas desta vez moderado. Ele desaparece lentamente e rola para a próxima faixa.
Dickers Dream mantém a batida, construindo letargicamente em um mar de ondas eletrônicas. O oceano se contorce e se curva nos primeiros minutos antes de atingir um colapso suave. Um padrão de sintetizador forte é repetido, os sub-graves começam a rolar, as batidas sutis da bateria se materializam na mixagem. Agora estamos pegando a onda até o final da faixa, que lentamente se acalma em uma onda ambiente suave de frequências digitais angelicais que lentamente se transformam em silêncio.
No Reflection, uma faixa quase título, nos traz alguns sons melódicos repetitivos. Isso definitivamente soa como a influência do Panda Dourado aqui. Traços de pratos tagarelas se juntam para adicionar um elemento de dança elegante. Os sinos param, um doce padrão de toques de baixo médio sintetizado e se transforma em sub-baixo, chutando a faixa para a marcha. Os sinos voltam a preencher a faixa, uma adorável pletora de sons. No meio da faixa, descemos nas profundezas do sub-baixo, os sinos e outras frequências altas agora soando distantes e distorcidas, apenas para nos puxar de volta para a melodia deliciosamente feliz.
Keeping Txme aparece algumas faixas mais adiante no álbum, apresentando-nos com notas ascendentes e descendentes brilhantes. Essa deve ser a minha faixa favorita do álbum. A forma como flui é muito cativante. Uma batida suave mantém a faixa funcionando enquanto o mesmo padrão de notas se estende por toda a duração da faixa. A maneira como a bateria passa do canal esquerdo para o direito, os tons etéreos que navegam pelo topo da faixa. Eu me pego voltando a esta faixa algumas vezes durante a minha audição.
Shimmer é a faixa mais curta do álbum, chegando ao minuto doze. Um provador de ambiente curto e doce para limpar nosso paladar antes das faixas finais. Os tons ascendentes nos levam a voar por esta breve, mas bela faixa.
Esta é uma grande seleção de obras dos dois produtores. Ele pode ser colocado em algum lugar entre a sede de uma linha de baixo pulsante durante uma noite fora e o ambiente introspectivo que segue na manhã seguinte. Como na maioria dos álbuns, você pode não voltar para todas as faixas, mas On Reflection tem algumas joias sólidas que você estará ansioso para experimentar novamente.
“Dragon Island” é o mais recente álbum da banda ucraniana Karfagen, um projeto musical do prolífico e multitalentoso Anthony Kalugin. O compositor carrega consigo uma grande carreira musical, de mais de 20 anos de música pura em todas as suas vertentes. Ele é o motor criativo por trás de várias bandas lendárias de progressivo moderno ou neo-prog, como Karfagen e Sunchild. Entre março e junho deste ano, Kalugin apresentou três discos, dois dos quais apresentam um tema comum; são versões puramente instrumentais de álbuns anteriores (e míticos) do Karfagen.
Neste caso falaremos do número 17 da banda, que chegou aos nossos ouvidos no mês de junho. Um álbum que revive a magia de “Echoes from Within Dragon Island”, apresentado em 2019. Dá-nos as boas-vindas a uma ilha com uma sonoridade pastoral, sinfónica, envolvente e bela, com uma cor que lembra a paisagem pintada na capa . A ausência das vozes não se faz minimamente sentida, por mais difícil que seja livrar-nos da imagem brilhante que o álbum original nos deixou em 2019 (de notar que o primeiro é um álbum duplo, enquanto este é um único álbum, a segunda parte do original não foi readaptada).
“To the Fairy Land Afar” é a abertura do álbum e coloca a fasquia muito alta, pois apresenta na íntegra os elementos que tornam esta banda tão especial. Os violinos, os sopros, os sintetizadores e sobretudo as paisagens sonoras cinematográficas que se conseguem nesta canção são de recordar e vão servir de temas recorrentes ao longo de todo o álbum. Bombástico, orgânico, natural, dinâmico; são alguns adjetivos para denotar a forma como esta composição se desenvolve. Gostei da decisão de ter separado essa música do épico "Ilha do Dragão".
“Dragon Island, Pt. 1” é, como o próprio nome indica, a primeira parte de um épico que ultrapassa os 20 minutos (também, convém pensar no álbum inteiro como uma grande suite). Começa com um riff de guitarra de rock convencional com um som claro e nítido. Na minha opinião, a produção sonora apresentada aqui supera em muito a mixagem original. Vemos a reformulação de várias músicas da primeira faixa, como esperado em uma suíte. Aqui alguns solos maravilhosos, guitarras Floydianas , teclados virtuosos são exibidos ; e ventos agressivos e sentimentais. A seção de transição para o final é esplêndida, com refrões encantadores e um sentimento sinfônico enquanto o tema fecha em sucessivas ondas musicais de intensidade limitada.
A segunda parte da epopeia salpica-nos de cores diferentes do que temos sentido até agora no álbum, frieza, tonalidades menores e melodias avassaladoras, que se sucedem como réplicas de um todo posterior. A bateria é sempre profundamente criativa e acompanha da melhor forma as novas linhas melódicas, a flauta é também um instrumento de grande destaque, seja como líder ou como segunda voz.
As múltiplas tensões deste trecho se resolvem no final, com o retorno ao sol; as teclas maiores e os solos virtuosos que irrompem em um clímax pomposo e progressivo, com interação constante entre guitarra e teclado. Soa como música ao vivo, pela performance espontânea e emotiva, mas ao mesmo tempo soa profundamente premeditado, pela complexidade e complexidade da sua composição.
Na próxima faixa, “Valley of the Kings”, a genialidade de Kalugin em criar composições extremas, rápidas e altamente complexas, até mesmo com toques de prog metal, pode ser vista mais uma vez. Um tema que exala neo-prog e que deixa muito menos espaço para respirar do que seus antecessores, em parte devido ao motor que o impulsiona; o sintetizador. Afiado, poderoso e eletrônico; E sem falar no encerramento, com a orquestra, as guitarras e um retorno ao tema inicialmente apresentado em “To the Fairy Land Afar”.
“My Bed is a Boat” é o começo do fim desta aventura sonora. Um merecido descanso depois de “Valley of the Kings”, uma peça tranquila e suave que retorna ao som pastoral do início do álbum. Melodias de violino e flauta que se cruzam para criar uma atmosfera serena e pacífica. Talvez a faixa mais acessível do álbum que aos poucos se funde com a emocionante introdução do sax de “Flowing Brooks”. Seção curta desta suíte, com um baixo limpo que ocupa o centro do palco com vários legatos e uma forte presença rítmica.
O álbum fecha com “Dragon Island Finale” com cada instrumento no auge da majestade, cantando melodias curtas e roubando o show um do outro antes de desaparecer nos mares que cercam esta espetacular ilha do dragão.
sta é uma peça progressiva, épica e complexa que requer escuta ativa, mas afirma ser muito gratificante. O rock progressivo não morreu nos anos setenta, nem nos anos oitenta e Anthony Kalugin (entre outros expoentes) constantemente nos mostra isso. Na Nación Progresiva, encorajamos os ouvintes a serem ousados e experimentar projetos progressistas modernos; e este trabalho parece um lugar ideal para começar. Ele coleta os elementos vitais dos anos 70 e inunda a obra com uma energia particular, que se expande e se purifica para formar algo maior do que apenas uma fuga melancólica. As águas da "Ilha do Dragão" esperam por quem embarca numa aventura; sem medo, sem se mexer e sem volta.
“Fearless in Love”: A viagem progressiva obrigatória para este ano
Entramos no fascinante mundo dos Voyager, banda australiana que promete levar-nos a uma experiência musical única e surpreendente. Com a capacidade de misturar artisticamente diversas formas musicais, o Voyager experimentou uma constante evolução ao longo do tempo, amadurecendo seu som e conquistando novos horizontes musicais. Este ano, para nossa alegria, apresentam o seu mais recente trabalho, que se destaca pela inovação e diferenciação face aos trabalhos anteriores. Não há dúvida de que no álbum anterior, “Colours In The Sun”, já mostravam uma aproximação a um som mais sintetizado, evocando nostalgicamente a era gloriosa dos anos 80. No entanto, neste novo álbum, eles entram totalmente na mistura . de sonoridades variadas desta época, fundindo vários gêneros como o metale synthpop . Essa combinação é quase imbatível, mantendo aquela essência moderna e altamente inovadora que nós, amantes da música progressiva, tanto apreciamos
É muito bom quando se percebe que a banda gostou muito do processo criativo.Assistindo a entrevistas, descobri que vários singles desse álbum foram pensados para entrar e competir no Eurovision, show importantíssimo que busca a divulgação de músicos emergentes . Quem diria que uma banda de metal progressivo participaria de um evento dessa natureza!
No momento em que você toca o disco, uma jornada frenética começa, cheia de metal, eletrônica, djent e synth-pop, 44 minutos de pura boa música.
O álbum começa com “The Best Intentions”, que representa perfeitamente o rumo do disco. Uma música viva e altamente melódica, com uma boa dose de agressividade mas ao mesmo tempo que mantém aquela delicadeza cativante.
Continuamos imediatamente com «Prince of Fire», que começa com alguns teclados dos anos oitenta muito Duran Duran; porém, a guitarra entra imediatamente e tudo fica muito mais metálico, mas sem perder a essência dos gêneros que mencionei antes. A mistura destes géneros é tão bem conseguida que criam um som único e característico.
Depois começa "Ultraviolet", uma das minhas músicas preferidas do álbum, começamos com um som envolvente e hipnótico para que a voz do nosso vocalista, Daniel Estrin, comece a deliciar-nos com o seu bom gosto musical, a certa altura há um tipo de break onde eles soam alguns teclados atrás dando alguns sons industriais que dão personalidade a música, depois disso a música continua e novamente entra o break mas com alguns grunhidos estilo metalcore, é uma música bem divertida.
"Dreamer", a próxima música, é a que eu pessoalmente menos gosto, acho que a ouvi umas 10 vezes porque foi uma das que apresentaram no Eurovision, uma música cativante que segue a mesma estética que nós temos passou desde a primeira música mas sem tanta complexidade em sua estrutura. No entanto, "The Lamenting" é um grande sucesso neste álbum, também um dos meus favoritos, e é totalmente reminiscente dos anos 80. Seu primeiro verso e refrão são extremamente melancólicos e tristes, enquanto as guitarras soam agressivas. . Por fim, a música termina com um riff sombrio e sincopado, tornando-a um verdadeiro deleite.
“Submarine” é uma das músicas “mais longas” do álbum, e eu poderia arriscar dizer que é a que tem o som mais clássico do metal progressivo, lembrando bandas como Angra e às vezes Arena, talvez pelo som do sintetizadores tão característicos. . Independentemente desta última, é uma música extremamente agradável e fácil de ouvir, que se convida a desfrutar em pleno.
O álbum continua com "Promise", outro single que foi considerado para o Eurovision, mas ao contrário de "Dreamer", esta música tem muito mais caráter e oferece uma experiência emocional, incluindo outro colapso emocionante . A voz de Daniel é impecável e convida a dançar ao ritmo da música. Resumindo, é uma música muito engraçada.
A próxima música, "Twisted", destaca-se como uma música agressiva que evoca uma combinação de emoções, incluindo melancolia, raiva e ressentimento, tornando-se um dos momentos mais marcantes do álbum. Nesta faixa, a banda mais uma vez demonstra esse tecnicismo ao incorporar sua habilidade característica. É especialmente incrível como o solo de guitarra rompe tudo com grande intensidade e depois volta para aquele refrão emocionante.
Acompanhe o álbum com Daydream, uma música emotiva e reflexiva, que prepara o terreno para o desfecho do álbum. Apesar de não ser das mais animadas, tem mesmo muito encanto, o que nos vai deixar um bom gosto musical.
Depois continuamos com “Listen” a minha música preferida do álbum, que segue a mesma estética demonstrada ao longo do álbum, parece que estamos cada vez mais perto do fim deste trabalho. Esta música começa com um dos refrões que mais gostei de todo o álbum, aqueles sintetizadores que soam ao fundo dão-lhe um carácter atmosférico fazendo-me sentir literalmente no espaço. No meio da música, tudo para muito no estilo Haken, soando um baixo profundo para dar lugar ao solo de guitarra, um momento bem “prog” (se é que esse conceito pode mesmo ser descrito como um som característico), para finalmente retornar à bela melodia do refrão. Essa música representa perfeitamente o espírito do álbum e dá o passo para a última música.
O álbum termina com Gren (Fearless in Love), a música mais longa do álbum, a introdução com aqueles sintetizadores me faz pensar naquele clima característico das bandas neoprog dos anos 80, lembrando especificamente o IQ, então a voz entra com um dos os versos mais bonitos deste disco. O refrão entra com algumas notas sustentadas de guitarra, que lhe conferem uma emotividade marcante de acordo com o fechamento do álbum. Para então ouvir uma variação do primeiro verso e com isso finalizar com as guitarras sustentadas novamente criando um momento épico, Resumindo, “Fearless in Love” é um trabalho incrível e um dos melhores que foi lançado este ano no mundo da música progressiva. É uma viagem dinâmica cheia de melodia que evoca momentos de metal à la Devin Townsend, com avarias trazidas diretamente do metalcore, synthpop que lembra o Duran Duran, mas com um caráter único. Este álbum realmente representa a essência do gênero progressivo trazendo algo diferente e distinto. Os mais puristas do progeles encontrarão algo que os atrairá, assim como aqueles que não estão familiarizados com esse som. Apesar de ser um álbum curto, este álbum oferece uma experiência completa ao conter todos os elementos que o tornam um excelente trabalho. Definitivamente vale a pena ouvir.finalizando com um riff hipnótico para fechar o álbum.
Petro Dragonic Apocalipse; ou Amanhecer da Noite Eterna: Uma Aniquilação do Planeta Terra e o Início da Danação Impiedosa.
"PetroDragonic" é a trilha sonora daquele filme de terror que ninguém jamais fará. Ou provavelmente é o título para moldar o quão misteriosa esta primeira parte do ano tem sido, deixando a porta aberta para KG&L.W. jogue outro! álbum que resume esta metade do ano que se aproxima, uma metade que promete ser mais esperançosa. O título é tão descarado e absurdo que convida a deixar-se levar pela imaginação durante os 48 minutos e 40 segundos que dura o álbum.
A -capa- é um retrato da temperança e da travessura do dragão que caminha serenamente sobre aquela cena horripilante enquanto brinca com os sons que lhe atraem a imaginação. Os encartes têm um toque mais preto e a linha gráfica é precisa, como na maioria de seus projetos. A sua espinha dorsal está seriamente comprometida com a velocidade e o thrash metal, e embora cada música tenha as suas variantes marcadas, é um álbum desafiante e de difícil regresso para quem se cansa rapidamente e não se deixa cativar por aquela fluidez e rapidez porque procura algo mais sério.
Motor Spirit puxa a corrente, abre a corrente feroz e a bateria de Michael Cavanagh só se dá licença nas passagens de percussão mais lentas, recurso presente na maioria das músicas e que são um reconhecimento do Tool, manifestando outra dinâmica e oxigênio para as transições que PetroDragonic propõe.
Supercell tem uma intensidade notável, com o baixo firme de Cook Craig uma constante ao longo do álbum, apoiado por pedaladas duplas, riffs e refrões pesados da escola fazendo uma combinação inteligente para renovar a textura de uma música de metal mais clássica.
As tonalidades das guitarras de Stu Mackenzie e Joey Walker mostram com mais clareza os rumos que a banda quer honrar e em Converge, mais uma vez se apoiam naqueles tons repetitivos que desviam a atenção para aquela voz áspera que acaba tendo um infarto com o bomba instrumental final. para passar para a próxima música.
A feitiçaria reserva surpresas em espaços que fogem da saturação pesada em alguns momentos e permitem apreciar a atmosfera sem tanta poluição. Uma travessura instrumental torna esta música uma das mais altas de todo o álbum.
Gila Monster, acaba por ser uma caricatura mais desfocada e a que mais abusa do mesmo jogo turbulento. É divertido, não é desperdiçado, mas toca mais para abrir caminho para Dragon, uma música de nove minutos que gradualmente se transforma em uma estrutura perturbadora e tem um belo aceno para a combinação ride-snare que raramente é um par incompatível em uma música. de metal.
Flamethrower , é um ponto alto, é tarde mas chega e os instrumentos assumem uma posição mais sinistra, entregam-se a um tipo diferente de fúria com um demente e muito pontual para fechar o álbum .
PetroDragonic Apocalypse… tem momentos marcantes e momentos intermitentes, e exige paciência para encontrar aquele toque especial que a banda pretende trazer ao mundo do metal. Embora possa dar a impressão de que caíram no esquecimento ou que é um trabalho pela metade, é um álbum muito mais agradável se você o ouvir como se fosse mais uma escala de todo o universo que King Gizzard e The Lizard Wizzard constrói e destrói em curtos períodos de tempo. O vigésimo quarto álbum parece ousado e superconfiante, mas comunica que os apocalipses também terminam tão rápido quanto começam, e que às vezes não é preciso esperar tanto para embarcar no caminho da magia, o caminho da reinvenção.
Você não encontrará muitas bandas de rock da Rodésia neste site, ou mesmo em outro lugar.
No final da Segunda Guerra Mundial, a França e a Grã-Bretanha iniciaram uma dolorosa descolonização. Para não perder prestígio, a Grã-Bretanha criou a Commonwealth, que reuniu as ex-colônias britânicas que se tornaram independentes ao longo dos anos. Alguns colonos (minoria) veem com desdém esse desejo de independência das populações locais (maioria). É o caso da Rodésia (atual Zimbábue). Os colonos brancos, para evitar perder todo o poder, anteciparam o golpe ao declarar a independência em 1965 e assim instalaram um regime de apartheid e ultraconservador (os Beatles foram proibidos de transmitir e era malvisto ter cabelos compridos).
Foi nesse contexto de tensão, incerteza e segregação racial que surgiu em 1968 a Otis Waygood Blues Band. Criado em Bulawayo, sudoeste da capital Salisbury (atual Harare), o combo reúne o guitarrista/organista Leigh Sagar, o cantor/saxofonista Rob Zipper, o baterista Ivor Rubenstein, o baixista Alan Zipper e o flautista Martin Jackson. Os músicos, a conselho de um amigo para o nome do grupo, fundem os nomes das empresas de elevadores inglesa e americana, Otis e Waygood. Depois de 45 voltas, "Fever / You're Late Miss Kate" que permite ao grupo aparecer no final de 1969 na televisão estatal, o quinteto faz a ronda das discotecas ao assumir o lugar de James Brown. Em dezembro do mesmo ano, o grupo tentou participar de um festival/competição na Cidade do Cabo, na África do Sul, mas se inscreveu com atraso. No entanto, são dados 15 minutos de set no meio da tarde sob um sol escaldante. Mas 15 minutos decisivos. De fato, o quinteto impressiona e rapidamente se encontra em estúdio em Joanesburgo para gravar um álbum homônimo, lançado em março de 1970. Sob a liderança do produtor Clive Calder (que também toca piano), os músicos assinam com a Parlophone subsidiária da EMI.
Este disco homônimo é composto por 9 faixas. Começa com os 2 minutos de "You're Late Miss Kate", uma música de rhythm 'n' blues que com seu sax quente lembra Otis Reading assim como o título "Better Off On My Own" no lado B e "I' Estou feliz” em conclusão. Mas o resto será mais atraente graças ao excelente trabalho da flauta que é sonhadora, psicodélica mas acima de tudo que convida a viajar. De "Watch An' Chain", a Otis Waygood Blues Band oferece jazz blues rock que flerta com prog. Entre uma guitarra de acid rock e um baixo bem sulcado, estamos entre John Mayall e Colosseum. Assim desfilam a balada soul "Many Ways", a pairante e vaporosa "I Can't Keep From Crying" (a faixa mais longa, 6 min) provavelmente influenciada pelos Doors. Voltamos ao rhythm 'n' blues mas num ambiente mais tenso com "Fever". O quinteto também nos oferece o blues de Chicago com gaita e bombardeio de metais em “Wee Wee Baby”. De volta ao blues urbano com os 5 minutos de "Help Me" (um cover de Willie Dixon) onde ouvimos um belo duelo entre a flauta e o violão e um belo final na gaita.
Em suma, um excelente disco que promete grandes coisas para o futuro.
Títulos:
Músicos: Alan Zipper: Baixo Leigh Sagar: Guitarra, Órgão Martin Jackson: Flauta, Vocal Rob Zipper: Guitarra, Saxofone, Vocal Ivor Rubenstein: Bateria, Vocal
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