1960 Blues: Prestige Bluesville

 No artigo anterior, discutimos a Prestige Records em 1960 e como a gravadora começou a diversificar seu portfólio de álbuns com subgravadoras especializadas. A Moodsville era voltada para o público de jazz que queria algo mais fácil de ouvir do que uma sessão de sopro, e a Swingville para aqueles que buscavam um pouco do sabor tradicional do jazz de dias antes do bebop entrar em cena. Outra gravadora especializada, e minha favorita de todas, era a Bluesville. Ela se concentrava principalmente em música acústica do tipo folk-blues e, em muitos casos, deu nova vida a artistas que naquela época estavam virtualmente esquecidos e há muito tempo ausentes de um estúdio de gravação. Vamos dar uma olhada nos álbuns que a gravadora lançou em seu primeiro ano de operação.

O primeiro artista a gravar e lançar um álbum pela Bluesville foi Al Smith com o álbum Hear My Blues, BVLP 1001. Smith veio por recomendação de Eddie “Lockjaw” Davis, que na época tinha sua série Eddie “Lockjaw” Davis Showcases com a Prestige. É uma escolha interessante para a estreia da gravadora, já que Al Smith não era um cantor de blues, e definitivamente não era da velha guarda como é o caso da maioria dos lançamentos da gravadora.

Al Smith nasceu em 1936 em Columbus, Ohio. Ele se mudou na infância para Nova Orleans, onde aprendeu a cantar gospel e tocar piano. Em 1955, ele se mudou para Nova York e se apresentou com vários corais gospel. Ele também fez parte do grupo musical Gospel Clefs.

Durante uma jam session no Key Club em Newark, Nova Jersey, Smith chamou a atenção de Eddie “Lockjaw” Davis, que o levou ao estúdio de gravação em setembro de 1959 pela primeira vez para gravar este álbum aqui. Ele é acompanhado pela então popular equipe de Eddie “Lockjaw” Davis no sax tenor e Shirley Scott no órgão. Juntos, eles gravaram vários álbuns para a Prestige durante esse período.

Al Smith – vocais

Eddie “Lockjaw” Davis – saxofone tenor

Shirley Scott – órgão

Wendell Marshall – baixo

Arthur Edgehill – bateria

Também em 1959, Bluesville se tornou o canal que deu a Willie Dixon a oportunidade de gravar seu primeiro LP solo. Uma estreia muito tardia para um músico com uma carreira de 20 anos e uma lendária carreira na Chess Records, um período em que ele escreveu clássicos como Hoochie Coochie Man, I Just Want to Make Love to You, Little Red Rooster e Spoonful. No final dos anos 1950 e início dos anos 1960, ele se juntou ao pianista Memphis Slim em sessões de gravação e datas ao vivo.

Memphis Slim também teve uma carreira paralela de cerca de 20 anos como músico de blues de Chicago, gravando com várias gravadoras e lançando singles. Curiosamente, ele também não gravou seu LP de estreia até esse período.

Embora os dois estivessem constantemente em turnê, eles não passavam muito tempo na cidade de Nova York, sua música não era procurada na Big Apple. No entanto, Prestige aproveitou a oportunidade de uma pausa entre os voos e os levou rapidamente para o estúdio de Rudy Van Gelder com vários músicos acompanhantes para gravar o álbum Willie's Blues. Foi gravado em uma rápida sessão de duas horas.

Willie Dixon – contrabaixo, vocais

Memphis Slim – piano

Gus Johnson – bateria

Wally Richardson – guitarra

Al Ashby – saxofone tenor

Harold Ashby – saxofone tenor

Mais uma cantora de blues que tem atuado no ramo musical por algum tempo e só em 1960 conseguiu gravar seu primeiro álbum solo com Bluesville é Mildred Anderson. No início dos anos 1950, ela se juntou à banda de Bill Doggett por três anos e fez sucesso com o grupo cantando a música No More in Life. Sobre sua assinatura, ela disse: "É assim sobre o blues. Eu ouço Ella e Dinah, pegando suas frases e pausas. Mas a maneira como trabalho com uma música e uma letra é um estilo todo meu. Vem de dentro de mim."

No final dos anos 1950, Anderson trabalhou como cantora solo e se apresentou em muitas casas noturnas, aprimorando suas habilidades em entregar o blues: “Eu faço uma música do jeito que eu sinto e geralmente consigo sentir o que o público quer quando eu ando lá na frente de um microfone. Eu tento trazer isso bem na frente deles e consigo perceber quando estou passando a mensagem.”

Mildred Anderson gravou dois álbuns pela Bluesville, ambos em 1960. O primeiro é Person to Person, mais um álbum “Eddie Lockjaw Davis showcases” e o segundo No More in Life, com seu hit de mesmo nome.

Mildred Anderson – vocais

Al Sears – saxofone tenor

Robert Banks – órgão

Lord Westbrook – guitarra

Leonard Gaskin – baixo

Bobby Donaldson – bateria

Roosevelt Sykes nasceu no Arkansas em 1906, e depois que sua família se mudou para St. Louis, ele começou a tocar órgão de igreja. Ele rapidamente mudou para o piano: "Eu não toco mais órgão. Um sujeito tem que bater em algo, você tem que amassá-lo." Aos 15 anos, ele tocava blues de piano por toda a cidade: "Quando comecei, não fazia mais nada, apenas tocava piano... Se eu não tocasse, não comia." Ele foi apelidado de "The Honeydripper" no início da vida por sua personalidade genial, e também fez sucesso com esse nome. Ele se mudou para Chicago em 1941, onde começou a gravar para várias gravadoras e formou sua banda, a Honeydrippers. Depois de uma temporada em Nova Orleans, ele voltou para Chicago, onde chamou a atenção do produtor Esmond Edwards na Bluesville por meio de outro artista da gravadora, Memphis Slim.

Seu primeiro álbum na Bluesville, The Return of Roosevelt Sykes, foi gravado em 1960 e marcou seu retorno ao estúdio de gravação após ficar ausente daquela instalação por cinco anos. No mesmo ano, ele gravou seu segundo álbum, o apropriadamente chamado The Honeydripper.

Roosevelt Sykes – piano, vocais

King Curtis – saxofone tenor

Robert Banks – órgão

Leonard Gaskin – baixo

Belton Evans – bateria

Se uma ausência de cinco anos de um estúdio de gravação parece muito tempo para um músico ativo, o que dizer de 26 anos? É o caso do guitarrista Elmer Snowden. O álbum Blues & Ballads de Lonnie Johnson com Elmer Snowden reúne dois artistas de blues que, por acaso, nasceram no ano de 1900.

Elmer Snowden começou sua carreira musical como um tocador de banjo de jazz em um período em que encontrar shows era muito difícil: "Tínhamos que dividir um cachorro-quente em cinco e ninguém nos contratava". Mas ele conseguiu encontrar shows e, eventualmente, liderou várias bandas de sucesso nas décadas de 1920 e 1930, e também acompanhou Bessie Smith em vários de seus discos. Sua última gravação comercial antes deste álbum aqui foi em 1934 para o selo Bluebird.

Lonnie Johnson teve uma carreira maravilhosa como guitarrista, fazendo muitas gravações entre 1915 e 1954 em gravadoras como Okeh, Columbia e Decca. Ele gravou duetos com Charlie Christian em 1929 e tocou violão de 12 cordas com a Duke Ellington's Orchestra e a Louis Armstrong's Hot Five. Uma bela história ali.

Com toda essa história, é incrível descobrir o que Chris Albertson escreveu nas notas do encarte do álbum: “Quando eu conheci Lonnie Johnson, ele estava trabalhando como zelador, quase esquecido. Foi Elmer Snowden que me colocou no caminho dele. Eu estava entrevistando Elmer no meu programa de rádio quando toquei um disco antigo de Lonnie, que eu segui com a observação: 'Eu me pergunto o que aconteceu com Lonnie Johnson?' Elmer respondeu: 'Eu o vi no supermercado outro dia!”

Lonnie Johnson – guitarra elétrica, vocais

Elmer Snowden – violão acústico

Wendell Marshall – baixo

Aqui está um cover do clássico de Bessie Smith, Backwater Blues, que Lonnie Johnson gravou pela primeira vez em 1927:

Shakey Jake mudou-se quando jovem para Chicago do Arkansas durante a era da depressão e durante toda a adolescência ganhou a vida vendendo jornais, engraxando sapatos e trabalhando em um posto de gasolina. Ele era um músico sem escola que começou a tocar música relativamente tarde na vida, influenciado pela música de Sonny Boy Williamson. Ele ganhou seu apelido quando aumentou sua escassa renda de US$ 8 por semana jogando dados. "Shake 'em, Jake", seus amigos atiradores de dados costumavam gritar.

Em maio de 1960, Shakey Jake gravou uma sessão que foi organizada pelo produtor Esmond Edwards, que fez parceria do cantor de blues e tocador de gaita com dois jazzistas, o organista Jack McDuff e o guitarrista Bill Jennings. O álbum resultante foi Good Times – o blues vocal e de gaita de Shakey Jake.

Shakey Jake – gaita, vocais

Jack McDuff – órgão

Bill Jennings – guitarra

O guitarrista Brownie McGhee conheceu o gaitista cego Sonny Terry quando gravava para a Okeh em 1940 e 1941. Eles se encontraram novamente mais tarde na cidade de Nova York. McGhee lembra: "Eu ficava no Harlem e comecei a tocar nas ruas. Foi onde Sonny e eu começamos a trabalhar juntos. Ele começou a cantar comigo em 1943. Eu estava ganhando muito dinheiro, e eu disse: 'Você ganha metade desse dinheiro, baby. Se eu fizer cinco músicas, você fará cinco, nós dividiremos 50-50.'" A relação de trabalho se tornou uma das mais longas da história do blues e durou 30 anos.

Os dois foram uma escolha natural para a Bluesville Records em seu primeiro ano de operação e gravaram nada menos que quatro álbuns para a gravadora naquele ano: Down Home Blues, Folk and Blues, Blues All Around My Head e Blues in My Soul.

Anos mais tarde, McGhee refletiu sobre a música que eles fizeram juntos: “Desde o momento em que nos reunimos e começamos a trabalhar, descobri que não podia dizer a ele o que fazer. Eu tinha que tocar com ele o que ele tocava, e ele tocava atrás de mim o que eu tocava. E ele me apoiava com o melhor de suas habilidades, o que era excelente. Era o jeito dele, e não dava para superar isso. Nunca encontrarei outro tocador de gaita como Sonny, porque não há mais ninguém como ele. Sonny era o único.”

Sonny Terry – gaita, vocais

Brownie McGhee – guitarra, vocais

Gary Davis nasceu em 1896 na Carolina do Sul, cego desde a infância. Ainda jovem, ele dominou o violão e mais tarde se destacou no estilo de violão de blues do Piemonte. Ele toca com apenas dois dedos, um polegar e um indicador. Ele foi ordenado como ministro batista na Carolina do Norte em 1933 e começou a se concentrar em canções gospel. Em 1935, Davis gravou uma série de canções notáveis ​​na tradição de artistas religiosos de rua, após as quais ele não visitou um estúdio de gravação por 20 anos. Em 24 de agosto de 1960, ele foi levado ao estúdio de Rudy Van Gelder e gravou o álbum Harlem Street Singer.

Quando lhe perguntaram em que tom ele mais toca, ele disse: "Eu toco em toda a guitarra!" Seu estilo único também utiliza uma técnica usada por muitos cantores religiosos e de blues das décadas de 1920 e 1930, omitindo o canto de uma palavra ou frase e deixando o instrumento se tornar a voz cantada.

Aqui está Death Don't Have No Mercy, uma canção sombria que mais tarde foi regravada por Bob Dylan e ficou famosa pelo Grateful Dead.

Blind Gary Davis – guitarra, vocais

Nosso próximo artista vem do Texas, onde nasceu em 1912. Samuel John Hopkins, mais conhecido como Lightnin' Hopkins, fez sua primeira guitarra com uma caixa de charutos e tela de arame aos oito anos de idade. Tendo experimentado todos os lados das dificuldades crescendo naquele estado no início do século XX , suas músicas são contos que contam essa vida: “Minhas músicas são todas praticamente verdadeiras. Elas são sobre algo real para o meu modo de saber. Como se tudo o que aconteceu comigo fosse passível de entrar nas minhas músicas. Na minha família, eles contam tudo sobre meu avô, que era um escravo que se enforcou para escapar de maus-tratos. Ou aquela vez que houve problemas em casa, ou quando me colocaram na gangue da estrada do interior, ou tive que dizer adeus a uma boa garota — tudo isso é passível de aparecer nas minhas músicas. Chame-as de músicas verdadeiras.”

Longas horas de execução informal como músico sem uma banda de apoio contribuíram para o estilo único de Hopkins. Sua técnica fingerstyle combina partes de baixo, ritmo, solo e percussão tocadas ao mesmo tempo.

Em 1960, Lightnin' Hopkins gravou dois álbuns para Bluesville, um deles uma sessão que ele compartilhou com Sonny Terry, resultando no álbum Last Night Blues.

Lightnin' Hopkins – guitarra, vocais

Sonny Terry – gaita, vocais

Leonard Gaskin – baixo

Belton Evans – bateria

Mais um álbum nesta análise de um artista que já conhecemos antes como parte de uma dupla, desta vez em uma gravação solo. Sonny Terry nasceu em Greensboro, Geórgia, e pegou a gaita de blues ainda jovem. Ele ficou cego aos doze anos, o que o forçou a largar o trabalho na fazenda e se concentrar na música.

Em 1938, o produtor John Hammond convidou Sonny Terry para participar de seu agora lendário concerto “From Spirituals to Swing”. Junto com nomes como Count Basie, Joe Turner, Big Bill Broonzy e Benny Goodman, Sonny Terry ficou sozinho no palco com sua gaita e manteve o público cativado. Logo depois, ele se conectou com Brownie McGhee, uma história contada anteriormente no artigo. Em 1960, além de fazer uma série de gravações com McGhee em Bluesville, Sonny Terry também encontrou tempo para gravar um álbum solo.

Das notas da capa do álbum, escritas por Joe Goldberg:

Em algumas de suas frases, no tipo de swing contagiante que ele tem em My Baby Done Gone, assim como no final repetitivo daquele número, podem ser vistas as fontes da veia que Ray Charles havia explorado com tanto sucesso. No que diz respeito às letras de suas músicas, Sonny é um expoente do que os estudiosos do blues chamam de teoria da colagem, o que significa que uma música foi montada a partir de frases que existem no estoque comum do blues, mas essas frases foram alteradas aqui, pela força da personalidade de Sonny, em histórias totalmente novas.

Sonny Terry – gaita, vocais

JC Burris – gaita

Sticks McGhee – guitarra

Belton Evans – bateria

1913 Massacre, de Woody Guthrie

 Em 1940, Woody Guthrie veio para a cidade de Nova York a convite do ator e ativista Will Geer. Os dois amigos com ideias semelhantes compartilhavam uma simpatia pelos trabalhadores maltratados por corporações gananciosas e magnatas dos negócios. Eles se conheceram na Califórnia, onde foram para acampamentos de trabalhadores no Vale de San Joaquin, visitaram os Hoovervilles e viram em primeira mãoas péssimas condições de vida dos imigrantes que trabalhavam na terra por uma remuneração escassa. Guthrie ficou profundamente afetado pelo que viu, pois muitos desses imigrantes vieram de seu estado natal, Oklahoma. 15% dos moradores daquele estado migraram para a costa oeste em busca de empregos durante a grande depressão e receberam o termo depreciativo “Okies”. A dura situação que esses imigrantes enfrentaram na época está para sempre imortalizada na fotografia de Dorothea Lange “Immigrant Mother”, tirada em 1936 em um acampamento de catadores de ervilhas na Califórnia.

Dorothea Lange – Mãe Migrante

1940 foi um ano importante para Woody Guthrier. Naquele ano, a adaptação cinematográfica do romance de John Steinbeck, The Grapes of Wrath, foi lançada e deu ao mundo em geral uma visão da vida dos trabalhadores imigrantes na década de 1930. Steinbeck escreveu um retrato magnífico da família Joad e sua experiência angustiante ao deixarem sua fazenda em Oklahoma, através da difícil jornada para a costa oeste e sua chegada ao ambiente hostil na Califórnia, tendo que ganhar a vida em qualquer lugar onde houvesse trabalho. Guthrie escreveu a música Tom Joad, na qual contava a história do personagem principal do livro.

Entre 1937 e 1940, Guthrie escreveu muitas músicas sobre pessoas e eventos na era da grande depressão, e em 1940 ele as gravou para a Victor Records. Elas foram lançadas como um pacote contendo três discos de 78 rpm e um livreto, coletivamente chamados de Dust Bowl Ballads. É talvez o primeiro álbum conceitual, poupando música clássica de programa, já que todas as músicas têm um tema unificador em torno das experiências das pessoas com quem Guthrie simpatizava. O álbum, que foi lançado em 1964 como um LP pela Folkways Records, foi extremamente influente para muitos cantores com consciência social de gerações posteriores, incluindo Bob Dylan, Bruce Springsteen e Joe Strummer.

1940 também foi o ano em que Guthrie escreveu sua canção mais famosa This Land Is Your Land. A canção foi uma resposta a God Bless America, de Irving Berlin, e originalmente tinha uma visão cínica da igualdade, ou falta dela, de como essa terra é compartilhada entre seus cidadãos:

Numa manhã ensolarada e brilhante, à sombra do campanário,
Perto do Escritório de Assistência, vi meu povo —
Enquanto eles estavam famintos, Fiquei ali me perguntando se
Esta terra foi feita para você e para mim.

Woody Guthrie não gravou a música até 1944, e naquele ponto abandonou esse verso em favor da música mais universalmente aceita que conhecemos hoje. A mensagem da versão original certamente escapa a muitos que cantam essa música em eventos patrióticos, celebrando inclusão e igualdade.

 

Também em 1940, o livro We Are Many de Ella Reeve Bloor foi publicado, e inspirou Guthrie a escrever duas de suas melhores canções. A autora foi uma feminista, socialista e comunista proeminente na primeira metade do século XX. Sua neta, a atriz Herta Ware, era casada com Will Geer na época e sem dúvida Woody Guthrie estava bem ciente de seu ativismo. O livro era sua autobiografia, e em um de seus capítulos ela descreveu suas experiências com a comunidade de mineiros, focando em dois incidentes que aconteceram em 1913 e 1914.

Em 1913, a parte noroeste de Michigan era o lar de uma grande comunidade de mineiros que trabalhavam nas minas de cobre da área. Buscando melhorar suas condições miseráveis ​​de trabalho e salários, os mineiros entraram em greve em julho de 1913. Em dezembro daquele ano, a greve estava em seu quinto mês sem nada resolvido e as tensões estavam altas. Na véspera de Natal, 400 pessoas, compostas por mineiros e suas famílias, se reuniram na cidade de Calumet para celebrar os feriados. O lugar era conhecido como Italian Hall e sua única entrada era uma escada íngreme que levava ao salão. Durante as festividades, alguém gritou "Fogo", causando pânico e uma corrida para a entrada estreita. No pandemônio que se seguiu, setenta e três morreram enquanto eram esmagados pela massa de pessoas correndo para a saída. Cinquenta e nove deles eram crianças. Não houve incêndio e, embora a identidade da pessoa que o chamou nunca tenha sido revelada, provavelmente era um agitador antissindical. Mais sobre este evento aqui .

 

Em 1914, uma grande greve de mineiros de carvão ocorreu no sul do Colorado. Muitos deles estavam vivendo em uma colônia de tendas em Ludlow. A greve era sobre questões trabalhistas e habitacionais fundamentais que hoje são óbvias, mas cem anos atrás não eram consideradas importantes o suficiente para os empregadores. Sete meses após a greve, uma briga começou entre guardas da milícia contratados pela empresa de carvão e mineiros armados na colônia. Depois que o tiroteio parou, duas mulheres e nove crianças foram encontradas mortas sob uma das tendas. Elas estavam buscando abrigo das balas voadoras e morreram sufocadas quando a tenda foi incendiada. Mais sobre este evento aqui .

 

Guthrie encontrou a necessidade de recontar essas histórias trágicas e a extrema injustiça e indiferença à dignidade humana retratadas nelas. Ele escreveu 1913 Massacre e Ludlow Massacre, ambos no estilo narrador em primeira pessoa, e você realmente se sente parte dos eventos conforme as histórias se desenrolam. As músicas foram gravadas por Moses Asch, fundador da Folkways Records em maio de 1945, e lançadas originalmente em 1946 como STRUGGLEE: DOCUMENTARY #1. Mais tarde, elas apareceram no álbum Struggle, lançado pela Folkways Records em 1976. Ambas as capas dos álbuns mostram uma ilustração dos enterros do massacre de Ludlow.

A qualidade narrativa das letras em ambas as músicas é, na minha opinião, a maneira mais eficaz de cantar uma canção de protesto. Em vez de ouvir um cantor acusando os perpetradores de injustiça social, prefiro mergulhar nos eventos e sentir a dor das pessoas marginalizadas. Muito poucos podem contar essas histórias tão eficazmente quanto Woody Guthrie.

Woody Guthrie em Los Angeles

1913 Massacre teve um grande impacto em Bob Dylan, que usou a melodia da música e escreveu Song For Woody, a música de seu primeiro álbum que ele dedicou ao seu herói. Aqui está o 1913 Massacre como Woody Guthrie cantou em 1945.

Classificando todos os álbuns de estúdio do Supertramp

Supertramp foi uma banda inglesa que surgiu no final da década de 1960. Eles começaram no rock progressivo . No entanto, é interessante notar que o Supertramp se tornou cada vez mais pop com o tempo. Independentemente disso, embora a banda tenha ficado inativa na maior parte do tempo desde 2002, eles conseguiram vender mais de 60 milhões de discos em todo o mundo.

11. Some Things Never Change

 

Some Things Never Change foi o décimo álbum de estúdio do Supertramp, lançado em 1997. Foi interessante porque foi um retorno intencional ao som anterior. No entanto, suas músicas não eram tão cativantes quanto as de seus antecessores. No geral, Some Things Never Change foi apenas razoável, o que não é o suficiente para competir com o resto dos lançamentos da banda.

10. Brother Where You Bound

 

Lançado em 1985, Brother Where You Bound teve alguns problemas que o arrastaram para baixo. Primeiro, foi o primeiro lançamento da banda após a saída de Roger Hodgson, resultando em problemas que não tinham sido 100 por cento esclarecidos até então. Segundo, é muito um produto da Guerra Fria, o que significa que não envelheceu muito bem.

9. Free as a Bird

Situado entre Brother Where You Bound e Some Things Never Change, Free as a Bird foi uma espécie de experimento. Ele se afastou do som do rock progressivo. Em vez disso, tentou ser algo mais moderno, resultando assim no aumento do uso de máquinas. Houve muitas pessoas que ficaram menos do que impressionadas com isso porque os frutos da experimentação soaram como divagações para elas.

8. Slow Motion

 

Slow Motion foi o último lançamento do Supertramp antes da banda seguir caminhos separados na maior parte em 2002. Como tal, era muito o tipo de coisa que se esperaria de uma banda em seus dias de crepúsculo, como mostrado pelo fato de que ele nem estava disponível na América do Norte, exceto por encomenda pelo correio. Ainda assim, Slow Motion tinha uma quantidade razoável de conteúdo agradável, que foi prejudicado por uma produção menos do que estelar.

7. Indelibly Stamped

Indelibly Stamped foi o segundo álbum de estúdio do Supertramp. Em termos musicais, foi uma mudança em relação ao seu antecessor imediato, apresentando um tipo de rock muito mais direto. Mesmo assim, Indelibly Stamped foi semelhante ao seu antecessor imediato, pois não conseguiu muito interesse comercial. Algo que foi remediado até certo ponto nas décadas subsequentes.

6. …Famous Last Words…

 

Este foi o último lançamento da formação clássica do Supertramp. Anteriormente, Rick Davies e Roger Hodgson trabalharam juntos para criar uma visão coerente para cada um dos lançamentos da banda. Aqui, os dois surgiram como duas visões diferentes do que o álbum de estúdio deveria ser, que nunca foram devidamente fundidas uma com a outra. Como tal, este lançamento foi bastante insosso, embora tenha se beneficiado até certo ponto da experiência considerável que o Supertramp havia construído neste ponto de sua carreira.

5. Supertramp

Como mencionado anteriormente, Supertramp foi o álbum de estreia autointitulado da banda, que foi um fracasso comercial. Ainda assim, mostrou muita promessa, muito da qual seria cumprida por lançamentos subsequentes. Como tal, é difícil classificá-lo com muita severidade, visto que ele lançou as bases sobre as quais todo o resto foi construído.

4. Even in the Quietest Moments…

 

Este lançamento foi lançado em 1977. No geral, teve um bom desempenho, como mostrado por como se tornou o primeiro lançamento certificado de ouro da banda nos Estados Unidos. Quanto à sua música, bem, não foi o tipo de lançamento que impressionou a todos ao sobrepujar todo o resto no mesmo grupo. No entanto, o lançamento foi inteligente, agradável e surpreendentemente elegante às vezes, uma combinação muito boa que resultou em várias músicas memoráveis. Para citar um exemplo, indivíduos interessados ​​podem estar familiarizados com "Give a Little Bit", que se tornou um sucesso pela segunda vez quando foi regravada pelas Goo Goo Dolls nos anos 2000.

3. Crisis? What Crisis?

Crisis? What Crisis? foi feito depois que o Supertramp finalmente conseguiu encontrar sucesso comercial com Crime of the Century. Como tal, havia muita pressão sobre a banda para repetir seu sucesso. No entanto, o trabalho do Supertramp no lançamento não foi o que muitas pessoas esperariam, considerando essas circunstâncias. Afinal, muito do material consistia em músicas que sobraram de lançamentos anteriores. Na verdade, a banda teve que parar de gravar em um ponto para que pudessem escrever algumas músicas novas para garantir que houvesse material suficiente. Ainda assim, o álbum de estúdio provou ser bastante decente por si só, principalmente porque conseguiu se manter relativamente bem.

2. Breakfast in America

Se as pessoas estão curiosas sobre o lançamento mais vendido do Supertramp, elas devem saber que Breakfast in America é ele. Além disso, elas devem saber que ele não vendeu bem apenas pelos padrões da banda, ele vendeu bem por quaisquer padrões razoáveis. Afinal, Breakfast in America foi quádruplo platina nos Estados Unidos, o que nem sequer menciona suas vendas em outros lugares. Como tal, não é exagero dizer que este foi um dos melhores soft rock produzidos no final dos anos 1970.

1. Crime of the Century

O Supertramp levou algum tempo para decolar. Quando eles começaram a decolar, foi por causa de Crime of the Century, que saiu em 1974. Muitas de suas músicas se tornaram itens básicos no repertório de turnê do Supertramp. Além disso, Crime of the Century continuou sendo muito querido muito depois de seu lançamento, consolidando assim sua posição como um dos lançamentos memoráveis ​​da década como um todo.