Stewart Copeland explica por que The Police é um nome terrível

The Police foi formado em Londres, Inglaterra em 1977 e com apenas cinco álbuns de estúdio lançados em sua carreira, tornou-se uma das bandas mais vendidas de todos os tempos. Sting , Andy Summers e Stewart Copeland venderam uma quantidade estimada de mais de 75 milhões de discos em todo o mundo como o power-trio.

Em entrevista ao The Hole (transcrito pela Ultimate Guitar), o baterista Stewart Copeland explicou porque acha que The Police é um nome terrível para a banda. Ele também relembrou como o guitarrista Andy Summers se juntou ao grupo.

Stewart Copeland explica por que The Police é um nome terrível

“'A Polícia' era um nome terrível. Embora tenha alcançado o seu efeito hostil, (porque) a gravadora nos rotulou de punk, porque era um nome hostil. Mas não podemos copyright. Eu não possuo a palavra 'polícia'. Grato Morto; eles possuem (o nome) 'Grateful Dead'. Ninguém mais pode se chamar de Grateful Dead. Mas há pessoas nos enganando em todas as cidades do mundo. Pessoas dirigindo carros chamavam 'polícia!' (risos)”, disse Stewart Copeland.

A banda foi formada originalmente por Sting (baixo e voz), Stewart Copeland (bateria) e Henry Padovani (guitarra). O guitarrista original permaneceu na banda apenas por alguns meses em 1977, até quando Andy Summers se juntou ao grupo e se tornou seu único guitarrista. Na mesma conversa com The Hole, Copeland relembrou como Summers entrou na banda.

“Tivemos um dia fazendo música muito melhor do que a música do The Police daquela (época). Naquela noite, voltando para casa, Sting está fervendo. Estou falando rápido o tempo todo: 'Nós vamos conseguir, isso vai ser ótimo...' Eu tive que continuar falando. Mas naquela noite, voltando para casa, Sting teve um dia de música de verdade. E isso lembrou a nós dois o que a música de verdade pode ser e como é alegre fazer música realmente boa.”

“Encontrei-o (Summers) em uma estação de metrô, a estação de metrô Oxford Street, em Londres. E ele me puxou para um café e disse: 'Stewart, você e aquele baixista, vocês têm alguma coisa, mas precisam de mim na banda para isso.' E desde então, ele expressou remorso por invadir e roubar o show de Henry, e eu digo, 'Tudo é justo e tudo justo no amor e nas bandas.' Foi doloroso perder Henry, mas tivemos que fazer isso.”

Ele continuou:

“E assim que Andy juntou-se à sua sofisticação musical, principalmente no que diz respeito à harmonia e voz e tudo mais, foi quando de repente a lâmpada acendeu no Sting. E ele começou a escrever essas músicas antes disso, nenhum de nós, nem mesmo ele, tinha ideia de que tinha essas coisas escondidas.”

“Eu nem percebi que minhas músicas estão sendo substituídas uma por uma. Porque eles eram melhores. Cada música que ele cantou foi um upgrade”, disse Stewart Copeland.

O Police esteve ativo de 1977 a 1986, reunindo-se em 1992, 2003 e de 2007 a 2008. Em seu último show de reunião, o grupo convidou o guitarrista original Henry Padovani para se juntar a eles no palco.

 

A melhor música de Prog Rock de todos os tempos, segundo Steve Lukather

 O guitarrista Steve Lukather não é apenas uma parte importante do som do Toto, mas também um respeitado guitarrista que já trabalhou com diversos gêneros musicais. Durante sua carreira ele foi influenciado por todos os tipos de música, incluindo Rock Progressivo .

Em entrevista ao Classic Rock History  ele compartilhou seu amor por esse tipo de música e mencionou a faixa que em sua opinião é a melhor música de Prog Rock de todos os tempos.

A melhor música de Prog Rock de todos os tempos, segundo Steve Lukather

Uma das bandas preferidas de Lukather é o Yes e na sua opinião a faixa “Close To The Edge”, do álbum de mesmo nome lançado em 1972 é a melhor música de Rock Progressivo de todos os tempos.

“Esta é a melhor peça de rock progressivo já escrita, na minha opinião. E cara, Steve Howe era um herói meu naquela época. Não havia ninguém como ele, e a banda era muito unida. Eu os vi ao vivo muitas vezes nos velhos tempos e vi a turnê 'Close to the Edge' também. Eles soavam exatamente como o disco, e cara, não havia nenhuma falsificação possível do que estava na banda, o que foi muito legal.”

“A produção ao vivo, simplesmente tudo, o som ao vivo, os sons do álbum; tudo isso foi incrivelmente legal! Este álbum é verdadeiramente genial e todos brilham nele. É uma música atemporal!” Steve Lukather disse.

O Yes foi formado em 1968 em Londres, Inglaterra e se tornou uma das bandas mais influentes da história. Hoje em dia o grupo não conta com integrantes originais mas conta com os clássicos: Steve Howe (guitarra) e Geoff Downes (teclados). O grupo também é formado por Billy Sherwood (baixo), Jon Davison (vocal) e Jay Schellen (bateria). Seu álbum mais recente, “Mirror To The Sky”, foi lançado em 2023.

Crítica ao disco de Falling Into Birds - 'Falling Into Birds' (2017)

 Falling Into Birds - 'Falling Into Birds'

(15 de junho de 2017, produção própria)

Hoje é a oportunidade de apresentar FALLING INTO BIRDS , projeto progressivo americano dirigido por Joey M. Bishop devido à publicação de seu álbum autointitulado em meados de junho de 2017. Com um grande conjunto formado por Nicole Garcia [violino], Maksim Velichkin [violoncelo], Joel Hands-Otte [saxofone alto, clarinete baixo], Jeremiah Rose [trompete], Rory Hutchinson [clarinete], Sam Smith [piano] e o próprio vocalista Joey M. Bishop [guitarra multi-instrumentista], baixo e bateria]. O que nos é oferecido em “Falling Into Birds” é uma dinâmica muito interessante dentro dos parâmetros habituais do rock de câmara, em muitos momentos reavivada com elementos do jazz contemporâneo e os aspectos mais minimalistas do avant-prog. As influências primárias provêm dos legados de UNIVERS ZERO, HENRY COW (na sua última fase) e AFTER CRYING, enquanto as confluências com entidades do nosso tempo como ARANIS, THE ARCHESTRA, GATTO MARTE, KRONOS QUARTET e FIVE-STOREY ENSEMBLE são para na ordem do dia devido ao aggiornamento oportuno que Bishop e seus capangas são capazes de inspirar em suas energias criativas confluentes. Vamos agora revisar o repertório contido em “Falling Into Birds”, certo?

'Syzygy' abre o álbum, durando quase 8 ¾ minutos e estabelecendo uma entrada poderosa no contexto global do repertório. A confluência de cores imponentes e sulcos graciosos fazem com que a peça possua uma luminosidade onívora: parece que os diálogos entre violino e clarinete assumem grande parte do protagonismo ao longo dos desenvolvimentos temáticos magneticamente sinuosos. A passagem final parece particularmente comovente, completando a tarefa com ressonância emocional adequada. Muito corajoso em começar o álbum com um de seus ápices! A dupla 'Sonder' e 'In Zapoy' permite ao conjunto expandir o seu espectro sonoro: a primeira destas canções é notavelmente melancólica, tornando-se por vezes algo sombria, mas sobretudo mostrando um clima romântico; a segunda, por sua vez, exibe uma radiação sóbria e saltitante com ligeiros bordos neuróticos, a mesma que se sustenta na parede resoluta construída entre o piano e o duo de cordas. 'Love Is A Plague' se destaca para adicionar mais nuances e cores refrescantes ao fio musical que se desenrola no álbum: agora o ar festivo vem à tona em toda a sua alegria magnífica, exibindo uma aura lúdica e sedutora sem ser muito rude barulho. Existem até certas passagens com um swing típico de canções circenses. Os sopros e as cordas expandem-se livremente nos retratos sonoros do ágil e do alegre pensados ​​para a ocasião. Um momento particularmente importante no repertório é o da tríade integrada sob o conceito de 'The Intrepid Eleven'. A primeira secção do referido conceito intitula-se 'No Home' e apresenta um clima acinzentado, inegavelmente triste, elegantemente dramático, imerso num solipsismo típico do coração indefeso que vagueia sem rumo. A segunda secção intitula-se 'Rhadamanthine Men' e a sua espiritualidade é totalmente diferente da do capítulo anterior: é ágil e solta, bem focada na qualidade expedita que marca o swing jazzístico da bateria desde o início. De qualquer forma, a terceira e última seção é 'Blaze Of Glory' e sua função é principalmente capitalizar o impulso da seção anterior e dar-lhe maior brilho e também maior solenidade. É algo muito épico, realmente.

'The Languorous Habits Of The Lawn Gnomes' parte do esplendor explícito que o conjunto exibiu nos últimos dois terços do conceito anterior de múltiplas partes para criar um tema moderadamente saltitante. É um momento de policromia lúdica que antecipa o vigor majestoso de 'The Deft, The Daft, The Dire', uma peça que constitui mais um fabuloso zénite de um álbum que, por si só, é livre de altos e baixos. A música em que paramos agora capta muito da majestosa vitalidade de 'Rhadamanthine Men' ao mesmo tempo que a completa com um jogo de amálgamas sobrepostos como aquele que deu resultados tão deliciosos na música que abriu o álbum, além de um pouco da preciosa neurose de 'Em Zapoy'. Esta peça pode muito bem ser descrita como uma síntese correta das arestas mais brilhantes da ideologia musical do conjunto. Com duração de pouco menos de 2 minutos, 'A Reading Nook' é o item mais curto do álbum, e parece dar continuidade à peça seguinte, 'The Eschatologist', pois ambas priorizam os arranjos de cordas e focam mais nas atmosferas e bases harmônicas do que na confluência de índices melódicos e estruturas rítmicas. A semelhança familiar com ARANIS é patente. Outro conceito multiparte, desta vez intitulado 'Apotheosis', fecha o álbum com um total de 13 minutos e 50 segundos distribuídos entre suas duas seções 'Trials In Corporeity' e 'The Metamorphosis'. Aqui temos um toque final perfeito para o álbum. A primeira seção encerra de forma bastante eficaz o legado do UNIVERS ZERO em termos de tensões rítmicas e a criação de tensões poliharmônicas estimulantes através das camadas de som criadas pelos sopros e cordas. De qualquer forma, no que diz respeito ao estritamente melódico, a sofisticada paleta sonora nos aproxima das referências de GATTO MARTE e FIVE-STOREY ENSEMBLE. A cerimónia categórica que marca a coda de 'Trials In Corporeity' prepara o caminho para a pronta emergência da retumbante vivacidade de 'The Metamorphosis'.

Tudo isto é o que ele nos oferece em “Falling Into Birds”, que pode ser resumidamente expresso como uma clara manifestação dos princípios do rock de câmara para o novo milénio, agora que está prestes a concluir a sua segunda década. Vale muito a pena prestar atenção no que as pessoas estão nos dando FALLING INTO BIRDS e torcer para que num futuro próximo continuem a nos dar vanguardistas desta estatura. 200% recomendado!

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- Amostras de 'Falling Into Birds':

Crítica aol disco de Culto al Qondor - 'Templos' (2017)

 Cult of Qondor - 'Templos'

(8 de dezembro de 2017, Necio Records)

Hoje é a oportunidade de apresentar o poderoso trio peruano CULTO AL QONDOR a pretexto da  publicação do seu álbum de estreia “Templos”: mais precisamente, este álbum foi publicado na primeira semana de dezembro do ano passado de 2017 pela editora nacional Necio Registros. Com a formação de Dolmo [guitarra e ecos], Aldo Castillejos [bateria e loops] e Chino Burga [baixo e drones], CULTO AL QONDOR nos dá uma grande amostra de rock psicodélico sombrio centrado no paradigma do rock espacial e temperado com progressivo nuances, além de alguns flertes com o stoner e o post-rock que efetivamente resultam nas retumbantes atmosferas de densa escuridão às quais o grupo é tão adepto. Os integrantes do grupo são pessoas experientes no rock underground de seu país já que um deles vem de LA IRA DE DIOS enquanto os outros dois integraram o inesquecível grupo SERPENTINA SATÉLITE. A pré-história do CAQ remonta ao período entre 2003 e 2005, em que o trio montou diversas jams lisérgicas que chamaram a atenção do público underground de Lima, mas não deixaram nenhuma gravação oficial devido aos compromissos que tinham naquele momento. vez. com os dois grupos mencionados. Agora estamos no presente: o material de “Temples” foi gravado ao vivo em uma sessão que aconteceu no Hensley's Bar no dia 2 de setembro de 2017. O trio tem seu próprio manifesto místico-estético impresso na contracapa do álbum e é é bom transcrever aqui: “Nossas máquinas têm alma / e nossas almas têm músculos. / Nossas ideias têm dentes / / E asas... muitas asas em nossas mentes...” Essa noção de explorar o interior para tirar daí uma garra essencial para desenvolver uma proposta séria e hercúlea de rock artístico onde o brilho reinante termina realimentar a fonte de luz que lhe deu origem descreve muito bem o modus operandi das composições da banda.

Vamos agora ao repertório do álbum em si. Ocupando os primeiros 11 minutos do álbum, 'Martillo' começa por se dissolver em sons de marteladas flutuantes que pouco a pouco flutuam ao longo de um canal bem definido baseado num groove eficaz apoiado pela bateria. Os eflúvios místicos captados nas guitarras impressionistas e as escalas penetrantes do baixo juntos criam uma exibição de energia sonora que, mantendo-se sempre bem focada, nunca transborda. Mais ou menos a partir do limite do sexto minuto, a viagem musical transita para uma instância de intensidade visceral onde as bordas rochosas expostas frontalmente são polidas com uma incandescência voraz. O dinamismo impetuoso de alguns HAWKWIND e o lado mais rude de alguns GURU GURU (era dos dois primeiros álbuns) unem-se magicamente no que o trio faz neste momento particular. Durando quase ao mesmo tempo que o tema de abertura, segue-se 'Amanecer En Tres Cruces', uma peça que consiste em dois momentos claramente delimitados entre si, mas que se conectam com uma clareza fluida. O seu primeiro troço é vivo e contundente, habitado por um fogo terreno e impulsionado por um fogo celeste a partir de uma simples compota que vai construindo ao longo do caminho a ascensão da sua própria sofisticação. As vibrações pulsantes da jam em questão enquadram-se na lei do paradigma stoner quanto à sua estrutura básica, mas a realização concreta permanece controlada por um impulso convincente que sabe preservar uma certa aura flutuante para a incandescência sonora em curso. A segunda secção deriva para uma leveza densa que projecta uma introversão cósmica: não estando muito longe do modelo PINK FLOYD do final dos anos 60 nem do padrão mais contemporâneo do pós-metal, o trio concretiza neste caso particular um momento de sonoridade inescrutável. Magia. Talvez tenhamos aqui o primeiro zénite decisivo do álbum, o que dá particular relevância ao facto de o baixo de Burga ser a peça que lidera a construção das sucessivas atmosferas. Enquanto a bateria aproveita os espaços vazios para captar diversos ornamentos rítmicos dentro das medidas esquemáticas bem definidas, as guitarras desenham esboços cósmicos penetrados por pertinentes doses de grosseria.

Com a duração de 13 minutos, 'Antiguos Dioses Sobre Chilca' destaca-se como a peça mais longa do álbum, e na sua primeira secção recolhe boa parte da colheita mística e densa da peça anterior, embora desta vez haja uma nuance sonhador que acrescenta ao vigor pródigo e devastador que é tão essencial para a banda. Numa confluência ágil entre os modelos de ASH RA TEMPEL, COSMIC JOKERS e RUSSIAN CIRCLES (talvez também a faceta mais selvagem de MOGWAI), o trio delineia e gere a sua vivacidade psicadélica com um brio eficaz e marcante. meio, a vitalidade reinante aumenta um pouco o seu frenesi para nos remeter a um inspirado exercício de renovação do paradigma do primeiro HAWKWIND. A guitarra faz dos desenvolvimentos harmônicos derivados de suas batidas agudas um recurso de perfeita cumplicidade com o swing robusto do bateria, deixando assim ao baixo completar os potenciais coloridos da paisagem aberta entre a engenharia rítmica e as evocações melódicas desenhadas para a nova jam. Desta forma, o grupo leva seu clima explosivo a um novo zênite e, aliás, também ao esquema sonoro perpetrado no conjunto do álbum. A semelhança familiar com a faceta mais massiva do SERPENTINA SATÉLITE é bem definida. De qualquer forma, a última música do álbum é a responsável também por lhe dar o título, e justamente por ser a última peça do repertório, é conveniente que exiba uma espiritualidade crepuscular dentro das diretrizes dos nervos e músculos que o grupo impõe a orientação nítida da própria peça. As linhas de guitarra e baixo vibram com uma facilidade herética dentro de um expressionismo hierático e arquitetônico; Por seu lado, os tambores criam contornos tribais com uma visão engenhosa, quase como se estivessem em segundo plano, embora, na realidade, a sua função seja ajudar a preservar a graciosidade do corpo central da peça. Em todo o caso, nos últimos momentos desta peça claramente orientada para o descanso final, o esquema rítmico adquire uma espécie de veemência à maneira de um impulso tanático entrelaçado para selar o epílogo preciso.

CULTO AL QONDOR é uma força criativa que sabe se alimentar da experiência de seus membros individuais para alcançar um vigor grupal forte e vital. O que nos é oferecido em “Temples” é um catálogo retumbante de demonstrações tenebristas de alta criatividade dentro de um esquema de trabalho psicodélico muito solvente e muito sólido. Uma das melhores coisas que se fizeram no cenário peruano em 2017!

- Amostras de 'Templos':

TAYLOR SWIFT É A ARTISTA MAIS OUVIDA EM TODO O MUNDO NO SPOTIFY

 

A norte-americana Taylor Swift continua a liderar todos os tops. Com o balanço do ano de 2023, acaba de ser anunciado que a artista foi a mais ouvida em todo o mundo no Spotify.

 

Só este ano, Taylor Swift lançou dois álbuns, “Speak Now (Taylor’s Version)” e “1989 (Taylor’s Version)”, e iniciou a muito aclamada digressão “The Eras Tour”, que está a ser um verdadeiro fenómeno de bilheteiras. Taylor vai passar pelo Estádio da Luz, em Lisboa, a 24 e 25 de maio de 2024.

Também este ano a artista foi a grande vencedora dos MTV European Music Awards, tendo conquistado os galardões para Melhor Vídeo (com “Anti-Hero”), Melhor Artista e Melhor Artista Ao Vivo, além de liderar a corrida aos Grammys de 2024, com seis nomeações.

GOSSIP ESTÃO DE VOLTA COM O SINGLE “CRAZY AGAIN”

 

Depois de um hiato de mais de uma década os GOSSIP estão de volta com o single “Crazy Again”. O tema foi produzido por Rick Rubin e é o primeiro avanço do novo álbum “Real Power”, que será editado a 22 de março de 2024.

Os GOSSIP, que detêm vários galardões de ouro e multiplatina, e venderam mais de 10 milhões de álbuns em todo o mundo, são um dos projetos indie rock mais emocionantes do início do século XXI, que se transformaram num act impetuoso de dance pop.

“LACK” É O NOVO SINGLE DE JONAS ALBRECHT

 

“LACK” é a terceira canção do próximo álbum do artista suíço e baterista Jonas Albrecht, “SCHREI MICH NICHT SO AN ICH BIN IN TRANCE BABY“, que será publicado pela Irascible Records a 26 de janeiro de 2024.

 

O álbum expõe a fonte de cura interior de Jonas Albrecht: a exaustão física. A música de Jonas fascina a muitos níveis, mas em “LACK” torna-se particularmente fácil ouvir e sentir como a repetição – exigências excessivas – redenção estão próximas umas das outras.

Apesar da pulsação rápida e da imensa energia contida nesta bateria, a música de Jonas Albrecht nunca é tensa, mas mantém uma leveza e uma brincadeira. Um martelar até os corações vibrarem.