terça-feira, 7 de janeiro de 2025

Ray Burgess Band - Final Mix (1978)



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Ray Burgess nasceu em 26 de outubro de 1952 e cresceu no subúrbio de Melbourne, Clayton. Enquanto estava em seu terceiro ano na Clayton Technical School, ele formou sua própria banda e tocou em festas, bailes locais e eventos escolares. Depois de deixar a escola, Ray trabalhou brevemente como caixa de banco antes de se juntar à banda de Melbourne, Redtime. Inicialmente, a principal reivindicação da banda à fama era o fato de que eles fizeram uma turnê pela Austrália como grupo de apoio de Johnny Farnham. No entanto, em 1972, o Redtime mudou-se para Perth, onde se tornou banda residente em uma das principais casas noturnas da cidade. O grupo também se tornou regular na televisão de Perth e alcançou um alto grau de popularidade no oeste antes de retornar a Melbourne em 1973.
De volta a Victoria, a banda não teve escassez de trabalho em clubes e hotéis. No entanto, no início de 1974, Ray decidiu que era hora de seguir carreira solo.

Em um curto período, ele conseguiu um empresário enérgico em Neville Kent. Uma série de contratações se seguiram. Então vieram as aparições na televisão e, em janeiro de 1975, seu hit gigantesco, "Touch Me", entrou nas paradas. O estilo rock vigoroso de Ray era particularmente popular entre os adolescentes. Ele se tornou um regular nos programas pop Countdown e Bandstand. Seu próximo single foi "Love Fever", que surgiu em julho e teve o mesmo sucesso de seu primeiro lançamento.

Embora Ray tenha ficado ausente das paradas nos dois anos seguintes, sua carreira certamente não foi inativa. Ele se tornou o apresentador da série de TV Rock'n'Roll Circus e, em julho de 1976, mudou-se para Sydney para assumir a apresentação do programa nacional de cinco dias por semana, Flashez. O programa, que foi exibido pela rede ABC, apresentou uma cobertura de notícias pop, bem como apresentações de uma variedade de artistas de rock. Ele acabou sendo indicado ao Logie em 1977 por apresentar o programa.

Enquanto isso, outro single, 'Little Boy Sad' (o antigo padrão de Johnny Burnette) veio à tona em maio de 76. Foi seguido pelo primeiro álbum de Ray, Not So Pretty. O álbum foi produzido por Ross Wilson e tinha como objetivo dar a ele uma imagem mais pesada. Uma das faixas mais fortes do LP, 'Sad Rock'n'Roll' (uma balada escrita por Greg Macainsh), foi retirada dele como single. Isso foi seguido por outro single, 'Rock'n'Roll Lightning' em novembro de 1976. Infelizmente, nenhum dos discos chegou às paradas.

Ray encerrou 1976 em turnê como apresentador do Status Quo. Ele então fez uma viagem de férias e passeio pela Inglaterra e pelos EUA. Sem nenhum sinal de que sua popularidade estava diminuindo, Ray mudou-se para 1977 e, em maio, lançou seu terceiro single de sucesso nacional. A música foi um revival notavelmente próximo do grande sucesso de 1965 do grupo de Van Morrison, Them, intitulado "Gloria". Enquanto isso, a popularidade de Flashez atingiu o pico com mais de 1.000 cartas de fãs sendo recebidas a cada semana.
Como um suplemento à série, um Flashez' Roadshow foi introduzido para fazer turnês perto de áreas rurais nas proximidades de Melbourne e Sydney. No entanto, a frequência do show restringiu as aparições pessoais de Ray.

Em julho, outro talento de Burgess veio à tona com o lançamento de um livro de trinta poemas de Ray chamado Love, Peace and Happiness. Outro single, "Midnight Cowboy", veio em setembro. Mas, talvez porque não seguiu sua fórmula de sucesso no estilo rock vigoroso, não conseguiu decolar.
Finalmente, em novembro de 1977, a série Flashez chegou ao fim. Ray mudou-se para o Canal 0 em Melbourne, onde fez os shows na praia durante o verão de 77/78. [trecho do Anuário da Enciclopédia Australiana de Rock de Noel McGrath de 1978-79, p. 48-50]

O talento natural de Ray como artista lhe rendeu muitas participações especiais em 1978. Ele apareceu nos programas de televisão ao vivo mais respeitados da Austrália, incluindo In Melbourne Tonight de Graham Kennedy, Bandstand de Brian Henderson, Midday with Mike Walsh e The Don Lane Show. Além disso, Ray trabalhou com outros apresentadores famosos de primeira linha, incluindo Paul Hogan e Bert Newton, e foi regular nos programas de jogos Blankety Blanks e Celebrity Squares. Além disso, Ray apresentou o Young Talent Time em várias ocasiões, substituindo o apresentador regular Johnny Young.

Johnny Farnham e Ray
Durante 1989-1990, Ray apresentou o programa da rede Sky After Dark. Por mais de 17 anos, Ray tem sido uma celebridade convidada regular no TVW7 Telethon de Perth (o maior evento de arrecadação de fundos do mundo!). Nesta plataforma, ele se apresentou ao lado de estrelas internacionais, incluindo Michael Jackson, Stevie Wonder, Vic Damone e Gene Pitney. Em junho de 2008, Ray fez uma aparição especial no hilário e bem avaliado Spicks & Specks da ABC.
Cantor, músico, apresentador de televisão, apresentador, MC e apresentador, Ray sem dúvida deixou sua marca na indústria do entretenimento da Austrália. Depois de 40 anos na indústria, Ray Burgess tem muito a oferecer; ele é talentoso, engraçado, carismático e, acima de tudo, versátil.

Ray Burgess 2012
Em 2008, a filha de Ray, a cantora Casey Burgess, foi escolhida a dedo para substituir Charli Delaney no grupo infantil extremamente popular, Hi-5. Durante o curto período de Casey com o Hi-5, ela fez turnês, gravou três séries e foi destaque no DVD Live H-5. Da mesma forma, ela agora está buscando uma carreira solo. Ray e Casey continuam a se apresentar juntos sempre que possível.

Em 2013, Ray retornou às paradas com um novo hino do rock "Legends of the Southern Land". Ele é acompanhado por amigos e colegas estrelas John St Peeters, John "Swanee" Swan, Marty Rhone e Tommy Emmanual compartilhando seu amor e orgulho por todos os australianos.

Entrevista com Ray (trechos)
(por Sharyn Hamey / Rock Club 40 / 12 de abril de 2012) 
A carreira musical de Ray começou quando ele foi um dos segundos colocados no New Faces. "1969, eu acho. Consegui um emprego com uma banda profissional e fiz muitas turnês. Trabalhamos como banda de apoio de John Farnham por provavelmente dezoito meses ou dois anos.” Eventualmente, Ray foi convidado a se aventurar em uma carreira solo. “Eu tinha um disco de sucesso em doze meses, o que foi um choque maior para mim do que para qualquer outra pessoa”, ele lembra. “Naquela época, estávamos trabalhando com a agência AMBO em Melbourne, que era a casa de Kevin Lewis, Johnny Young e Young Talent Time. Não tínhamos um contrato de gravação. John e Kevin ouviram o single e tinham um contrato com o Festival e disseram 'Vamos lançá-lo'. E Bum! Bum! Estava no primeiro Countdown colorido e lá se foi!” A música, é claro, era "Touch Me" e, como Ray lembra, ele era um pouco regular no Countdown naquela época. Infelizmente, muitos desses episódios dos dois primeiros anos do Countdown agora estão perdidos para nós. “Acho que eles reutilizaram as fitas e nada disso foi guardado”, ele explicou. “Tive sorte quando fiz "Touch Me" naquela cor Countdown porque foi por isso que a mantiveram. Foi a primeira.”

Então Ray decidiu fazer um teste para outro programa de televisão. Esse programa era Flashez e, pelos próximos 18 meses ou mais, ele foi teletransportado para salas de estar em todo o país pela ABC. “Foi algo extraordinário. Acho que a cobertura televisiva provavelmente prejudicou a gravação porque as estações de rádio eram relutantes em tocar sua música se você estivesse na TV todos os dias. Essa mensagem foi transmitida bem claramente. Daí em diante, houve muita televisão. Havia todos aqueles Don Lane Shows. Eu era regular no Kennedy's Blankety Blanks. Eu apenas fiz muita TV e continuei trabalhando em diferentes gêneros. Eu fiz programas infantis e fiz turnês e continuei trabalhando em toda a loja, até cerca de dez anos atrás. Eu estava trabalhando em um clube em Sydney, fazendo uma balada ou algo assim”, ele lembra “e as máquinas de pôquer estavam rugindo do lado direito, as pessoas sentadas de costas para você e a banda estava meio que olhando para o espaço enquanto tocava e eu pensei 'Não foi para isso que eu fiz isso.' Se as pessoas não querem ouvir, não há valor em fazer isso.” E foi aí que ele começou a repensar o que estava fazendo e qual caminho queria seguir. “Comecei a pensar 'o que mais há para fazer na vida?'

Quando Ray parou de se apresentar em tempo integral, ele começou a trabalhar com pessoas desempregadas de longa data, fazendo trabalho comunitário. "Eu acho que, como artista, sempre estive envolvido em trabalho comunitário, de certa forma, o que me levou a trabalhar no centro comunitário, Pole Depot, onde trabalho agora." Cerca de dezoito meses atrás, Brian Cadd pediu a Ray para se envolver no Support Act, que é um fundo beneficente para músicos na Austrália. "Ele estava indo para o exterior e eu estava envolvido em algumas atividades de arrecadação de fundos e ele perguntou se eu preencheria sua posição no conselho, o que me deixou muito surpreso e honrado. E quando perguntei a ele 'Por que eu?', ele disse porque eu estava envolvido com trabalho comunitário e naquele nível de gestão e conselho já. Brian está no exterior novamente no momento, então estou novamente envolvido no conselho."

Ele também está envolvido em rádio comunitária. "Eu nunca tinha feito rádio antes. O rádio sempre foi a ruína dos artistas de gravação", ele ri, "porque você estava constantemente implorando para que eles tocassem suas coisas. Há uma grande estação de rádio comunitária aqui: 90.1 no seu dial. Acho que eles cobrem cerca de 23 a 24% do mercado de Sydney. E somos especializados em música dos anos 60 e 70, o que é bem a minha praia. Eu toco música mais moderna ocasionalmente. É ótimo e me dá uma plataforma para falar sobre os programas que a Pole Depot executa, que são muito importantes e relevantes também. E, na comunidade musical mais ampla, também me dá a chance de falar com pessoas que eram meus pares, meus amigos. Recentemente tive uma discussão com Darryl Cotton. Ele estava aqui com Russell Morris e Jim Keays e eu disse 'Gente, obrigado por reservar um tempo para falar conosco no ar.' e Darryl disse 'Não, obrigado! Há tão poucos que querem saber mais e temos que usar todos os recursos que pudermos para que as pessoas saibam que ainda estamos vivos, ainda trabalhando e ainda por aí.' ”

“Há outras coisas da indústria com as quais também me envolvo. Eu canto ocasionalmente. Fiz um show recentemente com Marty Rhone, Dinah Lee e John Paul Young, que foram algumas horas de sucessos que foram poderosos.” ele sorri. “É ótimo estar pisando nas tábuas novamente.”

Pensando em sua longa e variada carreira, Ray considera quais foram os destaques para ele. “Eu suponho”, ele pondera, “um grande destaque foi quando ouvi 'Touch Me' pela primeira vez no rádio. Foi lançado em 16 de dezembro de 1974 e tradicionalmente na semana de preparação, as playlists são bloqueadas durante o período de Natal e não mudam até a segunda semana de fevereiro e eu pensei 'Bem, se não for escolhido esta semana, é história. Mas quem se importa? Vamos fazer assim mesmo. Se eu tiver um pedacinho de vinil, então isso é ótimo. É melhor do que alguns têm!' Foi escolhido pela 3XY em Melbourne na véspera de Natal e eu ouvi quando estava dirigindo para casa na South-Eastern Freeway naquela tarde e foi um burburinho.”

Ele faz uma pausa por um momento. “Mas, na verdade, são as pessoas que você conheceu na jornada e os amigos que você faz ao longo do caminho.” Ele conta uma história para me mostrar exatamente a que ele está se referindo. “Sabe, tem uma senhora que vem aos nossos shows aqui em Sydney que sofre de paralisia cerebral. Ela tem cerca de cinquenta anos e ela se coloca em uma cadeira de rodas e pega um táxi sozinha e se você perguntar 'Você quer que a gente te ajude?' ela diz 'Não. Eu estou bem.' Ela simplesmente vive e ama música e ela pode ir lá para alguns dos shows... enquanto às vezes pensamos 'Oh, eu deveria fazer isso?' e você tem alguém assim com tanta restrição no que pode fazer, que pessoa incrível! As pessoas acham que é sobre as coisas que elas não podem fazer, mas pessoas com deficiência dizem 'Não, é sobre as coisas que eu posso fazer!'

Ray está claramente muito contente com sua vida no momento, e acha seu trabalho extremamente gratificante. “A gama de experiências é fantástica e lhe dá um amplo espectro de vida realmente bom. Ajuda você a apreciar o que é e o que deveria ser. A vida pode ser maravilhosa em um minuto e virar de cabeça para baixo no outro. É isso que a torna interessante”, ele sorri. “Minha vida nunca é a mesma, duas semanas seguidas.”

Para a entrevista completa, veja rockclub40.com

Anos de contagem regressiva de Ray
Ray Burgess, outro membro do coro melancólico de Countdown, também transmitiu mensagens confusas para as adolescentes. Meio querendo colocar sua foto nas paredes do quarto, elas descobriram que, ao lado das gostosas de Skyhooks e Sherbet, Ray oferecia menos justificativa para sobrecarregar o Blu-Tack.
Burgess, um ex-caixa de banco do subúrbio de Clayton, em Melbourne, apresentou o programa pop da ABC Flashez durante os dois anos de sua existência. Com suas covinhas e cabelo imóvel. Burgess tinha um carisma suburbano, o garoto local se saiu bem. Mas sua sexualidade, como café descafeinado e sexo por telefone, simplesmente não era real. Suas calças de cetim justas abrigavam tesouros que a geração Countdown queria escavar apenas por um breve período. Foi certamente a primeira vez na curta história de Countdown que as adolescentes entenderam a palavra contenção. Ray era apenas um cara legal demais e não uma estrela pop o suficiente. Era como tentar achar um apresentador de TV sexy. Mas é preciso dizer que sua interpretação de "Touch Me" (retirada de seu álbum 'Not So Pretty') fez com que várias garotas alcançassem Rayward.

Não consegui dormir no meu quarto ontem à noite 
Algo não era bem o mesmo
Assim que eu estava alcançando a luz mais próxima 
Ouvi alguém chamando meu nome 
[Refrão] Toque-me, Ooh, tenho a sensação 
Huh, é uma sensação boa.'

Burgess agora se dá o benefício da dúvida. "Eu era um pouco um símbolo sexual, não era? A esposa não gostava muito. Mas eu era um dos bons rapazes. A esposa estava no estúdio ou na estrada comigo."
Apresentar Flashez matou a carreira pop de Burgess, assim como Countdown, o rolo compressor, matou Flashez porque representava uma competição que não era apreciada. A gerência da ABC não via necessidade de ambos os programas. Com o fim de sua carreira pop e na TV, Burgess entrou no circuito do Leagues Club, cantando músicas dos Beatles e Billy Joel. Ele trabalhou nos cassinos por todo o país, incluindo noites especiais entre os grandes apostadores em Darwin.
[Trecho de 'Glad All Over: The Countdown Years 1974-1987, Peter Wilmoth' p97-98]
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Este post consiste em FLACs extraídos do meu vinil recentemente adquirido, obtido em outro bom dia no mercado de pulgas local, e em perfeitas condições. Quando vi o álbum, algo soou em meus ouvidos... 'TOQUE-ME, Ooh, tenho a sensação, Huh, é bom.', então peguei.
A arte completa do álbum e scans do selo também estão incluídos. Para adoçar o acordo, adicionei como bônus o single promocional de Ray de 1981 "The Golden City" (que homenageia os dias da corrida do ouro de Bendigo) junto com seu lado B "Rachel's Song". Eu realmente gosto do cover de Ray de "Gloria" do Them e "The Ripper" do Judas Priest, embora eu não ache que este álbum seja tão forte quanto seu LP de estreia "Not So Pretty", que eu poderia considerar postar em uma data posterior se houver interesse suficiente. Essa é uma dica, pessoal - então não esqueçam de comentar.


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Lista de faixas: 
01 - I Want You I Need You (Vanda-Young)
02 - Love Stealer (Wainman-Myhill)
03 - The Ripper (Tipton)
04 - Deeper and Deeper (Van Wormer)
05 - Stay Awhile Stay (Peter Jennings)
06 - Black Is Black (Wadley-Jones-Grainger)
07 - When You Lose Someone You Love (Burgess)
08 - Love Rustler (Linds-Cain)
09 - GLORIA (Morrison)
10 - Drift Away (Burgess) 
BONUS TRACKS
11 - The Golden City (Don Mudie)
12 - Rachel's Song (Ray Burgess)

O álbum "Final Mix" foi produzido por Ross Burton 
Os engenheiros eram Ian McKenzie e Ross Cockle e o estúdio era Armstrongs em Melbourne

Músicos:
Guitarras: Tony Naylor
Baixo: Graham Thompson
Teclados: Peter Sullivan
Bateria: Barry Cram
Saxofone: Bill Harrower
Vocais de apoio: Chrissie e Lindsay Hammond (Cheetah)/Ross Burton/Adrian Campbell/Tony Naylor/Barry Cram  






Stone The Crows - Ontinuous Performances (1972)


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Stone The Crows era:
Maggie Bell - vocais
Leslie Harvey - guitarra
James Dewar - baixo
John McGinnis - teclados
Collin Alien - bateria Stone The Crows começou em Glasgow, Escócia, quando uma jovem Maggie Bell subiu no palco para cantar com Alex Harvey (Sensational Alex Harvey Band) e ganhou £ 2 por sua bochecha. Harvey a apresentou a seu irmão mais novo Leslie, então líder do Kinning Park Ramblers. Maggie mais tarde se juntou a Les Harvey em uma banda chamada Power, que excursionou por clubes e bases dos EUA na Alemanha e foi descoberta e renomeada Stone The Crows (formação como acima) por Peter Grant (Led Zeppelin). Seus dois primeiros álbuns, ambos lançados em 1970, foram notáveis ​​pelo som firme e baseado no soul, o excelente trabalho de guitarra de Harvey e o canto gutbucket de Maggie. No entanto, a aclamação do público não estava chegando tão rápido quanto o esperado, e McGinnis e Dewar saíram em fevereiro de 1971 para se juntar à nova banda de Robin Trower. O grupo estava perto de se separar quando Ronnie Leahy (teclados) e Steve Thompson (baixo) entraram como substitutos. Teenage Licks (1971) produziu um forte aumento na fortuna do grupo, com Maggie Bell ganhando o primeiro de muitos prêmios como a Melhor Cantora Feminina da Grã-Bretanha em 1972.







Mas, no mesmo ano, veio a morte trágica de Les Harvey, morto no palco por um microfone "ao vivo" durante um show na Swansea University. Eles tentaram continuar com Jimmy McCulloch (do Thunderclap Newman) como novo guitarrista, mas a escrita estava na parede. 'Ontinuous Performance', já meio concluída, foi finalizada pela nova formação e lançada com aclamação da crítica. Mas ainda não houve sucesso comercial para sustentá-los, e em junho de 1973 a banda se separou.

Após a separação do Stone The Crows, Maggie se estabeleceu como uma artista solo de sucesso e gravou dois álbuns impressionantes, "Queen Of The Night" e "Suicide Sal", com uma série de músicos de apoio repletos de estrelas, incluindo Jimmy Page, Phil May e Geoff Whitehorn.; enquanto McCulloch se juntou ao Wings e o baterista de longa data Colin Allen tocou com o Focus e John Mayall.
[trecho de The Illustrated New Musical Express Encyclopedia of Rock, por Nick Logan e Bob Woffinden, 1977. p225-226]
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Crítica do álbum 
(por PF O'Dea. Biblioteca da Victoria University of Wellington)
A primeira indicação de que o Stone the Crows poderia ser diferenciado dos fornecedores comuns de heavy rock veio com o lançamento de seu primeiro álbum. O primeiro lado foi uma coleção de blues branco executados com competência, bons, mas não excepcionais. "I saw America", que ocupou todo o outro lado com sua colagem impressionista de uma visão de forasteiros da sociedade americana, serviu como um aviso de que aqui estava um grupo capaz de coisas maiores e melhores.

A promessa exibida naquele primeiro álbum não foi, infelizmente, estendida ao seu sucessor "Ode to John Law", e por qualquer padrão, o terceiro álbum, "Teenage Licks", foi um retrocesso. Ainda assim, os três álbuns continham ideias suficientes para provocar, e isso, junto com a reputação que o grupo desfruta como um dos atos ao vivo mais potentes e memoráveis ​​do circuito inglês, alimentou a esperança de que um dia desses Stone The Crows produziria um verdadeiro sucesso. "Continuous Performance" não é bem isso, mas são dois passos no caminho. Ele tem que ser visto como um álbum de transição, após a morte de seu guitarrista principal, Les Harvey, que se eletrocutou em um show da faculdade, e a quem "Continuous Performance" é dedicado.

Leslie Harvey (Centro-Frente)
Harvey toca em cinco das faixas, mas sua antiga abordagem avassaladora foi suavizada pela introdução do pianista Ronnie Leahy, resultando em mais equilíbrio sobre o qual a voz de Bell supera até mesmo a de Janis, de Joplin. A faixa de abertura, "On the Highway", destaca a tendência do grupo para o excessivo, e deveria ter sido comprimida.

Maggie Bell
"Penicillin Blues", uma metáfora sexual não tão sublime escrita pelos bluesmen Sonny Terry e Brownie Magee, tem Harvey contrapondo com simpatia a incrível ginástica de Bell: "Eu prometo não gritar ou me contorcer / Eu quero que dure a noite toda", torna-se mais óbvio e orgástico conforme a letra avança.

O substituto de Harvey, Jimmy McCulloch, faz performances louváveis ​​em dois números, "Sunset Cowboy" e "Good Time Girl". Durante o último, suas corridas combinam bem com as correntes pulsantes estabelecidas por Colin Allen e Sieve Thompson, e o trabalho vigoroso dos metais. McCul-lock deve eventualmente preencher a lacuna deixada pela morte de Harvey e aliviar a abordagem do grupo.
Os melhores momentos de Maggie Bell até agora são "Niagra", uma cantiga sobre vender a alma ao diabo e atirar pedras em policiais, e "Sunset Cowboy", um tributo carregado de emoção e com toques gospel a Harvey.

Um pequeno problema: em sua maneira desajeitada de sempre, a Phonogram Records mutilou o que era originalmente uma capa desdobrável, removendo o "C" maiúsculo do título, então procure por "Ontinuous Performance". O erro é repetido no rótulo, mas corrigido nas letras pequenas na lombada. É muito bom ver uma empresa ter um orgulho tão óbvio em apresentar seu produto ao público (NÃO)
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Leslie Harvey
A morte de Harvey e seu impacto na banda
A banda recebeu um golpe enorme em 3 de maio de 1972. Les Harvey foi eletrocutado no palco do Swansea Top Rank e morreu. "Você pode imaginar o que aconteceu conosco ao ver Leslie morrer", relembra Bell, ainda abalado pela lembrança. "Estávamos todos lá quando aconteceu". A banda decidiu tentar continuar. ("Não me lembro de nenhuma vibração sobre separação depois que isso aconteceu", comenta Allen. "Acredito que todos nós pensamos que Leslie gostaria que continuássemos"). E o homem que parecia alinhado para substituir Harvey não era outro senão Peter Green, do Fleetwood Mac.

"Estávamos ensaiando na casa de Ronnie Leahy, no porão", explica Bell. "Peter concordou em se juntar a nós para uma aparição em um festival (Friar Festival) que estávamos comprometidos a fazer. Lembro-me de ir buscá-lo. e ele tinha cortado todo o cabelo e estava com um saco de dormir e uma mochila pendurada no ombro. Ele estava quase irreconhecível em relação à pessoa que todos nós conhecíamos. Mas passamos três semanas ensaiando com ele para o festival. Então, no dia anterior ao show, ele nos ligou e disse que não poderia ir. Não houve explicação, ele simplesmente desistiu."

Suponho que na realidade - Peter estava a anos-luz de se juntar a nós', alega Allen. "Ele era um cadete espacial naquela época. Estávamos muito animados com a possibilidade de ele se juntar a nós - ele estava tocando muito bem, mas acho que ele veio para ensaiar só para ter algo para fazer"
Diante dessa crise, a banda recorreu a um velho amigo para ajudá-los.
"Conhecemos o Yes quando fizemos nosso álbum de estreia no Advision Studios; diz Bell. 'Eles estavam no estúdio ao mesmo tempo. Então, ligamos para Steve Howe e pedimos que ele pudesse nos ajudar. E ele foi incrível. Steve ficou acordado a noite toda, aprendendo as músicas, fez o show e foi excelente. Ele realmente veio até nós naquele dia, e não posso agradecê-lo o suficiente por nos ajudar a sair do buraco".
Obviamente, Howe não estava disposto a entregar sua posição no Yes para se juntar ao Stone The Crows. Então, a banda teve que começar sua busca novamente por um novo guitarrista. Mas foi aí que a banda encontrou aliados vindo em seu socorro.

"Todo mundo costumava sair em Londres no Speakeasy Club. Nós todos nos conhecíamos, e todos nós ajudávamos uns aos outros. Era assim que as coisas eram naquela época. Todos nós queríamos ver outras bandas se darem bem. E alguém sugeriu que deveríamos dar uma olhada em um cara chamado Jimmy McCulloch. Ele tinha acabado de sair da banda de Thunderclap Newman, e tipo Leslie era escocês."
Então, McCulloch devidamente se juntou à banda a tempo de terminar as demandas de gravação do novo álbum 'Ontinuous Performance'.


Les já tinha feito a maioria das partes de guitarra para o álbum", revela Bell. Então, Jimmy simplesmente entrou e tocou em algumas faixas." McCulloch aparece nas músicas 'Good Time Girl' e 'Sunset Cowboy'. Harvey tocou as partes de guitarra nas outras músicas.
"Eu escrevi a letra de 'Sunset Cowboy' em memória de Leslie", diz Allen. "É seguro dizer que todos nós ficamos em choque por um tempo (após o acidente), mas você simplesmente segue em frente com as coisas - não há muito mais que você possa fazer."

Ao vivo no Friars Festival, 1972
O título do álbum refletia a situação da banda, como explica Allen.
"Acho que estávamos insinuando que, mesmo com Leslie tendo partido, continuaríamos. A letra 'C' faltando no título do álbum pode ter sido algo simbólico, relacionado ao fato de que Leslie também estava desaparecida.
"Parece que me lembro de Mark London às vezes o chamava de Ches Chesney, ou algo assim. Eu era Collie Colsner, Maggie era Mags Magsler; era uma coisa de Mark. Você teria que conhecê-lo naquela época para entender. Ele era canadense e tinha feito, entre outras coisas, comédia stand-up nos Alpes Judeus - o resort Catskill Mountain."
Lançado mais tarde em 72, 'Ontinuous Performance'; na verdade, alcançou a posição 33 no Reino Unido. Mas para Bell soou o toque de finados para a banda.

"O fogo tinha se apagado de nós. Não havia mais energia. Quando Les morreu, perdemos algo, e a banda nunca mais poderia ser a mesma. Jimmy não era um escritor, então teríamos enfrentado um problema no futuro de qualquer maneira. Para ser honesto, todos nós ficamos arrasados ​​com a perda de Les e eu senti que não poderia continuar com esta banda."

Em 1973, Stone The Crows se separou. "Foi cerca de dois dias após nosso último show em Montreux - foi uma decisão da gerência", revela Allen. A banda deixou um legado de quatro álbuns, todos com seu próprio caráter. E as décadas seguintes apenas aumentaram a riqueza de seu legado e reputação. "Deveríamos ter sido maiores e mais bem-sucedidos do que fomos", insiste Bell, com razão. Allen, no entanto, é um pouco mais filosófico.
"Era o que era - basicamente uma boa banda ao vivo com muitos fãs. Para se elevar acima disso, você precisa de um álbum de sucesso ou um single que tenha tido muita transmissão. Não tivemos nenhum dos dois."
No entanto, o que Stone The Crows deixou para trás musicalmente garantiu que eles fossem enaltecidos por muitas bandas mais jovens ao longo dos anos. O presente de seus valores e criatividade continua a inspirar aqueles que aspiram. [por Malcolm Dome, Londres, 2015]
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Este post consiste em MP3 (320kps) e FLACs extraídos do meu vinil limpo e crocante, juntamente com a arte completa do álbum para mídia de vinil e CD.
Ouvi este álbum pela primeira vez em 1977, enquanto morava no campus do Glenn College na La Trobe University, Melbourne.
Na época, a faculdade tinha uma coleção modesta de discos disponíveis para empréstimo para seus residentes estudantis e este LP do Stone The Crow's foi o primeiro que peguei emprestado. Estava em condições precárias, mas ainda tocável o suficiente para apreciar totalmente a música que oferecia. Mais de 40 anos depois, localizei minha própria cópia 'quase nova'. Nem preciso dizer que minhas primeiras palavras quando o vi novamente depois de tantos anos foram 'Stone The Crows'!'
Como bônus, também estou incluindo duas faixas ao vivo retiradas da reedição em CD do álbum - 'Penicillin Blues' e 'Good Time Girl'

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Lista de faixas
1) On the Highway
2) One More Chance
3) Penicillin Blues
4) King Tut
5) Good Time Girl *
6) Niagara
7) Sunset Cowboy *
FAIXAS BÔNUS
8) Good Time Girl (ao vivo)
9) Penicillin Blues (ao vivo)

Stone The Crows:
Maggie Bell - vocais
Steve Thompson - baixo
John McGinnis - teclado
Collin Allen - bateria
Leslie Harvey - guitarra
Jimmy McCulloch - guitarra *






Sally Field - The Flying Nun (1969) EP




Todos nós nos lembramos de Sally Field por seu exuberante discurso de aceitação do Oscar nos anos 80: “Eu não tive uma carreira ortodoxa e queria mais do que tudo ter seu respeito. Na primeira vez eu não senti, mas dessa vez eu sinto — e não posso negar o fato de que você gosta de mim... agora mesmo... você GOSTA de mim!" Essa citação infame viria a ser uma das falas mais parodiadas e recitadas da história (mas citada erroneamente como "você gosta de mim — você REALMENTE gosta de mim!").

Nascida Sally Margaret Field em 6 de novembro de 1946, sua carreira em Hollywood abrange mais de cinco décadas; ela ganhou dois Oscars, dois Globos de Ouro, três Primetime Emmy Awards e um Screen Actors Guild Award, entre vários outros prêmios. Ela dirigiu e atuou.

Field começou sua carreira na televisão, estrelando as comédias Gidget de 1965 a 1966 e The Flying Nun de 1967 a 1970. Embora ela gostasse muito de trabalhar em Gidget, ela odiava The Flying Nun porque não era tratada com respeito pelos diretores do programa. Field foi então estereotipada, achando papéis respeitáveis ​​difíceis de conseguir.



Depois de vários outros papéis na televisão, Field se aventurou no cinema, estrelando Norma Rae (1979), pelo qual recebeu aclamação universal, recebendo o Oscar de Melhor Atriz por sua atuação. Mais tarde, ela recebeu indicações ao Globo de Ouro por suas atuações em Absence of Malice (1981) e Kiss Me Goodbye (1982), antes de receber seu segundo Oscar de Melhor Atriz por sua atuação em Places in the Heart (1984). Ela também recebeu outras indicações ao Globo de Ouro de Melhor Atriz por Murphy's Romance (1985) e Steel Magnolias (1989).

No final dos anos 1970, Field foi romanticamente ligada a Burt Reynolds por muitos anos, durante os quais eles coestrelaram vários filmes, incluindo Smokey and the Bandit (1977), Smokey and the Bandit II (1980), The End e Hooper (ambos de 1978).

Burt Reynolds e Sally Fields
Mas chega de falar de filmes... agora vamos voltar a 67 e falar sobre as músicas que ela gravou para The Flying Nun. Seu single de estreia em agosto, "Felicidad / Find Yourself A Rainbow" ficou em 94º lugar na parada da Billboard dos EUA. Ambas as músicas estão neste EP australiano de 1969 (RCA 20503), obtido do blog do Guitarzan (obrigado, Tim).

Em dezembro, ela concluiu seu álbum de estreia: Star Of The Flying Nun (Colgems COS-106). Outra música do álbum, "The Louder I Sing (The Braver I Get)", incluindo uma música que não está no álbum de janeiro de 1968, "Golden Days", são as últimas 2 faixas aqui no EP.

Então, para finalizar, tenho certeza de que todos vão se juntar para mostrar respeito a Sally e concordar que gostamos dela - nós REALMENTE gostamos dela.

(2016)
E então, a oferta do WOCK on Vinyl deste mês é um pouco estranha (quem teve a ideia de criar uma sitcom sobre uma Freira Voadora deve ter tomado algumas daquelas drogas alucinógenas infames dos anos 60), mas certamente obscura - boa sorte tentando encontrar este EP em outro lugar.


 Lista de faixas .
01 - Felicidad
02 - Find Yourself A Rainbow
03 - The Louder I Sing (The Braver I Get)
04 - Golden Days




John Farnham - The Best Of John Farnham (1980)



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Nós, australianos, somos notoriamente duros em nosso tratamento de heróis locais. Às vezes parece que a única razão pela qual elevamos artistas, esportistas ou políticos às alturas do estrelato é para que possamos derrubá-los com alegria maliciosa. Poucas celebridades antípodas parecem escapar do processo de "levantá-los e destruí-los", e então recuam para uma posição mais segura "nos bastidores" — se é que realmente escolhem perseverar no mundo inconstante do entretenimento. Permanecer sob o olhar crítico do escrutínio público por mais de uma dúzia de anos — sem ser jogado na sucata dos fracassados ​​— é o único testamento verdadeiro de talento puro.
John Farnham é um artista raro e excepcional; uma "estrela" em tempo integral que ganhou e manteve o respeito e a admiração de seus pares e do público — sem o inevitável recurso ao escândalo ou à excentricidade.

Nascido em 1º de julho de 1949 em Dagenham, Inglaterra, John se envolveu em apresentações amadoras de caridade a partir dos 6 anos e, tendo se mudado para Melbourne aos 10, continuou seu interesse por meio de eventos escolares. Aos 16, ele se juntou à força de trabalho como aprendiz de encanador; cantando em bailes locais com The Mavericks à noite. Sua voz agradável e geralmente melodiosa chamou a atenção da moderadamente proeminente Strings Unlimited no início de 1965, culminando com ele assumindo responsabilidades de vocalista principal com a roupa por dois anos. Durante uma excursão a Adelaide no início de 1967, o namorado de Bev Harrel — o contador Darryl Sambell — se apaixonou pela jovem cantora e, apesar de uma drástica escassez de experiência em coisas do showbiz, propôs a gestão. John inicialmente se tornou regular na série de TV diária de pop-mímica 'Kommotion'; o que o chamou a atenção do produtor da casa EMI David McKay, que eventualmente fez uso de sua voz na campanha publicitária 'Susan Jones' da TAA. A partir daí, foi uma mera formalidade para John assinar com a EMI como artista musical — facilitado por uma apresentação privada diante de McKay, apoiada por um Zoot complacente.

Desde o início, McKay estava ansioso para que Farnham gravasse uma novidade não hit da Inglaterra chamada "Sadie, The Cleaning Lady". John relembra: "Achei muito idiota. Admito que não sabia muito na época e nem Darryl, mas sabíamos de uma coisa — não gostávamos daquela música". O cantor descontente admitiu que McKay sabia mais e obedientemente a lançou em outubro de 1967. Lançada na primeira semana de setembro, ela chegou ao primeiro lugar nacional em um mês e ficou no topo por 6 semanas — permanecendo nas paradas por cerca de 23 semanas. Além de ser a primeira gravação australiana número um por mais de um ano, ela se tornou o single australiano mais vendido de todos os tempos, com vendas acima de 180.000 — um recorde que se manteve até "Up There Cazally" movimentar um quarto de milhão em 1979.

Da noite para o dia, o jovem e efervescente John Farnham se tornou o nome proverbial da casa — uma estrela adolescente totalmente aceitável para os pais. E enquanto tal combinação cruzada tradicionalmente significava a ruína, Farnham varreu ambos os campos em seu rastro — não alienando nenhum deles com sua abordagem honesta e sincera. Para a mídia, ele era uma dádiva de Deus — um meio pelo qual espectadores/ouvintes/leitores mais jovens podiam ser atendidos, sem risco para o mainstream. Comerciais, fan rags, Tonight Shows, jornais e danças locais, todos competiam por seus serviços; e na formação estava uma celebridade única que nunca teria que depender de um fluxo constante de sucessos para manter uma carreira de destaque.


O inevitavelmente difícil acompanhamento veio em março de 1968, na forma de uma aposta dupla — outra novidade "Underneath The Arches", apoiada por uma soberba canção pop de classe — "Friday Kind Of Monday" de Greenwhich & Barry. O disco teve um bom desempenho no top dez, abrindo caminho para mais dois sucessos respeitosos da pena do australiano Hans Poulsen — "Jamie" e "Rose Coloured Glasses".

Durante 1968, John ganhou o primeiro de 5 prêmios Logie consecutivos de Melhor Personalidade Adolescente; enquanto um ano depois ele conseguiu a primeira de 5 coroas consecutivas de "Rei do Pop". Simplesmente não havia outra personalidade pop masculina na terra para competir ou comparar com o positivo e profissional Sr. Farnham.

O Natal de 68 viu o primeiro fracasso nas paradas com o sazonal "I Saw Mommy Kissing Santa Clause"; uma decepção bem compensada em agosto de 1969, com a colocação número um de "One" de Harry Nilsson, um sucesso americano para Three Dog Night.


Quatro meses depois, John venceu BJ Thomas com uma interpretação ultracomercial do tema de 'Butch Cassidy and The Sundance Kid' — "Raindrops Keep Falling On My Head". Outro número um, permanecendo nas paradas por 18 semanas. John Farnham nunca desceu para as panelinhas paroquiais nem se envolveu nas brigas divulgadas que tanto obcecaram muitos de seus contemporâneos. De alguma forma, ele permaneceu indiferente, levando sua carreira muito a sério, apesar daqueles poucos que ridicularizaram sua abordagem inocente de olhos arregalados para um jogo bastante sujo.


"Comic Conversations" o trouxe de volta ao top dez no final de 1970 e, em 1971, após gravar um álbum de dueto com a Rainha do Pop 'Allison Durbin', ele viajou para Londres para começar os preparativos para sua estreia nos palcos na produção australiana de Charlie Girl, ao lado de Derek Nimmo e Dame Anna Neagle.

Antes do fim do ano, ele conseguiu sua segunda vitória na Go Set Pop Poll e atingiu 8, 9, 10 com "Acapulco Sun", "Baby Without You" (com Allison) e "Walking The Floor On My Hands". 1972 foi outro ano incrível. Março viu John coroado Rei do Moomba em Melbourne e, no final do ano, ele recebeu o prêmio de Performance de Composição Mais Destacada (com "Don't You Know It's Magic" de Brian Cadd) no World Popular Song Festival em Tóquio. Uma vez que o hit número 4 de "Rock Me Baby" (que derrotou bem a versão de David Cassidy) saiu das paradas, o vencedor de Tóquio foi lançado às pressas para se tornar o hit 11.

Em abril de 1973, John atingiu o top 10 com "Everything's Out Of Season" e instigou o caos selvagem nas ruas quando se casou com Jillian Billman no subúrbio de Melbourne, Glenroy. Cinco meses depois, ele estava de volta ao número 12 com "I Can't Dance To Your Music". Um último hit em janeiro de 1974 — "Shake A Hand" — marcou o fim da carreira de John nas paradas pop — embora outro igualmente bem-sucedido estivesse à espreita (também conhecido como Whispering Jack)

No início de 1974, o empresário Kenn Brodziak o colocou no papel principal na produção teatral de Pippin e, em um ano, John reorientou sua imagem e direção para um mercado mais maduro — embora não necessariamente os subúrbios indiscriminados que seus críticos estavam sugerindo. Duas músicas de Vanda/Young gravadas por Peter Dawkins em 1975 — "Things To Do" e "One Minute Every Hour" — apresentaram Farnham com uma voz impressionante, com a primeira permanecendo como uma das performances vocais verdadeiramente excelentes capturadas neste país. O álbum de 1975 'JP Farnham Sings' foi um trabalho corajoso e aclamado pela crítica, composto inteiramente de canções compostas por australianos. Embora não tenha rendido sucessos, o álbum se destacou como um tributo poderoso e maduro à comunidade criativa australiana em plena maturidade.

Sem uma overdose de programas de perguntas e respostas na TV e performances em clubes, John Farnham continua intocado como uma personalidade australiana de primeira linha. A diversidade que ele exibiu por meio de programas de televisão como Bobby e Survival manteve sua sutil proeminência e garantiu sua popularidade contínua. Dada mais uma década, JP Farnham ainda comandará o respeito e a admiração da maioria dos australianos. (Notas do encarte por Glenn A. Baker, editor australiano, Billboard, janeiro de 1980)
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Este post consiste em FLACs extraídos do meu lançamento em CD AXIS e inclui a arte completa do álbum. Não consegui encontrar a arte para o lançamento do LP e espero que alguém que tenha este álbum possa digitalizar e compartilhar a sua conosco. Uma coisa que me incomoda sobre este lançamento é o fato de que o álbum (e as notas do encarte) se referem a Johnny como John, quando na verdade todas as músicas apresentadas neste álbum foram lançadas sob o nome de "Johnny Farnham". Não foi até o final de 1979 quando Johnny finalmente abandonou a referência infantil e começou a se chamar John, na época em que se juntou à Little River Band.
E a foto usada no lançamento do CD foi tirada de seus últimos anos com a LRB, enquanto a foto no LP é mais fiel à aparência de John durante os anos 70
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Lista de faixas:
01 Raindrops Keep Fallin' on My Head (2:29)
02 Comic Conversation   (3:19)
03 Rock Me Baby  (3:21)
04 Don't You Know It's Magic (4:00)
05 Everything Is Out of Season (3:12)
06 I Can't Dance to Your Music (3:00)
07 I Saw Mummy Kissing Santa Claus   (1:42)
08 Things to Do (3:20)
09 One (2:50)
10 Jamie   (2:29)
11 Rose Coloured Glasses (2:50)
12 Sadie, the Cleaning Lady  (3:18)
13 Underneath the Arches (2:01)
14 Friday Kind of Monday (2:45)

15 Andando no chão com minhas mãos (2:30)
16 Sol de Acapulco (2:38)
17 Um minuto a cada hora (3:03)
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Mott The Hoople - Greatest Hits (1976)



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Uma das maiores injustiças nos últimos dez anos da história do rock é que Mott the Hoople nunca alcançou o estrelato. Deus sabe que eles mereciam, e certamente se esforçaram muito para isso. Formada em meados dos anos 60 por Alien e Ralphs, a equipe original do Hoople consistia em Alien, Ralphs, Griffen, Watts e o vocalista Stan Tip-pens, que logo se tornaria seu empresário de estrada antes de progredir para empresário. A condição vocal intermitente de Stan levou o Hoople a fazer testes com novos vocalistas. Nesse ponto, o veterano folkie Ian Hunter apareceu, um compositor-guitarrista Dylanesco que poderia ser honestamente descrito como um "coaxador" em oposição a um cantor. Os devaneios roucos de Hunter, no entanto, tocaram um acorde responsivo dentro do grupo. Ele se juntou em 69, sinalizando o início de uma das carreiras de banda mais turbulentas do rock.


O produtor Guy Stevens conduziu a banda ao estúdio e cortou uma série de álbuns gravados rapidamente, embora clássicos. MOTT THE HOOPLE, MAD SHADOWS, WILDLIFE e BRAIN CAPERS rapidamente estabeleceram a banda como uma trupe esquizoide e aclamada pela crítica. No entanto, no nível de vendas, Mott era o pior. Essa falta de vendas, mais a constante disputa entre estilos (a escrita de Hunter estava a uns bons 180 graus de distância do estilo de Ralph) dentro da banda, levou a problemas. Em 1972, o grupo se fragmentou, mas foi reunido por David Bowie, que produziu o clássico LP ALL THE YOUNG DUDES. Os garotos agora tinham um novo produtor e uma nova gravadora (Columbia substituindo Atlantic).


Um novo Mott foi esculpido a partir do brilho e glamour prevalecentes no início dos anos setenta. Hunter se tornou o líder. Verden Alien saiu logo depois. Bowie saiu como produtor e Ralphs deixou o grupo para formar a Bad Company no meio da gravação de MOTT. Embora Mott certamente estivesse se mostrando mais bem-sucedido na Columbia do que antigamente, eles eram tudo menos superstars. Single após single fracassava nos Estados Unidos e Mott estava ficando frustrado.

Centro Ian Hunter
Apesar de sua posição um tanto hesitante nas pesquisas de rock pop, a banda planejou uma turnê de costa a costa para 73. Contando com a ajuda do ex-guitarrista do Spooky Tooth, Luthor Grosvenor (que, vestido com seus trajes de palco de Dale Arden, se autodenominava Ariel Bender), Mott the Hoople (caras comuns que gostavam de uma boa bebida de vez em quando) vestiram suas melhores fantasias brilhantes e, armados com fantoches enormes, robôs, pólvora brilhante e bonecas dançantes, embarcaram em uma turnê matadora. Embora aumentada pelo excelente trabalho de teclado de Morgan Fisher, a turnê matadora de Mott the Hoople encontrou Mott interpretando o assassino.

As palhaçadas escandalosas no palco diminuíram um pouco a influência musical e negaram qualquer possível lucro monetário. Vários membros da banda estavam claramente desconfortáveis ​​em seus saltos plataforma e Ariel Bender simplesmente não se encaixava na guitarra. Logo Ariel estava no vazio e Mick Ronson foi doutrinado no reino da loucura de Mott. A chegada de outra personalidade dominante foi demais para o grupo suportar. Embora a banda tenha consistentemente se apresentado extremamente bem no disco durante esse período um tanto errático, suas vidas pessoais estavam em turbulência.

Hunter deixou a banda, internado em um hospital após um ataque nos Estados Unidos com exaustão total. Ronson partiu para uma carreira solo malfadada, e os membros restantes da banda se reagruparam com os novatos Majors e Benjamin simplesmente como Mott. O grupo teve um começo instável, mas rapidamente ganhou força com os álbuns SHOUTING AND POINTING e DRIVE ON. Hunter embarcou em uma carreira solo aclamada pela crítica, mas comercialmente desastrosa. Ele foi dispensado por sua gravadora em 1977, assim como Mott, que também cortou laços com o vocalista Benjamin. [trecho da Lillian Roxon's Rock Encyclopedia, Angus e Robertson, 1978. p359-360]
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Críticas
Mott the Hoople/Greatest Hits sofre um pouco porque essa banda, cujas histórias de "Tales of the Near Great" os tornaram favoritos sentimentais, produziu apenas dois álbuns de valor real depois que se mudaram da Atlantic para a Columbia. Vê-se o colapso do grupo após a saída do guitarrista Mick Ralphs no trabalho de guitarra solo terrivelmente mal ajustado e irritante de Ariel Bender. Ainda assim, joias como "All the Way from Memphis", junto com uma versão diferente de "Roll Away the Stone" e dois cortes inéditos, "Foxy Foxy" e "Saturday Gigs", dão a esse grupo absorvente um último testamento tardio.
- Billy Altman, Rolling Stone, 13/01/77.

Agora reorganizado com novos integrantes principais, o Mott relembra seu período de maior sucesso com o escritor/cantor Ian Hunter nesta coleção. Com a música e a produção de David Bowie em "All The Young Dudes", o grupo passou a representar o glitter rock. Mas seu som só ganhou brilho depois de dominar os elementos da excitação básica do rock. Melhores cortes: "All The Young Dudes", "All The Way From Memphis", "Roll Away The Stone". - Billboard, 1976.

Bate na minha bunda. Nunca ouvi "Foxy Foxy" no rádio e nunca quis ouvir. Mas a outra nova, "Saturday Gigs", recapitula de forma bastante comovente um tema banal que esta coleção desenvolve com um golpe real: uma banda e seus fãs. Quatro músicas é muita sobreposição com o Mott de 1973, mas esta é a essência do Mott the Hoople como um grupo, que sempre precisou de Ian Hunter e sempre fez mais do que apoiá-lo. - Robert Christgau, Christgau's Record Guide, 1981.

Mott é um pouco uma anomalia. Eles começaram sua existência como uma banda de hard rock, mas com a adição de Ian Hunter como vocalista e principal compositor, eles assumiram uma coloração Dylanesca. No entanto, foi sua afiliação com David Bowie durante seu período de brilho no início dos anos setenta que lhes proporcionou "All the Young Dudes", uma música que os catapultou para uma breve fama. Emprestadores consumados de seus irmãos do rock mais e menos conhecidos, Mott fundiu elementos díspares em um som dinâmico, muitas vezes bem-humorado, que combinava a grandiloquência do heavy metal inicial com o brilho dos anos setenta e quase tudo o mais que você ou eles pudessem pensar. Em retrospecto, Mott era uma banda mais potente do que se pensava originalmente. Greatest Hits é uma amostra razoável, mas é inferior a All the Young Dudes e Mott. Como uma visão geral, trinta e oito minutos não é tempo suficiente; muito material de qualidade é omitido, como "Ready For Love", "Sea Diver" e "Sweet Jane". - Bill Shapiro, Rock & Roll Review: Um guia para o bom rock, 1991.
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 Este post consiste em FLACs extraídos da minha prensagem de vinil em inglês e também vem com arte de álbum completa e scans de rótulos. Embora a coleção cubra 6 anos da carreira de gravação do Hoople, há algumas faixas essenciais faltando, a saber, "Sweet Jane", "One Of The Boys" e "Sucker", e então eu incluí essas faixas como faixas bônus.
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Lista de faixas
01 - All The Way From Memphis  3:24
02 - Honaloochie Boogie  2:42
03 - Hymn For The Dudes  5:20
04 - Born Late '58  3:58
05 - All The Young Dudes  3:32
06 - Roll Away The Stone  3:11
07 - Ballad Of Mott (26 de março de 1972, Zurique)  5:22
08 - The Golden Age Of Rock 'N' Roll  3:25
09 - Foxy Foxy  3:30
10 - Shows de sábado  4:17
11 - Sucker (faixa bônus)
12 - One Of The Boys (faixa bônus)
13 - Sweet Jane (faixa bônus)

MOTT THE HOOPLE ERA:
lan Hunter (guitarra, vocais), 
Pete Watts (baixo), 
Dale "Buffin" Griffen (bateria, vocais), 
Morgan Fisher (teclados), 
Nigel Benjamin (vocais), 
Ray Major (guitarra), 
Verden Alien (teclados), 
Mick Ralphs (guitarra); 
Ariel Bender (guitarra)
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MUSICA&SOM





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