Roomful Of Blues - Dressed Up To Get Messed Up 1984 (USA, Blues, Swing)
Artista: Roomful Of Blues De: EUA Álbum: Dressed Up To Get Messed Up Ano de lançamento: 1984 Gênero: Blues, Swing Duração: 37:10
Tracks: Songs written by Greg Piccolo except where noted. 01. Money Talks - 3:08 02. What Happened To The Sugar (In My Lemonade)? - 4:04 03. Let's Ride - 4:25 04. Yes Indeed! - 2:55 05. Alibi's Boogie (Al Copley, Preston Hubbard, John Rossi, Bob Enos, Porky Cohen, Rich Lataille, Doug James) - 5:07 06. The Last Time - 3:51 07. Oh Oh (Erwin Bocage) - 2:48 08. Dressed Up To Get Messed Up - 3:11 09. He Knows The Rules (Jimmy McCracklin) - 4:26 10. Whiplash - 3:15
Personnel: - Greg Piccolo - vocals, tenor saxophone, producer - Ronnie Earl - guitar, guitar-organ (02), backing vocals (07) - Al Copley - piano, organ (04) - Preston Hubbard - bass guitar, bass fiddle - John Rossi - drums, backing vocals (01,03), percussion (03) - Porky Cohen - trombone - Bob Enos - trumpet, backing vocals (01,03,08) - Rich Lataille - tenor & alto saxophones - Doug James - baritone saxophone + - Kim Wilson - vocals (06) - 14 Karat Soul (Glenny T., David Thurmond, Russell Fox II, Brian Simpson, Reginald Brisbon) - vocals (02,04,08) - Rory MacLeod - bass fiddle (01,08) - John Lamoia - percussion (03)
Os gigantes do rock progressivo Camel tinham um público estabelecido há muito tempo no final dos anos 1970, e provaram isso novamente em 14 de outubro de 1978, quando chegaram às paradas do Reino Unido com seu quarto álbum top 30 em pouco mais de três anos, Breathless.
Depois de chegar às paradas pela primeira vez com "The Snow Goose" em 1975, uma entrada nº 26, Camel chegou ao top 20 duas vezes consecutivas, com "Moon Madness", nº 15 em 1976, e "Rain Dances", que alcançou a posição nº 20 em 1977. "Breathless", o quarto de oito álbuns nas paradas do Reino Unido, consolidou seu sucesso em uma época em que a new wave supostamente estava varrendo tudo antes dela.
Gravado no famoso Manor Studios e produzido pela banda com Mick Glossop, é um marco na história do Camel porque este foi o último álbum a apresentar o tecladista cofundador da banda, Pete Bardens. Depois de coescrever todas as músicas de Breathless, exceto duas, Bardens saiu antes da banda fazer a turnê do disco. Mel Collins agora estava no grupo nos saxofones, e dois tecladistas foram convocados para a turnê: Dave Sinclair, que era primo do baixista Richard Sinclair, e Jan Schelhaas.
Camelo 1978
Não é o melhor álbum que Camel lançou, mas Breathless tem seus momentos. Pete Bardens e Andy Latimer não se deram bem durante as sessões de gravação, o que levaria à saída de Bardens após o álbum ser concluído. Apenas "Echoes" e "the sleeper" ainda têm a marca registrada de Camel, que consiste em duelos mágicos entre as guitarras de Latimer e os teclados de Bardens. Especialmente "Echoes" se tornaria um favorito de concerto para a banda. Essas faixas justificam a compra do álbum para fãs de rock progressivo.
Outras faixas tendem ao pop do final dos anos setenta, embora algumas faixas ainda sejam bastante agradáveis, como "Breathless" ou "On a wing and a prayer". "Summer lightning" tem algumas influências desagradáveis do pop e até do disco, mas a melodia é boa e a guitarra de Andy Latimer é brilhante. Outras faixas são esquecíveis. Normalmente, o ponto fraco em Camel é o vocal, mas não neste álbum. Em 1977 e 1978, o famoso cantor do Caravan, Richard Sinclair, era o vocalista principal da banda e ele faz um trabalho muito melhor do que Andy Latimer poderia ter feito. Sinclair entrega "Down at the farm", uma música engraçada e edificante sobre a vida no campo, a música tem uma melodia cativante e excelente flauta de Mel Collins, um dos destaques do álbum.
Se você é um fã do Caravan, a influência de Sinclair será altamente agradável. Breathless chegou quando o mundo odiava a música progressiva, consequentemente, cai em desgraça com as críticas, no entanto, para mim, é uma extensão de Rain Dances e tem uma bela sensação. Lembre-se de que esses caras estavam amadurecendo e a música com isso. Echoes, Summer Lightning e You Make Me Smile sendo os principais destaques. As capas de vinil estavam em alta e Breathless certamente não decepcionou. Musicalmente, porém, muito sólido, mesmo com a saída iminente de Bardens.
Camelo [Notas do encarte]
Ainda proclamando um pessoal idêntico ao de seu LP RAIN DANCES, lançado em setembro de 1977 e, em seguida, construído em concerto no histórico musical duplo conjunto, A LIVE RECORD (abril de 1978), Camel estava realizando o trabalho inicial para um novo álbum de estúdio durante os primeiros meses daquele último ano.
Os membros originais, Srs. Latimer, Bardens e Ward, foram recentemente complementados pelo ex-baixista do Caravan, Richard Sinclair, enquanto o sempre confiável soprador de palhetas Mel Collins — que nunca foi um participante em tempo integral, mas sempre disponível para gravações e turnês entre suas inúmeras atividades de "sessão" — prontamente concordou em chegar quando necessário a todo vapor.
André Latimer
No entanto, a interface melódica entre Andy Latimer e Peter Bardens estava progressivamente piorando, pois ambos viam o futuro do Camel se aventurando por caminhos diferentes, e enquanto no passado essa "rivalidade" havia contribuído positivamente para a evolução sonora da banda, durante a gravação deste último projeto - a ser anunciado como BREATHLESS - a corrente oculta de atrito aparente pela primeira vez durante a criação de RAIN DANCES veio à tona mais completamente. Em 1981, Andy Latimer relembrou os eventos do período: "Peter e eu sempre nos demos bem ao criar, mas os problemas começaram quando chegamos à execução real das ideias. No estúdio, estávamos apenas sufocando um ao outro. Eu não o deixava expor nenhuma de suas ideias, e ele não me deixava expor nenhuma das minhas, então ficou bem pesado. Nós concordamos mutuamente em nos separar no nível criativo. Richard e Andy queriam ficar comigo, então Peter foi. Acho que foi uma boa jogada para nós dois.
Tendo isso sido acertado, Bardens completou o próximo set com seus antigos colegas, novamente seu trabalho sendo um conjunto de músicas individuais em vez de seguir a estrutura conceitual que já havia sido o principal responsável por sua ascensão à fama até então.
Se houve desentendimentos, poucos fora das cabines à prova de som do triunvirato de estabelecimentos que sediaram a gravação do BREATHLESS poderiam ter adivinhado. Um resultado soberbamente realizado se seguiu, com uma das esquisitices mais deliciosas do Camel, o efeito sonoro caprichoso de Richard carregado de DOWN ON THE FARM, acomodando-se confortavelmente entre suas demonstrações mais usuais de virtuosismo instrumental.
John Sinclair
Com lançamento previsto para o Reino Unido em 22 de setembro de 78 como Decca TXS-R I 32, ele entrou no nosso Top 60 em 14 de outubro na posição 26, mas saiu sete dias depois e não retornou.
Nenhum spin-off de sete polegadas foi previsto internamente, embora uma versão especial de RAINBOW'S END tenha aparecido no maxi-single lançado para dar suporte ao long-player I CAN SEE YOUR HOUSE FROM HERE no ano seguinte (somente no Reino Unido). REMOTE ROMANCE e TELL ME foram seus cúmplices.
Embora ele tivesse cumprido as obrigações de gravação em BREATHLESS, todos os envolvidos sabiam que Peter Bardens (foto abaixo) não se juntaria ao ônibus da turnê para uma longa promoção internacional já reservada. Nunca houve intenção de recrutar um clone de Bardens, então quando o Sr. Sinclair sugeriu o emprego de dois ex-companheiros de quarto do Caravan adeptos dos 'oitenta e oitos', seu primo Dave e o de Liverpool Jan Schelhaas, os Andys viram novos horizontes brilhantes se abrindo e prontamente concordaram. Felizmente, os abordados também.
A cruzada noturna deles começaria em 10 de setembro no Fairfield Hall de Croydon com o cantor/compositor Michael Chapman como convidado especial - eles estavam se apresentando no Gaumont Cinema de Ipswich, Suffolk, na noite da inauguração do BREATHLESS alguns dias depois - e terminaram sua parte no Reino Unido na York University em 14 de outubro, após o que a Europa continental teve um deleite até dezembro. Próxima parada, um primeiro gostinho do Japão, que foi um triunfo tão grande que eles estavam provisoriamente registrando datas de replay de 1980 antes de partir, e então para a América do Norte.
Contratado pela Decca/Deram para o mundo, exceto EUA e Canadá, naqueles dias, seu acordo anterior com a empresa Janus para esses últimos territórios nomeados havia terminado e este último evento já estava pactuado para um novo major. Com os garotos capazes de apoiar sua aparição por meio de datas ao vivo, Arista4206 mudou-se para o Top 200 da Billboard em 10 de fevereiro de 1979 e depois disso galopou para o norte para 134 durante uma parada de 10 semanas. Havia sorrisos por toda parte.
Uma vez em casa, porém, Dave Sinclair, que havia assinado apenas por um período, acenou adeus, mas, mais importante, Richard também pediu um tempo devido à pressão da turnê. Jan estava ficando; todos queriam prosseguir com a ideia dos teclados duplos, então no verão, o ex-Clancy, Steve Hillage e o quatro cordas de Carol Grimes, Colin Bass, chegaram junto com o próprio Kit Watkins da América, ex-Happy The Man, que trouxe seus numerosos descendentes elétricos do cravo para completar um
quinteto dos sonhos.
Andy Ala
Eles começaram a compor um novo material imediatamente, e depois de apenas algumas semanas juntos, Andy Latimer declarou em êxtase: "Está melhor agora musicalmente do que nunca. Temos a capacidade, tanto para peças mais complicadas quanto o poder para coisas diretas. O nível de entusiasmo trouxe os novos números muito rapidamente. Gravar é divertido, em vez de um esforço. A nova seção rítmica é tão coesa. É uma alegria tocar por cima. Estamos orgulhosos do que fizemos no passado e continuaremos a tocar ao vivo. Ainda somos distintamente ingleses e gostamos de arriscar. O novo material soa mais comercial, mas só fazemos o que queremos fazer."
Indo com tudo, os garotos contrataram o produtor Rupert Hine para assumir o papel para o qual eles mesmos haviam contratado recentemente e Mick Glossop, e em outubro de 79, ouvintes ao redor do mundo puderam compartilhar as senhas mágicas para a próxima Caverna de Aladdin do Camel, com semínimas, colcheias, vogais e consoantes, dizendo: "EU POSSO VER SUA CASA DAQUI..." [Notas do encarte - JOHN TRACY Londres, 1992]
Este post consiste em FLACs extraídos do meu lançamento em CD Deram de 1992 e inclui a arte completa do álbum para vinil e CD. Scans de rótulos e todas as fotos apresentadas acima também estão incluídas, junto com uma dose de refrescos líquidos!
Gosto bastante deste álbum e sempre gosto de um bom rock progressivo/jazz. Acho que este post vai deixar você sem fôlego.
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Lista de faixas
1. Breathless (4:16)
2. Echoes (7:22)
3. Wing and Prayer (4:41)
4. Down on the Farm (4:20)
5. Starlight Ride (3:20)
6. Summer Lightening (6:03)
7. You Make Me Smile (4:13)
8. The Sleeper (7:02)
9. Rainbow's End (3:00)
Os camelos eram:
- Andy Latimer / guitarras, sintetizadores Yamaha CS50/80, vocais
- Pete Bardens / teclados, vocais
[órgão, sintetizador, piano, melofônio não detalhado, mas altamente provável]
- Mel Collins / saxofones, flauta, [oboé não confirmado]
Este quinteto de Nova York contava com Ray Kennedy (vocal), Art Del Gudico (guitarra), Jerry Guida (órgão), Tommy Burns (bateria) e Michael Lamont (bateria) e foi formado em 1966. O álbum de estreia da banda era composto principalmente de sucessos contemporâneos, notavelmente "Hey Joe", "Morning Dew" e "Come See About Me". Uma quantidade desconhecida quando eles apoiaram Moby Grape em uma breve turnê pelo Reino Unido em 1968, Group Therapy impressionou o público com seu ato de palco emocionante e baseado na alma.
O álbum, renomeado 'You're In Need Of...Group Therapy' foi lançado tardiamente na esteira desse interesse, mas embora sua versão de 'River Deep - Mountain High' tenha despertado interesse quando lançada como single, o conjunto falhou em emular sua intensidade correspondente no show. A banda se separou sem atingir seu potencial, embora Kennedy mais tarde tenha garantido sucesso como cantor e compositor.
Ambos os álbuns (gravados em 1967-69) referem-se diretamente à criatividade e ao estilo do Vanilla Fudge - com muitas modificações no som delicioso dos órgãos Hammond e ricas harmonias vocais em primeiro plano. Eles eram, em essência, a resposta da RCA ao Vanilla Fudge... Eles até fizeram um cover de "People Get Ready" assim como o Fudge...
A música deles era do tipo pesado Vanilla Fudge, e aparentemente não memorável. Tocando principalmente originais, mas também alguns padrões, abrindo com "Foxy Lady" de Hendrix entre outros. Um belo prato de guitarra dos anos 60
Notas do encarte
Pessoal, preparem-se para a Terapia de Grupo. Por coincidência, "People Get Ready to Group Therapy" também é o título do primeiro lançamento de álbum da banda de rock elétrico pela RCA.
Tommy Burns, vocalista principal do Group Therapy, é um nova-iorquino nativo de vinte e poucos anos. (Na verdade, todos os cinco garotos estão na mesma faixa etária e são da mesma vizinhança geográfica.) Apaixonado por música desde que ouviu pela primeira vez os discos de Heartbreak Hotel e Blue Suede Shoes de Elvis Presley, Tommy, cujo tio é o compositor/músico Robert Maxwell, toca violão desde criança. Ele entrou no "show business" aos dez anos em uma peça da escola, frequentou a Quintano's School for Young Professionals, se apresentou no Peppermint Lounge em seu auge e se juntou ao Group Therapy a convite de seu amigo, Art Del Gudico. Com Art, ou "Tooch" como é chamado, Tommy escreveu Who'll Be Next, um dos números do álbum de estreia do Group Therapy.
Art Del Gudico é o guitarrista principal do Group Therapy, além de tocar baixo e cantar harmonia. Nascido em Rochester, Nova York, Tooch dedilha o violão, ou axe, como ele o chama, desde que se lembra, mas na primeira parte de sua vida, a música foi relegada a segundo plano, depois do atletismo. (No ensino médio, ele era ativo no futebol, luta livre e atletismo.) Ele decidiu pela música como carreira enquanto frequentava a Universidade de Rochester com bolsa de estudos, e fez sua primeira aparição profissional no Four Fourteen Club de Rochester.
Ray Kennedy é o outro cantor do Group Therapy. Ele nasceu na Filadélfia, onde seu pai era dono de um aeroporto, o que provavelmente explica o amor de Ray por voar. Ele admite ter crescido ouvindo os discos dos The Chipmunks, embora suas preferências musicais expressas variem de R&B a Gerry Mulligan e Ursula Andress (suas falas são líricas). Além de cantar, Ray Kennedy toca violão e instrumentos de sopro variados e é "bastante adepto do cowbell".
O organista do Group Therapy é Jerry (The Kid) Guida. Ele também toca todos os instrumentos de teclado do quinteto e é proficiente em bateria e trompete. The Kid é de Jersey City, Nova Jersey, e, influenciado por seu pai músico, decidiu se tornar um músico profissional quando tinha apenas oito anos. Ele deu seu primeiro concerto (na escola) aos doze anos, onde ganhou uma fita azul como trompetista, juntou-se ao grupo de seu pai dois anos depois e, desde então, se apresentou em vários clubes em Nova Jersey e Nova York, em concertos e na televisão. Ele mudou para órgão depois de ser apresentado aos discos de Jimmy Smith e tocou com seu primeiro grupo profissional no The Cheetah em Nova York, antes de se juntar ao Group Therapy.
O percussionista Michael Lamont é um veterano do show business da Group Therapy. Michael, que vem de Hoboken, estava no palco legítimo desde os onze anos até se juntar à Group Therapy. Ele fez sua estreia no New York City Centre na produção de "The King and I" e, desde então, apareceu na Broadway em "Oliver", "West Side Story", "Thirteen Daughters" e "Royal Hunt of the Sun". Ele também apareceu em inúmeros programas de televisão.
Este post consiste em FLACs extraídos do meu vinil recentemente adquirido (outra descoberta de mercado de pulgas) que está em condições imaculadas para sua idade. A arte completa do álbum junto com scans de rótulos estão incluídos.
Como diz o título do álbum, pessoal: "Gente, preparem-se para a terapia de grupo".
Lista de faixas
01 Foxy Lady 3:05 02 Yours Until Tomorrow 3:41 03 Come See About Me 2:46 04 Morning Dew 2:40 05 Who'll Be Next 2:31 06 People Get Ready 4:13 07 Really Together 2:06 08 Hey Joe 4:00 09 The Exodus Song 4:25 10 Expressway To Your Heart 2:37 11 Let It Be Me 4:08
Pessoal: TOMMY BURNS - Vocal RAY KENNEDY - Vocal ART DEL GUDICO - Vocal, guitarras, baixo JERRY (IHE KID) GUlDA - Órgão e todos os instrumentos de teclado MIlCHAEL LAMONT - Bateria, percussão
Pete Townshend (nascido em 19 de maio de 1945) é um guitarrista, cantor e compositor inglês. Ele é cofundador, líder, principal compositor, guitarrista e vocalista secundário do The Who, considerado uma das bandas de rock mais importantes e influentes do século XX.
Townshend escreveu mais de 100 músicas para 12 dos álbuns de estúdio do Who. Isso inclui álbuns conceituais, as óperas de rock Tommy e Quadrophenia, além de grampos de rádio de rock populares como Who's Next; bem como dezenas de outros que apareceram como singles não-álbum, faixas bônus em reedições e faixas em compilações de raridades como Odds & Sods (1974). Ele também escreveu mais de 100 músicas que apareceram em seus álbuns solo, bem como jingles de rádio e temas de televisão.
Como instrumentista, embora conhecido principalmente como guitarrista, Townshend também toca teclado, banjo, acordeão, gaita, ukulele, bandolim, violino, sintetizador, baixo e bateria. Ele é autodidata em todos esses instrumentos.
Peregrinação de Pete à Índia
Durante fevereiro e março de 1972, Pete Townshend fez uma peregrinação à Índia para visitar o túmulo de Meher Baba e conversar com aqueles que o conheciam e outros que foram atraídos por sua filosofia.
Pete relembra em sua autobiografia 'Who I Am' ...... "Fui convocado por Sarosh Irani, o membro da família de Meher Baba que organizou as celebrações da morte do Mestre. Quando cheguei, o povo de Meher Baba sugeriu que eu tocasse algumas músicas. Nesta primeira viagem, toquei 'O Parvardigar', minha versão de The Master's Prayer e 'Drowned', que apareceria em Quadrophenia. Enquanto eu tocava em frente ao Túmulo onde o corpo de Meher Baba jazia, eu o vislumbrei por um momento, sentado em uma poltrona, acenando uma mão de um lado para o outro como um metrônomo. Na gravação que fiz, você pode me ouvir pular uma batida com a visão"
Na biografia ilustrada do Who, Pete elabora mais dizendo... "Quando visitei o túmulo de Baba, me senti como um grão de poeira", ele disse, "De repente, tudo estava em proporção. Durou apenas cinco segundos, mas anseio por atingir aquele estado de excitação e paz pura novamente. Há um ritual lá, quando todos os seus seguidores ficam ao redor do túmulo e cantam 'Begin The Beguine', que era uma das músicas favoritas de Baba. Isso me deixou totalmente louco quando eu estava lá. Levantei-me depois de tudo isso e estava chorando e tudo."
Townshend tocou 'Drowned' pela primeira vez na Índia em 1972
Embora profundamente influenciado por Baba agora, Pete, diferentemente de outros atraídos por religiões indianas, não estava disposto a pregar ou converter. Embora tenha escrito um artigo sobre Baba para a revista Rolling Stone e até mesmo aparecido em programas religiosos na televisão, ele discutiu Baba de uma forma prática, nunca empurrando suas crenças goela abaixo dos outros. Pete ganhou enorme respeito intelectual, tanto dentro quanto fora da comunidade do rock, como resultado. "É muito estranho estar em um grupo como o The Who e sentir que você está em um estágio diferente de desenvolvimento espiritual dos outros", disse ele. Somos todos muito semelhantes como corpos físicos, gostamos do mesmo grau de autopunição, da mesma música e temos diferentes éticas básicas sobre como viver nossas vidas e elas não se cruzam. Profundamente escrito na filosofia do Who está o fato de que cada membro acha que os caminhos dos outros são uma besteira total, mas está tudo bem para mim. Então, digamos que sou tolerado em minhas crenças místicas.
Primeiro Álbum Solo de Pete
Quando Pete Townshend retornou da Índia, ele começou um trabalho sério em um álbum solo comercial que foi dedicado de todas as formas a Meher Baba. Townshend encontrou um caminho alternativo por meio de Meher Baba, um mestre espiritual indiano que morreu em 1969 aos 74 anos. Em fevereiro de 1970, Pete produziu 1.500 cópias de um álbum devocional intitulado Happy Birthday, que foi distribuído privadamente para seguidores de Baba, mas foi pirateado na América e vendido por baixo do balcão a um preço exorbitante. O álbum incluía material de outros amantes de Baba (incluindo Ronnie Lane do The Faces) e foi lançado em capa dupla com um livreto de quatorze páginas com desenhos, poemas e ensaios relacionados a Baba. Todos os lucros foram para a fundação Baba - tudo, isto é, até os piratas lucrarem: a America Decca, para quem Pete foi contratado para gravar, não ficou feliz.
"A empresa foi muito compreensiva", disse Pete. "Eles apenas me encorajaram a lançar o álbum pelos canais normais. Eles queriam 25.000 cópias do álbum para distribuir e me ofereceram um dólar por álbum para dar a Baba, uma taxa de royalties muito generosa. Decidi que se eu fosse fazer isso nessa escala, eu poderia muito bem fazer um álbum completamente novo."
Townshend em seu estúdio em casa
Who Came First foi gravado na casa de Pete em Twickenham em 1972 - onde o estúdio foi batizado de Eel Pie Sound - e foi um trabalho muito devocional. Quatro músicas eram originais de Townshend, duas eram orações de Baba musicadas por Pete, duas eram de outros amantes de Baba e uma versão da música favorita de Baba, "There's A Heartache Following Me" de Jim Reeves completou a seleção. Comparado a um álbum do Who, o som era fino e a voz nasal de Pete não tinha a emoção de Roger Daltrey. No entanto, foi uma declaração sincera e, graças ao status de celebridade de Pete, vendeu bem quando foi lançado em outubro.
[trechos da biografia ilustrada 'The Who' de Chris Charlesworth, Omnibus Press, 1982 e da autobiografia de Pete Townshend 'Who Am I', Harper Publishers 2012, p233]
Crítica do Álbum
Lançado no outono de 1972, 'Who Came First' deu a Townshend uma chance de explorar e expandir seu próprio território musical, bem como sua percepção de sua própria vida. O material foi selecionado de gravações feitas no estúdio caseiro de Townshend, algumas especificamente para o álbum, outras que permaneceram do projeto abortado Lifehouse. Townshend toca a maioria dos instrumentos no álbum, mas recebe alguma ajuda de Ronnie Lane, do Faces, do cantor/compositor Billy Nicholls e do músico de estúdio Caleb Quaye (mais tarde da banda de Elton John).
Músicas que figuravam no catálogo do Who aparecem aqui em formas diferentes. "Pure and Easy" foi fundida em "The Song Is Over" do Who's Next. Uma versão completa da banda da música apareceria mais tarde na coleção Odds and Sods. "Let's See Action" apareceu pela primeira vez como single no Reino Unido em 1971. Ambas foram lançadas do Lifehouse. Como a maioria de suas demos, as versões solo de Pete dessas músicas têm uma sensação distintamente diferente das versões do Who.
"Sheraton Gibson" e "Time Is Passing" são Townshend de primeira, enquanto "Evolution", a contribuição de Ronnie Lane, dá um choque no álbum. Outra música, "Forever's No Time at All", é uma canção pop brilhante escrita e cantada por Billy Nicholls. Além de trabalhar com Townshend inúmeras vezes ao longo dos anos, Nicholls fez um álbum maravilhoso inspirado nos Beach Boys, Would You Believe?, em 1968 para o selo Immediate, lar dos Small Faces.
Embora ele tenha uma mão dessas pessoas excelentes, este é o show de Pete, e a influência de Baba está presente em todo o álbum, incluindo a letra de "Parvardigar", que surgiu de seus escritos. O álbum foi dedicado a ele também. É uma coleção do tipo saco de surpresas e, na maioria dos círculos, parece quase esquecida, com muitos assumindo que Empty Glass, de 1980, foi o primeiro esforço solo de Pete, mas Who Came First é mais do que apenas uma curiosidade, ele documenta um momento significativo na vida de Townshend, tanto musicalmente quanto espiritualmente.
Este post consiste em FLACS extraídos da minha fita cassete Polydor. A fita tem quase 50 anos, mas ainda toca como se tivesse sido desenrolada ontem. Isso é incrível para mídia de fita, pois elas nem sempre duram e frequentemente apresentam desbotamentos e alongamentos. Mas não esta belezinha, no entanto.
Adoro o título do álbum com sua brincadeira com o nome da banda The Who, mas tenho certeza de que todos também o interromperam como uma pergunta em vez de uma declaração. Gostaria de saber qual seria a resposta de Townshend?
A arte completa do álbum e as digitalizações dos rótulos estão incluídas para todos os três formatos de mídia.
Em 1973, o Focus estava no auge! Eles tiveram simultaneamente dois álbuns Top 10 (Focus 3 e Moving Waves) e dois singles de sucesso ("Sylvia" e "Hocus Pocus"). Todos os músicos foram votados como Top 10 em cada uma de suas categorias. Jan Akkerman foi eleito o melhor guitarrista do mundo. Com uma reputação ao vivo que provou que o Focus correspondia a essas alegações de "Melhores Músicos", a coisa certa a fazer era lançar um álbum ao vivo: Focus at The Rainbow. (FATO: na noite da gravação, devido à demanda por bis, o Focus ficou sem peças para tocar!).
"At the Rainbow" foi o primeiro álbum ao vivo do Focus, lançado em outubro de 1973 pela Imperial/Polydor Records. O álbum foi gravado no Rainbow Theatre em Londres em 5 de maio de 1973. Um álbum de estúdio foi inicialmente programado para ser lançado, mas foi arquivado devido a desentendimentos dentro da banda. (Um álbum compilado das fitas dessas sessões foi lançado mais tarde com o título Ship of Memories.) At the Rainbow foi lançado em seu lugar.
Os roqueiros instrumentais do início dos anos 70 nunca foram bons em diminuir sua perícia musical; e, de fato, é apenas uma questão de segundos em seu primeiro e único lançamento ao vivo — Live at the Rainbow — até que se perceba o quão talentoso o Focus era. Jan Akkerman, nomeado "Melhor Guitarrista do Mundo" pela Melody Maker em 1973, à frente de Eric Clapton e outros, estava incrivelmente em forma nesta apresentação. Thijs Van Leer, principal compositor e intérprete da banda, exibiu seus talentos na flauta, vocais e órgão com uma sutileza incomparável. Bert Ruiter derrubou suas linhas de baixo junto com a bateria de Pierre Van Der Linden, sem dúvida dois dos melhores músicos em seus respectivos instrumentos. Seria tão fácil sair pela tangente explicando a maestria que o Focus tinha musicalmente; basta dizer, no entanto, que a proficiência técnica da banda raramente é igualada no mundo do rock. Live at the Rainbow apresentou algumas das melhores e mais conhecidas faixas da banda: “Sylvia”, “Hocus Pocus”, “Focus II” e assim por diante.
Jan Akkerman, Bert Ruiter, Thijsj Van Leer, Pierre van der Linden
Embora muito do conteúdo se mantenha fiel à sua forma original de estúdio (faixas de 12 minutos eram comuns em álbuns de estúdio), com talvez um ou dois solos extras para completar, algumas músicas apresentam mudanças drásticas. “Hocus Pocus”, por exemplo, é quase irreconhecível. Esta versão ao vivo é várias vezes mais rápida do que sua versão de estúdio — aqueles familiarizados apenas com a versão de estúdio certamente levarão um choque! Ao longo do álbum, a performance é simplesmente surpreendente. Live at the Rainbow é uma ótima compra para qualquer fã do Focus, ou, na verdade, para qualquer um que esteja procurando uma banda com um bom grau de originalidade e habilidade musical [trecho de Many Fantastic Colours ]
Revisão 1
(por Ivan Melgar M em progarchives.com)
Eu sempre leio críticas terríveis sobre este álbum, algo com que eu não concordo, claro que não é uma de suas obras-primas, mas a qualidade da música e a seleção de músicas são excelentes. Provavelmente alguns fãs não estão muito felizes sem "The House of the King", mas o clima do show é diferente de qualquer outra banda, de alguma forma sonhador e onírico, com aquela atmosfera que cobre o público como uma espessa nuvem de névoa que cobre o ouvinte, mas em vez de sufocá-lo, a música ajuda a relaxar (exceto, é claro, por "Hocus Pocus").
O álbum começa com o excelente "Focus III", uma bela faixa com uma introdução suave de teclados e guitarra, é agradável ouvir como a música flui perfeitamente, quase sem interrupções ou mudanças dramáticas até por volta do terceiro minuto, quando se torna mais orientada para o jazz, como para preparar o final do órgão, uma curta obra de arte.
Sem interrupções, eles nos levam a "Respostas? Perguntas!! Perguntas? Respostas!" que cria um contraste perfeito com o suave "Focus III", a introdução é quase frenética em alguns pontos baseada nos grandes riffs de guitarra de Akkerman e no teclado incrível de Thijs Van Leer, além de um instrumento extra na voz de Thijs, porque ele é um dos poucos vocalistas que não usa sua voz para cantar, mas para adicionar sons extras e lamentos.
Jan Akkerman
Nesta faixa há muitas mudanças e explosões repentinas com um órgão que soa muito próximo do Farfisa italiano do final dos anos 60 que dá o forte som psicodélico, mas em torno do meio Thijs nos oferece um de seus incríveis semi-solos de flauta (com fundo de bateria seguido por outro semi-solo de Jan Akkerman que me lembra um pouco Steve Hackett), a partir desse ponto as músicas continuam fluindo suavemente com uma atmosfera jazzística onde todos os membros da banda são simplesmente incríveis. Onze minutos de rock progressivo diferente, mas muito talentoso.
Falando sobre música que flui suavemente, é a vez de "Focus II", novamente introduzida pelo teclado de Thijs aprimorado pela guitarra de Jan e um Bert Ruiter muito competente no baixo, as partes do teclado são mais rápidas do que em "Moving Waves" afetando de alguma forma o equilíbrio suave e perfeito da versão original, mas ainda muito bom e relaxante.
"Eruption" é baseado no trágico mito grego de Orfeu, o homem que criou a música que foi destruído após a morte de seu verdadeiro amor (Eurídice) e foi resgatá-la, levando-a para o inferno.
A rainha gelada do submundo: Perséfone, impressionada com a beleza da música de Orfeu, implorou a seu marido Hades para deixar Orfeu trazer Eurídice de volta à terra dos vivos. Hades não pôde negar o pedido de sua rainha e concordou em deixar Orfeu trazer Eurídice de volta com uma condição: que ele não a olhasse até que ambos estivessem de volta à terra dos vivos. Quando estavam prestes a alcançar a luz, Orfeu sentiu dúvidas e se virou para ver Eurídice por um segundo antes que sua alma fosse levada de volta ao mundo do submundo.
O problema com essa música linda e complexa é que a versão para o The Rainbow Theater é muito curta (8:30 minutos contra os 23:04 da versão original), essa faixa foi composta para descrever musicalmente uma história e quando mutilada para um show ao vivo perde o sentido.
Apesar disso, funciona como um trecho, porque nos dá uma ideia clara da beleza da música com as complexas seções barrocas como tiradas de uma catedral e as passagens pacíficas que se juntam perfeitamente com a próxima explosão sonora. Os solos de Jan Akkerman requerem atenção especial porque me lembram Carlos Santana em alguns pontos.
Thijs van Leer
A próxima faixa é a famosa "Hocus Pocus" que, como todos sabemos, é apenas uma piada onde Thijs canta à vontade enquanto Bert Ruiter e Pierre Van Der Linden o apoiam com baixo e bateria apropriados, não leve isso a sério, nem mesmo os riffs de guitarra de Akkerman, como eu disse antes, é apenas uma piada.
A última faixa (porque "Hocus Pocus Reprise" é realmente um preenchimento para completar o tempo planejado) é "Sylvia", o primeiro sucesso comercial do Focus, Thijs dedica essa música a uma garota que costumava cantar com ele quando ambos trabalhavam como backing vocals para um famoso crooner da Holanda. Originalmente tinha letras, mas em certo ponto Thijs decidiu usar sua voz para qualquer coisa, menos para cantar, boa faixa, mesmo quando mais voltada para o comércio.
Os shows do Focus eram provavelmente os mais simples do Rock Progressivo, eles quase não usavam luzes ou criavam um show espetacular, eles só faziam o que sabiam fazer de melhor, tocavam sua música e, pelo amor de Deus, eles sempre faziam isso bem.
Se você quer ouvir um show frenético onde as pessoas gritam e se juntam à banda, não se incomode, mas se você quer um raro testemunho do estilo calmo do Focus no palco, então dê uma chance a este.
Crítica 2 (por George Starostin)
O álbum ao vivo obrigatório da banda que é - ouça! ouça! - não é um duplo. Agora, isso não é meio fofo? Depois de um álbum de estúdio duplo extenso, supérfluo e extenso, lançar apenas um pequeno LP de material ao vivo? Esta foi uma época em que você era olhado de soslaio se lançasse apenas um único LP de material ao vivo, mas acho que este era apenas outro "foco" para a banda. E em uma época, também, quando o Focus sem dúvida atingiu o pico de sua popularidade, com os fãs delirando sobre as habilidades de guitarra de Jan Akkerman e tudo.
Quão bom é o álbum? É bom. Também é uma decepção total para mim, porque todo o primeiro lado é dedicado a uma recriação nota por nota perfeita (com apenas algumas pequenas mudanças) da suíte/jam 'Focus III/Answers? Questions!' do último álbum, e eu nunca gostei tanto assim. A verdadeira fraqueza da banda é que eles eram tão inventivos, improvisadores e criativos no estúdio, que havia muito pouco para eles em um ambiente ao vivo. A guitarra funky de Akkerman voa como louca e o órgão de Thijs van Leer é proeminente e energético, mas como um homo sapiens de mente racional, não vejo nenhuma razão positiva para alguém se interessar por essas recriações de cópia carbono para desperdiçar seu dinheiro. (Ok, então eu desperdicei meu dinheiro, mas como eu poderia saber que não precisava desperdiçá-lo antes de realmente desperdiçá-lo? Além disso, espere um pouco, a análise ainda não acabou). De qualquer forma, não há nada particularmente especial sobre o primeiro lado.
Bert Ruiter
Da mesma forma, não sou um grande fã de 'Focus II' e 'Eruption' - mais dos primeiros padrões de fusão da banda que, quando colocados neste contexto, não soam radicalmente diferentes de 'Focus III' e 'Answers? Questions!' (Exceto que 'Eruption' foi drasticamente encurtado - não que tenha feito algum bem). Como de costume, tudo funciona como uma música de fundo decente, mas tem um nível de ressonância e sensibilidade praticamente nulo. Na verdade, as partes suaves de 'Eruption' estão lá principalmente para embalar você para dormir...
A diversão toda realmente começa apenas no início dos últimos quatorze minutos. Esta versão ao vivo de 'Hocus Pocus' é facilmente a versão definitiva do clássico do Focus, mais rápida e louca que a original, com o riff metálico de Akkerman preciso e imaculado e o canto yodel de van Leer tão hilário como sempre e mais do que isso - confira o exercício de canto yodel particularmente longo no meio da música que faz o público explodir em uma salva de palmas. No entanto, talvez a parte mais bonita da melodia seja a conclusão, quando os membros da banda são apresentados um por um por van Leer mais ou menos no mesmo estilo de canto yodel, com ele cantando assustadoramente os nomes e deveres dos membros, um de cada vez. Isso é muito divertido.
Depois disso, como um bis, a banda começa com "Sylvia", que é - não me rotule como um vendido, por favor - definitivamente o melhor número do Focus depois de "Hocus Pocus", e realmente merecia ser um single de sucesso. Mas, infelizmente, é feito muito próximo do original também, e então o álbum fecha com mais uma curta reprise de "Hocus Pocus" - para quê? Definitivamente, este é um dos álbuns ao vivo mais estupidamente inventados que já ouvi. Uma pena: uma banda boa e prolífica como o Focus certamente poderia ter merecido uma melhor lista de faixas e um tempo de execução mais adequado, mas, novamente, a maioria das fontes que li dizem que este foi um "resumo" mais ou menos adequado de seus shows ao vivo contemporâneos, então talvez eu esteja pedindo demais.
E já que esta análise ficou relativamente curta, deixe-me dizer algumas coisas gerais sobre álbuns progressivos ao vivo para resumir. Enquanto a declaração mais comum é que todos aqueles poderosos álbuns ao vivo lançados pelo Yes, ELP, Genesis, etc., no início dos anos setenta, serviam a um propósito essencial (demonstrar que a banda tinha a capacidade de fazer sua música complexa ao tocar ao vivo), é, na verdade, um pouco mais complexo do que isso. As bandas que ainda tinham um forte background de "rock" em algum lugar dentro de suas entranhas, como o Yes, por exemplo, ainda estavam tentando se lembrar da regra básica ao vivo - um álbum ao vivo deve soar mais energético do que sua contraparte de estúdio - e aumentaram o nível de adrenalina. Outros, como o Genesis, tentaram teatralizar os procedimentos ao máximo (pena que o próprio álbum ao vivo do Genesis não conseguiu realmente satisfazer esse propósito); outros ainda, como o ELP, usaram a plataforma ao vivo para realmente mostrar suas habilidades de tocar de uma forma que não poderia ter sido apreciada nos álbuns de estúdio, adicionando improvisações adicionais e outras coisas; finalmente, às vezes as bandas usavam algo realmente diferente, como o Procol Harum com seu álbum ao vivo de orquestra sinfônica, e assim por diante.
Pierre van der Linden
Em outras palavras, você não pode simplesmente usar o mesmo padrão idêntico para pegar e aplicar a todos; as pessoas têm suas diferentes razões para fazer coisas diferentes. No entanto, para Live At The Rainbow eu realmente não consigo encontrar nenhum "propósito adicional" em particular. Não é mais pesado do que os álbuns de estúdio, exceto talvez "Hocus Pocus"; não é teatral porque quase não há vocais; não é se exibir mais do que van Leer e Akkerman já estavam no estúdio. Nenhuma música imprevisível, nenhum som imprevisível. O que há para fazer com isso? Não sei. É apenas uma performance sólida ao vivo.
Este post consiste em FLACs extraídos do meu precioso vinil que, embora tocado muitas e muitas vezes, foi bem cuidado. Sem estalos ou estalos, apenas rock progressivo e yodels de ótima qualidade. Eu amo esse álbum até a morte e admiro o fato de que esses quatro caras conseguiram reproduzir tudo o que fizeram no estúdio, e em alguns casos melhor, quando tocaram ao vivo.
Claro que a arte completa do álbum está incluída (mais capas alternativas como a da esquerda) junto com scans de rótulos. A outra coisa que eu gosto sobre este álbum é a capa tripla e a arte, e cópias em boas condições rendem um bom dinheiro no eBay.
Donna Fisk recebeu muitos elogios durante sua carreira, incluindo cinco prêmios de música country do hemisfério sul, foi indicada ao prêmio MO Award, Melhor Artista Feminina no Australian Country Music Awards, foi imortalizada no Hands of Fame Park em Tamworth, uma apresentação do Royal Command e vários sucessos número um nas paradas de música country.
Michael Cristian é um artista e produtor altamente aclamado e respeitado, ganhador do prêmio ARIA, que produziu álbuns multiplatina para The Seekers e Judith Durham, Johnny Chester, John St Peeters e muitos outros artistas. Um virtuoso da guitarra e multi-instrumentista, ele trabalhou com vários artistas locais e internacionais e foi o diretor musical da última turnê mundial do The Seekers, realizando shows com ingressos esgotados no Estádio de Wembley e no Royal Albert Hall de Londres.
Juntos como a dupla Fisk & Cristian , eles são um tour de force! Eles dividiram o palco com muitos dos maiores artistas do mundo, incluindo Tom T Hall, Dionne Warrick, John Denver, Donny Osmond, Tom Jones, Blood Sweat and Tears e Barry Humphries, só para citar alguns. Em 1998, eles alcançaram um hit de rádio top 10 com sua música 'Lara' e dispararam nas paradas da ARIA com seu hino da AFL 'Rock 'N Footy', que eles finalmente apresentaram para uma multidão de 100.000 pessoas no solo sagrado do Melbourne Cricket Ground (mais 100 milhões de pessoas que testemunharam a transmissão via satélite da Grande Final Internacional da AFL de 1998). Eles também ganharam vários prêmios musicais ao longo de sua carreira em reconhecimento às suas habilidades de composição/produção e emocionantes performances ao vivo.
Donna Fisk e Michael Cristian continuam a ser uma força motriz no futuro da música country australiana – composições de classe mundial, musicalidade, produção e vocais com uma diversidade incrível que abrange o espectro musical do country puro ao contemporâneo. [trecho do site deles ]
Com a febre das finais de futebol agora à nossa porta, em vez da COVID-19!, pensei que seria apropriado dar início (trocadilho intencional) ao WOCK on Vinyl deste mês com outro lançamento de tributo ao futebol e também ajudar a celebrar o fato de que nada pode parar o Aussie Rules neste belo país - nem mesmo uma pandemia.
Uma coisa que eu gosto nessa gravação é que ela foi lançada por alguns artistas locais (que literalmente moram na mesma rua que eu - bem, na verdade, em um subúrbio adjacente) e acho que você vai gostar de ouvir essa (ah, e aproveite a Four 'N' Twenty Pie incluída).
Tenho certeza de que este é um lançamento bastante O bscure (duvido que tenha vendido em grandes quantidades) e, portanto, merece um lugar no hall da fama do WOCK on Vinyl. Extraído para MP3 (320) de CD para seu consumo.
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