Gandalf - Selftitled (1969)

Gandalf foi uma banda americana de rock psicodélico formada em 1965 na cidade de Nova York. Originalmente chamado de Rahgoos, o grupo era formado pelo guitarrista Peter Sando, o baixista Bob Muller, o tecladista Frank Hubach e o baterista Davy Bauer.

Eles assinaram um contrato de gravação com a Capitol Records em 1967. Os produtores Koppelman & Rubin não ficaram felizes com o nome da banda e sugeriram que ele fosse mudado para Knockrockers.

No entanto, Peter Sando comentou que eles "odiavam isso e brincavam sobre vários nomes". Apesar de ser contra a vontade da banda e perder o reconhecimento dos fãs locais, Davy sugeriu o nome "Gandalf and The Wizards", que acabou ficando como "Gandalf".

Gandalf 1967

Eles gravaram seu primeiro e único LP no mesmo ano. O disco inclui covers de Tim Hardin, Eden Ahbez e Bonner & Gordon (os escritores de "Happy Together") e duas músicas compostas pelo guitarrista da banda, Peter Sando. Mas a Capitol os rejeitou e só lançou o LP em 1969 com o disco errado dentro da capa.

As cópias foram recolhidas e prejudicaram a carreira da banda. A Capitol não promoveu o disco, o que piorou as vendas. Ao longo dos anos, a reputação do álbum cresceu e ele foi relançado pela Sundazed Records em 2002.

Críticas de álbuns

O álbum autointitulado de Gandalf tem um toque psicodélico barroco atraente com um ar espacial, embora sua qualidade dependa muito do padrão do material.

Geralmente eles são melhores quando contam com uma produção um pouco estranha e espacial, como em "Scarlet Ribbons" e seu cover de "Hang on to a Dream" de Tim Hardin. Em faixas como "You Upset the Grace of Living" há um bom equilíbrio de melodia e teclados quase clássicos na cúspide entre pop, rock progressivo e psicodelia. "Can You Travel in the Dark Alone", uma das poucas originais (de Peter Sando), é um pop ensolarado, harmônico e agradável com uma sensação ligeiramente experimental, na linha de algumas das melhores coisas feitas por figuras cult da Califórnia como Gary Usher e Curt Boettcher na época [por Richie Unterberger]

Bob Muller e Peter Sando

Novamente, uma dessas bandas que surgiu com um álbum realmente bom só para desaparecer da Terra "média" logo depois. Todos nós conhecemos aqueles clássicos atemporais dos anos 60 que ouvimos com tanta frequência que não parece algo que saiu nos anos 60, sabe o que quero dizer? Mas este é um daqueles álbuns que você ouve e faz você pensar "então é assim que os anos 60 soavam", um tipo de álbum cápsula do tempo. Este álbum é inequivocamente psicodélico, tem tudo: as guitarras crocantes, os vocais reverberados, o simulador de viagem de LSD que faz você se sentir bem. Embora essas músicas sejam todas covers, isso não tira o crédito desses caras que fizeram soar do jeito que soa. Eu realmente amo este álbum, é uma daquelas joias que você encontra por acaso, um produto maravilhoso de sua época. 

[ por Dante15994 ]

Este post consiste em FLACs extraídos do lançamento do CD Sundazed e inclui a arte completa do álbum para CD e vinil. Eu amo este álbum, não apenas por seus maravilhosos sons psicodélicos dos anos 60, mas também por seu ótimo cover do single de sucesso de Tim Hardin, "Hang On To A Dream". E quem poderia resistir a pegar este álbum das prateleiras de discos com sua capa atraente!

Lista de músicas

01. Golden Earrings 

02. Hang On To A Dream 

03. Never Too Far

04. Scarlet Ribbons 

05. You Upset The Grace Of Living 

06. Can You Travel In The Dark Alone 

07. Nature Boy 

08. Tiffany Rings 

09. Me About You 

10. I Watch The Moon 

Membros da banda:

Peter Sando - guitarra

Frank Hubach - teclados

Bob Muller - baixo

Davy Bauer - bateria

MUSICA&SOM

Toumani Diabaté With Ballaké Sissoko - New Ancient Strings (1999)

New Ancient Strings (1999)

Toumani Diabaté With Ballaké Sissoko

Toumani Diabaté está em outro espectro da música africana, de fusionistas influenciados pelo Ocidente, como Fela Kuti e Mulatu Astatqe. O dele é muito mais tradicional, focando em lições e estilos que existem em famílias como a dele há gerações. Ele é uma espécie de bardo, um "griot" em francês, que usa sua música como uma forma de contar histórias e evocar imagens que são imediatas e intensas.

Basta dizer que New Ancient Strings (1999, Hannibal), que descobri por acaso na Amazon, é, portanto, um dos discos com o som mais "verdadeiro" que ouvi em algum tempo. Cada som parece autêntico e real, impregnado de tradição e sabedoria de filosofia centenária. É um álbum esparso, muito mais do que suas colaborações mais recentes com o falecido e grande Ali Farka Touré, com a kora de Diabaté, uma harpa/luth tradicional da África Ocidental peculiar e de aparência muito complicada, tomando todo o centro do palco. E é maravilhoso. Fiquei me perguntando por que nunca tinha ouvido um antes - que vergonha!

É um som gracioso e emocional, delicado e fugaz, imediatamente evocando visões do sol do deserto, de barcos de marabu à deriva e pequenas e misteriosas cidades de lama e palha. O poder evocativo da música africana é praticamente inigualável, e cada giro de New Ancient Strings me envia em uma jornada. Quer vir junto?

Childish Gambino - Bando Stone and the New World (2024)

Bando Stone and the New World (2024)

Childish Gambino

Bando Stone & The New World é o último álbum de estúdio de Childish Gambino, assim como a trilha sonora de um próximo filme de mesmo nome. Estranhamente, fiquei um pouco ansioso sobre este álbum, Gambino foi o primeiro rapper que eu curti e ele basicamente deu à luz meu amor por tantos gêneros e estilos, hip-hop, psicodélico, funk, hip-hop experimental e industrial, e eu não sabia o que esperar do álbum final de um dos pais fundadores do meu gosto musical. O que eu tenho aqui é esta coleção enorme de uma hora de tantos estilos e ideias diferentes, um álbum relativamente ambicioso com a quantidade de estilos que ele aborda, e ainda assim tão inegavelmente Gambino.

Uma crítica muito comum que vi sobre Donald Glover é que ele é um pau para toda obra, mas mestre em nada, e quase parece que este álbum está se inclinando para essa crítica com todos os diferentes sabores em exibição, a alma mais suave de "Steps Beach", o rock alternativo hino do single principal "Lithonia", o R&B com influência africana de "In the Night", a psicodelia extensa de "No Excuses" e "Happy Survival", o hip-hop industrial abrasivo/abertura de clube desconstruído "H3@RT$ W3RE M3@NT T0 F7¥", parece que Gambino realmente se propôs a provar a si mesmo e consolidar seu legado com este álbum. Mesmo com dezessete faixas e uma hora de duração, o álbum é notavelmente consistente, tanto em qualidade quanto em vibração, com todas as mudanças de gênero, a vibração sempre se mantém em uma paisagem sonora muito densa e florestal, que eu acho que é destacada no trailer do filme e na arte da capa, parece estranhamente mágico às vezes, como na primeira metade de 'Got To Be', 'No Excuses' e 'We Are God', meio que tocando "Awaken, My Love!" de certa forma.

Apesar da duração ou talvez por causa da duração, acho que Bando Stone & The New World é realmente beneficiado por audições repetidas, parece que está propositalmente mostrando seu som de uma forma que diz para não confundir a floresta com as árvores. A maneira como todos os elementos ao longo do álbum são colocados, todas as texturas e sons trazidos a este mundo, este NOVO mundo, este Bando Stone & The New World, tudo isso tem tanta profundidade, profundidade que não percebi na minha primeira volta, profundidade que encontrei e não apreciei totalmente na minha segunda volta. De certa forma, isso é indicativo de toda a música de Gambino pós-Camp, cada álbum inegavelmente tem um mundo, todas essas cores e emoções que são meio difíceis de captar na primeira audição, e isso é acentuado pelo fato de que este álbum parece ter todas essas cores, mas em uma paleta diferente, todas podendo se misturar e criar novas cores, criar literalmente um mundo novo.

A solidão incerta de Because the Internet, dividida entre ares abertos de emoção e pânicos enlouquecidos, é o que deve ter dado origem a 'Got To Be', dividida entre a paisagem onírica psicodélica da primeira metade e a raiva primitiva da segunda metade, a enorme selva de profundidade pingando psicodélica e soul em "Awaken, My Love!" foi inegavelmente a base para este álbum e músicas como 'No Excuses' e 'Happy Survival', essas duas peças monumentalmente hipnóticas de soul, jazz e dub, e o apocalipse algorítmico, cético e em pânico de 3.15.20 (e em menor extensão sua edição remasterizada Atavista), sem esse álbum eu não acho que Gambino teria sido capaz de criar a raiva aterrorizante e os lampejos inconstantes de esperança de 'H3@RT$ W3RE M3@NT T0 F7¥', ou ter sido capaz de vender a armadilha do hype de 'Talk My Shit' com a incrível Amaarae. Acho que o brilho destacado de Atavista nos momentos mais pop e brilhantes que não estavam presentes em 3.15.20, ajuda a formar a base para uma boa parte do álbum também, o tipo de maravilha infantil de "Can You Feel Me" com o filho de Gambino, Legend, e uma paisagem sonora que é literalmente carregada pelo alfabeto parece uma ideia que Gambino só teria tido fazendo músicas como "Little Foot Big Foot", e a nudez e humanidade alegremente brandidas de "Human Sacrifice" formam o centro do single principal hino "Lithonia", uma música que eu estava inicialmente morno, mas rapidamente me apaixonei.

Mesmo os trechos mais longos longe desses sons, a canção de amor mais pop "Real Love", a canção funky, jovem e linda "Davocate", o sucesso pop punk "Running Around", tudo isso parece cozido no ethos de Childish Gambino. Bando Stone & The New World parece o ápice de tudo que Donald Glover construiu na alma de Childish Gambino, mais perto 'A Place Where Love Goes' é o resultado dos últimos 17 anos, um incrível banger pop rap experimental construído em clube que parece a versão final singular do que 3.15.20 e Atavista estavam construindo, uma pequena crítica que tenho é que seria legal se isso fosse mixado de forma semelhante ao outro de 'Outside' do Injury Reserve, um pouco mais na sua cara e mais aberto de uma forma mais dura, mas eu realmente gosto da mistura que tem como está.

Eu realmente acho que Bando Stone & The New World é incrível, dado tempo para crescer, vejo isso como um álbum final tão poderoso, o fim de um dos rappers mais proeminentes e famosos da era dos blogs e uma excelente declaração final. Mesmo com todas as suas críticas em todas essas comunidades de música online, espero que este possa ser reconhecido como um ótimo disco.

Vylet Pony - Girls Who Are Wizards (2024)

 

Girls Who Are Wizards (2024)

Vylet Pony

Esta provavelmente estará entre as surpresas mais impressionantes e inspiradoras que terei como ouvinte de música e há dois antecedentes que ajudam nisso. Primeiro, o pônei de muitos nomes, mais publicamente Vylet Pony. Ela faz música há pelo menos uma década, com as raízes mais profundas de sua inspiração musical remontando à Electronic Dance Music do início dos anos 2010 e especificamente selos como Monstercat que lançariam Brostep , Complextro , Festival Progressive House e muito mais com uma grande variedade refrescante de artistas dentro deste escopo das cenas de música eletrônica mais amplas . É um estilo de música que informaria seus primeiros discos antes - de acordo com a própria pônei - que ela se tornasse muito autoconsciente para continuar o mesmo caminho. Ela finalmente decidiu misturar essas influências principais com Electropop e ambições idealistas de Art Pop , desencadeando sua trajetória de popularidade antes que CUTIEMARKS (And the Things That Bind Us) a explodisse como uma artista legítima nas cenas de música da internet em um momento em que o Hyperpop estava se solidificando e decolando.

Em segundo lugar, está minha experiência pessoal com a audição de música e como isso influenciou minha experiência com seu último disco completo. Já disse isso muitas vezes antes, ouvi Monstercat por vários anos exclusivamente, quando minha paixão pela música despertou com EDM antes de eu também ampliar meus horizontes para a cultura musical online muito maior. Aprendi praticamente tudo o que havia para saber sobre subgêneros de EDM por volta dessa era do YouTube de 2012 a 2016 e até pratiquei DJing no meu tempo livre. Anos depois, eu, entre muitas pessoas, descobri Vylet através do CUTIEMARKS. Hesitei inicialmente porque não aceitei e ainda não aceito totalmente minha própria estranheza pessoal incrível tanto quanto ela claramente e orgulhosamente faz, mas eventualmente achei seu trabalho muito admirável. Ela era claramente muito talentosa em sua área e usa suas principais influências e interesses que compõem sua identidade como um brasão. Eu, pessoalmente, não me sinto totalmente encantado por seus álbuns conceituais artísticos focados no pop, por melhores que sejam, então eu não estava totalmente esperando... nada assim.

Com Girls Who Are Wizards deste ano, Vylet Pony faz um mergulho triunfante de volta ao EDM do tipo YouTube no seu melhor, mais denso, colorido e transcendente, em uma tentativa de curar as maiores aspirações de seu eu mais jovem e explorar suas nostalgias sinceras, agora com dez anos de experiência em produção ao redor de seu currículo para realizar tudo isso completamente com uma lente madura, sincera e focada. Não posso dizer o quão feliz isso me faz sentir. Eu estava preocupada em ver que este seria seu primeiro álbum de EDM em anos que seria muito brincalhão ou bobo, eu estava preocupada que sua duração faria com que a qualidade do prazer estagnasse progressivamente e eu estava preocupada em obter o EDM mais plástico que agora aparece nas maiores plataformas do YouTube do gênero atualmente. Todos esses medos foram amenizados com cada faixa que ela coloca neste disco e sim, eu incluo o interlúdio Ambient no centro dele, quebrando a sequência de barulho constante de festa diretamente pela metade. Não é perfeito, mas meu Deus, esse respiro é necessário.

Preciso que todos percebam que para cada chance de explorar as profundezas do EDM da internet que você negligencia, você está perdendo as minas de ouro legítimas de euforia como este disco! Se o EP de sucesso do Skrillex não fizer isso por você, deixe que esta honra lhe dê outra chance de perceber a beleza do ruído organizado. Posso transformar qualquer queda neste álbum - na verdade, todas elas - como exemplos extremamente brilhantes do tipo de música com a qual cresci. Sacred Dragon em particular não é apenas meu corte favorito, mas também um representante de outra grande qualidade deste álbum: seus vocais! Sim, não me apaixonei com tanta frequência por fusões pop completas de EDM, mas performances vocais como as dela acontecem em EDM o tempo todo sem aquele crossover pop e ainda acabam excelentes, ajudando a carregar mais peso neste álbum enquanto ainda mostra que ela tem uma ótima voz! Nessa nota, o mantra sampleado de "A música nunca para, não!" acrescenta para me manter tão animado para cada vez que é usado em suas músicas aqui e, embora ela não seja totalmente imune a ser brincalhona e memética com alguns de seus ruídos, as poucas vezes que ela mistura memes em seu trabalho não abala a experiência tanto quanto aconteceria com quase todos os outros artistas da área! Ajuda que seu amor pela cultura da internet do início dos anos 2010, no geral, pareça muito mais genuíno aqui do que em todas as músicas que não são do ANTONYMPH que ela fez, para mim.

Que conquista extraordinária para o retorno sincero de Vylet Pony ao EDM de seu sangue, ser tão consistentemente extraordinário e até mesmo representativo das maiores qualidades do gênero! Os sinais apontam para que este disco fique ainda mais forte em mim com audições futuras e, mesmo que isso não aconteça, minha primeira audição nunca será esquecida. Este será, sem dúvida, um dos meus álbuns favoritos de 2024 daqui para frente e eu ficarei furioso se isso não for reconhecido tanto quanto eu sinto que merece. O mundo maior já negligencia e mina esse som graças à reputação corroída pelo discurso de ruído do Skrillex. Agora é hora de mergulhar e festejar, sem melhor oportunidade do que com o presente olhando para o passado com carinho.

Deny e Dino - 20 Super Sucessos (1966 – 1982)

MUSICA&SOM

Deny e Dino - 20 Super Sucessos (1966 – 1982). 

Género: Jovem Guarda, MPB. 

“20 Super Sucessos“ é uma excelente compilação da dupla Deny e Dino que fez sucesso na época da jovem guarda e se manteve em actividade depois dessa altura. Da antologia destacamos canções como, “Coruja”, “O Ciúme”, “Shut Up”, “A Catedral” e “Eu Só Quero Ver”, entre outras. A compilação abrange temas lançados naquela época e faixas editadas na fase pós jovem guarda. 

Deny e Dino foi uma dupla musical brasileira formada inicialmente pelos cantores e compositores José Rodrigues da Silva, o Deny (Santos, 1944) e Décio Scarpelli, o Dino (Santos, 1942 – São Paulo 1994). 

A dupla gravou mais de 30 compactos e 10 LPs, tendo obtido diversos grandes sucessos e participou em muitos programas de televisão da década de 60. Venceram vários discos de ouro e troféus como os famosos Chico Viola e Roquete Pinto. 

Após a morte de Dino, em 1994, Deny continuou carreira com outro parceiro, Elliot de Souza Reis, que desde 1996 manteve o cognome Dino. 

Deny participou também de shows comemorativos dos 30 anos da Jovem Guarda e passou a apresentar programas de rádio dedicados ao rock das décadas de 1950 e 1960. Mais informação sobre esta dupla brasileira, já se encontra inserida neste blog. 

Faixas/Tracklist: 

01. Coruja 

02. Eu Só Quero Ver 

03. Quando O Sol Despertar 

04. Pare 

05. O Ciúme 

06. Só Pra Ver Você Chorar 

07. Cantem Comigo 

08. Tempos Dourados 

09. O Maior Golpe Do Mundo 

10. Cabeça Branca 

11. Catedral 

12. Shut Up 

13. O Quanto Eu Te Quero (Lo Mucho Que Te Quiero) 

14. Nem Um Minuto Mais 

15. Não Devo Chorar 

16. Esse Cara Não Tá Com Nada 

17. Ainda Vai Chegar O Dia 

18. A Photo 

19. Bêbado 

20. Tirando O Sarro 

The New Clevers – Antologia (1965-1971)

MUSICA&SOM

The New Clevers – Antologia (1965-1971).

Género: Pop/Rock, Jovem Guarda, MPB.

The Clevers, The New Clevers, Os Novos Clevers ou, simplesmente, Os Clevers, foi uma banda brasileira de pop/rock, criada em 1965, tendo encerrado as suas atividades em 1974. Inicialmente, entre 1962 e 1965, o nome The Clevers era utilizado pelo grupo Os Incríveis. Entretanto, após desentendimentos com o empresário Antônio Aguillar, este ficou com o nome já que o havia legalmente registado. Assim, aproveitou o seu programa “Reino Para a Juventude”, apresentado na TV Record, para recrutar uma nova banda que utilizasse o nome, escolhendo um grupo chamado Les Celibateurs, agora "The New Clevers". A formação original era constituída pelos irmãos Reno e Francis, respectivamente guitarra ritmo e solo, Ringo, nos teclados e saxofone, Tony, no baixo e Betinho, na bateria.

Em outubro de 1966, lançaram algumas das suas melhores canções como, "Por Que Você Não Vem?" (Reno / Dino), "La La La" (Gerrard Marsden/versão: Waldyr Santos) ou "Não Quero Mais Te Amar (Not a Second Time)" (Lennon, McCartney / versão: Norberto de Freitas). Lançam ainda alguns singles nesse mesmo ano e no seguinte, como "Rita" (Pino Donaggio) / "Flamenco" (Los Brincos), de 1965, entre outros. Em 1968, mudam-se para a gravadora Fermata, onde editam mais alguns 45 rpm. Assim, em maio de 1968, lançam "La Tramontana" (Daniele Pace, Mario Panzeri) / "Sandrinha" (Ringo) e um EP com "A Lenda de Xanadu" (Ken Howard, Alan Blaikley / versão: Fred Jorge) / "Mr. Moon" (Parter, Parter) / "La Tramontana" / "Sandrinha". Conseguem um moderado sucesso com a canção "A Lenda de Xanadu" e embarcam para uma turnê pela América do Sul. Ao voltarem da digressão, alguns integrantes resolvem separar-se. Em 1974, encerram a carreira.

Faixas/Tracklist:

01 - Flamenco (1965)

02 - O Quadradão (1967)

03 - Sem Resposta (No reply) (1965)

04 - Não Quero Mais Te Amar (Not a second time) (1966)

05 - Rita (1965)

06 - La la la (1966)

07 - Porque Você Não Vem (1966)

08 - Brisa Vem (1969)

09 - Vou Seguindo (1971)

10 - Vá Andar (1969)

11 - Baby Come Back (1971)

12 - Eu Me Lembro de Você (A groove kind of love) (1967)

13 - A Chuva (1967)

14 - Asa Branca (1967)

15 - Mr. Moon (1968)

16 - Texas Patrol (1965)

17 - Sandrinha (1968)

18 - A lenda de Xanadu (1968)

19 - Casatchok (1969)

20 - A Tramontana (1968)

Membros/Members:

Francisco Monteiro, o “Francis” (guitarra solo).

José Carlos, o “Ringo” (saxofonista)

Betinho (baterista)

Reno (guitarra ritmo)

Tony (baixo)

1997 Michel Petrucciani – Both Worlds

Both Worlds é um álbum do pianista de jazz francês Michel Petrucciani lançado em 1997 pela Dreyfus Records.

Tracks

1 35 Secondes Of Music And More (Michel Petrucciani) 5:24
2 Brazilian Like (Michel Petrucciani) 4:47
3 Training (Michel Petrucciani) 3:58
4 Colors (Michel Petrucciani) 6:58
5 Petite Louise (Michel Petrucciani) 5:25
6 Chloé Meets Gershwin (Michel Petrucciani) 6:14
7 Chimes (Michel Petrucciani) 5:11
8 Guadeloupe (Michel Petrucciani) 6:12
9 On Top Of The Roof (Michel Petrucciani) 5:35

Musicians

Bass	Anthony Jackson
Drums	Steve Gadd
Piano	Michel Petrucciani
Sax	Stefano Di Battista
Trombone	Bob Brookmeyer
Trumpet	Flavio Boltro

Liner Notes

Producer – Francis Dreyfus & Yves Chamberland
Arranged By – Bob Brookmeyer
Mastered By – Scott Hull
Mixed By – Roger Roche
Recorded By – Roger Roche

Photography – William Laxton, Jean Ber

Mastered At Masterdisk
Recorded At Right Track Recording
Phonographic Copyright Disques Dreyfus
Copyright Disques Dreyfus