Biografia de Agnosia AGNOSIA é uma banda de metal progressivo da Grécia. Eles foram formados em Piraeus em 2003 por Dionysis SOURELIS (guitarras) e Manos XANTHAKIS (vocais, guitarras). Com a adição de Christos KYRKILIS (WASTEFALL) nos teclados, Kostas EXARCHAKOS (CRIMSON FIRE) na bateria e Vangelis YALAMAS (FRAGILE VASTNESS) no baixo e na produção, eles lançaram sua demo de estreia de 4 faixas, 'The Inner Conflict' em abril de 2004, que recebeu críticas positivas.
2005 viu várias mudanças na formação e a banda trabalhando para seu lançamento de estreia. A posição do baixo foi permanentemente ocupada por Julio KOUTSOGEORGIOU (ex-FIRESTORM) e a banda encontrou um novo lar no Noise Factory Studios; no entanto, as gravações do novo álbum só começaram em 2007, e aconteceram no MI e no Noise Factory Studios. A bateria do álbum foi gravada por Akis GAVALAS (SOUND OF SILENCE), os vocais foram gravados por Chris MASTORAS e os teclados escritos e executados por Pantelis KYRAMARGIOS (ambos MELISSES). Julio foi responsável pela produção de som, em cooperação com o novo baterista da banda, Konstantinos, e a masterização foi realizada por Mika JUSSILA nos estúdios Finnvox, Helsinki, Finlândia (NIGHTWISH, AMORPHIS, HORIZON'S END).
A banda apresentou dois novos membros, Louis (vocal, ex-FATAL MORGANA) e Kimon (teclados) enquanto apoiavam o FATES WARNING em seu show de aniversário de reunião 'Parallels Live' em Thessaloniki Grécia em 2010. A banda está de volta ao Noise Factory Studios preparando seu segundo álbum completo. Seu som pode ser relacionado a grandes nomes da cena do metal progressivo como PAIN OF SALVATION, DREAM THEATER e QUEENSRYCHE.
Biografia de Stefano Agnini Não apenas o projeto solo do tecladista Stefano Agnini do LA COSCIENZA DI ZENO, IL CERCHIO MEDIANICO é uma espécie de evento menor de rock progressivo, apresentando contribuições de uma formação de 'superstar' que é quem de notáveis da música progressiva italiana antiga e moderna sendo membros do MUSEO ROSENBACH, HOSTSONATEN, DELIRIUM, IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE, LA MASCHERA DI CERA, FABIO ZUFFANTI'S Z-BAND, LA CURVA DI LESMO E FINISTERRE e claro outros de LA COSCIENZA DI ZENO!
O próprio título 'Il Cerchio Medianico: Un'Opera prop di Stefano Agnini' (An Opera Prop de Stefano Agnini) é um jogo de palavras humorístico, Stefano usando o termo 'prop' como uma combinação de 'pop', 'prog ' e 'ópera'! Isso significa que ao longo de suas doze peças e 49 minutos, 'Un'Opera...', lançado em 10 de março de 2017, prova ser uma mistura verdadeiramente 'progressiva' de rock aventureiro, balada elegante, jazz, RPI, funk estilos , psych, pop, sinfônico, clássico e teatral, todos infundidos de alguma forma com a tradição canzone d'autore/cantor-compositor, enquanto também trabalham em alguns momentos de palavra falada e até pequenos toques cômicos. Um evento único ou o início de um novo projeto em andamento? Só o tempo dirá...
Mais conhecido como o cantor de cabelos despenteados com uma imagem decididamente caseira, Leo Sayer deixou sua marca nas paradas pop em um momento difícil, pelo menos no que diz respeito ao seu som inocente e discreto. Com a discoteca em pleno florescimento e bandas cabeludas divulgando seus espetáculos teatrais exagerados e encenados, o negócio da música estava preocupado com brilho e glamour, postura e pose. Conseqüentemente, quando Sayer entrou na briga, foi uma maravilha que ele não apenas conseguiu chamar a atenção, mas também causar um impacto crível por conta própria.
O primeiro álbum de Sayer, Silverbird , iniciou esse esforço, tendo gerado seu primeiro hit, “The Show Must Go On”. No entanto, a tendência de Sayer para aparecer no palco com maquiagem facial e uma fantasia de palhaço pierrot francês - o traje normalmente associado a mímicos e outras personalidades cômicas estilizadas - ameaçou limitar seu apelo maior e colocá-lo em um nicho. Conseqüentemente, havia muito em jogo no primeiro álbum seguinte, humildemente intitulado Just a Boy . Felizmente, isso realmente forneceu seu grande avanço.
Como antes, as canções foram co-compostas por Sayer e seu compatriota compositor, David Courtney. Também foi supervisionado por seu influente empresário, o ex-ídolo adolescente Adam Faith. Lançado nos EUA em janeiro de 1975, deu origem a nada menos que três das canções de assinatura de Sayer, “Long Tall Glasses (I Can Dance)”, “One Man Band” e “Giving It All Away”.
Enquanto Sayer não teve problemas para acumular sucessos por conta própria, seu sucesso foi inicialmente alimentado pelo fato de que Roger Daltrey forneceu as duas últimas faixas para seu primeiro álbum individual, Daltrey de 1973 , e ao fazê-lo, efetivamente preparou o palco para Sayer todo um ano antes. A última música parecia especialmente auspiciosa, dada a letra que dizia: "Paguei todas as minhas dívidas, então peguei meus sapatos, levantei-me e fui embora", uma indicação inicial de que a incursão solo de Daltrey poderia significar uma ruptura com o Who e uma nova ênfase na independência.
Na verdade, as canções de Sayer foram escritas a partir de sua própria e inequívoca perspectiva pessoal. “Giving It All Away” compartilha um acaso e humildade temperados por meio de um refrão convincente e uma bela orquestração. O cantor parece admitir o inevitável, que seu destino está claramente nas mãos de uma ordem superior e, como resultado, ele está disposto a fazer o que for preciso para sobreviver. “Apenas um garoto, entregando tudo…”
“In My Life”, “Solo” e “When I Came Home This Morning” também reforçaram essa noção.
Da mesma forma, “One Man Band” carrega esse sentimento de isolamento e insegurança um passo adiante. Colocando-se no papel improvável de um menino de rua empobrecido, Sayer canta de uma posição de aparente desvantagem.
“Eu sou uma banda de um homem só, ninguém se importa nem entende, há alguém aí que queira dar uma mão, para minha banda de um homem só…” É um refrão simples e despretensioso, mas que claramente se conecta em termos de empatia e entendimento.
A contracapa do álbum Just a Boy de Leo Sayer
Notavelmente, então, “Long Tall Glasses (I Can Dance)” atinge um tom mais otimista, sua guitarra gargalo e ritmo alegre claramente em sincronia com a personalidade de palco extravagante de Sayer. A capa do álbum inspirou-se nessa impressão com uma pintura de um rapaz de aparência perdida que parece um pouco desamparado, mas talvez também imperturbável com as possibilidades de onde a vida o estava levando.
De fato, o segundo álbum de Sayer o encontrou no auge de uma carreira que o levaria a glórias ainda maiores (ou seja, seu quarto álbum, Endless Flight , que produziria dois de seus maiores sucessos, “You Make Me Feel Like Dancing” e “When I Need You”), ao mesmo tempo em que garantiu sua estatura como um grampo nas paradas de singles dos anos 70.
De fato, esse “menino” estava a caminho da maturidade musical.
Assista Leo Sayer tocar “One Man Band” ao vivo em 1974
Em 1970, Elton John encontrou seu ritmo. Após uma gestação de oito anos de pianista precoce de pub, músico de estúdio e compositor iniciante a artista solo, Reggie Dwight fundamentou sua nova personalidade em um estilo pessoal preparado para fãs de ambos os lados do Atlântico. O segundo álbum autointitulado de John, lançado em abril, despertou o interesse que havia escapado a um set de estreia anterior, sustentado pelo hype preventivo de superestrela de sua gravadora americana justificado naquele agosto com uma estreia ao vivo nos Estados Unidos que galvanizou um público de elites influentes com tremores de vigas performances. O lançamento de “Your Song” em outubro traria a ele seu primeiro single de sucesso internacional, seguido dias depois pelo lançamento no Reino Unido de seu terceiro álbum, Tumbleweed Connection., que chegaria aos fãs dos Estados Unidos no início de janeiro de 1971, quando "Your Song" estava chegando ao 8º lugar e os cortes do álbum de Elton John estavam se infiltrando nas estações de rock FM.
Em março, Tumbleweed Connection foi certificado como disco de ouro, pontuando a ascensão meteórica de John e sinalizando suas ambições criativas. Em seu núcleo estava a parceria de composição iniciada em 1967 com o letrista Bernie Taupin, que progrediu de canções pop anódinas destinadas a outros artistas para canções que John cantava e tocava. Depois de tropeçar em experimentos com psicodelia e na estreia na pia da cozinha, John e Taupin obtiveram sucesso com o produtor Gus Dudgeon e o arranjador Paul Buckmaster, que rapidamente se mostraram aliados poderosos no estúdio.
Elton John, à esquerda, e Bernie Taupin em 1970
Começando com Elton John , John e Taupin confiariam em Dudgeon, Buckmaster e em um banco profundo dos melhores músicos de Londres para dar vida às suas canções. O processo criativo da dupla começou com as letras de Taupin, a partir das quais John construiu as canções por meio de uma síntese cativante de pop rapsódico com toques de R&B, blues e gospel, aprofundados pelo treinamento clássico que o permitiria romper com a estrutura musical convencional. Com Tumbleweed Connection , eles aumentaram as apostas com um álbum conceitual imerso na mítica cultura americana, empurrando as canções de amor para as margens para evocar um diorama imaginário de fábulas da Guerra Civil e do Velho Oeste.
Sua escala conceitual era nova, mas as influências musicais do álbum não. Para o jazz, blues e rhythm & blues que moldaram seu aprendizado adolescente com Bluesology, a banda que ele co-fundou no início dos anos 60, John posteriormente caiu sob o feitiço de artistas americanos, incluindo Leon Russell (descoberto ao lado de Delaney e Bonnie), Laura Nyro e o cantor e compositor David Ackles. Lançando a sombra mais longa estava The Band, cujo assombroso amálgama do estilo das raízes americanas forjou as “fitas de porão” de Bob Dylan e o álbum de estreia do grupo. “Quando ouvi The Band's Music from Big Pink , a música deles mudou minha vida”, afirmou ele mais tarde.
Em nenhum lugar a influência do quinteto canadense-americano aparece tão vividamente quanto em Tumbleweed Connection . Desde a capa dobrada em tons de sépia, com John e Taupin meditando do lado de fora de uma estação de trem rural, até seu elenco de rebeldes, fazendeiros e cowboys que habitam locais rústicos, o álbum procura evocar uma América perdida e imaginada, assim como o segundo álbum homônimo da The Band. . “Ballad of a Well-Known Gun” fornece um ponto de entrada animado, o lamento funky de um pistoleiro em fuga, com o sotaque sulista frito de John e floreios de piano gospel respondidos pelas figuras de guitarra de Caleb Quaye e um refrão de apoio suave e cheio de alma. por Dusty Springfield e Madeline Bell. Na mixagem do produtor Dudgeon, a seção rítmica e os instrumentistas são colocados em primeiro plano com detalhes envolventes.
A estrutura conceitual do álbum é esboçada vagamente por suas imagens e uma série de personagens fictícios, em vez de qualquer narrativa central, como demonstrado em “Son of Your Father” e “My Father's Gun”; ambos aludem obliquamente ao abridor enquanto estão sozinhos. Oito das 10 músicas exploram esse mundo imaginado, deixando espaço para duas canções de amor independentes, ambas com o vocalista apenas nos vocais. “Come Down in Time”, que provaria ser uma das faixas mais frequentemente tocadas por Elton John, se afasta do piano em um arranjo espaçoso decorado com harpa, violão e oboé, com um arranjo de cordas de Buckmaster adicionando um toque romântico a seus versos posteriores. . Mais tarde, John cederia a composição para a adorável e sobressalente “Love Song” de Lesley Duncan, cantada em dueto com seu autor.
Já familiar da versão de capa preventiva de Rod Stewart, “Country Comfort” tipifica a confiança de Taupin em imagens e arquétipos beirando o clichê, às vezes sacrificando o realismo pelo romance, como em uma previsão desconcertante de que “Em breve os pinheiros cairão por toda parte”, uma linha isso poderia ter feito sentido se ele tivesse colocado uma serraria em sua paisagem. Não importa: o vocal calorosamente afetuoso de John e a facilidade flutuante do arranjo e o reluzente pedal steel de Gordon Huntley levam a música a uma vitória sentimental, assim como Stewart fez em Gasoline Alley .
Os recorrentes vislumbres de violência de Taupin, seja nos campos de extermínio da Guerra Civil ou nas ruas das cidades fronteiriças, fornecem destaques dramáticos. O lado mais próximo do álbum original, “My Father's Gun”, segue um jovem confederado enquanto ele pega a arma de seu pai caído para se juntar à guerra. “Para onde agora, São Pedro?” pode ser ouvido como a meditação moribunda do pai ao enfrentar a morte.
Do verso abafado ao refrão urgente, o cantor confronta seu destino na vida após a morte: “Se for verdade, estou em suas mãos”, ele admite, passando a alegar: “Posso não ser cristão, mas já fiz tudo o que posso.” Um dos diálogos internos mais habilmente desenhados de Taupin, a imagem febril da música é servida generosamente pelo conjunto de apoio, com Quaye reforçando uma reivindicação como um dos MVPs do álbum em guitarras acústicas e elétricas.
O espírito de Leon Russell, pairando sobre muitas das vozes de piano de John, prevalece em “Amoreena”, um hino carnal à sereia do título “vivendo como uma flor vigorosa, correndo pela grama por horas, rolando pelo feno… como um cachorrinho”. Se a letra é assustadora pós-#MeToo, a música habita o mesmo reino erótico de “Delta Lady” de Russell e “Brown-Eyed Girl” de Van Morrison, e inaugurou a colaboração de John com o baixista Dee Murray e o baterista Nigel Olsson, que iriam ancorar seu banda ao vivo.
A faixa mais moderada do álbum, “Talking Old Soldiers”, oferece uma conversa melancólica de bar inspirada diretamente pelo cantor e compositor californiano David Ackles, cujo estilo eclético o confinou ao status de cult enquanto recebia aplausos de John, Elvis Costello e Phil Collins. É uma pausa útil antes de John lançar a música mais ambiciosa do álbum, “Burn Down the Mission”.
As letras de Taupin evocam uma saga de fronteira com varredura cinematográfica com detalhes ambíguos e sobressalentes. Há o chamado de um herói para uma comunidade desesperada se rebelar contra um rico opressor, seguido por sua captura e possível martírio enquanto ele implora a seus vizinhos para “queimar a missão”. Taupin deixa para a música de John explorar seu drama em uma suíte orquestral que se expande além da forma convencional da música, usando várias mudanças de tom e andamento que atingem o pico em uma seção instrumental propulsiva que mostra o treinamento formal de John. Se ele já preferiu o blues a Bartok, seu arranjo de piano combina floreios gospel vertiginosos com arpejos clássicos, emoldurados pelos opulentos gráficos de cordas de Buckmaster e pelo baixo elétrico melódico e maduro de Herbie Flowers. Com quase seis minutos e meio, a faixa fecha o álbum com uma fanfarra.
A Tumbleweed Collection levaria Elton John para o próximo nível, tanto criativa quanto comercialmente, marcando o primeiro de sua série de discos de platina e fortalecendo ainda mais seus laços com Taupin e o produtor Dudgeon, que estaria no conselho por mais oito álbuns. O estilo visual de John iria do rústico ao estridente, de acordo com sua personalidade de palco extrovertida, mas a linguagem musical pode ser ouvida totalmente estabelecida aqui.
Assista a uma apresentação do trio de 1970 de “Burn Down the Mission”, onde Elton apresenta Dee Murray e Nigel Olsson como sua nova banda
No outono de 1968, John Fogerty morava em um pequeno apartamento em El Cerrito, Califórnia, com sua esposa e filhos. A banda que ele formou com seu irmão mais velho, Tom, guitarrista, e dois amigos da Portola Junior High School, o baixista Stu Cook e o baterista Doug Clifford, já existia há vários anos, primeiro como Blue Velvets e Golliwogs, e depois Creedence . Renascimento de Clearwater . Lançado pela Fantasy Records, a pequena gravadora independente da vizinha Berkeley, o LP de estreia homônimo do CCR alcançou a posição 52 na parada de álbuns nacional da Billboard ., e junto com suas sólidas apresentações ao vivo, criaram um burburinho considerável na cena musical quente de São Francisco. Agora que havia sido oficialmente dispensado de seus compromissos de meio período com a Guarda Nacional, Fogerty se perguntava se a banda era realmente uma perspectiva de longo prazo.
A primeira música de 45 rpm que Fantasy promoveu para a rádio AM, "Susie Q (Part One)", foi um hit pop/country menor para Dale Hawkins em 1957 e foi editada do incendiário álbum de oito minutos e meio. pegar. A versão do Creedence alcançou o 11º lugar na parada de singles da Billboard . Mas como Fogerty disse a Joshua Klein da Pitchfork em 2007, relembrando sua avaliação da posição da banda na época: “Estamos na menor gravadora do mundo, não há dinheiro atrás de nós, não temos um empresário, não há publicitário. Basicamente, não tínhamos nenhuma das máquinas usuais de criação de estrelas, então disse a mim mesmo que teria que fazer isso com a música.
Enquanto sua gravadora fazia planos para lançar um single seguinte, uma versão adequadamente uivante da novidade R&B de Screamin 'Jay Hawkins de 1956 "I Put a Spell on You" que deu início ao Creedence Clearwater Revival , a banda viajou para o Estúdio A da RCA em Hollywood para gravar outro álbum completo. Talvez a magia que assistiu a várias sessões dos Rolling Stones lá (incluindo aquela que rendeu “[I Can't Get No] Satisfaction”) possa passar?
A contracapa do álbum Bayou Country
John Fogerty estava acostumado a manter cadernos cheios de ideias para músicas e depois esperar que elas se desenvolvessem enquanto ficava sentado olhando para a parede de seu apartamento em uma espécie de estado meditativo. Ele disse ao escritor David Cavanagh: “Não havia nada pendurado na parede, porque eu não tinha dinheiro para pinturas. Era apenas uma parede bege. Era uma lousa em branco, uma tela em branco. Mas também foi emocionante. Eu poderia ir a qualquer lugar e fazer qualquer coisa porque era um escritor. Eu estava conjurando aquele lugar no fundo da minha alma que era eu.” Ele às vezes escrevia das 21h às 4h
Apesar de nunca ter se aventurado muito longe da Bay Area, Fogerty era obcecado pelo som e pela cultura do Sul, tirando ideias de programas de TV, discos e filmes corajosos como Swamp Water , de 1941 , ambientado na Louisiana. Em 1985, ele disse a esse escritor que suas canções eram “atos de imaginação”, combinando sonhos com estrutura: “Um professor meu costumava dizer: 'Escreva sobre o que você sabe. Uma boa história tem que ter começo, meio e fim.' É tão óbvio. Eu acho que sou um bom escritor pop... eu vou atrás dos detalhes.”
As sessões que se tornaram Bayou Country começaram com uma música totalmente nova chamada “Proud Mary” que Fogerty ainda estava mexendo. Começou com uma letra sobre a vida difícil de uma lavadeira, aliada ao desejo de Fogerty de imitar a dramática abertura de quatro notas da Quinta Sinfonia de Beethoven. Vários fragmentos se fundiram quando Stu Cook, assistindo ao programa de TV Maverickcom os caras, comentou: "Ei, barco, toque seu sino", durante uma cena no rio Mississippi. Reescrevendo os acordes de abertura para evocar uma roda de pás, Fogerty pintou um quadro de seu sul imaginário, onde ele “limpou muitos pratos em Memphis/bombeou muitos painéis em Nova Orleans”. (Ele quis dizer 'pane como em propano, mas outros entenderam como "dor", uma referência ao uso de drogas, e quando Ike Turner mais tarde colocou as mãos na letra, a palavra se tornou "'tane", abreviação de "octano". )
Todos, exceto Clifford, imediatamente souberam que “Proud Mary” seria um sucesso: ele pensou que “Born on the Bayou” era mais “gorduroso” e seria um lado A melhor. “Born on the Bayou” certamente tem uma abertura de guitarra matadora e letras sobre um “hoodoo”, uma aparição não necessariamente maligna que assombra várias das canções favoritas de Muddy Waters e Howlin' Wolf de Fogerty. Foi escolhido para abrir o álbum.
Desde que assumiu o quarteto do irmão mais velho, quando os Golliwogs se tornaram CCR, John Fogerty costumava mostrar à banda exatamente o que queria que tocassem e como , processo que chamou de “pré-produção” em emulação de cineastas. Ele também escolheu certas guitarras e amplificadores que dariam ao seu próprio trabalho a assinatura sonora que ele insistia. Esse estilo de liderança exigente trouxe atrito constante para a banda e, ao longo dos anos, Cook, Clifford e Tom Fogerty se sentiram menosprezados, suas contribuições para a gravação e composição virtualmente apagadas toda vez que John dava uma entrevista. (Tom saiu da banda no início de 1971, cerca de 18 meses antes de CCR encerrar o dia; como Cook e Clifford, ele nunca se reconciliou verdadeiramente com John nas décadas subsequentes.)
Por mais tensas que tenham sido as sessões da RCA, não há como contestar a qualidade musical exibida em todos os lugares. A banda gravou todas as faixas básicas ao vivo no estúdio, com o líder multi-instrumentista adicionando alguns overdubs - e, supostamente, todos os vocais - depois. Sua voz rosnante e evocativa de falso sulista e solos de guitarra no estilo Steve Cropper/Pops Staples, especialmente em “Proud Mary” e “Born on the Bayou”, iluminam todas as faixas. Qualquer um que duvide das habilidades de seus companheiros de banda precisa apenas experimentar a espetacular jam de banda completa no LP que conclui “Keep on Chooglin'” ou a trepadeira com infusão de blues “Graveyard Train”. Tom Fogerty na guitarra base sabe instintivamente como apoiar seu irmão, e a seção rítmica Cook/Clifford é mais do que sólida.
Mas, sim, John Fogerty é a estrela. Seus vocais sempre exigem atenção, saltando alto do centro da mixagem (parabéns ao engenheiro Hank McGill). Não há realmente um corte fraco no álbum. “Bootleg” é um número triturante que resume o impulso “pantanoso” de músicos como Tony Joe White e Doug Kershaw, com um monte de guitarras acústicas e elétricas se movendo na mixagem.
“Penthouse Pauper” apresenta o tom de guitarra penetrante de John, muito no estilo de John Cipollina do Quicksilver, provavelmente indicando que ele mudou de seu Rickenbacker normal para um Gibson para a faixa. A pontuação agressiva de Clifford é fantástica, talvez sua melhor execução no álbum. “Penthouse Pauper” tem muito de Wilson Pickett no vocal, incluindo sua pronúncia do Alabama. E "Good Golly Miss Molly", do catálogo de Macon, o Little Richard da Geórgia, é simplesmente muito divertido.
Bayou Country , lançado em janeiro de 1969 com uma foto de capa fora de foco de Basul Parik, foi para o 7º lugar e vendeu muitos milhões desde então. Surpreendentemente, a CCR lançou mais dois LPs incrivelmente populares em 69, Green River em agosto e Willy And The Poor Boys em novembro. A série de singles de sucesso - "Bad Moon Rising", "Green River", "Down on the Corner" - fez do Creedence Clearwater Revival uma das maiores bandas do mundo.
O single “Proud Mary” chegou ao 2º lugar em Billboard , mantido fora do primeiro lugar por duas semanas por “Everyday People” de Sly and the Family Stone e “Dizzy. É uma das canções mais gravadas na história do rock e serve como uma ponte instantaneamente reconhecível do country branco para o black funk: Elvis Presley a colocou em seus shows ao vivo em 1970, a versão de Ike e Tina Turner ganhou um Grammy em 1972 e Prince incluiu um trecho durante sua apresentação no Super Bowl de 2007. A roda gigante continua girando e Proud Mary continua queimando.
Assista à apresentação do Creedence no festival Woodstock de 1969
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