MPB4 - 60 Anos de MPB (2024)

 

O MPB4 lança, no dia 5 de julho, o  álbum “60 anos de MPB”, em que comemora seis décadas de carreira e sucessos de público e crítica. Gravado quase todo entre 15 de janeiro e 9 de fevereiro de 2024 no estúdio da Biscoito Fino no Rio de Janeiro, o  álbum contou com as participações luxuosas de Alceu Valença, Chico Buarque, Dori Caymmi, Edu Lobo, Francis Hime, Guinga, Ivan Lins, João Bosco, Kleiton & Kledir, Milton Nascimento, Paulinho da Viola e Toquinho. Somente as vozes de Alceu Valença, Milton Nascimento e Toquinho foram gravadas em outros estúdios.

Este trabalho do MPB4 – que tenta resumir os 60 anos de serviços prestados à MPB, sigla que o próprio quarteto criou e que acabou ganhando vida própria – é dedicado às companheiras de palco e de vida do Quarteto em Cy, assim como também a Magro e Ruy, integrantes da primeira formação do MPB4 ao lado de Miltinho e Aquiles, que agora têm Dalmo Medeiros e Paulo Malaguti Pauleira como parceiros.

“Me senti muito honrado com o convite para substituir Ruy Faria em 2004, quando ele optou por deixar o grupo. Integrar o MPB4, considerado o maior grupo vocal no Brasil e no exterior e de tanta importância na  música popular brasileira, significa participar de uma história vitoriosa”, diz Dalmo Medeiros.

Já Paulo Malaguti Pauleira revela que se aproximou do MPB4 jogando “peladas” aos domingos e que, nos anos 1990, foi convocado para fazer um arranjo num disco que cantavam Djavan e Ivan Lins. “O convite para integrar o grupo foi muito emocionante por causa do falecimento do Magro, um arranjador genial e realmente o cara que inventou o som do grupo”, revela Pauleira que já tinha uma boa relação com o Miltinho como  músico e boleiro. “Aos poucos, fui me dando conta do amor e da admiração que o povo brasileiro dedica ao MPB4. Fui absorvendo o formato vocal que eles inventaram e tornaram imensamente popular. Ainda me emociono, depois de 12 anos de convívio, com a reação do público aos seus grandes sucessos. Fazer parte do MPB4 é um grande presente que a vida me deu”, derrama-se Pauleira.

E como os fundadores do grupo Aquiles e Miltinho resumem a carreira do MPB4?

“Em 60 anos, o MPB4 construiu uma carreira totalmente comprometida com a  música brasileira e sempre ao lado da liberdade e da democracia. São seis décadas com algumas perdas, mas muitas parcerias, conquistas e alegrias”, exalta Miltinho.

"Resumo esses 60 anos como a minha vida toda! Certeza do futuro conquistado a cada dia, a cada  música cantada, a cada sorriso dado, a cada lágrima derramada", revela Aquiles.

Toda essa história, carregada de lutas e emoções, não vai parar nesses 60 anos, nem neste  álbum. Segue logo no dia 10 de julho, quando o quarteto se apresenta no Teatro Riachuelo do Rio. Segue olhando para o futuro sem esquecer o passado e curtindo o presente.

Faixas do  álbum:

01. Notícias do Brasil (Os Pássaros Trazem)

02. O Cantador

03. Prêt-à-Porter de Tafetá

04. Caso Encerrado

05. Velas Içadas

06. Dança do Corrupião

07. Angélica

08. Catavento e Girassol

09. Coisas do Mundo Minha Nêga

10. Na Primeira Manhã

11. Paz e Amor

12. Parceiros

MUSICA&SOM

Chico Cesar, Blanca e Rojobarcelo - Belezas Pra Nós (2024)

 

"Belezas pra nós” é o nome do novo álbum do Chico César. O trabalho é fruto da união do cantor e compositor paraibano com o duo argentino formado pela cantora Rojobarcelo e o pianista e baterista Esteban Blanca.

Essa reunião aconteceu durante os quatro meses que os artistas permaneceram confinados no Uruguai em 2020 por conta do isolamento social imposto pela pandemia de covid-19.

Faixas do álbum:

01. É preciso navegar

02. ⁠I don't say goodbye

03. Primavera Nasce

04. Longe do Rio

05. Lo que tengo hoy

06. Belezas pra nós

07. I'm The Wolf

08. Estado de Poesía

09. Vive Livre

10. Entrando a La Juanita

11. Tamo en la Juanita

12. El Reino de Urón

MUSICA&SOM

Review: Stereo Nasty – Nasty by Nature (2015)

 

Natural da Irlanda, este quarteto vem ganhando força entre os fãs de metal tradicional com acentuado sabor oitentista. O Stereo Nasty conta com Mick Mahon (vocal), Adrian Foley (guitarra), Rud Holohan (baixo) e Fran Moran (bateria), e apesar de ser uma banda relativamente nova, não traz nenhum elemento contemporâneo em sua sonoridade. O negócio aqui é o metal dos anos 1980, tanto musical quanto esteticamente.

Nasty by Nature, estreia dos caras, saiu lá fora em 2015 e acaba de chegar ao Brasil pelas mãos sempre competentes da Hellion Records. O disco traz dez músicas feitas com um único objetivo: trazer de volta a aura da década mais clássica do metal. Isso se dá tanto pela estrutura das canções quanto pela própria produção do álbum, que soa propositalmente datado e com timbres cortantes que espetam os ouvidos.

Evidentemente, um grupo com uma proposta tão saudosista como o Stereo Nasty não tem a originalidade entre as suas maiores prioridades. Apesar disso, os caras sabem como fazer boas e divertidas músicas. As referências passam por bandas como Saxon, Accept e outros ícones dos anos 1980, e o quarteto acaba ganhando o ouvinte pelo bom trabalho de composição e por compartilhar referências em comum com quem está aqui do outro lado. Em suma: os heróis, tanto dos músicos quanto dos fãs, são os mesmos.

Não há muito requinte instrumental na proposta da banda, porém esse aspecto não compromete em nada o trabalho. A energia, paixão e autenticidade que sai das caixas de som é tamanha que compensa esse detalhe.

Entre as músicas, destaque para a abertura bem cartas na mesa de “Black Widow” (apresentando as credenciais e a proposta da banda sem meias palavras), os ecos de NWOBHM em “Holy Terror”, a germânica “Interstellar”, o riff clássico de “Death Machine” (que logo se transforma em um speed metal empolgante e em uma das melhores músicas do disco), “Under Her Spell”, a ótima “The Warriors” e o encerramento com a cativante “Demon Halo”.

Um lançamento certeiro da Hellion e que tem tudo para cair no gosto do fã brasileiro de metal, tradicionalmente saudosista e avesso às sonoridades mais atuais e modernas do som pesado.

Review: Paul McCartney – Ram (1971)

 

Quando um relacionamento acaba muita coisa vem à tona, e o mesmo acontece quando uma banda encerra as suas atividades ou muda de formação. Agora, imagine o que acontece quando uma banda que era praticamente uma família desmorona. Foi isso o que aconteceu com os Beatles.

John Lennon, Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr viveram juntos durante praticamente toda a década de 1960, do suado início até o sucesso e super estrelato, passando por muitas loucuras juntos, para bem e para o mal. Quando a banda acabou, uma série de rancores ganhou a luz do dia, resultando em acusações diretas e indiretas além de uma longa batalha nos tribunais pelos direitos do legado do grupo.

A ruptura mais visível aconteceu entre Lennon e McCartney, responsáveis pela maioria esmagadora das composições e ideias de discos, filmes e tudo mais. Quando Paul gravou o álbum Ram, a quantidade de alfinetadas do baixista destinadas a Lennon e sua esposa Yoko Ono foram tantas que acabaram ajudando na promoção do disco e despertando a ira do ex-companheiro, que deu a resposta com o álbum Imagine (1971), que veremos mais adiante. “Dear Boy”, “Too Many People”, “The Back Seat of My Car”: você pode escolher qual provocação quer escutar.

Ram é o segundo álbum de Paul e o primeiro e único creditado a ele e sua esposa Linda, nos mesmos moldes que Lennon e Yoko faziam - aliás, seis canções (“Dear Boy”, “Uncle Albert/Admiral Halsey”,” Heart of the Country”, “Monkberry Moon Delight”, “Eat at Home” e “Long Haired Lady”) tiveram Linda nos créditos ao lado do esposo.

As provocações a John e Yoko já começam na arte do disco. Enquanto na parte da frente da capa Paul segura os chifres de um carneiro (animal que dá o nome ao álbum em uma clara referência à fazenda do artista na Escócia, onde as músicas nasceram), na parte de trás existe uma foto com dois besouros (“Beatles”) tendo relações. Se Lennon já ficou bem furioso com esta foto, imagine então o momento em que ele escutou o LP pra valer.

A bolacha já começa com a primeira provocação, “Too Many People”, que aparentemente desce a lenha em pessoas que tentam fazer alguma lavagem cerebral ou doutrinação nas demais. McCartney declarou mais tarde que Lennon estava em uma espécie de pregação constante, motivando a letra da canção, que em um trecho com tradução livre ficaria desta maneira:

“Muita gente está esperando por uma boa oportunidade
Esse foi o seu primeiro erro
Você pegou a sua oportunidade a partiu ao meio
E agora, o que pode ser feito por você?”

Musicalmente é uma faixa agradável, cheia de entusiasmo e com passagens bem animadas com uma clara pegada Beatle - e não era para menos, pois, McCartney era um dos responsáveis pelo som do Fab Four - com solos de guitarra de Hugh McCracken, precisos, curtos e despretensiosos.  Uma boa abertura com a cara de Sir Paul, sem dúvida alguma.

Já em “3 Legs”, Paul deixa as ofensas de lado em um blues simples que funciona muito bem e tem um refrão grudento, enquanto “Ram On” é uma deliciosa composição, uma homenagem escondida aos  Beach Boys (antigos “rivais” dos Beatles nos anos 1960) guiada por um ukelele  melódico e agradável de se ouvir (influência de George Harrison?) e que vai evoluindo no decorrer da música, com direito a assovios. Bem curtinha, mas marcante.

O disco ganha cores com “Dear Boy”, com camadas de vocais entrelaçados no melhor estilo Beatles (novamente) e harmonia impecável guiada pelo piano. A música, um dos destaques do álbum, foi descrita pelo próprio Paul como um relato sobre o primeiro casamento de Linda, porém, Lennon tinha certeza absolutas de que esta canção era mais uma provocação direta. Mesmo com Macca negando, a letra deixa interpretações duvidosas:

“Espero que nunca saibas, querido rapaz
O quanto você perdeu
E mesmo quando você se apaixona, querido rapaz
Não será tão bom como este
Espero que você nunca saiba o quanto você perdeu”

E você, o que acha?

Dando continuidade chegamos a “Uncle Albert / Admiral Halsey”. Que música fantástica, com a pegada McCartney em todos os detalhes: efeitos de chuva, orquestração impecável da Orquestra Filarmônica de Nova York, uma melodia que muda completamente do nada de andamento e linhas vocais que só Paul poderia imaginar. Vale dar uma olhada no clipe divertido disponível lá no YouTube.

“Smile Away” tem um clima mais rock and roll raiz, com direito a vocais acompanhando a música toda e uma guitarra calcada nos anos 1950. Se para muitos Paul ainda não havia encontrado o seu som definitivo pós-Beatles, “Smile Away” consegue manter o clima alto com uma pegada impressionantemente animadora. “Heart of the Country” é uma linda canção acústica, um dos pontos altos do disco e que remete muito às composições de Paul nos tempos do famoso duplo White Album, de 1968.

“Monkberry Moon Delight” traz um Macca cantando de maneira rasgada em uma faixa intensa e com diversos elementos interessantes, enquanto “Eat at Home” tem uma melodia pegajosa bem simples e que, apesar do grande sucesso na época, soa um pouco abaixo do restante do disco - mas como mencionei anteriormente, McCartney ainda estava em busca de uma identidade neste início da década, e que só encontraria em 1973 com o clássico Band on the Run. A mesma situação acontece com “Long Haired Lady”, uma canção que apenas complementa o disco e não acrescenta muito musicalmente ao trabalho. Aliás, “Long Haired Lady” poderia ter sido substituída tranquilamente por “Another Day”, um grande sucesso e de qualidade bem superior lançada como single na mesma época e que acabou entrando anos depois nas versões do álbum como bônus. Concorda comigo?

Para a reta final surge do nada “Ram On” em uma reprise bem rapidinha (deslocada, diga-se) antes de dar passagem para um dos pontos altos, “The Back Seat of My Car”, que fecha o trabalho. Na letra, Paul diz “acreditamos que não podemos estar errados”, e esse trecho foi compreendido por John como uma provocação novamente. Lennon, aliás, encontrou diversas outras alfinetadas diretas, mas vamos ficar com estas três que citei por serem as mais evidentes, tudo bem? Provocações deixadas de lado, a música é extremamente emotiva com lindas orquestrações (novamente cortesia da New York Philharmonic) e passagens de sopros que dão um clima erudito ao estilo pop da composição. 

Review: Paladin – Ascension (2019)

Ascension, disco de estreia da banda norte-americana Paladin, foi lançado em meados de maio. E se você é fã de heavy metal, é bom dar uma parada e conferir o trabalho do quarteto formado por Taylor Washington (vocal e guitarra), Alex Parra (guitarra), Ian Flürrance (vocal e baixo) e Nathan McKinney (bateria).

O motivo para isso é simples. A banda pega características do que de melhor o metal produziu nas últimas décadas – elementos da NWOBHM, a melodia do power metal e a rifferama do thrash, além da energia, agressividade e peso inerentes ao próprio gênero -, coloca tudo em um mesmo caldeirão e sai com uma sonoridade cativante, cheia de personalidade e com potencial para conquistar legiões de fãs.

Ascension é apenas o primeiro disco dos caras, traz onze músicas espalhadas por cinquenta minutos e é desde já um dos grandes eventos do universo do metal em 2019. A voz de Washington varia entre os tons altos a la Michael Kiske e a dramaticidade de Fabio Lione – aliás, o timbre é semelhante ao do italiano. As guitarras são uma mistura muito bem desenvolvida entre a abordagem do metal melódico e do thrash metal. Os duetos de seis cordas são abundantes, as melodias transbordam, e os momentos mais pesados poderiam muito bem estar em um álbum do Exodus ou do Overkill. A cozinha bebe na exuberância técnica do power metal, com andamentos geralmente velozes e uma interação profunda entre baixo e bateria.

Há de se destacar as vozes guturais, a cargo de Flürrance, que geralmente apenas complementam o vocal principal de Washington, inserindo ainda mais agressividade ao som do Paladin. Mas, quanto assumem a linha de frente em “Bury the Light”, por exemplo, bebem fundo nos melhores momentos de nomes como Children of Bodom e o In Flames dos primeiros anos. Aliás, essa música em particular possui longas passagens instrumentais que irão levar ao delírio quem curte o lado mais clássico da New Wave of British Heavy Metal.

Do outro lado da moeda, a banda possui também uma faceta mais alinhada com os anos dourados do thrash metal da Bay Area, como “Shoot for the Sun” não se furta em mostrar. Sem exagero, trata-se uma música que poderia figurar tranquilamente em um álbum do Megadeth ou do Death Angel e não faria feio. Em certos momentos, não é estranho imaginar que o Paladin soa como se o Dream Theater, ao invés de ter sido formado em Long Island, tivesse surgido nas praias de San Francisco durante o boom do thrash.

Destaques são fartos: a empática “Divine Providence”, a proximidade com o death melódico sueco em “Carpe Diem”, o power thrash melódico de “Fall from Grace”, a ótima “Bury the Light” (a minha preferida), o megadethiana “Shoot for the Sun”, a pegada Helloween de “Vagrant” e o impressionante encerramento com “Genesis”, com mudanças de climas e lindas melodias de guitarra, única música do disco a ultrapassar a barreira dos seis minutos.

Ao final da audição de Ascension, fica a agradável sensação de ter ouvido um disco que ficará para a história. Se você é fã de metal, não deixe passar!

 

Review: Elomar - ... Das Barrancas do Rio Gavião (1972)

 

Elomar Figueira Mello gravou seu primeiro álbum aos trinta e poucos anos, em 1972, um pouco tarde para um artista, mas no tempo ideal de maturação para um cantador. Ele nunca fez questão dos palcos, pelo contrário, sempre preferiu a pacatez da sua fazenda no semiárido baiano, tangendo caprinos e compondo sob a luz das estrelas.

Este álbum é fruto desse meio, um choque reacionário pós-tropicalista. Na contramão de outros baianos que desde os anos 1960 modernizavam a música brasileira, Elomar apresenta uma cultura popular em sua essência, pois não compõe para as massas. Sua música é reflexo da vida no sertão e seus habitantes: o jagunço, o vaqueiro, o capiau e, especialmente, o violeiro que canta versos sobre todos os anteriores.

Gravado apenas com voz e violão, ... Das Barrancas do Rio Gavião traz uma coleção de cantigas, incelenças e martelos que pintam paisagens extraídas dos livros de Guimarães Rosa, um sertão cheio de vida, com costumes e dialeto próprios, sintetizando as idiossincrasias de um povo intocado pela mão modernizadora da sociedade.

Na abertura com “O Violeiro” ele passa seu recado (“Ah, pois pro cantado e violero / Só há treis coisa nesse mundo vão / Amor, furria, viola, nunca dinheiro / Viola, furria, amor, dinheiro não”):  não é cantor, é cantador.

Mas não é só. Nas próximas faixas surgem outras pérolas do seu cancioneiro. Nelas o cantador primeiro murmura tristeza e saudade, como no tema de amor fúnebre de “Incelença do Amor Retirante” e no relato do êxodo nordestino de “Retirada”, pra logo depois cantar a beleza e a alegria, como na exaltação à natureza em “Joana Flor das Alagoas”, ou na carregada de influência do trovadorismo ibérico “Cantiga do Amigo”.

...Das Barrancas do Rio Gavião é muito mais que um disco: é um manifesto de exaltação ao passado. Enquanto o Brasil dos anos 1970 seguia em direção ao futuro na constância da marcha militar, Elomar fazia o caminho contrário a passos de Conselheiro que se recusa a mudar.

The Lemon Twigs – Go To School (2018)

 

O segundo disco dos Lemon Twigs, Go To School, é um musical. Sobre um chimpanzé. E as comparações a três mil estilos e bandas são inevitáveis e bem vindas.

À primeira audição, esta espécie de musical rejeitado dos anos 70, puxa tanto a Queen como a Foxygen ou a Of Montreal mas os irmãos D’Addario, que já tinham mostrado em Do Hollywod uma versatilidade de géneros surpreendente, puxam para as suas fileiras a própria mãe e Todd Rundgren a fazerem de pais de um filho improvável. Quando chegamos a “Rock Dreams”, segunda faixa do álbum, onde este estranho par canta a duas vozes “Wake up the kid! / Good morning, it’s breakfast! / I know how you like your bananas” se não vos vier um sorriso aos lábios podem voltar a ouvir as coisas aborrecidas do costume e deprimir sozinhos lá num cantinho. Aqui a viagem e a história vão progredindo, com músicas ao estilo de Tiny Tim ou mesmo de anos 20 em “The Lesson”, logo seguidas de “Small Victories” a lembrar The Kinks e “Wonderin’ Ways” com arranjo orquestral. E se as comparações parecem a mais neste texto, é apenas para mostrar o método desta loucura musical que se estende por 16 faixas, 58 minutos e tantos estilos diferentes quantas bandas que se possam lembrar.

Seguramente este Go To School não é um disco para muitos, já que o seu charme reside precisamente nesta declaração de amor aos musicais, na dedicação e na mistura de influências, mas caramba que até tem um toque de bossa nova, e de fanfarra, e de tudo à mistura! A história é simplista, com um twist tão óbvio que podia ser uma peça de Joana Vasconcelos (é um helicóptero de guerra mas com plumas, porque guerra = mau e plumas = bom) mas isso até ajuda neste álbum conceptual sobre um chimpanzé que é afinal mais humano que muitos. A personagem, Shane, passa por alturas na vida adolescente com nos podemos identificar, como amores não correspondidos e o simples facto de ser e sentir-se diferente.

Os irmãos Michael e Brian D’Addario mostram cuidado na produção, sempre soltos de estilos e sem medo de puxar umas e outras influências para o efeito pretendido. O resultado é este brilhante Go To School, um disco que não será certamente para ouvir todos os dias mas vai ficar como banda sonora de uma peça que só existe na imaginação dos Lemon Twigs, e na nossa.