MUSICA&SOM

domingo, 7 de janeiro de 2024

RETROSPECTIVA: TIME AND A WORD DE YES, MOLDANDO O SOM CLÁSSICO

' Time and a Word , o segundo álbum do Yes , encontra a banda em transição. Tendo gravado um LP que vendeu modestamente no Reino Unido, o quinteto – o vocalista Jon Anderson , o baixista Chris Squire , o baterista Bill Bruford , o tecladista Tony Kaye e o guitarrista Peter Banks – continuam a atrair a atenção da cena club londrina com suas performances enérgicas, ganhando elogios da imprensa musical e também de seus pares. « Pete Townshend do The Who em particular é um fã ávido»

Assim surgiu o pôster promocional de ' Time and a Word ', segundo álbum do Yes , lançado em 24 de julho de 1970, e gravado entre dezembro de 1969 e fevereiro de 1970.

Seria o último álbum com sua formação original. A banda propõe um som mais denso, experimental e, como era sensação na época, incorporando arranjos de cordas. Já havia sido feito com sucesso por bandas como The Moody Blues , com seu clássico ' Days of Future Passed ' em 1967, The Nice com ' Ars Longa Vita Brevis ', Deep Purple com ' Concerto For Group and Orchestra ' em 1969, entre outros. . Portanto, não era um conceito novo no cenário musical.

A imagem abaixo corresponde à capa do álbum na versão lançada para o mercado norte-americano em novembro de 1970, já que a divisão norte-americana da Atlantic Records considerou inadequada uma capa com uma mulher nua. No final de 1970, Steve Howe já era um novo membro do quinteto, pelo que a sua imagem aparece num álbum onde não tocou um único instrumento, nem compôs nada.

Voltando à música, a ideia da orquestra não agradou a Peter Banks , que expressou suas diferenças com a banda, e isso levou à sua saída em abril de 1970, antes do álbum ser colocado à venda. Também não agradou a Tony Kaye , que mesmo assim gravaria mais um álbum com o Yes , o famoso ' The Yes Album ', antes de retornar à banda nos anos 80.

Em suma, ' Time and Word ' representa um grande avanço musical para o Yes , apesar de conter 2 covers (como o LP de estreia) e de Jon Anderson continuar a ser a grande força compositora do grupo.

' No Opportunity Necessary, No Experience Needed ' abre o álbum. Esta é uma capa de Richie Havens . Ao contrário de ' Every Little Thing ' dos Beatles , a versão do Yes é mais fiel ao original. Além da orquestração, destaca-se a ótima atuação da banda, muito bem unida e com muito virtuosismo. Além do ritmo impecável.

' Então ' é um dos primeiros clássicos da banda. O trabalho do órgão e da bateria é excepcional. Aqui o arranjo orquestral é mais sutil, não tão presente em primeiro plano como na faixa anterior. Destaca-se a seção calma, onde Peter Banks realiza uma performance de guitarra que sem dúvida inspiraria mais tarde Steve Howe .

' Everydays ' é a segunda e última capa do LP. Neste caso o guitarrista Stephen Still está com Buffalo Springfield . A versão de Yes é mais lenta, mantendo o som blues do original, além do notável arranjo de cordas. Toda a banda mantém uma performance impecável, que chama a atenção e mantém o ar de suspense durante toda a música. A seção intermediária é um dos melhores momentos instrumentais do Yes .

' Sweet Dreams ' está mais próximo do som do primeiro álbum do Yes . Escolhido como um dos dois singles do álbum, em junho de 1970. É um dos pontos mais fracos do álbum. A banda tenta fazer uma música mais comercial, sem sucesso total.

' The Prophet ' abre o lado 2 com uma introdução dramática de órgão, seguida por uma seção de cordas influenciada pela obra de Steve Reich . Depois de passar por uma seção dominada pela guitarra de Peter Banks , Jon Anderson incorpora elementos da seção ' Jupiter, The Bringer of Jollity ' da suíte ' The Planets ' do compositor inglês Gustav Holst .

' Clear Days ' é a música mais curta do álbum, e apenas Jon Anderson participa . É uma bela balada, acompanhada pelo arranjo orquestral. É um interlúdio musical para continuar ' Astral Traveller '; Aqui ele apresenta a banda tocando em alta velocidade, com uma seção rítmica notável. Seria possível que essas vozes passadas pelo lendário alto-falante rotativo de Leslie influenciassem mais tarde o Pink Floyd em ' Echoes '? A seção central apresenta a banda como se fossem membros de uma orquestra, tocando contrapontos e contramelodias. O solo de Peter Banks é notável, levando a banda por várias seções, apenas para o retorno dos vocais de Jon Anderson .

' Time and a Word ', música que dá nome ao álbum, também é o seu encerramento. O clássico mais reconhecido do LP. Esta canção memorável seria a única que continuariam a tocar do LP ao longo do tempo, aparecendo em álbuns como ' Yesshows ' ou ' Keys To Ascension '. Um encerramento maravilhoso para um álbum que merece reconhecimento.

O som foi fornecido por um engenheiro que mais tarde moldaria o som da banda: Eddy Offord . Toda a divulgação do álbum foi feita com o novo guitarrista da banda… Steve Howe . Foi assim que apareceu na capa promocional dos EUA, além dos vídeos ‘ Then ’, ‘ Everydays ’ e ‘ Astral Traveller ’.

Embora não tenha alcançado o sucesso que esperavam (alcançou apenas a posição #45 no Reino Unido) deu à banda a confiança necessária para continuar a encontrar o seu som, o que alcançariam plenamente no ' The Yes Album '.

RETROSPECTIVA: A MALDIÇÃO DE "BEDLAM IN GOLIATH" POR THE MARS VOLTA

"The Bedlam in Goliath" foi o quarto álbum da banda norte-americana The Mars Volta , lançado em 23 de janeiro de 2008 nos Estados Unidos. Uma obra que acabou por ser uma das mais enérgicas do grupo El Paso; cortes inesquecíveis que nos deram como « Wax Simulacra «, « Aberinkula » ou « Metatron «. Mas aqui estamos para falar da famosa “maldição” que ocorreu na banda durante a gravação deste trabalho, e embora esteja bem documentada em entrevistas concedidas por Omar Rodriguez Lopez , também há alguns detalhes que têm aparecido nos últimos anos .

Tudo começou dois anos antes, em 2006, quando o The Mars Volta compartilhou uma turnê com o Red Hot Chili Peppers , antes da aquisição por Omar de um tabuleiro Ouija , que seria um presente para seu amigo e cantor Cedric Bixler. que ele comprou em Jerusalém junto com outras raridades e relíquias. Após cada recital, as duas bandas se reuniam no ônibus da banda para “brincar” com a diretoria.

Durante as sessões com o conselho, que apelidaram de “ O Adivinho ”, eles interagiram com uma entidade que se identificou como “ Golias ”. Ela contou-lhes histórias de luxúria e assassinato que giravam em torno de um triângulo amoroso entre uma mulher, sua filha e um homem (as 3 entidades que compunham “ Golias ”). Segundo Rodriguez Lopez, o problema da história é o que no Oriente Médio chamam de “ crime de honra ”, esse tipo de assassinato ocorre quando uma mulher é estuprada, deixando-a “marcada” em sua cultura e sociedade. Segundo esses preceitos, a “melhor” coisa a fazer por ela é matá-la. Essas histórias que ele contou, junto com alguns poemas que foram encontrados no quadro na hora da compra, seriam a inspiração para a letra e a música de seu próximo álbum “ The Bedlam in Goliath ”.

« Tudo começou como uma forma de passar o tempo, de se divertir. Mas as coisas começaram a acontecer conosco. Depois de um tempo, não conseguíamos parar de escrever todo aquele material . Este álbum é a história que eles nos contaram, a nossa interpretação e tudo o que estava acontecendo conosco. Está tudo relacionado. »
Omar Rodríguez Lopez

Terminada a música e durante o processo de produção, as sessões e contactos com a entidade “ Golias ” tornam-se mais frequentes. Não foram apenas histórias, mas também demandas que os músicos cumpriram em troca de inspiração. “ Golias ” tinha pedidos como oferendas de álcool, mas com o passar do tempo o dito “ser” tornou-se mais exigente, até que em determinado momento a entidade pediu que eles “entrassem” no corpo dos músicos, bem como alguém que os atendesse. um container.

Ao não prestar atenção às suas últimas exigências, a referida entidade (demoníaca neste momento) ameaçou-os de que se não o ouvissem seriam amaldiçoados. Neste momento Rodríguez Lopez pegou a prancha, quebrou-a em duas e enterrou cada parte separadamente. Ele pediu a Cedrico que nunca revelasse o local onde havia sido enterrado, e que nunca mais se falaria de " Golias " .

Aqui começaria uma série de acontecimentos negativos para a banda, até o lançamento do álbum.

Juan Alderete , baixista de longa data da banda, estreou com policitemia vera , uma doença sanguínea que tem um componente genético que ocorre em menos de 1% da população mundial. Seguem-se as saídas de 3 bateristas em apenas um ano , Jon Theodore , Blake Fleming e Deantoni Parks . Fleming argumentou que desde que começou a trabalhar naquele álbum, ele começou a enfrentar vários problemas financeiros que não tinha antes. Cedric passa por uma cirurgia no pé devido a um ferimento profundo que o deixa impossibilitado de andar por alguns meses.

https://www.youtube.com/watch?v=n5rdnPwoalY

Embora, claro, houvesse algo de bom na perda de tantos bateristas, já que um dos bateristas mais impressionantes dos últimos 20 anos se juntaria às fileiras dos norte-americanos: Thomas Pridgen .

Dizem também que com todo o material pronto e em produção, as fitas de gravação foram apagadas magicamente, inclusive os backups; então teve que ser regravado várias vezes. O álbum originalmente teria peças mais longas, mas as regravações finalmente decidiram encurtá-las (problemas de tempo, provavelmente). Além disso, devido às fortes chuvas na cidade onde ficava o estúdio de gravação de Lopez , no Brooklyn, ele inundou algumas vezes, perdendo muitos equipamentos.

Paul Hinojos , o guitarrista e engenheiro de som de confiança da banda, começou a sofrer de ataques de pânico e colapsos nervosos.

“ Não vou mais ajudar vocês a gravar esse álbum. “Eles estão tentando fazer algo muito ruim com ele, estão tentando deixar a mim e às pessoas loucas ”. – « Há algo errado aqui. “Não vou te ajudar e vou ficar com os registros .”
Paulo Hinojos

Rodriguez Lopez , junto com os técnicos e roadies da banda, vão até a casa do engenheiro e “como uma máfia” levam as fitas. Ao verem seu conteúdo, todas as anotações de Rodríguez foram apagadas e as pistas estavam absolutamente desordenadas. Lembremos que Hinojos não sabia da existência daquele tabuleiro Ouija.

A turma começa a presumir que algum tipo de maldição caiu sobre suas cabeças. Finalmente terminar o álbum foi uma façanha, já que o clima e o ânimo estavam em ebulição: brigas entre os integrantes e técnicos eram uma ocorrência diária, eles até faziam backup das músicas 16 vezes para que não fossem eliminadas. Para Rodríguez , a única forma de destruir a maldição seria terminar o álbum. "Nós sabíamos disso."

Finalmente The Mars Volta termina o álbum em 5 meses, então o tipo de “azar” desaparece. Hoje em dia, para Omar , esse capítulo está encerrado, e ainda causa certo desconforto para eles relembrarem aqueles momentos novamente, mesmo depois de 15 anos.

Ouçam com atenção, senhores...

RETROSPECTIVA: REVOLVER DOS BEATLES, O ROCK PROGRESSIVO BRITÂNICO COMEÇA A TOMAR FORMA

1966 foi um ano difícil para os Beatles . Cansado de fazer turnês e gritar com os fãs, o quarteto se concentrou cada vez mais no trabalho de estúdio, tentando encontrar novas formas de expressar sons e ideias.

Foi assim que no dia 3 de abril daquele ano, e num total de 220 horas, o grupo foi dando forma ao que seria considerado por muitos o seu melhor álbum: Revolver .

A experimentação em estúdio foi levada a novos níveis, graças à inclusão de Geoff Emerick como engenheiro de gravação e ao desejo do grupo de explorar novos sons. Assim podemos encontrar novas técnicas de gravação e efeitos desde a posição dos microfones no quarteto de cordas em Eleanor Rigby , na bateria de Ringo em Tomorrow Never Knows , na utilização do amplificador Vox UL730 para as guitarras (que nunca havia sido tocado antes com tanto corpo), alto-falantes convertidos em microfones para o baixo de Paul , o uso do alto-falante Leslie para a voz de John em Tomorrow Never Knows , além do uso do Automatic Double Tracking (ADT), que permitiu o som de as vozes para serem duplicadas sem necessidade tiveram que ser regravadas (como era habitual até então), e as fitas sonoras tocadas ao contrário.

«Este é o primeiro álbum com música ao contrário; antes de Hendrix, antes do The Who, antes de qualquer coisa.
Jonh Lennon

Revolver não se caracteriza apenas pela experimentação sonora, mas também mostra o grupo ampliando seus horizontes musicais, sem a pressão de ter que tocar essas músicas ao vivo (a banda já havia decidido não fazer mais turnês), incorporando outros instrumentos, saindo do palco do The Fab Four. está definitivamente atrás de nós.

Mas para além da experimentação sonora, utilizando diferentes técnicas e instrumentos de gravação; Revolver se destaca por suas músicas, suas composições. O grupo neste álbum está no auge criativo, com todos os membros contribuindo com ideias. Por exemplo, George Harrison contribui com 3 músicas para o álbum, incluindo Taxman . Paul contribui com canções icônicas como Eleanor Rigby ; Aqui, ali e em todo lugar , para ninguém e preciso colocar você na minha vida ; enquanto John faz seu trabalho com I 'm Only Sleeping, She Said She Said e Tomorrow Never Knows , entre outros.

' Taxman ' é a primeira música do álbum. Pela primeira e única vez em toda a discografia dos Beatles , um álbum começou com uma música de George Harrison . Imediatamente o som soa muito mais pesado e elaborado. Totalmente elétrico. Como seria característico ao longo do álbum. As letras também tomam um rumo bem diferente do que faziam até então.

‘ Eleanor Rigby ’ é um dos maiores clássicos da banda. A inovação está presente novamente. Pela primeira vez os Beatles não tocaram uma música. O extraordinário arranjo de cordas ficou a cargo de George Martin , que lhe conferiu uma sonoridade inconfundível, completamente diferente de todos os arranjos de cordas das músicas até então. Sem dúvida uma das melhores músicas do século XX.

' I'm Only Sleeping ' mantém a inovação em andamento. A banda faz experiências com loops de fita, incluindo guitarras tocadas ao contrário. Neste ponto qualquer ouvinte perceberá que este é um ótimo álbum.

' Love to You ' é outra música de George Harrison . Onde entrou pela primeira vez na música hindu. Eles já haviam usado a cítara em ' Nowhere Man ' do Rubber Soul , mas agora todo o arranjo e instrumentação são absolutamente influenciados pela música indiana. Destaca-se também o uso de guitarras tocadas ao contrário, em meio a todo o universo sonoro oriental.

' Aqui, ali e em todo lugar '. Outro dos clássicos favoritos do Revolver. Depois de 4 músicas com grande densidade sonora, ' Here, There and Everywhere ' vem dar uma pausa reconfortante. Uma balada maravilhosa, onde os arranjos vocais se destacam.

' Submarino Amarelo '. O grande sucesso do álbum. Lançado em 5 de agosto de 1966 junto com ' Eleanor Rigby ' como lado A duplo. Por trás da instrumentação aparentemente simples existem efeitos sonoros surpreendentes. Um clássico que encantou geração após geração, e que motivou a realização do Filme Yellow Submarine , que estabeleceu um padrão de vanguarda em relação à animação.

' Ela disse que ela disse '. A música mais psicodélica até agora. Absolutamente elétrico, com um notável arranjo de Bacteria de Ringo Starr . Por trás de toda psicodelia existe uma melodia notável. Um dos pontos característicos das músicas dos Beatles

' Good Day Sunshine ' abre o lado 2 do LP. Pela primeira vez o piano ocupa o centro do palco. Na verdade, é composto por 2 pianos tocando ao mesmo tempo, às vezes com arranjos diferentes. Surpreendentemente não há guitarras na música. No final as vozes executam um efeito notável como um loop de fita.

' E seu pássaro pode cantar '. As guitarras estão de volta. É uma música com um motivo alegre, com ares de The Bryds , banda que estava no topo das paradas da época. Apenas 2 minutos são suficientes para nos dar uma canção magnífica.

' Para ninguem '. Outra das grandes baladas de Paul . O arranjo do cravo é simplesmente extraordinário. Novamente não há guitarras, mas a instrumentação é tão bem feita que não dá para notar. O solo de trompa proporciona uma dimensão nostálgica, perfeitamente adequada à música.

' Doutor Roberto '. É mais uma música de John que tem influência de The Byrds . A seção central é dominada pelo harmônio. O mesmo instrumento que eles usaram tão bem em ' We Can Work it Out '.

' Eu quero te dizer '. Será que o início característico da música pode ter inspirado a versão que Joe Cocker faria anos depois de ‘ With a Little Help From My Friends ’? É possível. Novamente a psicodelia domina o som da música, enquanto George canta sobre a “avalanche de pensamentos” que teve.

' Tenho que colocar você na minha vida '. Paul se inspirou no som da Motown para compor essa música. Mas a disposição dos bronzes confere uma dimensão única e característica.

' Amanhã nunca se sabe '. Onde começa a história do rock progressivo? É uma das perguntas que se fazem há décadas. A verdade é que ‘ Tomorrow Never Knows ’ poderia ser tomado como um começo. Ele resume de forma surpreendente toda a experimentação e vanguarda do Revolver . John canta sobre uma adaptação do Livro Tibetano dos Mortos, onde pediu a George Martin que soasse como o Dalai Lama cantando no topo do Himalaia. George Martin sabia que o efeito de eco comum não funcionaria... levando ao feito sem precedentes de passar a voz de John através do Leslie Speaker dos órgãos Hammond. Somados aos inúmeros loops de fita, guitarras tocadas ao contrário e ao extraordinário arranjo de bactérias de Ringo , eles fazem de ' Tomorrow Never Knows ' um dos exemplos mais surpreendentes da música dos Beatles e de como eles mudaram para sempre a história da música do século XX.

É improvável que alguém não tenha ouvido pelo menos parte deste lendário álbum, mas se nunca o ouviu na íntegra, a recomendação é fazê-lo em um bom sistema de som ou com fones de ouvido ouvindo a versão mono; é assim que este álbum deve ser ouvido.

RETROSPECTIVA: 50 ANOS DOS BUON VECCHIO CHARLIE

Fundo

Buon Vecchio Charlie foi formada em Roma em 1970, como uma banda de cinco integrantes. Depois de gravar algumas demos, conseguiram contrato com uma gravadora e gravaram em Veneza, em 1972, as músicas que mais tarde comporiam o álbum que nos une, acrescentando um sexto membro – um músico de estúdio – ao grupo. Apesar do excelente álbum produzido e do interesse de vários produtores pela banda, o álbum não foi lançado na época: ficou guardado na prateleira por quase vinte anos, apenas para ver a luz do dia em 1990 em formato CD, e em quantidades limitadas.

Mais um exemplo dos infelizmente incontáveis grupos progressistas italianos que conseguiram capturar a sua arte num único, ainda que maravilhoso, álbum (talvez a nostalgia o torne ainda mais extraordinário). Os integrantes seguiram seus caminhos musicais; alguns juntos em uma banda de jazz-rock chamada Bauhaus , outros de forma independente, embora nunca mais se reunissem para dar nova vida às peças deste álbum.

O disco

Abre com “ Venite Giù al Fiume ”, com as notas finais de “ Peer Gynt Suite No.1 ” do compositor Edvard Grieg na flauta, e com o resto da banda acompanhando depois. Muito rapidamente a melodia entra num crescendo vertiginoso, que é subitamente interrompido pela flauta, e dá lugar a uma mudança de ritmo dominada pela guitarra. O sax abre caminho, protagonista, para intercalar com o último, até que um pequeno parêntese dá lugar a uma passagem mais jazzística, com o retorno da travessia ao primeiro plano e um violão limpo acompanhando com acordes; Esses dois instrumentos permanecem solitários, isolados, até que entra a voz: alguns versos recitados acompanhados de violões. A um intervalo segue-se outro ritmo, um pouco mais cansativo que o anterior, mas com a mesma fórmula: a flauta como principal, e atrás – mas não menos importante – o violão e a base rítmica. Depois de mais algumas frases, a peça volta ao estado inicial, com as notas de Peer Gynt na flauta.

Volta a acelerar totalmente, destacando as notas agudas do baixo e o trabalho exaustivo do baterista, junto com o voo da flauta. Um clímax é alcançado e é aqui que o órgão vem à tona pela primeira vez. Esse ponto alto dura alguns segundos, seguido por linhas um pouco mais opacas nas teclas, mas com um vaivém que tensiona a atmosfera. Tudo leva a uma conclusão, que se apresenta com um sax maravilhoso, acompanhado pelo resto da banda sem destoar. As águas se acalmam por alguns instantes com a ajuda das teclas, mas um riff de guitarra pouco distorcido e as mãos de um verdadeiro percussionista fazem o que costumava desaparecer, renascer com novo brilho, retornando – esta é a última vez – ao as notas “roubadas” do norueguês, cada vez mais aceleradas, encerrando a primeira faixa quebrando a bateria. Perfeito.

A segunda música, “ Evviva la Contea di Lane ”, começa com um tom tranquilo: um violão, algumas batidas suaves nos pratos, uma voz como se estivesse na escuridão, abrindo caminho para o baixo e a flauta, e depois para o órgão, que dá um toque mais rebelde. Um corte e você volta à mesma fórmula duas vezes. Muitas vezes é impossível descrever em palavras algo que se sente, que faz vibrar o corpo, e isso me acontece com o que continua: a entrada do sax, a comunhão entre o resto dos instrumentos me dá arrepios; Não consigo relacionar ou descrever muito mais.

O terceiro – e último – elemento do álbum original é “ All'Uomo che Raccoglie i Cartoni ”, que começa com arranjo muito semelhante ao segundo. A calma é quebrada com todos os instrumentos gritando, deixando o órgão sozinho por alguns momentos, para que então o sax brilhe; Vale ressaltar que a base nunca decepciona, e é bem jazzística, com muitos acentos bem colocados. Abaixo seguem alguns diálogos entre violão, órgão e base rítmica, com o sax aparecendo esporadicamente para nos encantar. Um silêncio abre uma janela de tranquilidade com a acústica, o órgão e a travessia, embora não dure muito. Uma melodia elétrica criada com estes dois últimos antecipa algumas frases de voz, finalizadas por um sintetizador que dá um novo ar à obra; Aos poucos torna-se solitário, a voz entra novamente e aparecem algumas deliciosas linhas de guitarra espanhola.

Regressa a um espaço anterior, com o órgão mais limpo, terminando com uma dedilhada da dita guitarra. O baixo quebra o devaneio com uma linha bem jazzística, que se junta à bateria, guitarra, flauta e órgão na mesma direção. O diálogo mantém-se com a incorporação do sax, até que decidem fechá-lo, bastante semelhante à segunda peça, mas com um pequeno parêntese de guitarra, e o piano! O álbum termina com os músicos dando tudo de si, como se não houvesse amanhã.

As faixas bônus que apareceram (não sei em qual edição) são “ Rosa ” e “ Il Guardiano della Valle ”. A primeira, em quase toda a sua extensão, é um tema que remete às obras pop do início dos anos 70; É dominado pelo piano e é um tanto simples em relação aos demais, embora tenha um dedilhado de guitarra interessante, mas escondido no segundo grupo de versos, e no final se transforma completamente em um ritmo de jazz, onde o referido passa a ser o protagonista. . "Il Guardiano" é mais folk, com linha de violino, e onde se utiliza a base rítmica e o violão limpo fazendo acordes, acompanhando a voz.

Este é um daqueles álbuns que surpreende à primeira audição; Além de não haver elementos desconhecidos para o progressivo, ele apresenta pontos altíssimos, de grande conexão entre os músicos, e isso se faz sentir na pele, no corpo: são aquelas obras que podem abalar a alma, se você deixar eles. .

Créditos:

Richard Benson: vocais, guitarras.
Luigi Calabrò: guitarras, backing vocals.
Sandro Cesaroni: saxofone, flauta.
Rino Sangiorgio: bateria.
Paolo Damiani: baixo.
Sandro Centofanti: teclados.