"BLOPS" (1970) E O CULTIVO DE UM JARDIM SECRETO

Em 26 de agosto de 1970 foi lançada a primeira edição do álbum de estreia dos Blops, lendária banda de Santiago do Chile. O seu estatuto de lenda deve-se em parte à dificuldade de obtenção dos seus álbuns em formato físico, ao seu fim abrupto e infeliz graças à ditadura, à inegável influência que exerce durante décadas com o Congreso e Los Jaivas, e ao enorme número de mitos. e exageros em torno de sua história.

Mais conhecida é a segunda edição do disco, com a clássica capa em preto e branco que entrou para a história, lançada em outubro do mesmo ano. Este álbum inclui um dos hinos mais lembrados do cancioneiro nacional: Los Momentos. Na verdade, este álbum autointitulado também é popularmente chamado por esse nome, ou simplesmente “Blops 1”.

Mas o que sabemos realmente sobre aquele álbum que ajudou a mudar o som da música quando UP ainda estava na sua infância? Quanta verdade existe em torno deste benevolente Alicante 2 ? Vamos com calma…

Uma (nem tão) breve pincelada histórica

Blops nasceu em 1964 em Santiago do Chile enquanto o jovem Julio Villalobos competia com os irmãos Pedro e Alejandro Greene para ver quem improvisava mais forte no bairro. Na época, era raro ouvir uma guitarra elétrica. Dois já era um luxo. De qualquer forma, sem sequer se verem, conseguiram fazer barulho numa cidade que ainda não estava preparada para os Beatles e os Rolling Stones. Não demorou muito para que os adolescentes se reunissem para improvisar juntos, fazer covers das bandas citadas e começar a se apresentar onde pudessem. A estreia deles foi em uma festa de quinze anos com o nome de The Plops (como "The Beatles" e o lembrado "Plop!" de Condorito), e é a aniversariante quem sugere o nome " Blops ".

«Gostamos porque não parecia nada; “Era nosso, não tinha sentido, era só um som”, lembra Julio Villalobos.

Eventualmente, e após a saída de Alejandro Greene, entrariam Felipe, Andrés e Juan Pablo Orrego, amigos íntimos de Julio e, por puro acaso, primos dos irmãos Greene. Para 1967 e 1968, esta formação marcaria o verão em todas as ramadas e festivais que existiam, dividindo o palco com The Apparition, e com a dinâmica de covers anglo misturando rock & roll de meia hora e improvisações de vanguarda, onde o emergente hippie o público geralmente respondia de maneira animada., muito anos 60.

No verão de 1969, Felipe Orrego não seguiria a banda e Eduardo Gatti (ex Apparition) ocuparia o cargo. Gatti traria uma escola tipo Clapton e daria um toque mais “profissional” ao grupo: músicas próprias, letras em espanhol e muitos, muitos assobios. Andrés Orrego, que fazia os vocais, seguiria o irmão Felipe e a banda se consolidaria assim: Greene (bateria), Orrego (baixo), Gatti (guitarra), Villalobos (guitarra). Porém, nesse mesmo ano, após uma viagem decisiva a Isla Negra, o Blops foi liquidado.

Juan Contreras, colega de Juan Pablo Orrego na universidade, seria o principal incentivo para que Blops voltasse a treinar. Como um produtor com 60 anos de carreira, ele fez de tudo para conseguir uma flauta transversal Artley, um órgão Rheem e um baixo elétrico para voltar a fazer música. Nas palavras de Contreras:

Juan Pablo [Orrego] contatou Eduardo [Gatti] e Julio [Villalobos] para se juntarem para fazer música, tocávamos algumas vezes com Pedro [Greene].
Devido ao interesse pela história do Blops, percebo hoje e nunca imaginei então que meu maior erro foi concordar em chamar a nova banda que Juan Pablo e eu formamos de Blops, pois criou a impressão de que essa banda era uma continuação do que aconteceu nos verões em Isla Negra.

Juan Pablo Orrego acrescenta:

«De todas as coisas que se disseram sobre os Blops, o nome é um dos mais lendários: que é o som de uma gota de água numa caverna a cair num lago subterrâneo e não sei o quê.

Depois tivemos uma vibe, nunca “Los Blops”; Foi Blops. Muito importante: Blops. “The Blops” era feio. Eles sempre nos perguntavam “The Blops?”

Nesse mesmo ano começariam a escrever canções, deixando de lado o rock bizarro original que os tornaria conhecidos nos anos sessenta, para se permitirem brincar mais com “formas, texturas e cores”. Eles já conheciam jazz e de repente tudo se uniu para criar uma experiência musical conjunta. Fazer parte de um movimento de pessoas que gostariam de conhecer, explorar e vivenciar “uma filosofia de vida baseada na música, na dedicação, na comunicação e na abertura de relacionamentos sem rivalidades, com muito respeito e carinho”.

Escrevendo uma tradição

1970: Primeiro festival de música Vanguardia. 23, 24 e 25 de janeiro, Quinta Vergara em Viña del Mar.
É verdade que os mais lembrados desse festival são Los Jaivas (High-Bass), principalmente pelo conhecido disco lançado em 2003 na coletânea La Vorágine, mas outros participantes tiveram seu minuto de fama, em parte porque sua música foi uma resposta ao vazio que restava entre a Nova Canção Chilena e a Nova Onda. Aguaturbia, Escombros, Inside, Blops, são algumas das bandas que participaram de um evento que marcaria a juventude chilena da época, dando muito o que falar aos adultos que não entendiam os pelucones e os vestidos curtos.

De qualquer forma, Eduardo Gatti e Pedro Greene, de forma independente, seriam seduzidos pela Europa. No final, Gatti retornaria, e a posição de Pedro na bateria seria ocupada por Sergio Bezard, também ex-Aparição. Sergio, sem ser uma máquina imparável como Greene, daria à banda uma estrutura longe da improvisação, mas com acabamento polido e estruturado, ao estilo de Ringo Starr e Ginger Baker.

A estreia oficial seria no Festival de Vanguardas do Teatro Caupolicán, em abril daquele ano. A partir daí, Ángel Parra os levaria algumas horas em um estúdio Odeon para gravar uma fita com 4 músicas: "Niebla", "La Mañana y El Jardín", "Barroquita" e "Vértigo". Os meses seguintes seriam acompanhados por experimentações musicais e de LSD, muitas vezes com Embrujo/Kissing Spell como banda irmã. Não demoraria muito para que Blops pudesse gravar formalmente seu primeiro álbum de estúdio.

Em agosto daquele ano, Blops entrou no estúdio da DICAP, gravadora do partido comunista, para fazer um registro profissional de sua música. A lenda demoniza o DICAP e o PC, chamando-os de culpados por fazerem o álbum soar mais folk do que rock. A verdade é que basta conhecer um pouco da história do grupo para entender que essa mudança foi algo que ocorreu dentro do grupo, nada mais.

O certo é que as horas disponibilizadas eram poucas, o que nos impediu de rever as pistas como normalmente se faz hoje. Músicas ao vivo gravadas inteiras, no máximo com outra passagem para rever ou fazer alguma dublagem. Os vocais de flauta e reverb, a bateria gravada com um único microfone, arranjos repetitivos, são apenas alguns dos percalços que tornaram este álbum um tanto "artesanal" comparado ao som ao vivo. De qualquer forma, dois marcos devem ser reconhecidos: “A Morte do Rei” veiculada em um conhecido noticiário da época; "Los Momentos" era um sucesso de rádio na época. Sobre esta experiência, Blops diz o seguinte:

Juan Pablo Orrego: Vejam a lenda de “Los Momentos”: “crianças, faltam três minutos para terminar o álbum”, e Eduardo diz que tem alguma coisa aí; Ele não tinha a letra pronta, ele a completou no estúdio; Pediu a Susana Sarué, namorada de Felipe, que fizesse uma segunda voz; Toquei um metalofone caído no chão, gravamos em 2 passagens; Não sobrou tempo, “se apresse”. Ouvimos e houve um engano, mas não deu mais tempo de consertar e o Eduardo diz "sabe de mais alguma coisa? Pare com a piada" e pronto.

Eduardo Gatti: E houve um silêncio muito profundo e dramático.
Escrevi as letras no estúdio, sabia de cor. O técnico propôs cobrir um erro com fade out e eu fiquei entediado com fade outs, porque todas as músicas daquela época terminavam com fade out.

Julio Villalobos: Sergio deve ter gostado de tocar músicas suaves com um pandeiro; tocando um maracá o álbum inteiro.

Sergio Bezard: A evolução pessoal como baterista foi muito grande. No início, as primeiras músicas para mim foram mais do que tudo um processo de exploração. Minha abordagem naquela época era mais colorida do que rítmica. Se eu fosse regravar as músicas do primeiro LP provavelmente acrescentaria mais solidez rítmica.

As gravadoras da época não aceitaram a proposta de Blops por ser muito gratuita. É provável que por esta razão o primeiro álbum de Los Jaivas seja uma gravação particular.
A mídia da época destacaria o grupo por sua “música humana”, enfatizando sua fuga do establishment apenas por ver seu nome, sua aparência, seus instrumentos, suas influências, suas letras, seu estilo de vida: filosofia, comunidade, vivência. música e suas mãos, e misturando artes visuais entre eles. Blops diria que “Somos movidos pela pureza, pelo Sol, pela maternidade, por tudo que é realmente bonito e que as pessoas ignoram. E queremos expressar isso em nossa música."

No final daquele mesmo mês, especificamente em 26 de agosto de 1970 - segundo Juan Pablo Orrego -, a tão esperada estreia veria a luz. A Revista Paula comenta que «Além da música, estes rapazes têm uma filosofia: «Gostaríamos que o mundo fosse povoado de pessoas despertas, procuramos a sinceridade e a simplicidade. “A música e a convivência que ela significa é uma bela e às vezes dolorosa tentativa de caminho.” Todas as cópias foram vendidas rapidamente, e as tão esperadas reedições viriam em seguida. Embora não ganhassem muito, era o suficiente para viver na comunidade. Dicap nunca interveio na música. Criticaram-nos, sim, mas também acrescentaram que esta música era uma contribuição para o processo, que podiam fazer o que quisessem. E não, com essa força que a banda carregava não se podia esperar mais nada.

A primeira edição do álbum de estreia teve capas pintadas à mão pela comunidade Blops (banda, namoradas, familiares e amigos). Foi uma inspiração influenciada pelo álbum branco dos Beatles: 500 exemplares em papel revestido branco pintados com o que veio da imaginação. Julio Villalobos lembra até que uma delas era uma fotografia de Pedro Greene escondida no meio de cores puras. Além das já citadas capas pintadas à mão, o álbum trazia um envelope para guardar o álbum com uma fotografia da banda, uma ilustração e a track list.

Detalhe do envelope interno do álbum, muitas vezes confundido com a capa do álbum.

A edição seguinte, a mais conhecida, teve capa feita por Antonio Larrea: uma fotografia em preto e branco do grupo, sentado em alturas diferentes, com um vaso de flores. A fotografia foi intervencionada para adicionar uma pequena cesta colorida em homenagem ao hippieismo e flores para um pôster que nunca foi editado.

Nessa data, a UP tinha triunfado nas urnas e tinha começado um período de agitação social, por isso não era invulgar que Blops fosse desaprovado por ter uma essência mais humanista-espiritual do que política. Porém, conseguiram fazer amizade com Ángel Parra e Víctor Jara. Ambos os defenderam das críticas negativas e aos poucos foram conquistando espaço no cenário nacional.

Compêndio de capas artesanais da primeira edição, com os rostos de cada músico e seus nomes.
Lançado como um encarte na reedição em vinil de 2021.

Ficha técnica:

Blops – Blops (1970)
Dicap – DCP-4 (1ª edição)

Lado Vermelho
A1 Barroquita (Juan Pablo Orrego)
A2 Los Momentos (Eduardo Gatti)
A3 La Muerte Del Rey (Juan Pablo Orrego)
A4 Niebla (Eduardo Gatti)
A5 Vertigo (Julio Villalobos)

Lado Verde
B1 La Mañana Y El Jardín (Juan Pablo Orrego)
B2 Satiago Oscurece El Pelo En El Agua (Julio Villalobos)
B3 Patita (Juan Pablo Orrego)
B4 Atlántico (Eduardo Gatti)
B5 Maquinaria (Juan Pablo Orrego)

Baixo: Juan Pablo Orrego
Flauta, Órgão: Juan Contreras
Guitarra, Piano: Julio Villalobos
Hexatron (guitarra elétrica): Eduardo Gatti
Bateria, Percussão: Sergio Bezard

Desenho: Paula Sánchez
Engenheiro: Ángel Araos
Fotografia (inserir): Felipe Orrego
Registrado entre abril e agosto de 1970
Publicado em 26 de agosto de 1970
Fabricado e distribuído pela Discoteca Del Cantar Popular «Dicap»

Digitalização graças a Gary Fritz:

Dados adicionais

• O single Los Momentos/La Mañana y el Jardín foi publicado em outubro de 1970 e teve 2 edições adicionais em 1971.
• Em dezembro de 1970 apareceu o segundo single de Blops: Machulenco / El Valle de los Espejos, distribuído pela DICAP.
• Em 1991, o Estúdio D publicou Blops (1970) pela primeira vez em fita cassete.
• Em 2001, a BMG relançou a discografia de Blops em CD, incluindo o single "Machulenco / El Valle De Los Espejos" como faixa bônus nos dois primeiros álbuns.
• Em 2006, a Shadoks Records, selo alemão especializado em música psicodélica dos anos 60 e 70, relançou a discografia em dois boxsets em formato CD e LP. Ambos têm uma sonoridade imbatível e a versão em LP teve edição numerada de 450 exemplares.
• Em 2021, a BYM Records lançou uma bela reedição que incluía arte revisada do designer Antonio Larrea, que trabalhou com a banda no início dos anos 70. Apresenta a arte do álbum originalmente desenhada pelo próprio Larrea, além de material visual inédito. O som foi remasterizado a partir da prensagem original e é superior à reedição que a BMG fez 20 anos antes. Este foi apresentado à sociedade no dia 3 de novembro na sala CEINA do Centro Arte Alameda com a participação de Eduardo Gatti e Juan Pablo Orrego. Julio Villalobos, fundador do grupo, esteve brevemente presente neste evento.

 

CAMEMBERT ELECTRIQUE E O INÍCIO DA GRANDE TRILOGIA GONG

 

Na ProgJazz queremos acompanhar um género sobre o qual pouco escrevemos: Canterbury. E fazemos isso, nem mais nem menos, do que com o segundo álbum de Gong , "Camembert Electrique", lançado em 1971. Gravado no castelo do século XVIII, Château d'Hérouville , localizado no departamento francês de Val-d'Oise , perto de Paris. 

Em essência, e nas palavras de Daevid Allen, é o primeiro álbum como uma banda de verdade (já que o primeiro álbum, "Magick Brother" de 1970, é praticamente um trabalho solo de Allen e Gilli Smyth). Aqui podemos ouvir os elementos sonoros que fizeram do Gong uma das bandas mais criativas e emocionantes, que iriam abrir caminho para posteriores trabalhos musicais experimentais. 

As canções

A rádio telepática pirata transmitida diretamente do planeta Gong (a curta faixa de abertura Radio Gnome Prediction ) nos dá as boas-vindas e nos convida a nos rendermos a esse deleite sensorial. Jazz fusion, vanguarda e psicodelia unem-se em You Can't Kill Me com um riff de abertura de Allen vindo de um portal multidimensional, e desenvolvendo depois uma viagem intracelular, onde o saxofone de Didier Malherbe toca mestre de cerimónias. Vale destacar o trabalho de bateria de Pip Pyle, que já havia tocado com Allen em seu "primeiro álbum solo", chamado "Banana Moon" (embora tenha sido oficializado como mais um álbum do Gong), lançado em julho de 1971 e onde Robert Wyatt também joga. 

«Senhor…atenção» . Daevid abre as portas a uma cerimónia de iniciação do intangível com I've Bin Stone Before , com elementos de free jazz que levam a um jogo de circo chamado Mister Long Sharks para passar a uma melodia dançante chamada O Mother . A mãe e musa desta miragem de ondas vibracionais que é Gong, Gilli Smyth, nos seduz e enfeitiça com sua voz e nos transporta para um mundo etéreo como uma missa sagrada com I Am Your Fantasy . 

Quase como um mantra, Dynamite/I Am Your Animal despoja-nos de toda a humanidade para nos lançar, sem qualquer culpa ou piedade, num turbilhão de sons ofegantes, que nos fala do invisível planeta Gong. "Você vê um camembert?" Allen conta-nos, quase como uma psicofonia em Wet Cheese Delirium , um pequeno link que termina com um som sufocante que nos leva a outra pequena alucinação sonora: Squeezing Sponges over Policemen's Heads .

Depois, tudo explode com Fohat Digs Holes in Space , onde o baixo de Christian Tritsch atua como elemento de controle mental, enquanto Allen nos conta como a beladona o ajuda a cantar com um poético sax Malherbe. 

Uma melodia descontraída, And You Tried so Hard , continua neste holograma sonoro, embora, claro, seja apenas um truque para nossos neurônios. Na verdade, logo seremos levados de volta à boca vanguardista da banda, embora ainda permaneçamos à tona com algum grau de sanidade. 

Os sons do jazz fusion estão novamente presentes em Tropical Fish , com aquele som característico de telepatia e mensagens subliminares que se liga a Selene (não tem nada a ver com Selene de "Angel's Egg"), que na mitologia grega é a deusa da lua Tudo termina com uma reprise das primeiras notas do álbum com o nome de Gnome the Second , o que nos dá autorização para voltar à nossa realidade... ou não? 

Em resumo, Camembert Electrique é um álbum que começa, de certa forma, com a “mitologia Gong”, e que daria lugar à famosa trilogia Radio Gnome Invisible. Um álbum que melhora com a ilusão do tempo. Imperdível!

The Cure – 4:13 Dream (2008)

 

Ao final de 13 discos já é difícil encontrar surpresas nos The Cure, onde procuramos o gótico mas encontramos o pop.

Há os The Cure de rock gótico até Pornography, os The Cure pop a partir de The Head on The Door e depois os The Cure dos anos 2000, um híbrido entre o grande que foram e a ligeira indiferença com que os novos discos são recebidos.

4:13 Dream, de 2008, é um disco que sofre deste efeito. É provavelmente melhor do que metade das novas bandas que surgiram nesse ano (ainda se lembram da Lykke Li, Lindstrom ou Atlas Sound? Todos na lista da Pitchfork dos melhores 50 discos) mas, comparando com aquilo a que os The Cure nos habituaram, não é um disco que marque.

Ao final de 13 álbuns já não há grande surpresa. Robert Smith continua a soar a Robert Smith, as guitarras continuam a soar a The Cure, os primeiros seis minutos e tal de “Underneath The Stars” – ou, mais à frente, “Sirensong” – fazem lembrar os discos dos anos 80 que eternizaram a banda. Temas puramente pop como “The Only One”, “Freakshow” ou “The Perfect Boy” envergonham ligeiramente porque não chegam a ser tão bons como os assumidamente pop “Friday I’m In Love” ou “Boys Don’t Cry”.

“The Hungry Ghost” apresenta-nos uma guitarra interessante, “This. Here and Now. With You” traz-nos as habituais flutuações de voz de Smith e, a fechar, “It’s Over” faz esquecer um pouco as faixas imemoráveis do resto do disco.

Há algumas canções razoáveis neste trabalho. Mas o que se perde aqui é a capacidade que os The Cure sempre tiveram em fazer sobressair grandes canções no meio de álbuns fortes.

Neste 4:13 Dream não há tema que se destaque por aí além e o próprio disco, apesar de interessante, soa a mais do mesmo e para quem ouviu os The Cure góticos soa a ligeira traição: não traz nada de diferente e perde o lado lúgubre, imerso em tristeza, que faz os The Cure uma das bandas preferidas dos adolescentes dos anos 80. Quem melhor que Smith para transpor em palavras e acordes as dores abafadas entre as quatro paredes dos quartos adolescentes de todo o mundo?

Stella Donnelly – Beware of the Dogs (2019)

Stella Donnelly é mais uma jovem adulta de guitarra na mão, é verdade. Mas esta não canta só breakup songs com dedilhados cliché, ao contrário de 95% das cantautoras de hoje. Em Beware of The Dogs, o seu disco de estreia, a australiana é doce, sim, mas é mordaz e espevitada, petulante e divertida nas canções de amor, ao longo de 13 temas. Apesar de não trazer nenhuma novidade musical, Donnelly consegue agarrar-nos, contando-nos a sua história: como conseguiu empoderar-se através das suas vulnerabilidades.

“Eu uso o meu vibrador a pensar que és tu”, declara Donnelly ao seu novo amor em “Mosquito”, admitindo estar de tal forma inebriada pela paixão que chega a ser chata como “um mosquito da malária”. Além de saber contrariar Pessoa, provando que é possível escrever cartas de amor que não são ridículas recorrendo a estrofes masturbatórias, Stella Donnelly vai além da lamechice. Quando não fala de relacionamentos, tenta surfar a onda do #MeToo: “Rapaz, se voltas a tocar nela, eu conto à tua mulher e filhos”, canta em “Old Man”, uma canção que é uma ameaça contra um pivot de televisão que abusa sexualmente de mulheres. “Se pões a tua pila na cara de alguém, os teus traços de personalidade não contam (…) Tens medo de mim, seu velho, tens medo do que eu possa fazer?”

Antes que revire os olhos, caro leitor conservador, não pense que este é o típico álbum feminista. Donnelly é tão doce como uma Dolly Parton nos 70’s, aquela que pedia à “Jolene” (a da canção) para não lhe roubar o marido. Neste caso, Donnelly pede outra coisa: com a doçura de uma fada do lar, toca progressões de acordes comoventes e pede aos machistas e abusadores para se irem foder. E não só: ao longo do disco, a australiana faz o mesmo a um familiar (“Season’s Greetings”) e ao chefe que não lhe paga e que passa o dia inteiro a masturbar-se em frente às câmaras de vigilância. (“U Owe Me”): “You’re jerking off to the CCTV · While I’m pouring plastic pints of flat VB.” 

Acima de tudo, o indie pop de Stella Donnelly é viciante. Os refrões e melodias ficam na cabeça e a voz, que ainda não impressiona, tem qualquer coisa de especial. Com este disco em 2019, Donnelly juntou-se ao leque de artistas australianas que está a dominar o mundo. Courtney Barnett, Tame Impala, Julia Jacklin e King Gizzard & The Lizard Wizard… e a lista parece que não vai parar por aqui. O que é que se passa com o abastecimento público de água na Austrália?

 

Purple Mountains – Purple Mountains (2019)

A alma e a voz dos Silver Jews regressa sob um novo nome e, através dos Purple Mountains faz um disco pessoalíssimo e extraordinário.

David Berman chegou aos olhos e ouvidos do mundo através dos Silver Jews, banda de rock/country alternativo que criou com Stephen Malkmus e Bob Nastanovich, antes de estes se meterem por um projecto (inicialmente) paralelo chamado Pavement. Entre 1994 e 2008, os Jews editaram seis discos que estabeleceram, para um pequeno grupo de fiéis, as bases de um culto centrado na personalidade e nas letras de Berman, poeta, cantor e compositor, que se manteve como a única peça estável numa banda mutante e mutável. Em 2009, Berman anunciou o fim dos Silver Jews, e retirou-se do mundo.

O reclusivo e depressivo Berman não deixa que se saiba muito da sua vida, mas numa entrevista recente – absolutamente imperdível – acabou por revelar o que se passou durante estes dez anos. Afastou-se do mundo, inicialmente cumprindo “uma espécie de sonho de criança, que foi ter todo o tempo do mundo para ler”. Mas não foi só isso que aconteceu. A sua mãe morreu de cancro e o seu casamento de 20 anos com Cassie Berman (que integrou a última encarnação dos Silver Jews) praticamente acabou. A leitura compulsiva de livros sobre história e política também não pagou as contas e, em cima de tudo isso, acentuou-se a depressão crónica de Berman, uma sombra que nunca se vai embora. Neste beco cada vez mais sem saída, pegou finalmente na guitarra e, depois de uma falsa partida com o seu fã Dan Bejar, o Senhor Destroyer, Berman voltou à estaca zero, mas decidido a voltar a fazer um disco. Sabendo que precisava de uma banda e de uma perspectiva externa que o ajudasse a focar-se, contactou os norte-americanos Woods, apesar de não os conhecer. E foi assim, com o mítico David Berman e os mais jovens Woods, que nasceram os Purple Mountains.

Este primeiro disco, homónimo, é naturalmente marcado pelo lugar sombrio onde Berman viveu e onde, na verdade, ainda se encontra. A perda da mãe e, sobretudo, o fim do seu casamento, são os acontecimentos que servem de coordenadas para as extraordinárias letras que compõem este trabalho. O arranque, com “That’s just the way that I feel”, diz tudo nos primeiros versos:

Well, I don’t like talkin’ to myself
But someone’s gotta say it, hell
I mean, things have not been going well
This time I think I finally fucked myself
You see, the life I live is sickening
I spent a decade playing chicken with oblivion
Day to day, I’m neck and neck with giving in
I’m the same old wreck I’ve always been.

Estão aqui os dez anos perdidos, a desorientação, a depressão, a falta de auto-estima. Senhoras e senhores, está aqui David Berman, em toda a sua poética glória. Mais à frente neste magnífico tema, um enigma: “the end of all wanting is all I’ve been wanting“. É curioso como Berman, que aprofundou nos últimos anos a sua relação com o judaísmo, chegue afinal a este mantra budista, tal como Leonard Cohen passou a vida a equilibrar essas mesmas duas fés.

Segue-se a auto-explicativa “All my happiness is gone”:

Friends are warmer than gold when you’re old
And keeping them is harder than you might suppose
Lately, I tend to make strangers wherever I go
Some of them were once people I was happy to know.

De seguida, outro tiro fabuloso, “Darkness and Cold”, que é um som vintage de Silver Jews, com os seus toques country de extremo bom gosto. Mais uma vez, a letra é à flor da pele:

The light of my life is going out tonight
As the sun sinks in the west
The light of my life is going out tonight
With someone she just met
She kept it burning longer than I had right to expect
The light of my life is going out tonight
Without a flicker of regret

Neste momento temos de parar com as citações, para não aborrecer o leitor, mas a tentação é grande, tal a riqueza das letras pessoalíssimas deste disco. Acresce a isto que, na já citada entrevista, Berman fala abertamente de tudo. Sim, é sobre a sua mulher (ainda são casados mas separaram-se há dois anos), é sobre a sua mãe, é sobre a depressão, sim, sim, sim. As feridas estão todas ali, e ainda só tocámos em três das dez músicas deste disco. Paremos por aqui, porque o nível é semelhante em todo o álbum.

Purple Mountains é o disco mais pessoal que ouvimos desde o fabuloso Carrie & Lowell, de Sufjan Stevens (disco do ano para o Altamont em 2015). Bem, é o disco mais pessoal que ouvimos em muitos, muitos anos.

O que é fantástico e pode ser surpreendente para quem ainda não ouviu Purple Mountains é que este está longe de ser um disco deprimente. Depressivo, talvez, mas nunca gratuito, nunca opressivo, nunca sentimos o desagrado de estar a ver a tragédia dos outros desfilar à nossa frente. Isso deve-se talvez à sinceridade poética de Berman, que depurou ainda mais o seu estilo quase Bukowskiano de misturar o elevado com o mundano, o sagrado e o profano, as estrelas e a mais abjecta sarjeta, tudo condimentado com um irresistível humor deadpan. E também porque a música, aqui, não tem nada de pesado nem de claustrofóbico. É outro dos velhos truques de Berman, falar de algo muito sério com música deliciosamente agradável, e isso há por aqui em abundância.

A depressão continua com as garras afiadas bem cravadas nas suas costas, mas este novo projecto, este regresso à música, estão pelo menos a dar-lhe um motivo para se levantar de manhã. Saído o disco, haverá uma digressão  – “tenho contas bastante elevadas nos cartões de crédito”, admite ele sem qualquer ironia – e, depois dos EUA e do Canadá, quem sabe se andará pela Europa. Seria uma magnífica oportunidade para ver ao vivo este idiossincrático monstro da canção e, quem sabe, para lhe dar um abraço e esperar que se sinta melhor.

A depressão é uma doença e não deve ser glorificada. Mas a depressão, a desadequação de um ser humano, deu-nos um dos discos mais profundos e mais bonitos dos últimos anos. E um sério candidato a disco do ano de 2019.

 

ROCK ART

 

PEROLAS DO ROCK N´ROLL (PSYCHEDELIC ROCK - LOVE MACHINE (MÓDULO 1000) - The Cancer Stick / Waitin' for Tomorrow - 1972)

 

Raro compacto do lendário grupo brasileiro Módulo 1000, mas com o pseudônimo Love Machine. O single foi lançado em 1972 pela Top Tape, com duas músicas compostas pelo guitarrista Daniel Romani e gravadas logo no dia seguinte pelo grupo em estúdio no Rio. Pelas músicas serem em inglês e diferentes daquilo que a banda fazia de costume, criaram um nome qualquer, batizando o grupo "fantasma" de Love Machine. As faixas "The Cancer Stick" e "Waitin' for Tomorrow" trazem um bom rock psicodélico, mas bem mais leve do que as do LP de 1970, com destaque para a segunda canção, um bom jam com bateria e guitarra e a primeira uma mensagem anti-tabaco e com tosses ao fundo, contando com metais e percussão.

MUSICA&SOM

Luiz Paulo Simas (órgão, piano)
Eduardo Leal (baixo)
Daniel Cardona Romani (guitarra, vocal)
Candinho (bateria, percussão)

01 The Cancer Stick
02 Waitin’ For Tomorrow