Review: Europe - The Final Countdown 30th Anniversary Show – Live at the Roundhouse (2017)

 

Lançado em maio de 1986, The Final Countdown, terceiro disco do Europe, é um dos mais emblemáticos álbuns do glam/hair metal. Apesar de sueca, a banda conseguiu traduzir com perfeição o clima do hard californiano, imprimiu a sua identidade e deu ao mundo um dos maiores hinos do estilo, a mais do que clássica e altamente reconhecível música título.

Celebrando os trinta anos do disco, o Europe realizou uma turnê em 2016 e 2017 apresentando o álbum na íntegra, além de diversas outras músicas de sua extensa carreira. É o registro dessa tour que temos em The Final Countdown 30th Anniversary Show – Live at the Roundhouse, box que a Hellion Records acaba de lançar no Brasil. A caixa, que contém 2 CDs e 1 DVD, saiu lá fora em 2017 e é um verdadeiro presente para os fãs. O quinteto formado por Joey Tempest (vocal), John Norum (guitarra), Mic Michaeli (teclado), John Levén (baixo) e Ian Haugland (bateria), todos excelentes músicos, entrega uma performance irretocável.

O primeiro disco traz músicas que atestam a mudança de sonoridade pela qual o Europe passou desde que retornou à atividade no início dos anos 2000, fase iniciada com Start from the Dark (2004). Ou seja: um hard rock mais clássico e que não esconde a influência de grandes ícones dos anos 1970, em contraste com o clima mais festivo presente nos discos registrados na primeira metade da carreira do grupo. O tracklist privilegia músicas de War of Kings (2015), que estava sendo promovido na época, e traz uma pegada que colocará um sorriso no rosto de quem curte um hard com bela interação entre guitarra e teclados, na linha do Deep Purple. Ao mesmo tempo, o clima oriental de “Rainbow Bridge” alinha-se com as com as experimentações de Jimmy Page e Robert Plant pela música do outro lado do mundo.

Já o disco dois vem o álbum The Final Countdown na íntegra, para delírio do público. A interação com a plateia é nitidamente maior, com vários trechos onde a audiência entoa melodias e canta os refrãos a plenos pulmões. Um fato interessante é que a banda atualiza a pegada dessas faixas para a sua proposta atual, tocando-as com mais maturidade e inserindo nuances instrumentais que as tornam ainda mais fortes. Isso sem falar de Tempest, que nos anos recentes passou a explorar os timbres mais graves de sua voz e canta dessa maneira.

O material conta também com um DVD com as 23 músicas presentes nos dois CDs gravadas no palco do The Roundhouse, com direção, produção e edição de Patric Ullaeus, um dos principais diretores de videoclipes de metal e hard rock da atualidade. Não consegui avaliar essa parte porque não tenho mais player de DVD/Blu-ray, mas vendo os clipes desse show no YouTube percebe-se que a qualidade sentida no áudio foi mantida também na parte de vídeo.

A edição da Hellion vem em um box digipack dobrável e produzido em papel de alta qualidade, além de um belo encarte com vinte e cinco páginas cheio de fotos e informações.

The Final Countdown 30th Anniversary Show – Live at the Roudhouse é um item obrigatório para fãs do Europe e uma belíssima aquisição para a coleção de quem gosta de hard rock. Vale demais!

Review: Maestrick – Espresso Della Vita: Solare (2018)

 

Sou um cara fora de moda. Pra começar, ainda compro CDs. E, veja só: costumo ouvi-los em casa, ao invés de deixá-los apenas expostos na estante. Tem outra coisa que também faço e não vejo muito por aí: não elogio uma banda brasileira só por ela ser brasileira. Não acredito que o corporativismo e o relativismo sejam o caminho para a construção de uma cena cada vez mais criativa, relevante e forte aqui no Brasil. No meu modo de ver, isso deve ser feito de outra maneira: com bandas criativas, que pensem fora da caixa e que, por isso mesmo, merecem todo espaço possível para divulgação de seus trabalhos.

Esse é o caso do Maestrick. Formado em 2004 em São José do Rio Preto, o grupo – que conta atualmente com Fabio Caldeira (vocal, teclado e piano), Renato Somera (baixo e voz gutural) e Heitor Matos (bateria) -, lançou no final de 2018 o seu segundo álbum, Espresso Della Vita: Solare, que acabou de chegar em minhas mãos. O disco é o sucessor de Unpuzzle! (2011) e mostra uma clara evolução em relação à estreia. Adair Daufembach responde pela guitarra (e também pela produção, ao lado da banda) e Rubinho Silva pelos violões, em participações especiais.

O Maestrick abriu o leque em Espresso Della Vita: Solare. A sonoridade, que já dava pistas de querer romper os limites do prog metal, aqui faz isso sem cerimônias. A inclusão de elementos de música brasileira, como a viola que introduz “Rooster Race”, ganha a companhia de uma melodia que é o mais puro som de Liverpool na deliciosa “Daily View”. E as experimentações seguem por todo o trabalho, mostrando uma inquietação criativa muito positiva. Orquestrações e camas de teclados discretas pontuam a maioria das músicas, enquanto melodias e pontes que não escondem a influência do Queen aparecem aqui e acolá, como demonstra “Keep Trying”.

A veia prog surge forte na grandiosa “The Seed”, com rupturas de dinâmicas e andamentos quebrados bem na escola mais ortodoxa do gênero. Os belos coros que introduzem e encerram a canção são outro destaque naquela que é, provavelmente, a música mais progressiva do disco, superando os 15 minutos de duração e com lindas passagens instrumentais (aliás, a melodia de piano que surge na parte final me lembrou de maneira sutil a arrepiante “Tubular Bells”, de Mike Oldfield, presente na trilha do filme O Exorcista, de 1973). Este é o alicerce central do disco.

A grandiosidade de “The Seed” é quebrada por “Far West”, bem mais direta e com um trecho central em que a banda traz a música circense para a ordem do dia. Em “Penitência” o grupo canta em português uma espécie de repente prog metal sensacional, mostrando mais uma vez o quanto a presença de ritmos regionais e de um tempero étnico são caminhos sempre bem-vindos para destacar uma banda. Uma música linda! Essa abordagem é retomada em “Hijos De La Tierra”, com a letra trazendo trechos em espanhol e inglês.

O CD vem em um belo digipack feito da maneira que deve ser feito, e não como algumas gravadoras brasileiras tem produzido ultimamente, como a vergonhosa edição nacional do último álbum do Ghost, Prequelle, por exemplo, cujo digipack parece feito de papel sulfite. Aqui a coisa é outra, com papel de alta qualidade, impressão excelente e um longo encarte de 23 páginas com todas as letras e ilustrações exclusivas para cada uma delas. Vale mencionar que a Som do Darma (empresa de agenciamento e assessoria de imprensa) e a Die Hard (loja de discos de São Paulo) ajudaram a viabilizar o projeto.

Espresso Della Vita: Solare é um trabalho riquíssimo, com uma pluralidade musical desconcertante e onde o Maestrick faz questão de mostrar que consegue trilhar pelos mais variados caminhos, porém sem nunca fazer essas escolhas soarem pedantes ou desnecessárias. Um álbum muito bonito e acima da maioria do que se produz aqui no Brasil, com um resultado final que mais uma vez impressiona e mostra o quanto essa banda é incrível.

Um disco assim dá vontade de elogiar por dias e merece todos os aplausos possíveis, tendo ele sido gravado por uma banda brasileira ou não.

Review: Iron Fire – Beyond the Void (2019)

 

Formado em 1995, o trio Iron Fire chega ao seu décimo disco em Beyond the Void, lançado na Europa em março e disponibilizado no Brasil pela Hellion Records. O trabalho traz a banda de Martin Steene (vocal e baixo), Kirk Backarach (guitarra) e Gunnar Olsen (bateria) em doze músicas de puro power metal.

A pegada do Iron Fire é muito mais agressiva do que a visão que o público em geral possui do gênero, que aqui no Brasil é chamado também de metal melódico. Os dinamarqueses tem muito foco no “power” do termo, e isso se traduz em uma agressividade sempre presente, riffs pesados e vocais mais graves. A influência principal é o Judas Priest, sem dúvida, com a devida modernização para uma pegada mais atual.

As faixas são bem feitas, e mesmo não trazendo grandes inovações ou abordagens diferenciadas para o estilo, agradam o fã do gênero pela entrega que a banda demonstra. A melodia aliada ao peso é uma fórmula que sempre funciona, e em Beyond the Void o Iron Fire usa essa receita com precisão, resultando em um CD que agradará quem curte um metal mais tradicional.

Vale destacar o belo trabalho gráfico da edição nacional, tanto pela impressão quanto pela qualidade do papel, com direito a um encarte de 20 páginas com todas as letras e informações sobre a banda.

Beyond the Void é um disco extremamente agradável para quem é fã das nuances mais tradicionais do heavy metal, e agradará em cheio quem curte nomes como Primal Fear e assemelhados.

Kikagaku Moyo – Masana Temples (2018)

 

Em Masana Temples, os japoneses Kikagaku Moyo dão-nos a mão para uma viagem a várias latitudes sonoras com o rock psicadélico como fio condutor.

Os Kikagaku Moyo (qualquer coisa como padrões geométricos, em português) são uma banda de Tóquio formada em 2012 e já com quatro álbuns e dois EP’s editados. O seu último trabalho, Masana Temples, foi gravado em Lisboa e produzido por Bruno Pernadas, e sim, japoneses psicadélicos na capital portuguesa vai ter sempre um toque bizarro e é mesmo isso que se espera.

Fruto desta relação, à partida improvável, ou das várias influências e viagens dos membros da banda, este disco vai além do psicadélico, prog ou rock, abraçando novas abordagens e criando uma viagem emocional com altos e baixos, desde o animado wah-wah com toques dos anos 60 em “Dripping Sun”, que abre num rock cheio de pratos de choque, ao dançável e sincopado “Nana”.

O facto de não entendermos as letras leva-nos a apreciar a música por si, e isso ajuda a salientar a qualidade das composições e da gravação, que convida a um bom sistema de som ou um par de auscultadores de qualidade, para perceber as várias camadas de sons que a banda criou neste álbum.

Comparando este Masana Temples com algumas canções anteriores de Kikagaku Moyo, a banda está mais polida e consistente. As influências culturais sempre lá estiveram, como em “Streets of Calcutta” de 2014 e os vários estilos também, como comprovam várias canções no disco House In The Tall Grass de 2016. Neste novo trabalho, “Gatherings” talvez seja a música que mais soa aos anteriores trabalhos, com o fuzz psicadélico e a composição em crescendo mas de uma forma geral, estes Kikagaku Moyo são mais fáceis no ouvido, a lembrar por vezes a luminosidade de uns Boogarins, na contemplativa “Orange Peel”, ou os também japoneses Sour, nos atrevimentos jazzísticos em algumas faixas (e muitos outros do estilo mas por ser cantado em japonês fez saltar esta memória musical), especialmente a extremamente bem conseguida “Dripping Sun”.

Este é o trabalho mais completo destes japoneses psicadélicos com ligação a Lisboa, um bom disco para descobrir e ouvir sem pressas.

Medeiros/Lucas – Sol de Março (2018)

 

Apesar de continuarem a cantar a tradição açoriana, em Sol de Março Pedro Lucas e Carlos Medeiros fazem um piscar de olhos a África e à Europa, porque cantar e experimentar continua a não incomodar a dupla.

Carlos Medeiros e Pedro Lucas são dos Açores. E ouvimos o melhor do arquipélago nas suas canções: os pescadores da ilha Terceira, os cachalotes que nadam ao largo do Pico, as hortênsias e lagoas de S. Miguel, as fajãs de São Jorge e os marinheiros de todo o mundo que atracam no Faial. O disco murmura Açores a cada canto, não porque Medeiros tenha aquele sotaque cerrado de Rabo de Peixe, ou porque cantem as Sapateias e Chamarritas. É porque as letras, as sonoridades e os títulos das canções nos remetem para as Flores, Corvo, Graciosa e Santa Maria e todos os seus encantos – os mais bonitos de todo o país.

Em Sol de Março, o terceiro disco da dupla Medeiros/Lucas, a voz de Medeiros está ainda mais quente e os instrumentais de Lucas mais cheios do que nos dois antecessores. E as letras de João Pedro Porto continuam a reflectir uma açorianidade das quais os principais mentores do projecto não desejam – nem devem – abdicar.

E apesar de continuarem a cantar a tradição açoriana, desta vez há piscares de olhos a África e à Europa, porque cantar e experimentar continua a não incomodar Pedro Lucas e Carlos Medeiros. E se no disco Terra do Corpo (2016), Tó Trips Dead Combo foi convidado especial (bem como Carlos Barreto e Rui de Carvalho – Filho da Mãe), continua a sentir-se a influência do guitarrista em temas como “Os Pássaros”.

Sol de Março tem momentos de tremenda beleza – a faixa título, “Obscurantismo” e “Podre Poder”, para nomear alguns – e outros menos bem conseguidos, como “Em Condicional”, em que a dupla se atira para águas demasiado profundas e perde as ligações ao cancioneiro açoriano.

Ouvir as canções de Medeiros/Lucas não substitui uma ida aos Açores (na verdade, poucas experiências podem substituir a sensação de chegar às ilhas), mas serve como um bom complemento ao cancioneiro português. Porque, tal como Zeca Afonso fez com o Cante Alentejano, Fausto Bordalo Dias com as tradições populares, ou Zé Mário Branco com os grandes poetas, ou mesmo Zeca Medeiros com a música dos Açores, esta dupla foi essencial para tornar mais “comercial” a sonoridade das ilhas. E, quando um dia se fizer uma recolha sobre a música açoriana, os Medeiros/Lucas merecem, pelo menos, uma nota de rodapé.

Jacco Gardner – Somnium (2018)

Ao terceiro disco, Jacco Gardner esquece as palavras e dá-nos uma viagem pelo seu mundo em modo ambiente. O percurso é satisfatório mas sabe a pouco.

O pequeno holandês, actualmente a viver em Portugal (quem não está nos dias de hoje?), já mostrou ser um nome a ter em conta na mais recente vaga psicadélica do início da década. O seu imaginário, bastante influenciado por Syd Barrett, fez-se sentir no seu disco de estreia, Cabinet of Curiosities, um dos discos do ano para o Altamont, no qual fizemos uma grande viagem pelo surreal e onírico. Dois anos após o seu primeiro trabalho, seguiu-se Hypnophobia, uma boa continuação daquilo que Jacco nos havia mostrado, tendo começado a explorar mais o lado instrumental.

No entanto, a grande surpresa veio este ano com Somnium, um disco totalmente instrumental e, acrescentamos, experimental. Mais que viagens surrealistas por florestas ou lagos, Jacco leva-nos a um mundo mais futurista e maquinal, onde se nota a influência do krautrock, especialmente de Tangerine Dream (“Rising”), Neu! (“Eclipse”) ou até de Mike Oldfield (“Privolva”). A falta de letras nas músicas faz com que este disco perca em comparação com os trabalhos anteriores. É um bom álbum de experimentação mas faz muita falta a voz de Jacco a guiar-nos por viagens que nos faziam lembrar os nossos tempos de criança.

Ao contrário de Endless River dos Pink Floyd, praticamente todo instrumental, onde a música e os arranjos fazem o necessário para nos sentirmos no universo Floyd e não precisarmos propriamente da música cantada, em Somnium sentimos um certo abandono de Jacco. Esperamos que da próxima vez não nos abandone num chalé na floresta apenas com os instrumentos ligados…

Morphine – Cure for Pain (1993)

 

Um falso jazz que é, na verdade, rock sem guitarras. À originalidade dos timbres junta-se a grandeza das canções.

No primeiro álbum, os Morphine já tinham inventado a sua imagem de marca: a única banda no sistema solar a ter apenas um saxofone, uma bateria e um baixo de duas cordas. Mas Good era demasiado delicado para que o mundo lhe prestasse atenção. Tudo mudou com o roqueiro Cure For Pain. No centro estão os riffs musculados do baixo e do saxofone, tresandando a blues e a poeira da estrada. O baixo é agora distorcido, lançando chispas com o seu slide feroz. O saxofone é mais rítmico e groovy, e o novo baterista – mais enérgico e possante. Conseguir ser tão inequivocamente rock’n’roll sem uma única guitarra é a sua grande proeza e blasfémia.

Não se deixem ludibriar pelo saxofone. Do jazz, vão buscar apenas o imaginário e não a linguagem. Tudo neles nos transporta para os clubes de bebop dos livros do Kerouac: fumarentos, noctívagos, ensopados em whisky e transgressão. A aura beatnick de Mark Sandman também ajuda, orgulhosamente anacrónica, mais próxima da North Beach dos anos 50 do que da flanela grungy dos anos 90. Uma pitada de sensibilidade noir faz o resto: a sensualidade do saxofone traz o perfume inebriante de uma mulher fatal.

Toda a grandeza dos Morphine decorre das limitações que eles se impuseram a si próprios. Fazer um instrumento com apenas duas cordas soar cheio e relevante não é um desafio fácil, como também não o é rockar sem uma única guitarra. A escassez aguça sempre o engenho.

A malta mais arty preferirá os mais experimentais Good e The Night. Quem, contudo, der primazia à beleza e eficácia pop das canções, terá aqui o seu álbum favorito. Na dúvida, ouçam todos, pois a memória desta grande banda dos nineties está a desvanecer-se. Não deixem Mark Sandman morrer outra vez.