Classificando todos os álbuns de estúdio dos Smashing Pumpkins

O Smashing Pumpkins é uma banda de rock alternativo formada em Chicago em 1988. Originalmente, os membros da banda eram o vocalista e guitarrista Billy Corgan, o baixista D'arcy Wretzky, o guitarrista James Iha e o baterista Jimmy Chamberlin. Com o tempo, a banda passou por muitas mudanças de formação. Atualmente, os membros originais restantes da banda são Corgan, Chamberlin e Iha. Uma adição posterior à banda é o guitarrista Jeff Schroeder. Desde o início de sua carreira na indústria musical, o Smashing Pumpkins vendeu mais de 16,7 milhões de álbuns. Eles também ganharam vários prêmios por sua música, incluindo dois prêmios Grammy. Durante seu tempo juntos, o Smashing Pumpkins lançou 11 álbuns de estúdio , quatro álbuns ao vivo, sete álbuns de compilação, quatro álbuns de vídeo, seis EPs, cinco álbuns de trilha sonora, três álbuns demoníacos, 36 videoclipes e 54 singles. Aqui estão todos os álbuns de estúdio do Smashing Pumpkins classificados.

11. Gish (1991)

O álbum de estreia do Smashing Pumpkins foi 'Gish', que eles lançaram em 1991. Ele alcançou apenas um sucesso comercial limitado, chegando ao número 146 na parada de álbuns da Billboard 200 nos Estados Unidos. Um tema que percorre todo o álbum é a ascensão espiritual, e Corgan tentou combinar a graça do rock alternativo com os riffs pesados ​​do rock clássico. O Smashing Pumpkins lançou dois singles do álbum; 'Siva' e 'I Am One'.

10. Cyr (2020)

O álbum mais recente lançado pelo Smashing Pumpkins, o décimo primeiro da banda, foi 'Cyr'. Foi um hit top 40 na Austrália e na Alemanha, embora tenha tido menos sucesso em outros lugares. Ao mesmo tempo em que a banda lançou o álbum, eles lançaram uma série animada de cinco partes chamada 'In Ashes' que foi escrita por Corgan. Cada um dos episódios foi usado como um videoclipe de acompanhamento para cinco das faixas do álbum.

9. Shiny and Oh So Bright, Vol. 1/ LP: No Past, No Future. No Sun. (2018)

'Shiny and Oh So Bright, Vol. 1/ LP: No Past. No Future. No Sun.' foi o décimo álbum de estúdio do Smashing Pumpkins, e foi lançado em 2018. Foi o primeiro álbum da banda a apresentar James Iha desde 'Machina II/The Friends and Enemies of Modern Music' e o primeiro a apresentar Jimmy Chamberlin desde 'Zeitgeist'. Originalmente, o álbum foi planejado como dois EPs de quatro músicas. Os singles 'Solara', 'Silvery Sometimes (Ghosts)' e 'Knights of Malta' foram três singles do álbum que foram lançados antes do lançamento do álbum.

8. Monuments to an Elegy (2014)

Billy Corgan e Jeff Schroeder gravaram 'Monuments to an Elegy', o nono álbum de estúdio da banda, como uma dupla. Não contou com o baterista ou baixista oficial, com Corgan assumindo as contribuições para o último. Embora as vendas deste álbum tenham sido baixas em comparação com os álbuns anteriores, ele geralmente recebeu avaliações positivas dos críticos. Seu maior sucesso nas paradas foi nos Estados Unidos, onde atingiu o pico no número 33.

7. Oceania (2012)

'Oceania' foi o oitavo álbum de estúdio lançado pela banda, e marcou uma queda no sucesso da banda nas paradas. Embora tenha se saído relativamente bem nos Estados Unidos e Canadá, alcançando o número quatro nas paradas em ambos os países, não foi tão bem-sucedido em outros lugares. Foi o único álbum a apresentar o baterista Mike Byrne e a baixista Nicole Fiorentino e o primeiro a apresentar o guitarrista Jeff Schroeder.

6. Machina II/The Friends & Enemies of Modern Music (2000)

Há uma história incomum por trás do lançamento de 'Machina II/ The Friends & Enemies of Modern Music.' Após a recepção morna ao lançamento do primeiro álbum 'Machina', a Virgin adiou o lançamento do álbum seguinte, Consequence Sound . Corgan se cansou de esperar, então decidiu ter apenas 25 cópias prensadas em vinil, que ele então deu para estações de rádio e fãs apenas para lançar o álbum. Portanto, este álbum de estúdio nunca foi oficialmente lançado sob uma gravadora. No entanto, ele ainda está disponível para os fãs da banda baixarem gratuitamente.

5. Machina/ The Machines of God (2000)

'Machina/ The Machines of God' foi o quinto álbum de estúdio do Smashing Pumpkins e o primeiro de dois álbuns lançados em 2000. Foi um álbum conceitual que marcou o retorno do baterista Jimmy Chamberlin e o primeiro a apresentar a baixista Melissa Auf der Maur. Como a banda havia alcançado o sucesso no topo das paradas com seu terceiro álbum de estúdio, o que não foi alcançado com o quarto, o Smashing Pumpkins experimentou um novo som e estilo neste álbum. No entanto, eles mais uma vez falharam em chegar ao topo das paradas nos Estados Unidos, chegando ao número três.

4. Zeitgeist (2007)

Após uma separação em 2000, a banda não se reuniu oficialmente até 2007. O primeiro álbum que a banda lançou após a reunião, embora o sétimo no geral, foi "Zeitgeist". Ele alcançou a segunda posição nos Estados Unidos, liderou as paradas no Canadá e na Holanda e foi um hit no top 10 na Austrália, Bélgica, Reino Unido, Alemanha, Nova Zelândia, Irlanda e Holanda.

3. Adore (1998)

'Adore' foi o quarto álbum de estúdio do Smashing Pumpkins. Embora não tenha alcançado o mesmo nível de sucesso que seu antecessor, alcançando apenas o segundo lugar nas paradas dos Estados Unidos, ele chegou ao topo das paradas na Austrália, Bélgica, França e Nova Zelândia. O período que levou ao lançamento deste álbum foi difícil para a banda, pois o baterista Jimmy Chamberlin havia saído e os outros membros da banda estavam lutando com problemas interpessoais contínuos. É possível que seus problemas tenham sido a razão por trás da mudança no estilo musical deste álbum, pois ele teve mais influência eletrônica do que seus trabalhos anteriores.

2. Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995)

Comercialmente, o melhor álbum do Smashing Pumpkins é 'Mellon Collie and the Infinite Sadness'. Foi o terceiro álbum de estúdio da banda e seu primeiro álbum a chegar ao topo das paradas nos Estados Unidos. O álbum também chegou ao topo das paradas na Austrália, Canadá e Nova Zelândia, enquanto ficou no top dez em países como Reino Unido, Bélgica, França, Irlanda e Holanda. O single principal deste álbum foi 'Bullet with Butterfly Wings', e os outros cinco singles lançados do álbum foram 'Zero Tonight', '1979', 'Muzzle', 'Thirty-Three' e 'Tonight, Tonight'.

1. Siamese Dream (1993)

A Kerrang descreve 'Siamese Dream' não apenas como um dos melhores álbuns do Smashing Pumpkins, mas também como um dos álbuns definidores da década de 1990. Embora não seja o álbum de maior sucesso comercial da banda, é o mais definitivo e memorável. É também o mais popular entre os fãs e o álbum que recebe os maiores elogios dos críticos musicais. Foi um hit no top dez nas paradas de álbuns nos Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Austrália e Nova Zelândia. 

Álbuns do Slipknot classificados do pior ao melhor

 

Por mais de 20 anos, o Slipknot tem sido um dos maiores grupos de metal de todos os tempos, viajando pelo mundo e lotando arenas e festivais. A banda ainda está se apresentando e compondo músicas hoje, com seu último álbum We Are Not Your Kind alcançando o primeiro lugar em vários países, como nas paradas de álbuns do Reino Unido e na Billboard 200 dos EUA. O Slipknot não mostra sinais de desaceleração, com um novo álbum atualmente em andamento. Mas quais álbuns são os melhores?

Aqui estão todos os álbuns do Slipknot classificados do pior ao melhor.

6. .5: The Gray Chapter

Lançado em 2014, The Gray Chapter foi o primeiro álbum a ser lançado após o falecimento do baixista Paul Gray em 2011, o álbum também foi o primeiro sem o baterista Joey Jordison , que deixou a banda em 2013. No geral, o álbum é muito bom com músicas como The Negative One, Custer, Killpop e The Devil in I. O álbum ainda teve um ótimo desempenho nas paradas, alcançando o primeiro lugar na Billboard 200 dos EUA, enquanto alcançava o segundo lugar nas paradas de álbuns do Reino Unido. Durante esse tempo, a banda começou seu próprio festival Knotfest, semelhante ao que o Ozzfest costumava ser. Isso diz muito sobre a qualidade de uma banda quando seu "pior" álbum ainda é um álbum realmente sólido.

5. Slipknot

O álbum de estreia autointitulado do Slipknot foi lançado em 1999 e imediatamente colocou a banda no mapa com músicas como Wait and Bleed. A banda passou alguns anos antes na cena underground, mas assim que o álbum foi lançado, o mundo inteiro olhou para cima e tomou nota e ficou muito claro que a banda se tornaria mega-estrelas em um futuro muito próximo. Após o lançamento do álbum, o Slipknot embarcou na turnê Ozzfest ao lado de bandas como Black Sabbath, System Of A Down, Deftones, Slayer e Rob Zombie. A banda pode ter tocado no segundo palco do Ozzfest, mas não demorou muito para que eles estivessem encabeçando festivais em todo o mundo.

4. Vol. 3: The Subliminal Verse

Lançado em 2004 após Iowa, The Subliminal Verse capitalizou e continuou com o sucesso do álbum anterior com músicas como Duality e Before I Forget, este último entrando no Guitar Hero 3, o que só ajudou ainda mais a carreira da banda. O álbum teve um desempenho incrivelmente bom nas paradas, apesar de não ter alcançado o primeiro lugar, acabou ganhando disco de platina no Reino Unido, EUA, Austrália, Canadá e Dinamarca.

3. All Hope Is Gone

Cinco anos depois do álbum anterior, All Hope Is Gone foi lançado em 2008 com o hit Psychosocial, que embora pesado assumiu uma abordagem mais mainstream. Apesar de ser um álbum com sonoridade mainstream, ele ainda é incrivelmente pesado com músicas como All Hope Is Gone e Gematria. Este também foi o último álbum a apresentar Paul Gray e Joey Jordison, com Gray falecendo em 2010 e Jordison deixando a banda em 2013. O álbum alcançou o primeiro lugar na Billboard 200 dos EUA, o primeiro álbum da banda a fazê-lo.

2. We Are Not Your Kind

We Are Not Your Kind é o último álbum do Slipknot no momento em que escrevo isso, lançado em 2019. Apesar de ter sido lançado 20 anos após seu álbum de estreia, We Are Not Your Kind mostra que a banda ainda tem tudo e não perdeu o ritmo. Músicas como Unsainted estão entre as melhores músicas que a banda já escreveu. We Are Not Your Kind se tornou um sucesso instantâneo, alcançando o primeiro lugar em muitos países, incluindo Reino Unido, EUA, Austrália, Canadá e México.

Após o lançamento do álbum, a banda passou o ano seguinte se apresentando em arenas e festivais pelo mundo, incluindo uma turnê mundial e aparições em festivais como o Download. Parece que o Slipknot não vai desacelerar tão cedo e estamos animados para ver o que o Slipknot tem na manga com o próximo álbum que eles têm trabalhado arduamente para escrever em 2020 e 2021.

1. Iowa

Iowa é o segundo álbum do Slipknot, lançado em 2001. O álbum autointitulado colocou a banda no mapa e fez o mundo tomar nota, mas Iowa catapultou a banda para o mega-estrelato, com a banda imediatamente viajando pelo mundo e esgotando arena após arena. O álbum também é repleto de sucesso após sucesso, com faixas como People = S**t, Left Behind, The Heretic Anthem e My Plague se tornando clássicos instantâneos. My Plague também foi a faixa apresentada no filme Resident Evil de 2002. O Nu-Metal pode ter morrido em meados dos anos 2000, mas o Slipknot permaneceu e transcendeu o gênero, tornando-se uma das maiores bandas do mundo, com sucesso comparável a lendas do metal como o Metallica.

David Sylvian “Words With The Shaman” (1985)

Lado A: Ancient Evening + Incantation

Lado B: Songs From The Tree Tops

(Virgin, 1985)

Terminado o ciclo centrado no álbum de estreia a solo Brilliant Trees (que gerou três singles) David Sylvian apresentou em 1985 Words With The Shaman, um EP instrumental originalmente apenas disponível no formato de máxi-single. Trabalho de parceria na composição com Jon Hassell (um dos colaboradores no álbum de 1984), integrando elementos de origens diversas, baralhando geografias, um pouco como o fazia o conceito de “quarto mundo” que o trompetista vinha a desenvolver.

O disco aceita num dos temas uma participação de Steve Jansen e envolveu também a presença em estúdio de Holger Czukay, músico com quem pouco depois David Sylvian desenvolveria trabalhos em estúdio que originariam dois álbuns talhados pela improvisação que abririam horizontes para desafios que desenvolveria mais adiante na criação das suas canções.

O EP apresenta três peças instrumentais interligadas, a parte 1 sob o título Ancient Evening, a parte 2 como Incantation e a parte 3 como Awakening – Song From The Treetops. Words With The Shaman é uma das peças mais interessantes da obra a solo de Sylvian e representa, mais ainda que os caminhos explorados em Brilliant Trees, um caminho de descobertas que lançaria trilhos futuros na sua obra. A música é essencialmente contemplativa, aceita mecanismos repetitivos como base da estrutura, mas liberta alguns instrumentos que desenham linhas que, delicadamente, definem ambientes, depois cores e formas.

É importante frisar que o EP não corresponde à primeira exploração da música instrumental por Sylvian que, no álbum Obscure Alternatives (1978), dos Japan, já havia apresentando The Tenant. Mas, na sua obra pós-Japan, este foi um importante momento de contemplação de novas possibilidades.

Words With The Shaman integrou o alinhamento de Alchemy: An Index of Possibilities, um álbum de música instrumental que David Sylvian lançou ainda em 1985, originalmente apenas disponível no formato de cassete.

 

Lipps Inc “Funkytown” (1980)

O projeto nasceu da ideia de um DJ de Minneapolis. Editaram o álbum de estreia em 1979 e no seu alinhamento estava escondida uma canção que seria um dos hinos do verão de 1980. Editaram discos até 1985, mas poucos lhes voltaram a dar atenção… 

Há listas, playlists e até mesmo livros dedicados àqueles artistas que, mesmo tendo lançado alguns discos, na verdade não sejam senão lembrados por uma única canção. Um bom exemplo ‘one hit wonder’ do verão de 1980 (ou seja, de há 40 anos) são os Lipps Inc, banda da qual invariavelmente as memórias apontam a uma canção: Funkytown.

         O projeto nasceu de uma ideia de um DJ de Minneapolis que então tinha o ‘disco’ como banda sonora dos seus ‘sets’. Steven Greenberg queria também ele criar as suas canções ‘disco’. E é durante as audições que leva a cabo para encontrar vozes que descobre Cynthia Johnson, nascendo então um duo ao qual chamam Lipps Inc mas que rapidamente cresce para uma formação mais alargada. Estreiam-se em 1979 com Rock It, uma canção que chega a arranhar uma passagem pela segunda metade da tabela da Billboard (sobe ao número 64) e que abre caminho à edição de um álbum, Mouth To Mouth, que chega às lojas de discos em novembro desse ano. É no alinhamento do álbum (na verdade apenas incluía quatro temas, todos eles de minutagem alargada) que surge a proposta para um segundo single. Dos mais de sete minutos da versão original criam um ‘edit’ mais amigável para as estações de rádio… Mas ninguém imaginava que, chegados ao verão de 1980, essa canção estivesse nas bocas do mundo (e nas pernas, que a dançavam).

 Funkytown teve edição em single em março de 1980. Revelava um fulgor ‘disco’ na alma rítmica (e nos arranjos de cordas), mas era sobretudo dominado pelas luzes e brilhos da emergente linguagem ‘electro’. Levou algum tempo a fazer-se ouvir. Mas quando o calor chegou esse ano ano viu-se transformado num êxito colossal, escutado de dia na rádio e de noite nas pistas de dança. Em julho de 1980 chegou ao número 2 no Reino Unido. Nos EUA tinha já ocupado o número um entre maio e junho. O número um foi alcançado em muitos outros países, somando um total de vendas na casa dos oito milhões de singles. Mas quando, semanas depois, o single The Gossip Song chegou às lojas, as atenções já estavam voltadas para outros lados. E daí em diante a discografia dos Lipps Inc não conheceu senão uma atenção residual, tanto para os álbuns Pucker Up (1980), Designer Music (1981) e 4 (1983) como para os vários singles que continuaram a lançar até 1985.

Cynthia Johnson deixou o grupo ao fim de alguns discos editados, tendo a formação dos Lipps Inc conhecido outras vozes, assim como vários rostos em algumas das suas passagens por programas de televisão.

Para quem quiser conhecer mais algumas canções dos Lipps Inc aqui ficam umas sugestões… Mas na verdade acreditem que ficam bem melhor apenas ao som de Funkytown…

Ron Grainer / Delia Derbyshire “Doctor Who” (1973)

 

Composto pelo australiano Ron Grainer e interptetado pela pioneira da música eletrónica Delia Derbyshire, no BBC Radiophonic Workshop, o tema criado para o genérico da série televisiva de ficção científica Dr. Who é uma peça de importância histórica na narrativa que conta a progressiva transição de “ferramentas” eletrónicas dos espaços da música exploratória assinadada por compositores no arco da chamada “música contemporânea” para os universos de expressões mais populares, da publicidade, cinema e televisão até chgegar à canção pop e outras descendências.

A série é uma produção da BBC e teve primeira temporada exibida em 1963, tendo conhecido uma vida regular no pequeno ecrã (com novos elencos) até 1989, seguindo-se um hiato e posterior reativação desde 2005. Ao todo soma já 295 episódios.

O tema usado no genérico da série é um trabalho de criação laboratorial que envolveu técnicas então empregues na música electroacústica e precede a existência comercial dos primeiros teclados eletrónicos. O tema teve edição em single pela BBC em várias ocasiões.

Em 1988 a dupa Bill Drummond / Jimmy Cauty, que também editou como KLF e The Justified Ancients of MuMu, lançou o single Doctorin’ The Tardis, no qual homenageava o universo de Dr Who citando a música original, cruzando-a contudo com ecos de Rock’n’Roll de Gary Glitter e Blockbuster dos Sweet, juntando ainda samples de elementos da série.

Blondie “Denis” (1978)

 

Apesar de publicamente descobertos por muitos entre uma multidão que, noite após noite, inventava o punk no palco do CBGB’s, no número 315 da Bowery, em Nova Iorque, os Blondie cedo mostraram que transportavam na sua música uma carga que também denunciava paixões pop estimuladas por melodismos escutados em discos clássicos dos anos 60. A sua estreia, em álbum, produziu uma das primeiras grandes manifestações pop nascidas da ebulição pós-punk e cimentou em disco a força luminosa de uma banda que começava a fazer da vocalista Debbie Harry a maior diva pop de 70. Mas foram, de certa maneira, ignorados “em casa”, rumando a Londres em busca de uma visibilidade que conquistaram, pouco depois, logo com o single que se seguiu, e que lhes valeu o primeiro de uma série de sucessos que atingiram o lado um da tabela de vendas e se catapultaram para carreiras globais.

O single, extraído de um segundo álbum menos intenso do que o primeiro (e dominado por ecos da memória de girl groups dos anos 60), não era mais que uma versão de um velho tema de 1963 de Randy & The Rainbows, Denise, ao qual Debbie Harry aplicou uma expedita mudança de género, cantando também um dos versos em francês como quem adiciona tempero chique à condimentação final.

Na versão dos Blondie, editada em single apenas em 1978, Denis encetou um definitivo destino pop na carreira dos Blondie (entretanto transformados em sexteto com a adição de um músico inglês). Dez anos depois, a mesma canção conheceu um tratamento “modernaço” ao ser reeditada, novamente em single, para a primeira de uma série de antologias póstumas da música de Debbie Harry a solo e da memória dos Blondie.

Amália Rodrigues “Les Amants du Tage” (1955)

 

“Uns franceses vieram a Portugal fazer um filme e queriam uma pessoa que cantasse” e “antes disso eles nem sabiam da minha existência”. É pelas palavras da própria Amália, guardadas na biografia assinada por Vitor Pavão dos Santos, que podemos começar a contar a história deste EP. Os “franceses”, que apareceram depois em casa de Amália para a contratar, tinham ficado particularmente entusiasmados por uma canção de origem brasileira (de título Mãe Preta), que entre nós estava a ser cantada pela fadista Maria da Conceição. Amália pediu então a David Mourão-Ferreira para juntar criar outros versos, nascendo assim o Barco Negro, que cantou no filme.

         Apesar de ter Daniel Gélin e Françoise Arnoul como protagonistas, o filme Os Amantes do Tejo, de Henri Verneuil, teve na cena em que Amália canta o Barco Negro o passaporte não apenas para a sua imortalização mas também, pelo impacte da canção, para um entusiasmo que rapidamente se instalou em França. De resto, é entre o impacte do filme, que foi exibido em muitos territórios e no qual cantava também Solidão (uma versão, também com novos versos de David Mourão-Ferreira, da Canção do Mar) e das atuações que acontecem nos anos seguintes no Olympia, em Paris, que Amália justificava o definitivo arranque de uma carreira internacional de dimensão global. Tinha já começado a cantar em Espanha, no Brasil, nos Estados Unidos, ainda nos anos 40… Mas o Barco Negro lançou-a para mais longe.

         O EP, editado pela Columbia em França em 1955, junta Barco Negro e Solidão a Fallaste Corazon (uma ‘ranchera’ mexicana) e Lisboa Não Sejas Francesa, de Raúl Ferrão e José Galhardo. O disco teve uma edição portuguesa, mas com capa diferente. A imagem usada na capa deste EP francês corresponde a um ‘still’ (recortado) da cena em que Amália canta Barco Negro no filme.