Classificação de todos os álbuns de estúdio de Alicia Keys

 

Alicia Keys é uma cantora, compositora e atriz que nasceu na cidade de Nova York em 25 de janeiro de 1981. Embora tenha começado a escrever músicas com apenas 12 anos, ela não iniciou oficialmente sua carreira musical até os 15 anos em 1996 e foi assinado pela Columbia Records. Porém, Keys estava em disputa com a gravadora e não lançou nenhuma música com ela. Ela assinou com a Arista Records, com quem lançou seu álbum de estreia em 2001, 'Songs in A Minor', sob o selo subsidiário J Records. Ao longo de sua carreira, Alicia Keys foi aclamada pela crítica e ganhou vários prêmios, incluindo vários Grammy. No total, ela vendeu mais de 9 milhões de discos em todo o mundo, o que significa que ela é uma das artistas musicais mais vendidas do mundo. Durante seu tempo como cantora e compositora, Alicia Keyslançou sete álbuns de estúdio , dois álbuns ao vivo, um álbum de remixes, quatro álbuns de reedição, um EP, sete box sets, 45 singles e seis singles promocionais. Aqui estão os álbuns de estúdio de Alicia Keys classificados.

7. Alícia (2020)

 

O álbum mais recente lançado por Alicia Keys é 'Alicia', embora ela tenha outro álbum agendado para lançamento em dezembro de 2021. Nos Estados Unidos, este álbum alcançou o quarto lugar nas paradas de álbuns. Uma diferença notável entre os outros álbuns de 'Alicia' e Keys é até que ponto ela colaborou com outros artistas, já que seus álbuns anteriores são predominantemente de sua autoria. O álbum conta com contribuições de produção e composição de Ed Sheeran , Ryan Tedder, The-Dream, Swiss Beatz e Johnny McDaid. Há também contribuições vocais em diversas faixas, de artistas como Diamond Platnumz, Jill Scott , Tierra Whack, Sampha e Snoh ​​Aalegra.

6. Here (2016)

Em muitas das faixas de 'Here', sexto álbum de estúdio de Alicia Keys, ela rompe com a estrutura tradicional de composição. Por exemplo, 'The Gospel' não tem refrão, e há uma jam session no meio de 'She Don't Really Care' que separa os diferentes estilos das seções inicial e final da música. Keys também usa experiências pessoais e temas políticos nas letras das faixas deste álbum. 'Here' fez maior sucesso nos Estados Unidos, onde ficou em segundo lugar nas paradas de álbuns.

5. The Element of Freedom (2009)

 

'The Element of Freedom' foi o quarto álbum de estúdio de Alicia Keys. De acordo com o The Guardian , quase todas as faixas deste álbum são sobre os altos e baixos do amor. Quando escreveu este álbum, Alicia Keys sofria de depressão e lutava com os desafios da composição durante aquele período. Mesmo assim, o estilo do álbum é confiante, embora não haja nada de inovador nas faixas. Ele liderou as paradas no Reino Unido e na Suíça e alcançou a posição número dois na parada de álbuns dos EUA. O primeiro single do álbum foi 'Doesn't Mean Anything'. Mais três singles foram lançados do álbum, incluindo um dueto com Beyoncé intitulado 'Put It in a Love Song'.

4. Girl on Fire (2012)

 

'Girl on Fire' é o quinto álbum de Alicia Keys e liderou as paradas dos Estados Unidos. Foi também um álbum entre os dez primeiros em países como Canadá, Alemanha, Holanda e Suíça. A música-título e o primeiro single do álbum alcançaram a 11ª posição na Billboard Hot 100 e a segunda posição na parada Hot R&B/Hip-Hop Songs. Três versões da música foram incluídas no álbum, incluindo a original, uma versão 'Inferno' com Nicki Minaj e um remix despojado de 'Bluelight'. Outros singles lançados deste álbum foram 'Brand New Me', 'New Day', 'Fire We Make' e 'Tears Always Win'

3. As I Am (2007)

 

O terceiro álbum de estúdio de Alicia Keys foi 'As I Am', lançado em 2007. Ele liderou as paradas nos Estados Unidos e na Suíça e foi um hit top dez em países como Austrália, Bélgica, Canadá, Alemanha, Holanda e Nova Zelândia. O álbum foi certificado 4x Platina pela RIAA, vendeu mais de cinco milhões de cópias em todo o mundo e ganhou três prêmios Grammy para Key. A cantora começou a trabalhar neste álbum em 2005 e apresenta predominantemente faixas contemporâneas de soul e R&B.

2. The Diary of Alicia Keys (2003)

A Slant Magazine classifica 'The Diary of Alicia Keys' como um dos melhores álbuns de Alicia Keys. Combina um estilo contemporâneo com soul retro para criar o estilo que ficou conhecido como neo-soul. O ritmo do álbum varia de uma faixa para outra, com as duas primeiras faixas apresentando um estilo club infundido de trompas que então leva a faixas em um estilo que é mais tipicamente associado a Alicia Keys. 'The Diary of Alicia Keys' foi o segundo álbum de estúdio da cantora e liderou as paradas de álbuns nos Estados Unidos e na Suíça. Os quatro singles lançados deste álbum foram 'You Don't Know My Name', 'If I Ain't Got you', 'Diary' e 'Karma'. Enquanto os três primeiros singles foram os dez maiores sucessos na Billboard Hot 100, 'Karma' atingiu o pico de apenas 20.

1. Songs in A Minor (2001)

No que diz respeito ao sucesso comercial, o álbum de estúdio de maior sucesso de Alicia Keys foi seu álbum de estreia, 'Songs in A Minor', lançado em 2001. Vendeu mais de 12 milhões de cópias em todo o mundo e 7,5 milhões de cópias somente nos Estados Unidos. Para este álbum, Alicia Keys ganhou cinco prêmios Grammy. 'Songs in A Minor' liderou as paradas de álbuns nos Estados Unidos e na Holanda. Também foi um hit top ten na Austrália, Bélgica, Canadá, Alemanha, Irlanda, Nova Zelândia, Suíça e Reino Unido. Quatro singles foram lançados deste álbum, começando com o álbum principal 'Fallin', que liderou a Billboard Hot 100 e se tornou a música mais tocada nos Estados Unidos na época. Os outros singles lançados deste álbum foram 'A Woman's Worth', 'How Come You Don't Call Me' e 'Girlfriend'. Neste álbum, Keys combinouestilo contemporâneo com tema musical retrospectivo. Keys foi elogiada por suas habilidades vocais e seu talento como compositora.

KYLIE MINOGUE LANÇA “TENSION”

 

Kylie Minogue estreou o segundo single e faixa-título do seu novo álbum, “Tension”, que será lançado no dia 22 de setembro, pela BMG.

Apresentado como a continuação da sensação viral global que tem sido “Padam Padam”, “Tension” já é visto entre os fãs da artista como mais um grande sucesso da artista australiana. Kylie assina a sua composição juntamente com os seus colaboradores de confiança Biff Stannard e Duck Blackwell, bem como KAMILLE, Anya Jones e Jon Green. A música, digna sucessora de “Padam, Padam”, é cheia de abandono eufórico e acaba de ser lançado o seu vídeo oficial.

O videoclipe foi dirigido por Sophie Muller (colaboradora habitual de Kylie) e nele Kylie assume o papel de vários personagens diferentes numa realidade alternativa de fantasia visual apresentada como um futuro evocativo e retrô. “Que Kylie é você hoje?” é o mote para esta fantasia.

ROCK ART

 

CRONICA - THE YARDBIRDS | Five Live Yardbirds (1964)

A formação vem do boom do blues britânico, precursor do hard rock que contou com 3 dos maiores guitarristas: Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page.

Tudo começou em 1963, quando dois amigos do ensino médio, o jovem guitarrista Anthony "Top" Topham e o gaitista/cantor Keith Relf, ​​visitaram o Railway Hotel em Norbiton. A música programada é o jazz tradicional e o estabelecimento permite que músicos iniciantes toquem durante as férias. Os dois amigos conhecem o baterista Jim McCarty, o guitarrista Chris Dreja e o baixista Paul Samwell-Smith. Juntos, eles decidem formar um grupo. Eles se autodenominam Yardbirds. Diz-se que o nome foi inspirado no fascínio de Keith Relf pelo escritor Jack Kerouac, que frequentemente citava o grande jazzista Charlie "Yardbird" Parker em seus romances. Duas semanas depois, os Yardbirds deram seu primeiro show. Fãs de blues o quinteto lançou-se no boom do blues britânico que acabava de florescer no início dos anos 60 na Inglaterra iniciado por Alexis Korner Graham Bond e, claro, os Rolling Stones. Notado pelo produtor Giorgio Gomelsky, este ofereceu aos músicos uma residência no Crawdaddy Club em Richmond e tornou-se seu empresário. Tornando-se profissional, Anthony Topham deve enfrentar a recusa dos pais ao manifestar o desejo de abandonar os estudos de artes visuais. Eles confiscaram seu violão. Seu substituto é outro aluno desta escola, um certo Eric Clapton.

Nascido em março de 1945 em Ripley, perto de Guildford em Surrey, Eric Clapton teve uma infância e adolescência um tanto complicadas (um pai soldado que se mudou para o Canadá para não voltar, uma mãe muito jovem fingindo ser sua irmã, o pequeno Eric confiado a seus avós maternos). Sem prestar atenção à escola, ganhou seu primeiro violão (acústico) aos 13 anos. Ao utilizar este instrumento, ele está a ponto de desistir, julgando-o muito difícil. Mas seduzido pelo blues americano ele persevera. Ele tira sua inspiração musical de Big Bill Broonzy, Muddy Waters, Elmore James, Howlin' Wolf, mas especialmente de Robert Johnson. Porém, com falta de autoconfiança, ele se juntou ao Galo em 1963. Mas essa combinação não dura. Pouco depois da separação do Galo Eric Clapton conhece Yardbird que procura um guitarrista solo. Um encontro decisivo, não para os Yardbirds mas para a história do rock.

A chegada ao final de 63 de Clapton na guitarra permitiu ao grupo se destacar da multidão. O virtuosismo do guitarrista consagra os Yardbirds como um dos grupos mais interessantes do momento. Com sua ousadia no palco, o quinteto rapidamente se tornou uma atração entre os jovens e badalados fãs de blues ingleses. A forma de tocar de Clapton impressionou e ele rapidamente se tornou o queridinho que superou George Harrison, mas especialmente Keith Richards. Podemos começar falando sobre os heróis da guitarra.

O grupo lançou dois singles, "I Wish You Would" e "Good Morning Little Schoolgirl", que tiveram relativamente sucesso, mas permitiram que saíssem em turnê com o gaitista de blues americano Sonny Boy Williamson. No final de 1964, os Yardbirds lançaram seu primeiro álbum pela Columbia, gravado ao vivo no Maqué Club de Londres em março do mesmo ano e intitulado "Five Live Yardbirds".

Composto por 10 faixas, estes são apenas covers de blues americanos eletrizantes e ritmo e blues barulhentos. No entanto, deve-se notar que a renderização é medíocre, é francamente digna de um bootleg, um bom bootleg certamente, mas mesmo assim um bootleg. É a época que exige isso, ainda dando uma certa autenticidade a ponto de você realmente ter a impressão de estar numa adega podre, se enxugando de cerveja.

Mal o locutor anuncia o grupo e apresenta os integrantes (maior ovação do público para Clapton que já há algum tempo é apelidado de slowhand) já começa com um furioso “Too Much Monkey Business” de Chuck Berry colocando em destaque as qualidades do músicos que tocam com coragem, mas acima de tudo o dedilhado explosivo de Clapton com solos de tirar o fôlego. Sem esquecer este som, é seco, áspero, áspero. Nunca vi ou ouvi falar antes. Os Beatles e os Stones têm motivos para se preocupar.

Como dito anteriormente, começa com os pés no chão e termina da mesma forma com os apocalípticos 5 minutos de “Here 'Tis” de Bo Deddey. No meio encontramos “Got Love If You Want It” (Slim Harpo) e “Smokestack Lightning” (Howlin' Wolf) onde Keith Relf mostra o seu forte potencial na gaita num estilo ameaçador, sombrio e frenético. Mantemos a pressão com “Good Morning Little Schoolgirl” (Sonny Boy Williamson I), “Pretty Girl (Bo Diddley)” com a voz nervosa de Keith Relf, ​​a descolada “Louise” (John Lee Hooker), a revigorante “I'm a Man” (Bo Diddley) e o exótico “Respectable” (Isley Brothers).

Mas os Yardbirds sabem tocar num ritmo mais lento, só para acalmar toda essa histeria com o drogado "Five Long Years" (Eddie Boyd) que cheira a noite quente e suor onde Clapton deixa seus sentimentos se expressarem e onde está a gaita Relf de Keith mais vaporoso.

Em suma, um álbum minimalista feito com os meios disponíveis mas destrutivo e destruidor, precursor de muitas coisas. Sem queixas. Só que tem apenas uma grande falha: nenhuma composição, sendo Clapton pouco inclinado a esse tipo de exercício. Esse vazio foi rapidamente preenchido com o lançamento do single “For Your Love” em 1965, o primeiro grande sucesso. Mas a virada pop não agrada Eric Clapton, que aposta no blues. Na dúvida, ele vai descansar com um amigo em Oxford. Para substituí-lo, os membros restantes, a conselho do guitarrista de estúdio Jimmy Page, recrutaram um certo Jeff Beck.

Título:
1. Too Much Monkey Business
2. Got Love If You Want It
3. Smokestack Lightning
4. Good Morning Little Schoolgirl
5. Respectable
6. Five Long Years
7. Pretty Girl
8. Louise
9. I’m a Man
10. Here ‘Tis

Músicos:
Keith Relf: vocais, gaita
Eric Clapton: guitarra
Chris Dreja: guitarra
Paul Samwell-Smith: baixo
Jim McCarty: bateria

Produzido por: Giorgio Gomelsky

CRONICA - JOHN MAYALL | John Mayall Play John Mayall (1965)

 

No desembarque na Normandia, os soldados chegaram não só para a libertação, mas também vieram com a sua música: country, jazz, mas sobretudo blues... O impacto seria considerável. Muitos bluesmen afro-americanos (Big Bill Bronzy, Muddy Waters, etc.) vieram se apresentar na Inglaterra, muitas vezes acompanhados por músicos locais. A juventude inglesa do pós-guerra seria inflamada no início dos anos 1960 tanto pelo pop dos Beatles quanto pelo blues. Nasceu um importante movimento chamado British Blues Boom. Alexis Korner será o iniciador, os Rolling Stones os embaixadores. Mas o chefão será, sem dúvida, John Mayall, que dedicará sua vida ao blues. Este multi-instrumentista lançou a carreira de vários artistas e grupos e iniciou o hard rock e o rock progressivo.

Nascido em 1933 em Macclesfield, perto de Manchester, John foi embalado pelos discos de jazz do seu pai (Leadbelly, Big Bill Broonzy, Albert Ammons, Pete Johnson, Charlie Christian, Django Reinhardt e Eddie Lang, JB…). Aos 12 anos aprendeu violão, gaita e piano. Aos 30 anos abandonou o trabalho de designer gráfico para se dedicar à música, formando um grupo com o guitarrista Roger Dean, o baterista Hughie Flint, o saxofonista Nigel Stanger e um certo John McVie no baixo. O quinteto excursionou e visitou Klooks Kleek em Londres em dezembro de 1964, que curiosamente ficava próximo ao estúdio Decca. Este concerto será o pretexto para o primeiro álbum de John Mayall lançado no ano seguinte intitulado John Mayall Play John Mayall .

Como acontecia frequentemente nesta época, os grupos ingleses que se lançaram no blues apenas fizeram covers como os Stones e os Yardbirds. Mas John Mayall irá contra a corrente. O disco diz isso claramente: John Mayall interpreta John Mayall! O objetivo deste último é mostrar que o blues não é apenas folclore riquenho, mas uma música que tende a se internacionalizar. Porque além de 4 covers ("I Need Your Love" dos irmãos Spriggs, "When I'm Gone" de Smokey Robinson, bem como o medley "Night Train" de Jimmy Forrest e "Lucille" de Little Richard) o resto faz não são apenas composições do líder de trinta anos. E que composições!

O LP totaliza 12 músicas que variam entre 2 e 4 minutos. O som é cru, onde John Mayall fará os vocais e tocará a gaita em um ritmo matador. O público, incansável, ficou entusiasmado e o quinteto explorou todas as possibilidades do blues. Seja no boogie com “Crawling Up A Hill” que abre o baile, “I Wanna Teach You Everything” que segue com bom aproveitamento do órgão Farfisa. Rhythm 'n' blues com "When I'm Gone" onde o sax traz um toque jazzístico, "Crocodile Walk", "Doreen", "What's the Matter with You". O gênero stoner de ritmo lento com “I Need Your Love”, “The Hoot Owl” com seu solo de guitarra vertiginoso. Pessoas com “Dor de coração”. O estilo revigorante com “Runaway” mas especialmente o mais tribal “Chicago Line” que conclui este vinil.

Resumindo, este é um LP muito bom. No entanto, o sucesso não existirá. Mas a contratação, pouco depois, de um novo guitarrista consumido pela dúvida será decisiva.

Títulos:
1. Crawling Up A Hill
2. I Wanna Teach You Everything
3. When I’m Gone
4. I Need Your Love
5. The Hoot Owl
6. Night Train / Lucille
7. Crocodile Walk
8. What’s The Matter With You
9. Doreen
10. Runaway
11. Heartache
12. Chicago Line

Músicos:
John Mayall: piano elétrico, órgão, guitarra, voz
John McVie: baixo
Hughie Flint: bateria
Roger Dean: guitarra
Nigel Stanger: saxofone

Produzido por: Tony Clarke

Crítica: “Dance You Monster To My Soft Song!” por Vitória sobre o sol. (2023)

 

Existem títulos que realmente podem ser interpretados das formas mais imaginativas que possam existir, sendo este o caso mais tolo, um nome para um álbum totalmente oposto ao que você pode imaginar, uma variação interpretativa misturada com uma infinidade de nuances caóticas para alguns mas relaxante para os outros., VOTS chega com sua 4ª e ensurdecedora entrega para pegar seu estômago e dar um giro de 560 graus e apertá-lo de novo e de novo e de novo. A dança é tão emocionalmente macabra que vai plantar em seu cérebro a ideia perfeita de que você será o monstro que estará dançando nesta criação de 49 minutos, então prepare-se. 

Muitos de nós podemos concordar que 16 minutos talvez seja até exagerado, mas vamos concordar em algo que  Thorn Woos The Wound  está praticamente dando tudo de si, mostrando em traços gerais o que é essa “banda”, uma experimentação do black metal levada para outros tipos de música. campos, você encontrará fusões de jazz, black metal sórdido, instrumentação muito tênue, vozes rasgadas, uma onda de humores, que pode te manter no mais intenso até o mais sereno, acho que os minutos dessa música são aproveitados desde começando a acabar.

Um contraste totalmente oposto é  WHEEL Com um tipo de fabricação musical horrível baseado exponencialmente na voz de Vivian, a música foca muito nos gritos rasgados acompanhados na íntegra pelo violão distorcido onde podemos apreciar ao longo da música que há uma conversa ou será uma briga entre eles ? onde o ponto “calmo” é a bateria com uma profundidade que te mantém enterrado no lugar que você está, é uma percussão industrial incrível, uma criação sombriamente romântica como dizem. 

Agora, mas você pode continuar dando voltas totalmente desconcertantes e essa sessão de 7 minutos de jazz fusion progressivo com gritos pequenos e distantes realmente acontece em The  Gold of Taking Nothing.  Tem uma bateria verdadeiramente notável que se mistura perfeitamente com um toque suave de Preto, uma instrumentação que torce o cérebro, o tema é perfeitamente constituído, é deboche total com um final que pode arrepiar a pele.  

Madeline Becoming Judy  está totalmente focada na composição musical de seus sintetizadores, acho e muitos vão notar que isso dá uma personalidade especial à música, ela se desenrola a cada segundo nesse vai e vem de tempos que realmente não passam no tempo, é muito estranho ter uma ideia clara. As quebras das guitarras no centro da música dão uma espécie de escuridão ou maldade, antes, que penetra até os ossos.Muitas vezes você pode notar a dedicação que Vivian gosta de dar a quem a ouve. 

Por fim há  Black Heralds  com uma espécie de transe que te mantém num jogo de alterações musicais explicitamente cerebrais, vozes aterrorizantes, guitarras que são praticamente tocadas na ponta de facas, um acompanhamento de bateria de tonalidade absurdamente baixa e uma atmosfera experimental que cativa , enquanto ouvia fui transportado em muitos momentos por trechos de filmes que me vieram à mente, muitos deles verdadeiramente de terror, dando um toque nos últimos momentos de black metal e alguns gritos que vêm do fundo da alma. É realmente um final que se destaca porque te confunde novamente até o último minuto do álbum.

É legal conhecer um artista de black metal que ao mesmo tempo deixa de ser black metal, muda os padrões que vêm acontecendo no meio musical há tantos anos. Já falei, não sou um ouvinte frequente de black mas este tipo de gêneros Eles levam você a passagens onde há realmente muito para continuar descobrindo. Se você está procurando o típico black metal ensurdecedor de antigamente, recomendo que você nem olhe por essas partes, pois Vivian faz você sentir algo 1000 % diferente em cada área e ainda mais sabendo o nível de preparação de uma multi-instrumentista como ela. Há tanta dinâmica no álbum e a sensação de como ele consegue um som tão complexo e equilibrado em cada uma das passagens, que faz você pensar muito no trabalho duro e na preparação.

Revisão: “Anseio: Destino Prometéico Selado” por Fleshvessel. (2023)

 

Fleshvessel, banda originária de Chicago, foi fundada em 2019 e lançou o seu primeiro EP em 2020, intitulado “Bile of man Reborn”, que contém apenas uma peça de 20 minutos onde se destacam pela criatividade e ambição em fazer música. A banda mostra uma habilidosa mistura de estilos onde o jazz, o progressivo dos anos 70, junto com elementos do death metal são os protagonistas. Embora ao mencionar esses estilos bandas como Cynic, Edge of Sanity ou Opeth possam vir à mente, Fleshvessel tem sua própria distinção. Seu primeiro álbum de estúdio chamado Yearning: Promethean Fates Sealed mostra as influências citadas e a estrutura do álbum é marcante, lembrando as abordagens utilizadas em álbuns clássicos de rock progressivo.

O álbum começa com  Winter came Early , uma peça de quase 11 minutos que começa com um piano delicado para dar lugar ao metal extremo mas sem perder a sensibilidade que foi inicialmente demonstrada. Você pode apreciar seções acústicas com flautas, violões, solos de violino e perceber que os músicos realmente cuidaram da música. As seções mais calmas desta música combinam perfeitamente com as brutais, tornando-a uma música tônica homogênea e orgânica que será repetida ao longo do álbum. Você pode sentir claramente a influência do rock progressivo dos anos 70 em Fleshvessel, com solos melódicos, estruturas fragmentadas, mudanças estranhas e seções acústicas inspiradoras.

Uma caneca,  começa com flauta e guitarra limpa, mas a bateria entra com tudo para dar uma aula de metal extremo junto com um solo longo. Há uma parte onde soa aquele ruído característico do black metal, mas é contrastado por um piano fazendo uma bela melodia. A forma como fundem géneros é fascinante, conseguindo uma música fortemente brutal e ao mesmo tempo inspiradora. A capacidade de alcançar essa dualidade é incrível. O final dessa música é um solo de teclado acompanhado por um lindo piano enquanto um riff saído do inferno toca ao fundo, tornando-se uma das minhas partes favoritas de todo o álbum.

The Void Chamber,  começa com uma flauta e guitarras limpas, semelhante à música anterior acrescentando violinos e pianos. Uma voz sussurrante entra em cena, proporcionando uma atmosfera sombria. À medida que a música avança, trompetes são incorporados e durante o curso um solo de teclado frenético soa reminiscente de ELP, mas tudo isso em um contexto influenciado pelo death metal. Quando chegamos ao final da música ouvimos vozes limpas cantando teatralmente acompanhadas por um solo de guitarra épico que desaparece nas sombras.

Eyes Yet to Open,  a música mais longa do álbum com 17 minutos de duração, exibe habilidades técnicas, passagens bonitas e ambientais, além de brutais e sombrias. Distinguí que a música é dividida em 3 seções, não sei se estou certo, mas a primeira seção poderia ser considerada death metal, a segunda tem um tom mais ambiente, e a terceira apresenta um clima mais calmo com a inclusão de teclados, baixos com nuances jazzísticas e solos que lembram os anos 70.

Os interlúdios instrumentais  Vignette I, II, III  são bons elementos para dar trégua aos temas principais e contribuir com um elemento interessante para a estrutura do álbum.

Concluindo, Fleshvessel é uma banda que me surpreendeu muito com esse primeiro álbum e estou ansioso para saber como vai continuar sua carreira. A influência da música dos anos 70 é muito perceptível, o que todo fã do progressivo vai adorar. Ambição, complexidade, fusão e criatividade são elementos marcantes neste álbum, gerando uma coesão única de estilos que atrairá não só seguidores de death ou black metal, mas também fãs de música em geral.