quinta-feira, 25 de julho de 2024

CROSBY STILL NASH & YOUNG - Déjà vu (1970)

 



Em 1969 formou-se o triunvirato de ouro CROSBY, STILLS & NASH , um trio que foi aceito pelo grande público e pela imprensa desde o primeiro momento. Formação de luxo com um historial de sucesso por parte dos seus componentes. David Crosby saiu de ninguém menos que The Byrds , Graham Nash havia tocado com The Hollies como parte da Invasão Britânica, e Stephen Stills foi o núcleo fundamental da Buffalo Springfield Band onde coincidiria com um jovem Neil Young . Sua sonoridade dentro do folk rock com raízes sulistas cativava graças aos intrincados jogos vocais executados por todos eles, construindo harmonias de muito bom gosto entrelaçadas com guitarras em sua maioria tradicionais e letras simples e sinceras. Ficariam conhecidos em Woodstock, novatos e inseguros,  que conseguiram subir às primeiras posições com algumas de suas canções que mais tarde se tornaram verdadeiros emblemas do rock mundial.

 


No ano seguinte após seu início brilhante retornaram ao estúdio, mas desta vez Stills convidou para colaborar um amigo que estava com ele em Buffalo Springfield , Neil Young, um companheiro em suas aventuras cuja contribuição deixaria uma marca indelével, levando a sonoridade folk da banda. uma aproximação mais próxima ao country rock da América rural, e maior potência com uma guitarra de afinação instantaneamente reconhecível e uma voz também de timbre singular e único, que juntas transmitem uma melancolia à melodia inata do carismático autor. .

 

O fruto deste quarteto se chamaria Déjà Vu , um álbum que mais uma vez contém peças fundamentais do rock em geral, uma maravilha difícil de repetir como “Nossa casa” ou “Ensine seus filhos” . Foram gravadas sessões individuais de cada integrante, contribuindo com o que havia sido previamente estabelecido. Também incluiu contribuições ocasionais de pessoal muito respeitável, como Jerry García do GRATEFUL DEAD e John Sebastian do LOVIN' SPOONFUL .

 

Na sequência do seu primeiro trabalho, oferecem-nos mais uma esplêndida colecção de canções com harmonias vocais excepcionais, andamentos calmos, um certo ar de introspecção onde a música continua a ter uma base forte de guitarras acústicas, mas acima encontraremos as guitarras eléctricas de Young destacando-se e dando mais corpo às composições em que participa, onde por vezes coincide com a de Stills, respeitando o espaço. Os arranjos de alguns cortes, que incluem o piano, indicam corretamente que as composições foram desenvolvidas com texturas instrumentais mais complexas ( Country girl ). Outro elemento indicador desta maior diversidade na melodia são as intervenções dos teclados, que aparecem com maior frequência e com um fundo que confere mais energia e solidez à música. O som adquire mais eletricidade e se afasta do purismo do antecessor. Helpless mostra sua influência rock'n'blues com um toque ácido na guitarra, cortes intimistas e pessoais como 4 + 20 ,   já citado Country girl de Young, o mais elaborado, com linha melancólica, som poderoso de órgão junto com tímpanos categóricos que adicione um toque épico. Mas sem dúvida a minha preferida é a peça que dá nome ao álbum; Déjá Vu se afasta um pouco dos clichês estabelecidos pela banda, mas mantém aquela essência de violões entrelaçados que criam uma atmosfera mágica que se torna um tanto estranha em sua construção, mas de uma beleza ímpar.

 


Terminado o trabalho, os quatro músicos realizaram trabalhos solo, com grande sucesso para todos após terem beijado o céu com sua estreia como grupo.  Quatro compositores que poderiam ter continuado juntos, mas o facto de todos quererem expandir as suas fronteiras como autores, as relações tumultuosas existentes, o activismo político de alguns deles e as suas constantes colaborações na contracultura fizeram o projecto parar por alguns anos. , até 1977, quando os 3 primeiros se reencontrariam junto com Young que, quando pôde se desviar da carreira solo, deu-lhes uma ajuda.

 

Não importa a sua predileção musical, não deixe este álbum passar despercebido, é uma joia com um toque vintage como sua capa sépia.




Gravy Train: Gravy Train 1970 + (A Ballad Of) A Peaceful Man 1971

 


Uma banda tão obscura que até o All-Music Guide os classificou como "Eletrônica", apesar do fato de que Gravy Train tem muito menos a ver com Eletrônica do que Mike Oldfield tem a ver com cock-rock. Desta vez, porém, a obscuridade é realmente bastante explicável: Gravy Train é uma banda especialmente projetada para ser "desenterrada" entre uma centena de conjuntos ambiciosos de "terceira categoria" do início dos anos setenta, embora, com certeza, eu não me arrependa de tê-la desenterrado. No mínimo, eles são um excelente exemplo para mostrar tudo o que estava certo e tudo o que estava errado naquela época ao mesmo tempo.                             

É estúpido dizer isso, mas talvez a coisa mais errada foi que havia TANTO a fazer na época em que muitas bandas ficaram com suas cabeças e mentes totalmente agitadas. Você poderia ir para o "underground" e se tornar um ato esotérico de prog supercomplexo, ou você poderia apelar para o menor denominador e ir para o glam, ou você poderia reunir hordas de "garotos durões" e entrar no hard 'n' heavy, ou o que quer que seja. Muitas bandas foram capazes de esculpir sua própria identidade muito em breve, mas obviamente muitas outras não foram, e algumas foram realmente enganadas em
sua busca. Gravy Train, então me parece, pertence ao último grupo.

Gravy Train foi um grupo de rock progressivo de Lancashire, Inglaterra, formado pelo vocalista e guitarrista Norman Barratt em 1969. Também com JD Hughes (teclados, vocais, sopro), Les Williams (baixo, vocais) e Barry Davenport (bateria), a banda gravaria quatro álbuns de estúdio. Os dois primeiros foram lançados pelo selo Vertigo, o restante pela Dawn Records. Gravy Train foi formado em St. Helens em Lancashire, Inglaterra em 1969. A formação original tinha um considerável grupo de talentos para escolher. John Hughes, nascido em Liverpool, foi um pianista com formação clássica. Quando adolescente, ele tocou saxofone, autodidata, com vários grupos Merseybeat na década de 1960. O'Regan o cita de uma entrevista por e-mail em março de 2006 dizendo: "Tocando com uma grande banda de soul, Spaghetti House, conheci o baixista Les [Williams]. Nós formamos uma banda de rock progressivo, onde eu tocava principalmente flauta e recrutei Norm, que Les conhecia."

O cantor/guitarrista/compositor Norman Barratt nasceu em Newton-le-Willows, a meio caminho entre Manchester e Liverpool, em 1949. Depois de deixar a escola, ele aprimorou suas habilidades com a guitarra nas bandas locais The Hunters (com quem ele às vezes ainda se apresentava mais tarde) e Newton's Theory, enquanto mantinha um emprego diurno como contador estagiário. Depois de passar nos exames de contabilidade, ele se tornou profissional, mudando-se para Londres

no final dos anos 60 com Newton's Theory. Les tocou em uma banda de St. Helens chamada "The Incas", JD Hughes tocou no Spaghetti House e Barry fez parte de um grupo de jazz chamado "The John Rotherham Trio". Les e Barry se mudaram para se juntar a JD no Spaghetti House. Barratt comentou: "Um amigo em comum me apresentou aos outros que estavam procurando, como eu, formar uma banda de músicas originais, e não a banda de covers usual que estávamos acostumados até então". JD Hughes disse: "Começamos a ensaiar no St. Helens Cricket Club no verão, eu acho, de 1969. Eu ainda morava em casa em Liverpool, Les Williams e o baterista Barry Davenport eram de St. Helens e Norm de Earlestown, Lancs."
                                                    

Seu álbum de estreia misturou elementos da escola de Canterbury, heavy metal sabbathesco, excentricidade Pink Floydish e folkishness militante do Jethro Tull juntos em um caldeirão realmente intrigante. Na primeira tentativa, eles tinham uma base estável a seu favor - mas nunca cumpriram a promessa. Já

o segundo álbum, (A Ballad Of) A Peaceful Man, embora definitivamente não seja ruim por si só, mostrou uma total falta de progressão: muito da experimentação estilística e instrumental do disco anterior foi totalmente abandonada em favor de uma abordagem comercial mais simples, mas muito menos interessante, do prog-rock. E os dois últimos discos são essencialmente apenas hard rock genérico - audível e ocasionalmente até memorável, mas sua existência não é muito compreensível à luz das bandas pesadas que estavam assando álbuns em meados dos anos setenta. No final, sua patética "indecisão" na verdade saiu pela culatra para a banda - o som interessante de seu primeiro álbum se foi, e o sucesso comercial nunca veio de verdade. Hoje em dia, Gravy Train é apenas uma minúscula nota de rodapé na história da música dos anos setenta, e seus discos são realmente difíceis de encontrar.
                                      

Já o segundo álbum, (A Ballad Of) A Peaceful Man, embora definitivamente não seja ruim por si só, mostrou uma total falta de progressão: muito da experimentação estilística e instrumental do disco anterior foi totalmente abandonada em favor de uma abordagem comercial mais simples, mas muito menos interessante, do prog-rock. E os dois últimos discos são essencialmente apenas hard rock genérico - audível e ocasionalmente até memorável, mas sua existência não é muito compreensível à luz das bandas pesadas que estavam assando álbuns em meados dos anos setenta. No final, sua patética "indecisão" na verdade saiu pela culatra para a banda - o som interessante de seu primeiro álbum se foi, e o sucesso comercial nunca veio de verdade. Hoje em dia, Gravy Train é apenas uma minúscula nota de rodapé na história da música dos anos setenta, e seus discos são realmente difíceis de encontrar.

Dito isso, se você ocasionalmente se deparar com esses discos, tente dar uma olhada neles. Por mais que seu potencial não fosse realizado, esses caras tinham muito disso. Em termos instrumentais, eles eram profissionais, particularmente o líder da banda, Norman Barrett, com seu talento ativo para riffs de primeira linha, tons de guitarra espirituosos e solos inspirados em Hendrix. As melodias vocais eram ocasionalmente fascinantes também. Ainda bem que não parece desagradável (veja Dave Coverdale para isso). É bem esquisito ter caras caipiras cantando sobre os prazeres da vida no campo e coisas assim, mas é absolutamente ridículo ouvir isso de um bando de caras britânicos refinados que começaram cem por cento como art-rockers.
                          

Pouco se sabe sobre as vidas subsequentes dos membros da banda. Barratt apareceu no Mandalaband para seu segundo e último álbum em 1978, então formou a Barratt Band, que gravou dois álbuns no início dos anos 1980 e dois álbuns solo Rock for all Ages (com Dave Morris, 1984) e Barratt (1988). Ele morreu em 2011 devido a complicações pós-cirúrgicas. Les Williams trabalha na Ocean Entertainments, uma agência para bandas e artistas, desde os anos 1980. JD Hughes é atualmente o membro fundador do The New Soul Messengers, no qual toca teclado, saxofone e vocais. George Lynon morreu dormindo em 2002.

Álbuns

1970: Gravy Train (Vertigo 6360023)
1971: (A Ballad of) A Peaceful Man (Vertigo 6360051)
1973: Second Birth (Dawn DNLS 3046/lançamento dos EUA BELL 1121)
1974: Staircase to the Day (Dawn DNLH 1)

GRAVY TRAIN - GRAVY TRAIN 1970

                                              


Que originalidade, sons groovy, nunca ouvi nada assim antes. E o cover do Hipgnosis. Uau. Um dos muitos clássicos desses anos, nem um pouco inferior ao King Crimson e Who's Next!
Um clássico menor irremediavelmente perdido entre todos os inúmeros "biggies" do ano de 1970, também é absolutamente diferente de tudo o que o Gravy Train faria depois, e uma pena: não importa o quanto os seguidores limitados do grupo se entusiasmem com (A Ballad Of) A Peaceful Man ou Staircase To The Day, posso facilmente ver como o Gravy Train não conseguiu chegar ao topo da fama com base nesses álbuns. Sua estreia mostra o Gravy Train como uma banda underground corajosa e ousada, fortemente influenciada e derivada de outros atos de prog/hard da época, mas na verdade tentando empurrar os limites para a frente. De qualquer forma, o Gravy Train é, em muitos aspectos, um álbum maravilhoso, e aquele em que não se deve ter medo de gastar seu dinheiro se você puder rastreá-lo em algum lugar.

Gravy Train – Gravy Train
Gravadora: Repertoire Records – REPUK 1067, Vertigo – nenhuma
Formato: CD, Álbum, Edição Limitada, Reedição, 2005
País: Reino Unido
Lançamento: 1970    
Gênero: Rock
Estilo: Prog Rock, Hard Rock

FAIXAS

                                             


01. The New One    5:15
02. Dedication To Sid    7:17
03. Coast Road    6:46
04. Enterprise    6:20
05. Think Of Life    5:10
06. Earl Of Pocket Nook    16:11


MUSICA&SOM


GRAVY TRAIN - (A BALLAD OF) A PEACEFUL MAN 1971

                                                                   


Este álbum é uma joia criminosamente esquecida.
Parte do apelo do álbum está no conceito então inovador de dividir seu conteúdo nitidamente ao meio, os hard rockers de um lado, o material mais suave do outro. No geral, as baladas envelheceram muito melhor


do que os monstros, particularmente "Alone in Georgia", que choca o soul doce com (de todas as coisas!) Southern rock e, por algum motivo, soa muito como o Heavy Metal Kids. Mas isso não é para denunciar o poder absoluto da banda em plena inundação. A faixa-título postula uma colisão profana de Uriah Heep e Atomic Rooster, e mostra os vocais de Norman Barrett com efeito máximo, enquanto "Won't Talk About It" é quase teimosamente agradável, e isso apesar de profetizar cada balada poderosa e uivante dos anos 80 e além. O melhor de tudo, porém, é o assustadoramente atmosférico "Home Again", toda percussão pulsante, flauta primitiva e melancolia atemporal. Em um álbum que flerta com uma variedade de humores, a faixa mais temperamental de todas faz um final de tirar o fôlego.


Gravy Train – (A Ballad Of) A Peaceful Man
Gravadora: Repertoire Records – REP 5060
Formato: CD, Álbum, Edição Limitada, Reedição, 2006
País: Alemanha
Lançamento: 1971    
Gênero: Rock
Estilo: Prog Rock, Hard Rock


PISTAS

                                                                 


01. Alone In Georgia    4:33
02. (A Ballad Of) A Peaceful Man    7:10
03. Jules Delight    6:58
04. Messenger    5:59
05. Can Anybody Hear Me?    3:00
06. Old Tin Box    4:47
07. Won't Talk About It    3:09
08. Home Again    3:30

Bonus Track
    
09. Alone In Georgia (Single Edit)    3:59

MUSICA&SOM


Warrant - Cherry Pie (1990)




Se você aplicasse um microscópio à cena de hard rock americana do final dos anos 80, procurando por uma música essencial que abrangesse o período, então você teria dificuldade para passar de "Cherry Pie", uma faixa que estava conquistando tudo na época, se estabelecendo firmemente como um dos cartões de visita da era. Com a MTV abraçando o vídeo que o acompanha, e a rádio dos EUA elevando a faixa ao overdrive, o Warrant não poderia fazer nada errado e merecidamente.

Emergindo do viveiro da Sunset Strip de Los Angeles, a banda inicialmente lutou para ganhar uma posição, mas eventualmente atraiu uma grande gerência e um cobiçado contrato com a Columbia Records, peso pesado da indústria. Seu álbum de estreia superou as expectativas e produziu um single de sucesso número 2, saltando vendas muito acima do status de ouro. O cenário estava pronto para seu segundo álbum, mas ninguém estava pronto para a explosão de sucesso que se seguiu.


"Cherry Pie", mais uma vez produzida pelo veterano mago do estúdio Beau Hill (RATT, Kix) e lançada pela primeira vez em 1990, lançou a banda para um sucesso ainda maior, a faixa-título se tornando uma das músicas mais tocadas do ano e um grampo virtual do horário nobre da MTV. Além disso, o vocalista da banda, Jani Lane, havia se tornado um garoto-propaganda do movimento, com o rosto dele e da banda espalhados em praticamente todas as revistas de música ao redor. Musicalmente, o álbum era muito superior ao de estreia e decididamente mais pesado, apresentando roqueiros descarados como "Uncle Tom's Cabin", "Love In Stereo" e, claro, a faixa-título soberbamente trabalhada. 'Mr. "Rainmaker" é notavelmente poderosa, com um refrão que ainda é memorável hoje em dia. Adoro a pegada cativante de "Bed of Roses" e "Song and Dance Man", o clima de festa de "Sure Feels Good to Me" e o groove do cover do Blackfoot "Train Train". Claro que há ótimas baladas na brilhante "I Saw Red", realçada com piano, e na incrível "Blind Faith" (muito mais do que apenas uma balada poderosa).


O Warrant teve alguns problemas para continuar seu sucesso multiplatina durante a explosão alternativa de 1992, embora seu terceiro álbum, 'Dog Eat Dog', tenha se tornado ouro. 'Ultraphobic' (1995) e Belly to Belly (1996), no entanto, não conseguiram entrar nas paradas. A formação da banda começou a se fragmentar conforme os anos 90 avançavam, com a maioria dos membros fundadores do Warrant deixando o grupo. Under the Influence chegou em 2001, composto por várias canções cover e duas faixas originais; também marcou a última gravação de Jani Lane com a banda. Ele finalmente saiu em 2004, levando dois dos membros do Warrant com ele, e foi substituído pelo ex-vocalista do Black 'N Blue, Jaime St. James. Enquanto Lane tentava uma carreira solo, a versão revisada do Warrant lançou Born Again em 2006. A permanência de Jaime St. James na banda provou ser muito curta, pois ele foi expulso em 2008 em favor do retorno de Lane. Mais tarde naquele ano, Lane saiu mais uma vez e foi substituído por Rob Mason, do Lynch Mob. Lane foi encontrado morto por intoxicação alcoólica aguda em um quarto de hotel em Los Angeles em agosto de 2011, aos 47 anos.

Foto promocional do vídeo 'Cherry Pie' (part. Bobbie Brown)

Embora Lane tenha tido um fim trágico, “Cherry Pie” ainda se mantém como um clássico de uma era passada (com 50 milhões de visualizações no YouTube na última década), graças em grande parte ao seu videoclipe icônico, embora polarizador.



Este post consiste em FLACs extraídos do meu CD (ainda estou procurando por esta preciosidade em vinil) e, claro, vem com arte completa para ambas as mídias. Devo admitir que sempre gostei de Apple Pie, mas este lançamento da Warrant certamente abriu meus olhos (e papilas gustativas) para experimentar um pouco de Cherry Pie de vez em quando! Em uma nota mais musical, este álbum vale a pena ouvir, e particularmente aprecie sua versão do robusto padrão "Train Train" do Blackfoot. Mesmo que você não seja um dente doce, acho que você ainda vai gostar deste álbum, Hair e tudo

Tracklist:
01 - Cherry Pie
02 - Uncle Tom's Cabin
03 - I Saw Red
04 - Bed Of Roses
05 - Sure Feels Good To Me
06 - Love In Stereo
07 - Blind Faith
08 - Song And Dance Man
09 - You're The Only Hell Your Mama Ever Raised
10 - Mr. Rainmaker
11 - Train Train

Alinhar:
Jani Lane - vocais
Joey Allen, Erik Turner - guitarras
Jerry Dixon - baixo
Steven Sweet - bateria

Pessoal adicional:
CC DeVille, Mike Slamer - guitarra convidada
Eric Oswald (irmão de Jani Lane) - introdução em Uncle Tom's Cabin
Scott Warren - Teclados
Bruno Ravel Steve West (Danger Danger) - vocais de apoio
Fiona - vocais de apoio
Alan Hewitt - órgão, piano, cordas
Beau Hill - órgão, banjo, teclados, produção, mixagem
Juke Logan - gaita
Paul Harris - piano, cordas





Stars - Paradise (1977)




A banda de Adelaide The Stars ganhou destaque pela primeira vez com Quick on the Draw produzido por Beeb Birtles em 1976. Beeb, junto com o resto da Little River Band, ficou impressionado com a banda de Adelaide e trouxe fitas de volta para Melbourne, onde eles conseguiram um contrato com a Mushroom Records. A banda ostentava um visual de "cowboy" usando botas, camisas xadrez e chapéus de cowboy. A banda era formada por Mick Pealing (vocal), Mal Eastick (guitarra), Glyn Dowding (bateria) e Graham Thompson (baixo).

Após o sucesso do primeiro single, eles adicionaram Andy Durant como segundo guitarrista. Em 1977, eles fizeram turnê com Joe Cocker e, em 1978, The Beach Boys e Linda Ronstadt.

Embora não fosse uma banda adolescente no estilo Sherbet ou Hush, The Stars apareceu regularmente no Countdown e marcou um hit no top 30 com a música de Andy Durant "Mighty Rock".



Andy Durant morreu em 6 de maio de 1980, aos 25 anos, de câncer. Mais tarde naquele ano, o guitarrista do Stars, Mal Eastick, organizou o concerto memorial de Andrew Durant em Melbourne. O concerto contou com a participação de Stars, Jimmy Barnes, Rene Geyer, Richard Clapton e muitos outros. Os lucros do concerto e da venda do álbum duplo foram para o The Andrew Durant Cancer Research Centre.

A banda acabou se desfazendo em 1980, em respeito à morte de Durant. Eastick se juntou ao Big Combo de Broderick Smith (1979–1982) e mais tarde forneceu guitarra para diferentes artistas, incluindo Max Merritt e Jimmy Barnes. Pealing formou sua própria banda Mick Pealing and the Ideals (1980–1981), e também foi uma banda de apoio para Renée Geyer. Ele então formou The Spaniards (1983–1986) e trabalhou com outros artistas, incluindo Eastick. McLachlan fez turnê com Cliff Richard em 1978, trabalhou com John Farnham (1987–1988), voltou brevemente para a Little River Band (1998–1999) e foi membro do Mighty Rock com Pealing em 2004. Eastick se apresentou em pubs e clubes de Sydney em 1987/88 e teve a distinção de ser patrocinado por Jack Daniels.

O Stars finalmente se reuniu novamente em 2019, anunciando uma turnê em novembro e dezembro daquele ano.


Crítica do Álbum
Em certo sentido, Paradise é tão marcante quanto o primeiro LP dos Dingoes. Ambos resumem a tentativa australiana de atingir o mainstream do country rock dos anos 70. O

country rock, claro, é um campo dominado exclusivamente por grupos americanos, o que (claro de novo) leva a acusações de Oz-Band Music Apes Overseas Trend, o que leva à conclusão de que a Austrália não tem identidade musical válida.

Mas isso não é verdade. Havia algo exclusivamente e rudemente australiano sobre os Dingoes primeiro - um charme de fora da lei áspero e pronto que tinha o mesmo tipo de energia, mas uma sensação musical diferente, como o boogie confederado dos Allman Brothers e Lynyrd Skynyrd.

 

Não parecia haver dúvidas de que os Dingoes poderiam derrotar alguns desses confederados irritantes em seu próprio jogo. E com certeza eles finalmente chegaram à América e gravaram um segundo álbum.

Infelizmente, esse segundo LP mostrou que sua coesão musical foi destruída, e quase nada se ouviu sobre eles desde então.

Ah, mas os Dingoes eram foras da lei. Estrelas com base neste álbum e suas performances suaves em shows são atiradores profissionais. E eles acertam a maioria dos alvos que buscam.

O single atual "Look After Yourself", por exemplo, parece uma daquelas músicas "ei, isso é Eagles ou ...??", exceto que, na metade, você sabe que não são Eagles ou qualquer outra banda de Los Angeles. Os vocais são um pouco menos habilidosos, as harmonias muito menos corais, o solo de guitarra tem um salto ingênuo, que não tem nada a ver com a plenitude multi-track de Sunset Boulevard.


Na verdade, além de Look After Yourself e os ecos de Life In The Fast Lane em "Back Again", Stars evita Sunset Boulevard completamente. Sua verdadeira essência são exercícios lentos e sensuais em baladas como "West Is The Way", "Jupiter Creek" e Ain't No Time For Cryin'". "No Time For Cryin", a propósito, é do guitarrista Mal Eastick, todos os outros originais são do guitarrista parceiro Andy Durant.

Durant se concentra em Australiana - seja narrativa como em Jupiter Creek ou o romantismo do Wild Oz Outdoors (Paradise & Song For The Road). Ele certamente pode escrever melodias atraentes e o cantor Mick Pealing pode certamente entregá-las com tons claros e fortes e muita concentração no clima lírico.

Infelizmente, embora almeje a seção central do country rock e retenha uma identidade Oz, a banda é um pouco lenta demais no gatilho para o boogie uptempo. "Let's Get Moving", por exemplo, é sobre um confronto de foras da lei com o phuzz, mas se move no ritmo suave de uma caminhada de piquenique. "Mighty Rock" tem um gancho maravilhoso, mas o apoio do rock é abafado e Mick Pealing poderia estar cantando uma lista de compras, ele parece tão animado sobre o poder energizante do rock 'n' roll. 


E então, novamente, a versão ao vivo de "Rocky Mountain Way" tem guitarras rangendo e quebrando nos lugares certos, mas não soa nem de longe demente como o original de Joe Walsh era. Assim como o solo de guitarra de Joe no single "Hotel California".

E é isso que o Stars tem que aprender. No momento, eles estão se escondendo atrás de sua música, o que é bom para baladas e aceitável para corredores de ritmo médio. Mas se você quer rock, você tem que soar demente, mesmo que não seja.

Caso contrário, você tem que ficar com o lado mais suave do Hip Easy Listening. Do jeito que as coisas estão, a única desvantagem do Stars é sua própria sanidade sensata. [Crítica de Anthony O'Grady, RAM, 10 de março de 1978. p31]

Este post consiste em FLACs extraídos do meu CD e inclui a arte completa para vinil e CD. Eu tenho o LP, mas pensei que um rip de CD seria melhor recebido. As faixas bônus, dois singles lançados em 1976, são, claro, extraídos dos meus 45. Se houver interesse suficiente neste post, postarei o álbum ao vivo deles '1157' em um futuro próximo. Eu vi esses caras tocarem inúmeras vezes enquanto eles faziam o circuito Melbourne Pub and Uni no final dos anos 70, mas fiquei mais impressionado com o set que eles tocaram no Nightmoves Concert de 1977 no Palais Theatre em St. Kilda. Sua interpretação de "Rocky Mountain Way" foi eletrizante e estabeleceu Andy Durant como um dos melhores guitarristas da Austrália. Espero que você curta o álbum de estreia deles e, como O'Grady comenta acima em sua análise, ele se destaca bem ao lado do álbum de estreia robusto dos Dingoes.



Tracklist:
01. Back Again
02. Lets Get Moving
03. Paradise
04. Jupiter Creek
05. Mighty Rock
06. West Is The Way
07.  Song For The Road
08.  No Time For Crying
09.  Look After Yourself 
10.  Rocky Mountain Way (Live) 
11.  With A Winning Hand (Bonus A-Side Single)
12.  Drift Away (Bonus B-Sidec Single)
13.  Quick On The Draw (Bonus A-Side Single)
14.  Straight Life (Bonus B-Side Single)

As estrelas eram:
Mick Pealing (vocais), 
Mal Eastick (guitarra)
Andy Durant (guitarra) 
Glyn Dowding (bateria)
Graham Thompson (baixo)







FADOS do FADO...letras de fados...

 



A rua do desencontro

Jerónimo Bragança / Nóbrega e Sousa
Repertório de Estela Alves 

Alguém me encontrou
Alguém me perdeu
Na rua do desencontro
Nem eu me encontro 
Já não sou eu

Perdida por ti
Perdida de ti
Sou isto que sou agora
Deitem-me fora, vou por aí

Meu rasto no chão 
Traz sonhos perdidos
Nos braços caídos
Não há sequer uma ilusão

Alguém me encontrou
Alguém me perdeu
No mundo do desengano
O teu engano também foi meu

Amada por ti
Beijada por ti
Sou isto que sou agora
Não houve aurora quando nasci

Só tenho de meu os restos de nada
Na boca rasgada 
Nem o sabor dum beijo teu
Pois quem me encontrou
Também me perdeu


A rua do silêncio

António Sousa Freitas / Joaquim Campos *fado alexandrino*
Repertório de Carlos do Carmo


Na rua do silêncio é tudo mais ausente
Até foge o luar e até a vida é pranto
Não há juras de amor, não há quem nos lamente
E o sol quando lá vai é p’ra deitar quebranto

Na rua do silêncio o fado é mais sombrio
E as sombras duma flor não cabem lá também
A rua tem destino e o seu destino frio
Não tem sentido algum, não passa lá ninguém

Na rua do silêncio as portas 'stão fechadas
E até o sonho cai, sem fé e sem ternura
Na rua do silêncio há lágrimas cansadas
Na rua do silêncio é sempre noite escura


A rua dos desejos

Letra e musica de Manuel Fernandes
Repertório de  Manuel Fernandes

Foi na rua do desejo 
Que ele encontrou sua amada
Disse apenas um gracejo 
Não gostou, ficou zangada

Não deixou de a acompanhar 
Dizendo: se não se importa
Gostava de conversar 
Que o amor bateu-me à porta

Mas quem lhe deu confiança 
P'ra falar comigo assim?
Repare que a vizinhança
Não deixa de olhar p'ra mim

Se o teu olhar é só meu 
Minha vida será tua
Foi sina que Deus nos deu 
Morarmos na mesma rua

Se dás conta do que faço 
Se dou conta do que fazes
Vizinha, dá-me o teu braço 
E vamos fazer as pazes

Pazes feitas deu ensejo 
P'ra deixarem de brigar
Pois na rua do desejo 
Já nasceu um novo lar




Elvis Costello - My Aim Is True (1977)

A estreia clássica de Elvis Costello em 1977 mostra todos os elementos que viriam a definir seu som durante a próxima década: arrogância punk rock, jogo de palavras denso e hiperletrado, cinismo despreocupado e humor irônico. “My Aim Is True”, gravada com músicos de estúdio antes da formação do The Attractions, se apoia fortemente na influência do Rock & Roll, Doo Wop, Soul e R&B dos anos 1950, em vez do som New Wave pesado em sintetizadores que ele experimentaria em lançamentos subsequentes.

“My Aim Is True”, como muitos grandes álbuns, é diverso e difícil de definir. A única constante é o intelecto infinitamente faminto de Costello, queimando intensamente em cada faixa. Ele canta sentimentos ternos de amor ingênuo em “Alison”, apenas duas músicas antes de cuspir uma retórica irada e anticonformista com “Less Than Zero”. Essa tendência à dicotomia é tão confusa quanto cativante.

Uma diferença notável entre este disco e seu trabalho posterior é a frequência com que "My Aim Is True" encontra Costello cantando sobre contratempos românticos e amor adolescente quixotesco. "I'm Not Angry" detalha as frustrações de um amante ciumento e desprezado. "Miracle Man" e "Mystery Dance" são relatos hilários de desejos sexuais não realizados e do comportamento vergonhosamente pouco sofisticado de jovens amantes.

Também está presente aqui a sátira social pela qual suas músicas são bem conhecidas. "Pay It Back" lamenta a perda de identidade ao se assimilar à cultura profissional enquanto ele canta: "E eles me disseram que eu poderia ser alguém se eu não deixasse muita coisa atrapalhar / E eu tentei tanto ser eu mesmo, mas continuo desaparecendo." A excelente faixa de abertura, “Welcome To The Working Week”, dá uma chance aos trabalhadores desiludidos com o verso: “Eu ouço você dizendo, 'Ei, a cidade está bem' quando você só lê sobre ela em livros/Gasta todo seu dinheiro ficando tão convencido que você nem se deu ao trabalho de olhar.” O

trabalho de Costello foi categorizado de muitas maneiras, mais notavelmente como uma força pioneira no desenvolvimento do som punk rock, mas isso é enganoso. Seu estilo vocal característico foi extremamente influente a esse respeito, mas suas composições e arranjos estão a mundos de distância da maioria dos músicos punk em termos de criatividade e sofisticação. “My Aim Is True” é apenas o primeiro de uma série de discos brilhantes que ele lançou durante o final dos anos 70 e início dos anos 80 que elevaram o nível para todos os outros que compunham música pop. A capa do disco diz tudo: Elvis é rei.

Melhor faixa: “Watching The Detectives”


Destaque

Sugar Bear - Sugar Bear 1970

Outra prensagem privada dos anos 70, desta vez um pedaço charmoso de rock rural do estado ensolarado. Originalmente lançado pela No Label   ...