The Cranberries – No Need to Argue (1994)

 

Lembrar No Need to Argue servirá sempre para celebrar o melhor momento da vida musical dos The Cranberries, sobretudo agora que a sua verdadeira alma já não se encontra entre nós.

A morte, uma vez mais, foi indecente. Continua, nos últimos tempos, a ser pronta, rápida e fatal nos disparos que vai tendo à sua disposição, vitimando muitas das referências das nossas vidas melómanas. De forma aparentemente indiferenciada, lá vai ceifando, feliz da vida, os pequenos e os grandes deuses que a música sempre soube criar. E nós, sujeitos aos imprevistos da velhaca de sempre, vamos mantendo a cabeça firme, embora muitas vezes com os olhos húmidos.

Vem tudo isto a propósito da morte recente de Dolores O’Riordan e do disco que resolvemos aqui recordar, o segundo dos sete discos que fez com os The Cranberries, banda que emergiu determinada a marcar o seu território musical em 1993 com Everybody Is doing It, So Why Can’t We?, se impusesse como referência para muitos amantes do rock de travo mais alternativo, embora nunca escondendo a agradável vertente pop da maioria das suas composições. O disco em questão, lançado no ano seguinte ao seu primeiro longa duração, revelava maior segurança artística e trazia consigo um verdadeiro hit mundial, o irreverente “Zombie”, canção que ecoou vezes sem conta em todo e qualquer canto do universo humano. Referimo-nos, como se percebe, a No Need to Argue, que para além de “Zombie” trazia ainda outros belíssimos temas que sobreviveram (e bem) à passagem do tempo. “Ode To My Family” (aquele “Doo doo doo doo doo doo doo doo” inicial é inesquecível) é, talvez, o melhor dos exemplos, uma vez que nunca sofreu o desgaste mediático de “In your head, in your head / Zombie, zombie, zombie”. Outro tema forte e bem conseguido, mais roqueiro e irrequieto que o a canção inicial, é “I Can’t Be With You”. Numa atmosfera mais calma, mais serena, lembrando, embora apenas a espaços, a voz e o jeito composicional de Suzanne Vega, a balada “Twenty One” é também um perfeito exemplo de resistência, momento muito bem conseguido de No Need to Argue. O disco, no entanto, comportava ainda outros recheios apreciáveis, como “Daffodil Lament” (canção que se foi revelando uma das preferidas dos fãs mais hardcore ao longo dos tempos) e “No Need to Argue”, para dar apenas mais dois exemplos significativos. Longe de ser um disco perfeito, foi com este segundo álbum que a projeção internacional da banda The Cranberries se deu definitivamente, uma vez que soube cumprir as expectativas criadas com aquele que foi o bom pontapé de partida do conjunto irlandês, trabalho já bastante promissor e que continha aquela que para muitos será a melhor canção de sempre de Dolores O’Riordan e companhia, a fabulosa “Linger”. Ou, para outros, a igualmente fantástica (e crescente no entusiasmo que vai transmitindo) “Dreams”.

Depois dos dois primeiros trabalhos, nunca mais a banda igualou a mestria desses tempos iniciais, embora em To The Faithful Departed (1996) e Bury the Hatchet (1999), os discos que se lhes seguiram, se encontrem igualmente alguns momentos de sólido interesse musical.

No entanto, e de forma súbita, rasteira e perversa, no passado dia 15, o mundo despertou para mais uma ausência significativa. Perdemos uma voz intensa e suave ao mesmo tempo, uma voz que parecia quebrar-se por momentos (era um estilo, não mais do que isso) para de novo ressurgir para dar corpo e forma aos temas que nos fomos habituando a ouvir há já mais de duas décadas. Os The Cranberries, a partir de agora. não serão mais os mesmos, se é que alguma vez voltarão a ter existência. Por isso, recordar aquele que para nós é o melhor momento discográfico da banda, era algo que se impunha. O Altamont tem memória, mesmo que por vezes ela se faça de momentos tristes.

Young Marble Giants – Colossal Youth (1980)

Disco único de uma banda que ainda hoje é vista como sendo seminal, influenciando praticamente tudo o que depois se passou.

Eram tempos agitados no mundo musical. O rock clássico que dominou os anos 70 já tinha sido arrumado para canto pelo punk, mas começavam já a aparecer indícios de evolução da formula básica dos três acordes que tinham sido os alicerces do movimento. Bandas como Gang of Four, The Fall e Joy Division, bem como de novas sonoridades de uns Wire e dos Clash mostraram que o pós-punk já era uma realidade. Ainda assim, incerto era o futuro, e terá sido um pouco no meio dessa incerteza do que estava para vir, que os Young Marble Giants foram agarrados pela histórica Rough Trade, que precisou apenas de ouvir duas músicas da banda para oferecer um acordo para gravação de um disco. A banda, com muito pouca experiência de produção e gravação apostou em não complicar, utilizando quase sempre o primeiro take para a versão final no álbum. No fundo esta era a força motriz da banda – uma sonorização simples à volta da voz de Alison Statton, dos quais se destavaca a máquina de percussão, no fundo um sintetizador caseiro, fabricado por um primo dos irmãos Philip e Stuart Moxham.

O álbum arranca com “Searching Mr. Right”, uma tranquilidade de voz doce, baixo e a tal drum machine ao fundo, a dar corpo à música. Numa coisa havia semelhança com o registo punk – a duração das músicas. Em dois, três minutos, máximo, a coisa estava despachada e passa-se à seguinte. A voz torna-se mais viva em “Include Me Out”, onde também aparece o riff de guitarra soando a garage rock a compôr o ramalhete. Mas é sol de pouca dura, já que a partir daí o sintetizador assume o lugar central das músicas, ombreando com a melodiosa voz (esse instrumento tantas vezes menosprezado). Ainda assim, as músicas que opto por destacar são as que têm o corpo de banda completa, casos de “Constantly Changing”, “Salad Days” (terá sido aqui que Mac deMarco veio buscar o nome para o seu álbum?) e “Credit in the Straight World”.

As influências eram notórias – Eno, Kraftwerk, Bowie de Berlin, Lou Reed, tudo coisas que já eram um pouco vistas como ultrapassadas pelo furacão punk, mas que os Young Marble Giants conseguiram ir rebuscar, criando algo realmente diferente. Será ambicioso dizer que até hoje nenhuma banda se assemelha ao som criado pelos YMG? O que é certo é que as influências que geraram apenas com este disco são extensas, e vão desde a bandas do mesmo espectro musical a outras mais distantes, como por exemplo os Nirvana, posição assumida pelo próprio Cobain. Até para além do mundo musical, não terá sido inocente a opção de Pedro Costa ter escolhido o nome do álbum para o título em inglês do seu (enorme) filme “Juventude em Marcha”.

Parece incrível que Colossal Youth ainda soe fresco, apesar de ter sido lançado no já tão distante ano de 1980. Uma pérola produzida completamente em contra ciclo com o que se fazia na altura, mas que conseguiu resistir ao tempo e influenciar novas gerações que ali encontraram um magnífico equilíbrio entre minimalismo e contundência. Um disco que faz tudo parecer tão fácil a um olho (ou vá, neste caso ouvido) destreinado, mas que contem em si várias camadas que merecem ser apreciadas através de várias audições. Quem conhece que aproveite para os relembrar, quem não, que se atire para os descobrir.

The Shins – The Worm’s Heart (2018)

 

Há que dar créditos à decisão arrojada dos Shins em fazerem um novo álbum com versões do disco anterior – tornando as mesmas canções fundamentalmente diferentes, nem melhores nem piores.

Podemos achar desnecessário fazer uma nova versão de um álbum editado um ano antes mas foi precisamente isso que os The Shins decidiram fazer com este The Worm’s Heart. É o mesmo disco que o quinto álbum da banda, Heartworms, mas descrito como “flipped”, ou virado, do reverso, ao contrário. Ou seja, a ordem das músicas é diferente e todas as faixas têm um estilo diferente da sua versão original, apesar da melodia ser a mesma.

O que é interessante neste disco é como essa mudança funciona bem, tornando este The Worm’s Heart – em que todos os nomes das músicas levam (flipped) à frente – um álbum bastante diferente do “original”. Nem pior, nem melhor. Há synthpop onde antes havia rock e sintetizadores onde estava a guitarra.

Faixas como a de abertura, “The Fear”, que fechava o álbum anterior, ganham nova dimensão e outro corpo. Em “Dead Alive” chora um violino acompanhado por um piano numa bonita versão acústica e em “Rubber Balls” traz-nos uma bonita guitarra com os coros clássicos dos Shins. E o disco fecha com “Name For You” (que, adivinharam, abria a versão anterior) com um toque de synthpop que torna a música bastante dançável mas mais negra e profunda.

Ouvir de forma comparada os dois discos, faixa por faixa, causa um sentimento de ambiguidade mas há que dar créditos à banda pela decisão, no mínimo, arrojada. Há algumas versões melhores neste The Worm’s Heart e outras que não funcionam tão bem como em Heartworms – “Half a Million”, por exemplo, é bastante sofrível. Mas, de forma geral, e ouvindo o álbum todo de seguida, encarando-o como um trabalho novo, os Shins trazem um disco interessante e bem produzido.

Vários Artistas – Tropicália ou Panis et Circenses (1968)

 

50 anos é muito tempo. Lançado em 1968, o disco Tropicália ou Panis et Circenses mostrava ao Brasil (e mais tarde ao mundo) a modernidade nascente de uma geração pronta para o combate. Em vez de armas de fogo e repressão, a palavra cantada e a estética acolhedora e fulgurante do amor e da paz.

“Derramemos o vinho no linho da mesa”

“Miserere Nobis”, Gilberto Gil e Capinan

O Brasil não estava preparado para tanta e tão suculenta novidade. Se quisermos ser honestos no que dizemos, nem os próprios intervenientes seriam capazes de imaginar (mesmo os mais otimistas) o alcance do que haviam criado. Reunir nomes como os de Caetano Veloso, Gilberto Gil, Tom Zé, Gal Costa, Os Mutantes, Nara Leão, José Carlos Capinan (que poeta magnificamente moderno!) e Rogério Duprat num só disco, foi coisa irrepetível que poderia resultar numa de duas maneiras: fracasso absoluto ou triunfante sucesso. A história mostrou, e mostra até hoje, que os ouvidos do mundo souberam abraçar a festa miscigenada de ideias, sons, culturas e formas de expressão que os nomes mencionados foram capazes de criar. Estava feito o histórico disco coletivo de 1968. A música popular brasileira nunca mais foi a mesma e a “manhã tropical” desse dia continua a mostrar-se desfraldada e triunfante na “geléia geral brasileira”.

O importante era misturar, triturar as essências, reduzindo-as a um novo e mais cheiroso pó artístico. Mesmo que isso custasse o preço da desconfiança, mesmo que a traição a um fértil passado sonoro fosse convictamente assumida por algumas das estrelas da bem comportada MPB. Era um novo tempo emergente, uma vontade de rasgar certezas e de apostar em sobreposições desse mesmo material rasgado, acrescentando cola / coca-cola / yê-yê-yê / bumba meu boi / guitarras elétricas  / “um beijo preso na garganta” / Estação Primeira de Mangueira / “Bat macumba”,  tudo “nos Estados Unidos do Brasil”.

O que hoje se celebra é o repentismo artístico de uma geração, a ousadia inusitada, o génio musical e intelectual da uma juventude inquieta. É isso que encontramos em “Miserere Nobis” (tende piedade de nós, numa simples tradução literal), em “Panis et Circenses” (pão e circo, estratégia política utilizada pelos romanos para contentar o povo desse longínquo tempo), em “Lindonéia” (canção a que Nara Leão, a menina amada por todo o Brasil bossanovista, soube dar voz, colando-se assim, inesperadamente, aos malditos tropicalistas), mas também em “Parque Industrial”, “Geleia Geral”, “Baby” (hino maior entre os maiores hinos do álbum), “Enquanto Seu Lobo Não Vem” (enorme flechada no regime ditatorial vigente, visível em versos como “debaixo da lama / debaixo das botas”, “Mamãe Coragem” ou Bat Macumba” (canção de letra concretista até à medula).

O triunfo do disco deve-se também, e em boa parte, aos torcidos arranjos do grande maestro Rogério Duprat, psicadélicos e experimentalistas. Duprat, como todos os restantes membros da turma tropicalista, estava interessado em esbater toda e qualquer barreira, sobretudo as  que afastavam a música erudita da chamada música popular. Nesse sentido, Tropicália ou Panis et Circenses também triunfa, uma vez que as misturas sonoras que encerra dão força a essa abolição tão desejada.

Estava, então, nessa época já próxima do final dos anos sessenta, derramado “o vinho no linho da mesa”. A pureza imaculada das formas mais tradicionais da música que popularmente se produzia no Brasil estremeceu, e o epicentro desse imenso terramoto sonoro furou todas as escalas de Richter e de Mercalli da envergonhada intelectualidade brasileira da época. Depois, com um diagnóstico cada vez menos favorável, acabou por falecer. A partir daí, a música popular brasileira cresceu para lados e horizontes muitos diferentes, e os nomes dos artistas aqui mencionados souberam, através das suas obras, honrar o compromisso inicial: a música não poderá nunca ser porta voz de silêncios impostos. Ela é liberdade, ela é desassombro, ousadia, e o que mais quisermos fazer dela.

Glorifiquemos Tropicália ou Panis et Circenses, porque exaltar essa obra é uma excelente e inteligente forma de celebrar a vida!

Black Rebel Motorcycle Club – Wrong Creatures (2018)

 

Os Black Rebel Motorcycle Club não surpreendem ninguém e fazem em Wrong Creatures o que sempre souberam fazer: um bom disco de rock.

Parece incrível, mas foi há uns longínquos 17 anos que os Black Rebel Motorcycle Club (BRMC) estiveram na linha da frente do ressurgimento do rock, na primeira década deste século. Outras bandas se seguiram e reclamaram os lugares cimeiros do movimento, com os Strokes acima de todos, mas foram os BRMC quem deu o mote, através do seu disco de estreia e da malha que dizia o que todos estávamos a pensar: “Whatever happened to my rock n’ roll?”.

Nunca mais os BRMC foram tão urgentes, tão relevantes, tão ameaçadores. Desde então, os bastiões do rock foram desfilando e fazendo estragos: Franz Ferdinand, Arctic Monkeys, Queens of the Stone Age, White Stripes, Jack White, Black Keys e muitos outros. Os BRMC sempre continuaram, sempre estiveram lá, mas a sua marca fica muito mais a dever ao tal disco de estreia do que a algo que tenham feito, entretanto, e que tenha entrado para o mainstream colectivo.

Agora, chegados ao oitavo disco, quem são os Black Rebel Motorcycle Club? São uma bela banda de rock.

O capítulo de 2018 chama-se Wrong Creatures e chega num momento importante, em que muitas cabeças pensantes, normalmente de boné, esfregam as mãos falando da morte do rock, como tantas vezes já fizeram, tendo estado sempre enganadas.

Para estes arautos de um futuro no qual eu não quero viver, este disco até pode servir de rato de laboratório para provarem a sua tese. É que, na verdade, Wrong Creatures tem em si tudo o que, em 2018, está de certo e errado no rock.

O que está certo é a atitude, o espírito, o som. O que está errado é a falta de evolução, de mudança, de novidade, essa droga que inebria quem está sempre à procura da próxima coisa.

Em Wrong Creatures temos o bom e velho rock dos BRMC, em temas como “Spook” e ; temos ecos dos Jesus and the Mary Chain, shoegaze e até psicadelismo, na excelente “Echo”; temos baladas cansadas, como “Haunt” . Temos na verdade, um disco rock de uma coerência à prova de bala.

O que não temos é qualquer revolução, qualquer ruptura. Apesar de tudo, há alguma abertura estilística que, a espaços, a banda sempre teve, como as incursões pelos tons mais psicadélicos. Ainda assim, nada que fuja demasiado ao tom narcotizado da voz e da distorção suja das guitarras, o que traz unidade ao disco mas que rouba individualidade aos temas. É um disco para ser consumido como um todo, como o bom e velho rock n´ roll nos habituou.

É isto que salva o rock? Não. É isto, entre muitas outras coisas, que mostra que o rock pode não estar a andar para a frente, mas estará lá sempre para nós.

Blubell - Música Solar Para Tempos Sombrios (2021)

 

Com nove faixas autorais, o disco vem acompanhado de um livro de crônicas contando a história de cada música. Destaque para duas canções: ‘Música Americana’ que retrata bem o espírito artístico intrínseco de Bluebell. A outra é ‘Blues do Pijama’, parceria com Zélia Duncan. “Esse álbum marca uma transição na minha carreira, onde eu estou muito interessada em escrever e contar histórias de outras formas. Na verdade, minhas músicas contam histórias, minhas e de outras pessoas. Acho que esse é o grande lance da minha verve musical”

Faixas do álbum:

01. O Futuro

02. A Nata Sou Eu

03. Música Americana

04. No Banco de Trás

05. Blues do Pijama

06. Empatia

07. O Sol

08. Frágil

09. The Bright Side Of The Moon

MUSICA&SOM

Blubell - Confissões de Camarim (2016)

 

Confissões de Camarim é o quinto álbum de estúdio da carreira da cantora e compositora Blubell. Lançado em 19 de agosto de 2016, o álbum é produzido por Marcio Arantes e possui participação do cantor maranhense Zeca Baleiro.

Faixas do álbum:

01. Vida em Vermelho

02. Cosmos

03. A Tardinha

04. Another Day

05. Bolero do Bem

06. Funny Honey Moon

07. Ontem

08. Liberdade X Segurança

09. No Camarim

10. Pretexto

11. We're All Alone

MUSICA&SOM