Em 2013, o grupo de doom metal de Richmond, Virgínia, Windhand, lançou seu inovador álbum Soma , que chamou a atenção por toda parte graças aos riffs de guitarra crocantes da banda e ao lamento sobrenatural da cantora Dorthia Cottrell . Apenas um ano e meio depois, Cottrell deu um zigue-zague estilístico sério quando lançou um álbum solo autointitulado de canções folclóricas tranquilas que mostravam sua versatilidade, mantendo a intensidade obscura de seu trabalho de banda completa. “Acho que quando for mais velha vou entender”, ela canta na vibrante “Perennial”, a penúltima faixa de Dorthia Cottrell . “A passagem do tempo é apenas um truque de mágica.” Falando em tempo, oito anos se passaram desde então, durante os quais Windhand lançou não um, mas dois excelentes álbuns de doom de classe mundial.
E agora, Cottrell está de volta com seu segundo set solo, apropriadamente intitulado Death Folk Country , que ela explica assim: “O título […] , uma coroação do mundo dentro de mim.”
Esse mundo é mais estranho, barulhento e ainda mais assustador do que era em 2015. Enquanto a estreia apresentava apresentações rígidas principalmente de guitarra e voz, as 11 faixas do Death Folk Country vivem em um mundo decorado com cordas e sinos tristes, tons sombrios e eco , gravações de campo, harmonias vocais fantasmagóricas, vibrações góticas do sul e uma inquietação inevitável que desmente a facilidade com que Cottrell revela suas reflexões sobre a vida, luxúria, amor e perda.
País Folclórico da Morteé encerrado por “Death is the Punishment for Love” e “Death is Reward for Love”, duas peças instrumentais curtas que parecem portais para dentro e fora do álbum. No meio, Cottrell assustadoramente — e pacientemente! — pinta um quadro de desfiladeiros negros, corpos em chamas, sepulturas prematuras, almas solitárias e lições aprendidas de uma vida vivida no espaço estreito entre o céu e o inferno. No centro do álbum está um trecho de quatro canções que explora os cantos do país do folk da morte: “Family Annihilator”, um canto infantil infernal semelhante a uma canção de ninar com uma espinha dorsal monótona; “Effigy at the Gate of Ur”, um belo hino de partir o coração; “Midnight Boy”, um conto pecaminoso construído sobre o blues grunge; e a fervilhante “Hell in My Water”, que é o mais country que Cottrell consegue aqui. “Quando estou sóbria, sou má”, ela canta contra um acompanhamento austero. “Deus deve ter descido,
A última música apropriada do álbum é “Eat What You Kill”, que encontra Cottrell cantando junto com uma simples batida de violão: “Eu estive pensando, estou melhor morto/ Não importa o que eu faça ou eu disse/ Ain não há glória em uma vida vivida por muito tempo / Não há nada de especial em cantar uma música.” Essa última linha encapsula o maior trunfo do Death Folk Country : trilhar habilmente as linhas borradas entre a luz e a escuridão; o bem e o mal; vida e morte
Stephen Stills nem sempre foi o astro do rock milionário mais fácil de simpatizar, mas suas tentativas de construir uma carreira solo até 1971 ainda têm um sentimento terrível. Em junho, ele lançou seu segundo disco solo: “Um álbum de quinta categoria de um sólido artista de segunda categoria que tantos intelectuais de classe média baixa insistem em acreditar que é realmente de primeira categoria”, escreveu John Mendelsohn, da Rolling Stone, asperamente. Naquele mesmo mês, Stills começou sua turnê no festival Celebration of Life em Louisiana, um apocalipse de insolação e carnificina dos Hell's Angels, onde a polícia cobrou a admissão de héteros locais para cobiçar os hippies nus. A banda de abertura, Crazy Horse menos Neil Young, desistiu antes do início da turnê propriamente dita, e Stills levou para…
…bebendo muito para acalmar os nervos: uma noite, sugere David Browne em seu livro sobre CSNY, Stills passou cinco minutos procurando seu banquinho no palco. Seu parceiro de guitarra e harmonia na banda, Steve Fromholz, mais tarde relembrou uma dieta de turnê insustentável de “Jim Beam, cocaína e cheeseburgers”.
As arenas costumavam estar meio vazias, enquanto Stills embarcava em shows épicos que incorporavam seções solo de folk e blues ao lado de uma revista de soul de big band com o Memphis Horns. O conceito, que Stills encantou o público de Chicago, era “uma maratona onde você assiste o cantor sangrar enquanto ele tenta cantar 18 músicas seguidas”. Mas distrações terríveis persistiram: um montador caiu para a morte no show do Madison Square Garden; Stills bateu a moto e rompeu os ligamentos do joelho, terminando a turnê com dois gols.
Sem surpresa, Stills rapidamente deixou toda a aventura para trás, retirando-se para o Colorado e formando Manassas. Por um ano, ele tentou vigorosa e neuroticamente se afirmar como um artista solo longe das democracias teóricas do CSNY e Buffalo Springfield. Talvez, ficou claro, ele estivesse melhor apenas dando as cartas em outra banda.
Cinquenta e dois anos depois, porém, este documento das duas últimas noites da turnê em San Francisco ainda tem muito a elogiá-lo. Stills aparece, como sempre, como uma figura divisiva. Por um lado, um atleta de resistência que não pode deixar de se esforçar demais, que traz intensidade militar até mesmo às tradições musicais mais delicadas. Do outro, um artista extraordinariamente flexível e ambicioso, com um peso compreensível no ombro; se aqueles outros caras com quem ele trabalhava conseguiam tanto amor, por que ele não?
Ao vivo em Berkeley 1971 poderes através de tudo - implacável, muitas vezes exagerado, muitas vezes brilhante também. Há duetos country no estilo de Louvins com Fromholz (Jesus Gave Love Away For Free) e virtuose com garras de banjo (Know You've Got To Run). Um medley de 49 Bye-Byes da CSN e For What It's Worth de Springfield é apresentado solo, ao piano, como uma frenética música gospel. Quando os chifres de Memphis aparecem, você pode sentir os Stills se soltarem um pouco: Bluebird Revisited se baseia na queima comovente que ele experimentou com o CSNY em 1969; Cherokee – um hino a Rita Coolidge, que recentemente o trocou por Graham Nash – são 10 minutos de interação de alto nível entre a seção de sopros, a liderança indignada e estridente de Stills e sua resistente seção rítmica de Fuzzy Samuels e Dallas Taylor. Muito bom. Os destaques, no entanto, veio quando ele se juntou a David Crosby para You Don't Have To Cry e The Lee Shore, sua mistura vocal linda mesmo sem o tom mediano de Nash. Embora as duas músicas tenham aquela promessa nebulosa da Califórnia e melancolia que tornaram CSN(Y) tão atraente, elas também apontam as diferenças fundamentais entre as duas. Lee Shore de Crosby é impressionista, sem âncoras, flutuando para improvisações com toques de jazz. You Don't Have To Cry, de Stills, é igual em beleza e superficialmente etéreo. Mas há um rigor e um ímpeto incansável impulsionando-o, como muito da música dinâmica e exaustiva de Stills. Como se estivesse em estado de fuga, ele não consegue deixar de ser o estridente capataz. — Embora as duas músicas tenham aquela promessa nebulosa da Califórnia e melancolia que tornaram CSN(Y) tão atraente, elas também apontam as diferenças fundamentais entre as duas. Lee Shore de Crosby é impressionista, sem âncoras, flutuando para improvisações com toques de jazz. You Don't Have To Cry, de Stills, é igual em beleza e superficialmente etéreo. Mas há um rigor e um ímpeto incansável impulsionando-o, como muito da música dinâmica e exaustiva de Stills. Como se estivesse em estado de fuga, ele não consegue deixar de ser o estridente capataz. — Embora as duas músicas tenham aquela promessa nebulosa da Califórnia e melancolia que tornaram CSN(Y) tão atraente, elas também apontam as diferenças fundamentais entre as duas. Lee Shore de Crosby é impressionista, sem âncoras, flutuando para improvisações com toques de jazz. You Don't Have To Cry, de Stills, é igual em beleza e superficialmente etéreo. Mas há um rigor e um ímpeto incansável impulsionando-o, como muito da música dinâmica e exaustiva de Stills. Como se estivesse em estado de fuga, ele não consegue deixar de ser o estridente capataz. — Mas há um rigor e um ímpeto incansável impulsionando-o, como muito da música dinâmica e exaustiva de Stills. Como se estivesse em estado de fuga, ele não consegue deixar de ser o estridente capataz. — Mas há um rigor e um ímpeto incansável impulsionando-o, como muito da música dinâmica e exaustiva de Stills. Como se estivesse em estado de fuga, ele não consegue deixar de ser o estridente capataz.
Marco Montero é um músico, compositor e produtor de origem costarriquenha que, desde 2021, se dedica ativamente à composição e lançamento de obras musicais caracterizadas pela profundidade conceitual e diversidade de influências, que vão desde o minimalismo, Trap, Lofi Hip Hop, Psicodélico Rock, matemática e pós-rock.
Na companhia de sua banda de músicos ao vivo chamada Terciopelo, ele assumiu a tarefa de percorrer a Costa Rica para executar ao vivo as canções mais destacadas de seus 3 materiais de estúdio, resultando em Galería 1930, um álbum ao vivo gravado no Museu Regional de San Ramón, um lugar de importância cultural, arquitetônica e histórica para sua nação.
Tension tem um início suave e calmo em que as notas da guitarra conduzem a um desenvolvimento instrumental compacto em que cada elemento contribui com algo especial para alcançar um som melancólico que encontra sua forma em arpejos e linhas melódicas sustentadas por uma sólida base rítmica. O tema abrange um espectro expressivo e até certo ponto melancólico que abre o recital em grande estilo.
Inconsistências segue o mesmo caminho mostrando um trabalho de bateria minimalista, mas complexo ao mesmo tempo. É precisamente a execução deste instrumento que rouba a atenção desde o primeiro momento, sustentando fortemente as melodias distorcidas que nascem da guitarra como veículo comunicativo. A sensação oscila entre o nostálgico e o noturno, criando uma atmosfera de serenidade e contemplação.
O coral começa com arpejos suaves dos quais nasce aos poucos uma linha rítmica lenta que se desenrola sutilmente comandada pelo baixo. O violão apresenta um trabalho primoroso em modular a distorção com que os solos são tocados, conferindo-lhes uma sonoridade distinta que aos poucos vai tomando conta da composição até se desvanecer gradativamente, deixando escapar aplausos entusiásticos.
Still é a primeira peça que inclui vozes dentro da composição com um foco vocal tênue e sombrio que complementa muito bem a linha traçada pelo fluxo instrumental. A presença do solo fecha uma performance técnica de alto nível no alto.
San Diego arranca com um conjunto de guitarras distorcidas acompanhadas por uma batida ritmada e algumas linhas vocais que servem como uma pequena transição antes
Pistacha tem uma aura diferente do que era apresentado nas primeiras músicas, sendo entusiástico, alegre e até certo ponto feliz. Essa emoção calorosa se deve principalmente à brilhante linha melódica e aos solos emocionantes criados pela guitarra principal, que prova ser o esteio.
Jumpin funciona como uma espécie de clímax do que foi construído Pistacha, sentindo-se como um complemento a ele. Mostra um trabalho memorável de ambas as guitarras, que deixa entrever uma química conjunta. A faixa culmina conectando-se diretamente com
Pacífico que através de quebras, acentuações e silêncios tece uma elegante e reconfortante camada de cordas que ambas as guitarras sabem manter e enfatizar. A precisão da bateria e seus múltiplos recursos para tecer o ritmo fazem com que pareça uma pulsação que dá vida a tudo o que acontece.
O gangster apresenta um conjunto de melodias e riffs primorosamente trabalhados que mostram o lado mais técnico de cada músico, conectando-se para formar uma estrutura sonora emocional na qual a guitarra comanda o poleiro, regulando as mudanças e traçando a linha.
A meditação é um lembrete de como é dinâmica e marcante a atuação da bateria, além da dupla que compõe as guitarras, ilustrando neste caso uma complementação responsável por carregar o peso de toda a música.
Rebirth explode com um riff de guitarra pesado que cria uma sensação épica de pós-rock à medida que se reproduz. Aqui fica clara a intenção de construir uma atmosfera de texturas e camadas criadas por ambas as guitarras, algo que é conseguido com sucesso não só pelos riffs e arpejos, mas também pelos solos propositais que surgem com técnica brilhante e ganham vida própria. .
Tudo culmina com Transmutación , tema que decora tudo o que é apresentado no recital, preparando o palco para um encerramento memorável. A bateria mostra uma última vez sua ampla gama de recursos enquanto o solo central destaca a gama expressiva que as cordas e a distorção podem desempenhar em busca de uma composição sóbria e elegante que se dispara em meio ao alvoroço dos privilegiados participantes.
Galería 1930 é um grande vestígio do som que Marco Montero e seu conjunto de músicos podem alcançar ao vivo. A demonstração de destreza técnica em cada instrumento e a sinergia criada pela comunhão na execução de cada nota conferem a este recital uma aura de elegância e presença que permeia as peças apresentadas.
Guitarras envolventes, bateria intrépida e uma intenção serena e contemplativa dão o tom para uma performance ao vivo que é curtida do começo ao fim, criando uma sensação de melancolia e nostalgia que, através da técnica e de uma ampla gama de recursos composicionais, mostra a melhor face de um jovem músico querendo devorar o mundo inteiro.
Alinhar:
Guitarra solo: Marco Montero
Guitarra Base: Jose Pablo Umaña Baixo: Kevin Phillips
Figures é o quarto álbum de estúdio do artista belga Aksak Maboul , fundado em 1977.
Aksak Maboul é uma banda cujos quatro álbuns são bem diferentes entre si. Sua estreia Onze danses pour combattre la migraine (1977) foi um álbum estranho e absurdo cheio de canções curtas e divertidas. Esse álbum ainda era um pouco irregular e frustrante como um todo, mas com seu próximo álbum Aksak Maboul realmente acertou o jackpot. Com Un peu de l'âme des bandits de 1980 , os ex -membros do Henry Cow Fred Frith na guitarra e Chris Cutler na bateria se juntaram à banda. O resultado foi um álbum de música altamente original e complexa que é uma das joias mais brilhantes do avant-prog.
No entanto, Bandits permaneceu o último álbum de Aksak Maboul por muito tempo. O homem principal da banda, o multi-instrumentista Marc Hollander , começou a fazer turnê com a banda belga new wave The Honeymoon Killers e a gravar canções pop com a vocalista da banda mencionada, Véronique Vincent (Hollaneder e Vincent mais tarde se casaram). As canções deveriam ser o terceiro álbum de Aksak Maboul, mas o projeto foi abandonado e Hollander se concentrou em dirigir seu selo de música experimental Crammed por 30 anos.
O projeto do álbum iniciado por Hollander e Vincent na primeira metade dos anos 80 foi finalmente revivido em 2014 e seria lançado, com alguns retoques finais, como o terceiro álbum de Aksak Maboul sob o título Ex-futur album . O pop experimental estilo Stereolab do álbum Ex-futur estava muito longe do estilo dos dois primeiros álbuns da banda, mas há alguma semelhança indescritível. O álbum Ex-futur foi bem recebido e Hollander decidiu fazer um álbum com músicas totalmente novas de Aksak Maboul. Hollander afirmou que seu objetivo com Figures é combinar os diferentes gêneros dos três primeiros álbuns.
Figures é o primeiro álbum de músicas totalmente novas de Aksak Maboul em quase quatro décadas e não surpreendentemente Hollander acumulou um grande número de canções ao longo dos anos, já que Figures é um álbum duplo.
Dividido em dois CDs (ou dois vinis), o álbum tem 75 minutos de duração. No formato de CD o material poderia caber em um disco, mas aparentemente Hollander é da mesma opinião que eu, ou seja, 40 minutos é a quantidade ideal de música para curtir de uma só vez. Eu tenho o hábito de ouvir os álbuns inteiros, mas me dei espaço suficiente aqui para ouvir os álbuns duplos, um disco de cada vez.
Existem 11 faixas em ambos os álbuns do Figures, com durações que variam de meio minuto a pouco mais de oito minutos. Há muitos interlúdios curtos semelhantes a vinhetas entre as canções 'reais', um tanto reminiscentes de Brian Eno (pense em seus álbuns "pop" dos anos setenta). Geralmente não gosto muito desses interlúdios, mas em Figures eles se misturam muito bem.
Desde o início, a formação de Aksak Maboul viveu fortemente de álbum para álbum, com Marc Hollander como o único fator unificador. Para o Figures , ele montou outra formação completamente nova, composta pelos músicos mais jovens Lucien Fraipont (guitarra), Erik Heestermans (bateria) Faustine Hollander (backing vocal, baixo, guitarra) que presumo ser a filha de Hollander. Os vocais e letras ainda são tratados, como no álbum Ex-Futur , de Véronique Vincent. A formação anterior da banda inclui Fred Frith e Michel Berckmans ( Univers Zero), que pode ser ouvida na guitarra ou viola em várias músicas e Berckmans no fagote em algumas faixas. O álbum também traz alguns outros convidados no vibrafone, clarinete e outros instrumentos. Alguns membros do Aquaserge também tocam no álbum. O próprio Hollander toca sintetizadores, clarinete, piano, saxofone, guitarra e faz a programação da bateria eletrônica.
Aksak Maboul em 2020.
A bateria eletrônica Roland 808 do início dos anos 80 desempenha um papel central em muitas das canções. Felizmente, quase sempre é acompanhado por bateria ou percussão de verdade. No entanto, a bateria eletrônica define o ritmo do álbum um pouco demais e um relaxamento mais enérgico nesse departamento teria feito bem ao álbum. No geral, as baterias eletrônicas combinadas com a outra instrumentação variada dão ao álbum uma empolgante vibração retro-futurista. Figures soa como algo dos anos 80, mas o tipo de anos 80 que nunca realmente aconteceu, mas poderia ter acontecido se a música pop tivesse ido em uma direção ligeiramente diferente.
Em vez de um avant-prog sério, Figures é mais um avant-pop maliciosamente atraente. Grande parte da música de Figures é música pop bem-humorada e efervescente, mas sempre com algo um pouco fora de ordem e estranho. As estruturas pop não são de forma alguma servilmente seguidas e os arranjos, com suas buzinas e sinos e assobios, são algo bem diferente do que você está acostumado a ouvir nas músicas do top 40. O material das canções do Figures é de alta qualidade, mas de certa forma talvez um pouco semelhante em estilo. No entanto, existem alguns diamantes especiais que se destacam entre a qualidade consistente do álbum.
Um deles é o emocionante "Dramuscule". Nele, sintetizadores divertidos colidem com tons de saxofone recortados de bom gosto. Os vocais da música começam como um diálogo falado entre Veronique Vincent e Marc Hollander. O diálogo às vezes é em inglês, às vezes em francês. A conversa às vezes é bastante intensa. Eventualmente, o discurso se torna uma música e a música se torna cada vez mais rápida. O fagote de Berckman também desempenha uma pequena participação especial na música (o melhor momento de Berckmans é na música "Fatrasie pulvérisée", onde ele toca um solo de fagote deliciosamente lírico e, infelizmente, curto). De todas as canções do álbum, “Dramascule” é talvez a mais bem-sucedida no objetivo de Hollander de reunir os diferentes lados de Aksak Maboul.
A parte mais viciante do álbum é “Histoires de fous” com sua textura de órgão com toque árabe e som twee, que é um verdadeiro deleite de se ouvir. A música pop animada e bastante direta (com algumas reviravoltas saborosas, é claro) “Un Caïd” também é uma peça pop eficaz e os vocais cadenciados de Vincent estão no seu melhor. O trabalho de sintetizador de Hollander também impressiona.
”C'est Charlesin”, ”Taciturne”, ”Silhouttes” e ”Spleenétique” também estão entre os destaques do álbum. Em ”C'est Charles”, o riff flexível e sinuoso do sintetizador e a co-canção enfática de encerramento semelhante a um recitativo de Vincent e Hollander são agradáveis. 'Taciturne' apresenta uma bateria pesada e o refrão ritmicamente enfático de Vincent com uma guitarra elétrica descontroladamente atonal ao fundo. "Silhouettes" é uma canção moderna com um tom relativamente baixo e belos vocais principais de Vincent, bem apimentados pelo violino alto de Frith e pelo violino alto de Martin Méreau.vibrafone. "Spleenétique" começa com ritmos programados saltitantes, estourando padrões de piano elétrico e os vocais de comando de Vincent, construindo uma intensidade que é inicialmente desencadeada pelas rajadas de saxofone e então, após uma breve pausa no final da faixa, ouvimos o mais selvagem e solos de guitarra elétrica mais ousados do álbum de Lucien Fraipont.
Figures termina com a música mais longa do álbum, "Tout A Une Fin" de mais de oito minutos. Em “Tout A Une Fin”, Aksak Maboul soa mais como Aquaserge do que nunca. Fechando o círculo: Aquaserge é provavelmente o discípulo mais óbvio de Aksak Maboul e agora o original está se inspirando nos juniores? De qualquer forma, uma música interessante. Gosto particularmente da forma como o clarinete baixo constrói uma base rítmica com o baixo. Infelizmente, a batida constante da bateria eletrônica é muito dominante nesta faixa também. A segunda metade da faixa apresenta uma pulsação de sintetizador tipo Philipglass, a energia rítmica crescendo quando a bateria real finalmente entra e o órgão bate com um impacto penetrante. Em suma, uma ótima música que poderia ter sido ainda melhor se a bateria eletrônica tivesse desempenhado um papel menor.
Figures é muito bem-sucedido no objetivo de Hollander de combinar os diferentes estilos dos álbuns de Aksak Maboul. É uma mistura encantadora de pop animado e alegria experimental de vanguarda. Embora eu gostaria de ter ouvido algo um pouco mais radical e ousado, como Bandits, Figures é um pacote elegante de música pop experimental e um saboroso resumo da música original de Aksak Maboul.
Melhores canções: 'C'est Charles', 'Histoires de fous', 'Dramuscule', 'Taciturne', 'Silhouettes', 'Everything has a end', 'Un Caïd'
Michel Berckmans: fagote Steven Brown: voz Fred Frith: viola, guitarra Julien Gasc: voz Audrey Ginestet: voz de apoio Benjamin Glibert: guitarra, voz de apoio Jordi Grognard: clarinete, clarinete baixo, flauta Martin Méreau: bateria, percussão, vibrafone Sebastiaan Van den Branden: guitarra, percussão
Sexto álbum de estúdio e o primeiro produzido por Lulu Santos. Os singles desse álbum foram "Toda Forma de Amor", "A Cura" e "Satisfação". A capa original, que continha o casal de bonecos Barbie e Ken pelados na cama, foi censurada e substituída por uma capa preta com o título do álbum.
Segundo o Jornal do Brasil, com dados do NOPEM (Nelson Oliveira Pesquisas de Mercado), na época o álbum alcançou o quarto lugar na lista de discos mais vendidos.
Em 2013, o grupo de doom metal de Richmond, Virgínia, Windhand, lançou seu inovador álbum Soma , que chamou a atenção por toda parte graças aos riffs de guitarra crocantes da banda e ao lamento sobrenatural da cantora Dorthia Cottrell . Apenas um ano e meio depois, Cottrell deu um zigue-zague estilístico sério quando lançou um álbum solo autointitulado de canções folclóricas tranquilas que mostravam sua versatilidade, mantendo a intensidade obscura de seu trabalho de banda completa. “Acho que quando for mais velha vou entender”, ela canta na vibrante “Perennial”, a penúltima faixa de Dorthia Cottrell . “A passagem do tempo é apenas um truque de mágica.”
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