O primeiro de dois conjuntos abrangentes de 5 CDs cobrindo as gravações da Rah Band. Messages from the Stars: The Rah Band Story Volume 1 abrange o período de 1977-1984 e contém versões expandidas dos álbuns The Crunch & Beyond , 'Rah Band' e 'Going Up' mais 2 CDs de mixagens adicionais de 12", mixagens de 7" e remixes. A Rah Band foi formada por Richard Anthony Hewson (RAH) em 1977 e lançada com 'The Crunch', um instrumental estranho e atraente que era uma mistura de glam stomp, jazz da era espacial e pop futurista que foi gravado no estilo DIY em seu quarto. O single alcançou a sexta posição na parada de singles do Reino Unido e lançou uma carreira que abrange 25 álbuns de estúdio e compilações e mais de 40 singles,…
…desfrutando do sucesso nas paradas e nas vendas tanto no Reino Unido quanto em vários territórios ultramarinos.
Richard Hewson ainda está gravando hoje e esta coleção de suas gravações abrangendo o período de 1977-1984 mapeia seu ilustre começo e revela um talento singular capaz de filtrar jazz e jazz funk através do pop para efeitos criativos e comerciais.
…31 faixas inéditas em CD mais duas faixas adicionais inéditas em qualquer formato
Para ouvir Dickie Landry dizer isso, ele está no lugar certo na hora certa há décadas. Poucas semanas depois de se mudar para a cidade de Nova York em 1969, ele conheceu Ornette Coleman, Philip Glass e Steve Reich, estabelecendo relacionamentos duradouros com cada um. Ele trabalhava como encanador ao lado de Glass quando começou a fotografar ícones da cena artística de Downtown, documentando as carreiras embrionárias do escultor Richard Serra e dos polímatas multimídia Keith Sonnier e Joan Jonas, além do conjunto de Glass, ao qual acabara de ingressar no saxofone. . Ele se aproximou de Paul Simon e acabou tocando sax em Graceland depois de se apresentar em uma apresentação no Carnegie Hall; ele se sentou com Bob Dylan no New Orleans Jazz & Heritage Festival de 2003, um dia depois de um encontro casual através de…
…um amigo restaurador. Apesar de sua relativa obscuridade, Landry tem sido onipresente, encontrando repetidamente seu nicho entre os artistas que procuram levar seu trabalho além do familiar.
A música de Landry ocupa uma zona peculiar e não idiomática própria. Ele cresceu em uma fazenda nos arredores de Lafayette, Louisiana, nas décadas de 1950 e 1960, tocando saxofone desde os 10 anos de idade e mergulhando de cabeça no jazz e no zydeco que o cercavam. Logo no início, o multi-reedist viu os resultados estranhos e emocionantes do intercâmbio cultural e levou esse espírito com ele para Nova York, onde conduziu muitos outros residentes da Louisiana às prósperas comunidades de arte e música de vanguarda de Lower Manhattan. Ao longo do início e meados dos anos 70, quando se tornou um membro chave do Philip Glass Ensemble, Landry estabeleceu seu próprio canto na interseção do free jazz e do minimalismo, desenvolvendo um estilo único de improvisação que une a respiração de fogo do primeiro espírito revolucionário e o redemoinho vertiginoso deste último.
Um novo trio de reedições de Unseen Worlds— Solos , Four Cuts Placed in “A First Quarter” e Tendo sido construído na areia- documenta a evolução de seu estilo. Cada álbum surgiu das conexões de Landry com a vanguarda, mas mesmo quando a música foi gravada em uma galeria, nada nela é organizado ou inerte. Como Joan La Barbara, membro do Glass Ensemble, Landry aproveita o tecnicismo e a resistência que a música de Glass exige e a coloca para funcionar em contextos muito mais esotéricos - às vezes anárquicos. À medida que os anos 70 avançavam, a música de Landry tornou-se cada vez mais fixada na tonalidade e no ritmo, mas esses três álbuns apresentam um músico determinado a confrontar e confundir, mesmo quando ele abraça a repetição e a melodia. A música vai de improvisação de grupo arrebatadora e longa a melodias circulares e silenciosas sobrepostas com poesia recortada, mas as partes mais reveladoras estão bem no meio.
Desde os primeiros segundos, Solosse contorce em um milhão de direções ao mesmo tempo. Cortado de uma sessão única e contínua na Galeria Leo Castelli durante uma noite em fevereiro de 1972, o álbum é um emaranhado de arrogância e skronk. Juntando-se a Landry no sax soprano e no piano elétrico estavam outros sete improvisadores, incluindo três saxofonistas adicionais, dois baixistas e o baterista David Lee Jr., que surge como sua figura heróica e fornece movimento implacável ao longo das quase duas horas de execução do álbum. A coesão parece ser uma coincidência, e enquanto cada jogador ostensivamente faz solos por sua vez, a colisão e a sobreposição são a regra e não a exceção. É o mais perto que Landry chegou de homenagear Ornette Coleman (cuja “Mulher Solitária” ele cita no meio do caminho), John Coltrane, o AACM e outros gigantes da improvisação da época. Aqui ele está mais desenfreado, deleitando-se com o poder da invenção instantânea coletiva. Ainda Solos - imersivos e às vezes opressores - carecem da clareza de visão de seu próximo álbum.
Gravado apenas nove meses depois e com quatro dos mesmos jogadores, Four Cuts Placed in “A First Quarter” toma um rumo introspectivo. De suas quatro peças distintas, apenas a abertura “Requiem for Some” apresenta o conjunto completo, com Landry focando em formações solo e duo – um formato que definiria seu trabalho pelo resto da década. “Requiem” mostra contenção, as trompas exalando tons longos e sustentados enquanto Lee traça padrões em constante mudança em seu kit. No restante do álbum, inclusive em seus momentos mais ousados, o espaço vazio ao redor dos músicos é palpável, e Landry e seus associados parecem estar em constante diálogo com essa ausência. Essas configurações minimalistas são parcialmente resultado da praticidade - a música acompanha um filme experimental igualmente oblíquo de Lawrence Weiner - mas, divorciados desse contexto, até mesmo os gestos musicais mais rudimentares parecem vívidos.
“4th Register”, o segundo e mais hipnotizante dos Four Cuts , documenta um passo importante na progressão musical de Landry. Aqui ele fica sozinho com sua trompa, elaborando variações cada vez mais abstratas em um refrão folclórico até que ele transborde em guinchos microtonais. Cada som que seu sax produz é alimentado em um atraso de fita de meio segundo, uma técnica que ele expandiria em apresentações ao vivo ao longo dos anos que antecederam seu álbum de referência de 1977, Fifteen Saxophones . “Vivace Duo” apresenta Landry e seu colega saxofonista Richard Peck em um duelo de 10 minutos para ver quem pode soprar mais forte e mais rápido, e o caos é acentuado pela atmosfera severa. Cada um dos Quatro Cortes é emotivo e direto, tornando-se ainda mais poderoso por sua simplicidade.
A simplicidade permanece em Tendo Sido Construído na Areia, outra colaboração com Weiner, mas há uma sensação de distanciamento que atenua seu impacto. Cada faixa apresenta Landry ruminando um pequeno fragmento melódico enquanto Weiner, Britta Le Va e Tina Girouard recitam a frase do título, letras de canções folclóricas alemãs e outros pequenos trechos de texto, aparentemente sem muita convicção. Apesar de algum embelezamento inventivo de Landry e da notável ressonância do espaço de gravação (que pertencia a Robert Rauchenberg), a obscuridade proposital do álbum é uma decepção, especialmente depois de ouvir as gravações apaixonadas e focadas no laser que o precederam. O trabalho mais potente de Landry começa nas entranhas e depois atinge os limites externos do que a música pode fazer. Essa fusão de garra desinibida e expansão criativa ilumina seu espírito artístico singular, incansavelmente em busca de transcendência.
A coleção definitiva dos primeiros trabalhos de Laraaji, Segue To Infinity compila sua estreia em 1978, Celestial Vibration e seis sessões de estúdio paralelas adicionais de acetatos anteriormente desconhecidos do mesmo período. Um multi-instrumentista, místico e praticante de meditação do riso, Laraaji sem dúvida continua sendo o mais respeitado e popular de todos os músicos legados a retornar à proeminência no renascimento da música new age dos últimos 15 anos. Com gravações coletadas no final dos anos 1970 - antes de ser descoberto por Brian Eno - ao lado de fotos nunca antes vistas de um jovem Laraaji e encarte do lendário guitarrista do Living Color Vernon Reid e do Numero Group A&R, Douglas Mcgowan (Hearing Music, I Sou o Centro)…
…Segue To Infinity é a coleção mais impressionante e notável dos primeiros trabalhos de Laraaji até hoje. Começando com Celestial Vibration, a estreia de Laraaji em 1978 e o único álbum que ele gravou com seu nome de nascimento, Edward Larry Gordon, Segue To Infinity apresenta três discos completos de faixas indutoras de transe inéditas do mesmo período. Gravadas durante ou logo após as sessões de Celestial Vibration, essas seis faixas laterais foram totalmente esquecidas até poucos anos atrás, quando os acetatos foram descobertos em um armário de armazenamento, vendido em leilão, comprado por um revendedor em um mercado de pulgas, e, finalmente, listado no eBay em meados de 2021. Foi quando Jake Fischer - um estudante universitário com um auto-descrito "hábito de colecionar discos" - viu a lista, fez a conexão Laraaji e comprou os quatro discos de acetato milagrosamente não usados (embalados em sua caixa original com carimbo postal em 25 de janeiro de 1983) por $ 114,01 .
Laraaji foi prolífico durante esse tempo, gravando pelo menos uma dúzia de álbuns em fita cassete no período entre Celestial Vibration em 1978 e Rhythm 'N' Bliss em 1982. Em quase todas essas fitas, o artista é creditado como "Laraaji Venus". Os seis lados apresentados aqui, creditados a Edward Larry Gordon, fazem sua primeira aparição com este lançamento.
A faixa-título de Segue To Infinity, um dueto com o flautista Richard Cooper, é intimamente discreta, melódica, pensativa e misteriosa. As três tomadas intituladas “Kalimba” representam uma busca obstinada pela beleza e felicidade, cada uma mais extática que a anterior, enquanto a mais cinematográfica das faixas recém-descobertas, “Koto”, é aventureira e misteriosa, incorporando kalimba, cítara aberta, cítara preparada , percussão de carrilhão de sino e koto reaproveitado. “Ocean” e “Segue To Infinity”, ambas executadas na cítara, são as duas gravações apresentadas aqui que mais se assemelham às de Celestial Vibration. Aproveitando ao máximo o ambiente de estúdio, Gordon adicionou delay e reverb para melhorar o efeito de wash.
O Galneryus foi formado pelo virtuoso guitarrista Syu em 2001 na cidade de Osaka. A banda é fortemente influenciada por bandas como Dream Theater, Helloween, Stratovarius e X Japan, por isso o estilo característico da banda é um amálgama entre power e prog metal, além de utilizar muitos recursos da música barroca e neoclássica.
Álbum recomendado: Resurrection
Minami Deutsch
Minami Deutsch é uma banda de krautrock formada em 2014 por Kyotaro Miula na cidade de Tóquio. As principais influências do grupo são bandas alemãs como Neu!, Can, Amon Düül II e Faust. Como os mencionados, Minami Deutsch usa ritmos vigorosos e constantes, baixos fortes, vocais estranhos e guitarras atenuadas.
Álbum recomendado: Minami Deutsch
TE
TEE é uma banda formada em 2005 na cidade de Tóquio que segue a tradição melódica original dos anos 70, principalmente bandas italianas como Premiata Forneria Marconi e Area.
Álbum recomendado: Trans Europe Expression
World’s End Girlfriend
World's End Girlfriend é um projeto solo de Katsuhiko Maeda, que vem de Nagasaki, Kyushu no Japão, e atualmente reside em Tóquio. Aos 10 anos, ele se inspirou na coleção de música clássica de seu pai. Aos 12 anos começou a compor em teclados, violão, gravadores e computadores. Até o momento, ele compôs mais de 600 canções.
Álbum recomendado: Hurtbreak Wonderland
五人一首 [Gonin-Ish]
五人一首, incorretamente chamado de Gonin-Ish –já que a transliteração correta é Gonin-Isshu–, é uma banda de avant-garde e prog metal formada em 1996 na cidade de Tóquio. O estilo da banda é caracterizado pela complexidade e experimentação musical. Definir 五人一首 em um único gênero é quase impossível porque gêneros como black e death metal são desenvolvidos na mesma música, seguidos de passagens cheias de virtuosismo e abstração típicas do zeuhl e tudo isso levando a canções típicas da música tradicional japonesa .
A musicalidade dos BADBADNOTGOOD volta a extravasar fronteiras jazz e o resultado final é impressionante – e viciante. Talk Memory não é um álbum de uma audição apenas, porque, ao longo de oito faixas, obriga a várias viagens em busca da total compreensão de todos os sons.
A passagem do tempo acelera a cada dia que passa. Não há forma de a travar nem de a abrandar. Tem sido assim desde o início. No fundo, o tempo segue as suas próprias regras e nós seguimos as nossas. O tempo é um conjunto de pequenas bolas de areia cujos grãos se desfazem quando contactam com as nossas mãos inflexíveis. Ao longo deste processo, só nos podemos agarrar à memória. É difícil compreender que 2016 foi há cinco anos atrás. Ainda que o mundo esteja totalmente diferente, sentimos que nada mudou e que tudo continua igual. (Disclaimer: Está tudo diferente. Basta estar atento às notícias e recordar os últimos dois anos da humanidade.) Hoje, olhamo-nos ao espelho, reconhecemos a mesma pessoa e assumimos, mais uma vez, que a realidade não sofreu qualquer alteração, mas é mentira. O mundo mudou e nós mudamos ao ritmo dele.
É igualmente difícil compreender como é que os BADBADNOTGOOD não lançavam um álbum há tanto tempo. Podem ser músicos jazz, mas nenhum membro do grupo está na casa dos setenta. Falamos de jovens inventivos, criativos, pensadores e revolucionários. Neste contexto, seria de esperar que, depois do lançamento de IV (2016), o conjunto canadiano tivesse partilhado mais projetos e incorporado um ou outro álbum na sua discografia. Não foi o que aconteceu. No entanto, a banda de Toronto não baixou os braços e lançou um bom número de singles, entre os quais se destacam aqueles que contam com a colaboração do também canadiano Jonah Yano. O bonito cover “Key To Love” e o saudoso EP Goodbye Blue foram matando a sede dos ouvintes da banda, que puderam também conhecer uma faixa que contou com a participação do desaparecido MF DOOM (“The Chocolate Conquistadores”, uma produção inspirada na “Los Conquistadores Chocolates”, de Johnny Hammond, de 1975) e outra (“Running Away”) que juntou os BADBADNOTGOOD aos amigos Samuel T. Herring, colaborador em IV, e VANO 3000.
As alterações na composição do grupo podem justificar a inatividade verificada. Realmente, o mundo mudou e o esqueleto dos BADBADNOTGOOD mudou com ele. Em dezembro de 2019, Matthew Tavares, um dos membros fundadores do conjunto, anunciou a saída da banda para concentrar toda a sua atenção no seu projeto a solo (Matty), continuando, no entanto, a colaborar como contributing songwriter. A verdade é que Chester Hansen (no baixo), Alexander Sowinski (na bateria) e Leland Whitty (no saxofone) estão a dar conta do recado e, em 2021, os BADBADNOTGOOD estão mais fortes do que nunca.
Compreende-se a quietude dos músicos canadianos. De certa forma, o hiato demonstrou maturidade e independência criativa, na medida em que os BADBADNOTGOOD souberam esperar pelo momento certo para voltar ao ativo. E verdade seja dita: a banda não desapareceu dos radares entre 2016 e 2021. Se há algo que distingue os BADBADNOTGOOD de outros grupos do meio artístico a que pertencem, é a facilidade com que se relacionam com as personalidades mais famosas da cultura pop. Na música, tratam por «tu» Tyler, The Creator, Frank Ocean, Earl Sweatshirt, Joey Badass, Kendrick Lamar, Kid Cudi, KAYTRANADA, Bonobo, Roy Ayers; na moda, Virgil Abloh. Os membros de BADBADNOTGOOD são os cool kids in town independentemente do contexto em que se encontrem, e contactam tanto com figuras musicais contemporâneas, como de décadas anteriores. (Ainda no mês passado, por exemplo, a seguir à Met Gala, foram convidados para a after party de Abloh, onde ofereceram instrumentais a Cudi.)
Em dezembro de 2020, num programa da Worldwide FM, os BADBADNOTGOOD revelavam a Gilles Peterson a existência de um novo álbum de instrumentais. Talk Memory foi oficialmente anunciado em julho de 2021 e, de forma a assinalar o regresso do conjunto ao ativo, lançaram os singles “Signal From The Noise” e “Beside April”. O primeiro tema, que foi edificado a partir do género de produção predileto de Floating Points (o Buchla system), recebeu comentários positivos vindos da crítica devido ao comprimento da música e ao esforço audiovisual patente no respetivo videoclipe. O segundo single foi igualmente bem recebido visto que resulta de uma colaboração dos BADBADNOTGOOD com o mago Arthur Verocai e com o prodigioso Karriem Riggins.
O valor dos BADBADNOTGOOD reside, em parte, na facilidade com que colaboram com outros artistas. O percurso da banda comprova esse facto. Os dois primeiros álbuns, BBNG e BBNG 2, não são mais do que conjuntos de covers de canções de outras bandas e artistas. Só ao terceiro álbum (III), em 2014, é que os canadianos lançaram produções originais. Esta tendência pode querer dizer que a principal motivação do conjunto é fazer música, independentemente de contextos criativos. Em 2015, os BADBADNOTGOOD lançariam o seu quarto álbum, Sour Soul, com a participação do rapper Ghostface Killa e, mais uma vez, realizaram um trabalho diferente e inovador, desta feita assente num hip-hop cru e demolidor. Deste modo, fica-se com a ideia de que os BADBADNOTGOOD são um grupo híbrido que tira partido de vários habitats musicais. Provavelmente, é por essa razão que também são ostracizados do mundo do jazz.
Talk Memory reforça esta ideia. No novo disco, a musicalidade dos BADBADNOTGOOD volta a extravasar fronteiras jazz e o resultado final é impressionante – e viciante. Talk Memory não é um álbum de uma audição apenas, porque, ao longo de oito faixas, obriga a várias viagens em busca da total compreensão de todos os sons.
O início é estonteante. Talk Memory abre com “Signal From The Noise” e, durante nove minutos, os nossos ouvidos entram em êxtase. Trata-se de uma música intensa muito por culpa do já referido método de produção. A música iniciática acaba por ser a mais diferente de todo o álbum, sendo possível afirmar que funciona como um «desprender do passado»: os BADBADNOTGOOD só olham para diante e querem crescer. Depois de cinco anos de alterações profundas, esta é a maneira certa de enfrentar a vida e arte. Em “Signal From The Noise”, ouvidos diferentes ouvem música diferente: há quem identifique passagens de Zappa, King Crimson ou Funkadelic. No geral, falamos de um tema nostálgico e escuro, que denota alguma raiva. É música de vilão autenticamente – GhostFace Killah pode entrar a qualquer momento.
Mas, de um momento para o outro, tudo muda. O imaginário presente nas restantes canções de Talk Memory não podia ser mais diferente. Em “Unfolding (Momentum 73)”, os BADBADNOTGOOD contam com o contributo do profeta Laraaji e constroem um mundo pacífico, onde suspiros de saxofone afastam nuvens brancas para dar lugar a um céu muito azul. Mas se esta é uma música de alívio, a seguinte (“City Of Mirrors”) é de desespero, comandada por um piano nervoso e por uma bateria intempestiva. É que, na cidade dos espelhos, é difícil distinguir a verdade da mentira.
Arthur Verocai continua connosco (o brasileiro só não está presente em dois momentos: em “Signal From The Noise” e “Timid, Intimidating”). A característica chave da música seguinte, “Beside April”, é o seu começo: faz lembrar o single “Goodbye Blue”. Outro grande traço é o uso de guitarras progressivas que, deixando qualquer coração acelerado, abrem caminho para o triunfo do jazz (ao minuto 02:20).
É difícil escolher a melhor produção de Talk Memory tendo em conta que todas as faixas são imaculadas. Ainda assim, “Love Proceeding” é especial. Estamos perante uma das melhores músicas do ano e o mérito pertence obviamente aos intérpretes. A faixa está muito bem integrada na produção (chega na altura certa) e liberta uma paz de espírito nunca antes identificada na musicalidade dos BADBADNOTGOOD. O uso de cordas é divinal, mas devemos focarmo-nos, mais uma vez, no poder do saxofone que, partindo a música ao meio, sustenta as incursões psicodélicas da guitarra de Verocai.
É impressionante a forma como os BADBADNOTGOOD gravam o seu cunho pessoal nas produções em que trabalham. Em todas as fases de Talk Memory temos a certeza de que escutamos um álbum dos canadianos BADBADNOTGOOD; o som não engana. Dito isto, a sexta faixa, “Timid, Intimidating” podia perfeitamente figurar em III ou em IV – até porque o título do tema parece pertencer a um desses imaginários.
Perto do fim, somos presenteados com um reprise de “Beside April”. Nunca Toronto esteve tão perto do Brasil. É a representação musical de uma folha de plátano azul com a frase “Ordem E Progresso” inscrita.
Talk Memory chega ao fim com “Talk Meaning”. A derradeira faixa tem pouco mais do que seis minutos e forma um dos momentos mais sinfónicos da produção: “Talk Meaning” é uma experiência de big band. Aqui, os BADBADNOTGOOD trabalharam com dois grandes nomes do atual circuito jazz (o produtor Terrace Martin e a harpista Brandee Younger) e, claro, com o velho Verocai. No entanto, os últimos momentos de “Talk Meaning”, e por isso de Talk Memory, são todos de Younger, que fecha a produção com uma varinha de condão. No início, durante “Signal From The Noise”, ninguém diria que este pudesse ser o fim do álbum, mas não há Lei no mundo da música.
Os BADBADNOTGOOD mudaram de face num curto espaço de tempo. São agora um conjunto mais maduro, com mais certezas, mas igualmente inventivo. A verdade é que o tempo passa, as pessoas crescem e procuram novos desafios. Ainda que se tenham aproximado de um modelo mais jazzístico com Talk Memory, os BADBADNOTGOOD continuam a ser um grupo formado por miúdos goofy que estão felizes a fazer covers de temas de videojogos. Em Talk Memory, há menos hip-hop e R&B, mas a marca BADBADNOTGOOD continua bem patente. É o registo mais sério do conjunto canadiano, sendo também o projeto onde as suas influências são mais visíveis: há lições de Pharoah Sanders por toda a parte, por exemplo.
Talk Memoryé, até à data, o melhor trabalho dos BADBADNOTGOOD. É também o mais complexo e «adulto». Os miúdos de Toronto cresceram, adaptaram-se a um novo contexto grupal, mudaram de editora (é o primeiro álbum com a XL Recordings) e, no fim, triunfaram. 2021 também pertence aos BADBADNOTGOOD
Artist:Anathema Disco: The Optimist Data de lançamento: 9 de Junho de 2017 Selo: Kscope Tempo total: 58:16 Disponível em: CD, LP & Digital
Resenha:
Ingleses acertam na atmosfera, mas não superam o álbum de 2001 que originou a história de ‘The Optimist’
Acima de qualquer opinião que possamos ter sobre ‘The Optimist’, novo disco da banda Anathema, é importante lembrar que os ingleses estão em uma ótima fase marcada pela maturidade e autoconsciência musical. Depois de nos encantarem com as forças da natureza em ‘Weather Systems’(2012) e com as harmonias espaciais de ‘Distant Satellites’ (2014), resolveram apostar basicamente no que já estava dando certo, mas gravando de uma forma diferente.
O que estava dando certo – e continua muito bom, aliás – são as composições em ciclos. Basicamente, grande parte das músicas do Anathema vem sendo pensadas como uma ciranda, em que o mesmo esquema harmônico se repete às vezes ao longo de uma faixa inteira. E então temos o golpe de mestre: a variação dinâmica. Foi assim com os dois últimos discos e havia sido assim com diversas músicas mais antigas. The Optimist não foge à regra e nos emociona fazendo com que uma faixa comece em um patamar, chegando ao seu final (ou perto dele) de forma épica, com toda a banda tocando bem alto, com arranjos mais fortes, como uma orquestra que começa empiano e termina a mesma sequência de notas e acordes em fortissimo. A roqueirinha “Leaving It Behind”, a mais eletrônica “San Francisco” e a incrível “Springfield” são exemplos disso. Esta última, aliás, belamente cantada por Lee Douglas, parte de uma balada e chega a soar como uma explosão estelar em seu auge.
Mesmo quando não apostam na mesma harmonia cíclica, apostam em crescendo. “Endless Ways” – com guitarras de Daniel e Vincent Cavanagh que lembram desde Mogwai até U2 – é outra que eleva a dinâmica, transformando qualquer música aparentemente meditativa em uma pedrada roqueira. E o mesmo acontece com “The Optimist”. E com “Can’t Let Go” também (a mais inglesa do disco). E com “Wildfires”. “Back To The Start”, idem. Como se vê, é um recurso usado a exaustão. A questão é que isso tanto é previsível quanto continua sendo emocionante de verdade. Daniel Cavanagh, o mastermind por trás da estrutura da maior parte das músicas da banda, é um mestre nesse esquema e mesmo se repetindo consegue fazer boas músicas. Mas que ‘The Optimist’ acaba soando manjado a certa altura, soa mesmo.
A novidade de ‘The Optimist’ é que o sexteto gravou grande parte das instrumentações ao vivo no estúdio Castle Of Doom, na Escócia, todos juntos de uma vez só (as vozes foram gravadas separadamente). Principalmente o baixo de James Cavanagh e a bateria de Daniel Cardoso e John Douglas soam realmente menos processados e mais “ao vivo”, com uma pegada que qualquer fã de rock e metal vai reconhecer de shows. As guitarras também foram beneficiadas, principalmente porque soam mais secas e viscerais do que em todos os últimos discos da banda (a parte final de “Wildfires” não me deixa mentir).
Tony Doogan foi o produtor contratado e que realmente deixa sua marca na banda. Conhecido por produzir outras duas bandas escocesas, os pot-rockers do Mogwai e os indies Belle And Sebastian, ele não mexeu na estruturação que dá cara ao som do Anathema, mas no que se refere a criar ambientações sonoras (com teclados, sintetizadores, equipamentos eletrônicos e orquestrações), pôde criar uma identidade realmente mais ambiente rock do que em ‘Weather Systems’ e ‘Distant Satellites’. Se o álbum de 2012 era mais força da natureza e o de 2014 mais imensidão espacial, ‘The Optimist’ deriva mais de uma mente urbana.
As letras, em grande parte, são menores do que antes, o que indica uma preocupação muito maior com a atmosfera do ambiente e não com a história que se pretende contar. Afinal, ‘The Optimist’ é uma continuação da história de ‘A Fine Day To Exit’ (2001), que acho, inclusive, muito mais diverso, criativo e, no geral, melhor que sua continuação. Aliás, durante a campanha de divulgação do novo disco, a banda afirmou que seria a coisa mais “dark” que já fizeram. Isso com certeza não é verdade. “Underworld”, “Pressure”, “Panic”, “Breaking Down The Barriers”, todas lá de 2001, são muito mais pesadas e com harmonias mais “dark”.
Não é o melhor disco da banda e nem fica acima dos celebrados dois últimos lançamentos. Tentaram unir o Anathema roots com o Anathema bem produzido da última década e conseguiram um disco legal, mas longe de penetrar na alma e no coração do ouvinte por muito tempo.
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FICHA TÉCNICA: Artista: Anathema Ano: 2017 Álbum: The Optmist Gênero: Post Prog País: Inglaterra Músicos: Vincent Cavanagh (voz, guitarra, teclados, programação), Danny Cavanagh (guitarra, teclado, vocais), John Douglas (bateria), Jamie Cavanagh (baixo), Lee Douglas (voz), Daniel Cardoso (drums)
MÚSICAS: 1. 32.63N 117.14W 1:18 2. Leaving It Behind 4:27 3. Endless Ways 5:49 4. The Optimist 5:37 5. San Francisco 4:59 6. Springfield 5:49 7. Ghosts 4:17 8. Can’t Let Go 5:00 9. Close Your Eyes 3:39 10. Wildfires 5:40 11. Back to the Start 11:41
Cama de Gato é um grupo musical instrumental do Rio de Janeiro que começou em 1982. Sua formação clássica teve os músicos Paschoal Meirelles (bateria), Mauro Senise (flautas e saxofones), Rique Pantoja (piano) e Arthur Maia (baixo).
Em algum momento de sua história, teve a participação de Romero Lubambo (guitarra), e Nilson da Matta (baixo).
Lançou seu primeiro álbum, "Cama de Gato", em 1986, alcançando grande sucesso nos mercados doméstico e internacional, (75 mil cópias).
Percorreu a Europa (França, Bélgica e Espanha), Estados Unidos e América Latina, com apresentações em Nova York, Free Jazz Festival no Rio de Janeiro e São Paulo (1994, 1996 e 1997), Jazz Festival Assunção (Paraguai, 2006) e Festival de Jazz de Belém do Pará.
Após um intervalo de sete anos, voltou à cena com o lançamento do CD "Água de Chuva" (Perfil Musical, 2002).
A formação mais recente é Pascoal Meirelles (bateria), Jota Moraes (piano), Mauro Senise (sopros), Mingo Araújo (percussão) e André Neiva (baixo)
O primeiro de dois conjuntos abrangentes de 5 CDs cobrindo as gravações da Rah Band. Messages from the Stars: The Rah Band Story Volume 1 abrange o período de 1977-1984 e contém versões expandidas dos álbuns The Crunch & Beyond , 'Rah Band' e 'Going Up' mais 2 CDs de mixagens adicionais de 12", mixagens de 7" e remixes.
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