Após a reação entusiasmante a “Emotion Sickness”, tema que marca o regresso triunfante dos Queens of the Stone Age, a banda liderada por Josh Homme partilha “Carnavoyeur”, o último avanço do épico 8º álbum, “In Times New Roman…”
Na véspera do lançamento do disco, irá acontecer o “Midnight Club”, evento para os fãs que decorrerá em algumas lojas independentes que se associaram a esta acção. Será às 23h00 de dia 15 de Junho e conta com ofertas, merchandise oficial e alguns exclusivos dedicados ao lançamento do novo trabalho dos Queens of The Stone Age.
Em Portugal, o evento acontece na Tubitek do Porto pelas 23h00 de 15 de Junho. A banda sobe ao palco NOS do NOS Alive a 8 de Junho.
Na década de 1980, os artistas pop não ficaram muito maiores do que Hall e Oates . Com sua marca radiofônica de soul de olhos azuis, eles dominaram as paradas, lançando um álbum mega-vendido após o outro. Hoje, eles se classificam como a dupla de maior sucesso de todos os tempos, com seis singles número um nos Estados Unidos e sete álbuns de platina e seis de ouro em seu nome. Aqui, vamos dar uma olhada em seus melhores momentos (e não tão bons), enquanto classificamos todos os álbuns de Hall e Oates do pior ao melhor.
18. Change of Seasons
Na virada da década de 1990, o período de Hall e Oates como rolos pop havia acabado. Change of Seasons, seu décimo quarto LP de estúdio, estagnou na posição 60 na Billboard 200 e se tornou o primeiro álbum desde X-Static de 1979 a não ganhar disco de platina. Não é uma farsa ( Pessoas chega ao ponto de descrevê-lo como um “retorno sincero e comovente a um estilo mais simples”) e certamente há muito o que aproveitar em faixas como Some a Mind Changes e Starting All Over Again. Infelizmente, o equilíbrio entre thriller e filler pesa muito do lado do último, resultando em um álbum esquecível que é a ideia essencial de poucas pessoas para ouvir.
17. Ooh Yeah!
1998 Ooh Sim! sinalizou o início do declínio comercial de Hall e Oates. Ele ainda vendeu bem o suficiente para ganhar disco de platina (o último de seus álbuns a fazê-lo), mas vendeu menos cópias do que seus antecessores diretos e alcançou uma posição relativamente decepcionante de 24 na Billboard 200 - um sucesso para os padrões de outros artistas, mas não para Hall e Oates'. Os críticos o crucificaram, chamando-o de pior lançamento da dupla em uma década. Mas, embora possa não definir uma era como alguns de seus álbuns anteriores, não é de forma alguma uma farsa, com várias das canções (Soul Love, reaLove e Keep On Pushing Love, em particular) facilmente classificadas entre seus melhores esforços.
16. Big Bam Boom
Depois de um trio de álbuns excelentes, parecia que Hall e Oates não errariam. E então eles lançaram Big Bam Boom e provaram que ainda eram humanos, afinal. O álbum (o décimo segundo) tem uma vibe mais contemporânea do que seus antecessores, utilizando uma miscelânea de equipamentos e truques de estúdio para criar um som eletrônico urbano. Embora sua ambição seja louvável, a produção é muito pesada para permitir que as habilidades de criação de canções da dupla brilhem. Isso não quer dizer que seja um álbum ruim – Out of Touch, Method of Modern Love, Some Things Are Better Left Unsaid e Bank on Your Love são todas músicas excelentes – simplesmente não está de acordo com os altos padrões que Hall e Oates tinham, para o bem ou para o mal, definem-se.
15. Bigger than Both of Us
Depois de seu excelente quarto álbum, Daryl Hall & John Oates, as esperanças estavam altas para sua continuação. Maior que nós dois não decepcionou. Uma forte coleção de canções pop brilhantes que demonstram a força da dupla como compositores, é uma adição valiosa ao seu canhão. Um sucesso comercial, o álbum alcançou o número 13 na Billboard 200 e gerou uma série de 40 singles no top, incluindo o sucesso número um (e destaque do álbum) Rich Girl.
14. Home For Christmas
Os artistas tendem a jogar pelo seguro quando se trata de álbuns de Natal , mas Hall e Oates decidiram contrariar a tradição deles. Há muitas guloseimas festivas familiares espalhadas por Home For Christmas, mas entre nomes como Oh Holy Night e Jingle Bell Rock estão joias raras como Christmas Must Be Tonight, de Robbie Robertson, e Everyday Will Be Like a, de William Bell e Booker T. Jones. Feriado. Como resultado, Home For Christmas consegue aquela rara façanha de ser familiar e novo, com o suficiente para tentar fãs novos e antigos.
13. Our Kind of Soul
Em 2004, Hall e Oates prestaram homenagem à soul music que sempre serviu como alicerce de sua música com Our Kind of Soul, uma coleção de canções em que a dupla deu um novo toque a alguns clássicos antigos . A produção é um pouco suave demais para o álbum deixar uma impressão duradoura, mas embora possa ser sonolento, ainda é uma audição completamente agradável.
12. Beauty on a Back Street
Em setembro de 1977, Hall e Oates continuaram sua série de álbuns de ouro com Beauty on a Back Street. Como War Babies, encontra a dupla se estendendo além de sua marca registrada de alma de olhos azuis no território do rock de arena, mas enquanto War Babies se debateu sob o peso de suas ambições, a força da composição salva Beauty on a Back Street sofrendo um destino semelhante. Um sucesso em ambos os lados da lagoa, alcançou o número 40 na parada de álbuns do Reino Unido e o número 30 na Billboard 200 dos EUA.
11. Marigold Sky
Depois de iniciar a década de 1990 com o indistinto Change of Seasons, Hall e Oates realizaram um pequeno retorno criativo com seu acompanhamento, Marigold Sky. Comercialmente, foi uma decepção ainda maior do que seu antecessor, mal alcançando o top 100 da Billboard 200. Mas artisticamente, encontra a dupla em boa forma, explorando tudo, do folk ao funk, sem nunca se afastar muito de seu refrão carregado de ganchos. alma de olhos azuis. Os destaques incluem a linda balada Throw the Roses Away e a emocionante The Sky is Falling, uma música que a Rolling Stone descreve como uma requintada peça midtempo de música soul doce e imponente que é provavelmente a música mais perfeita que a dupla gravou desde Sara Smile.
10. Whole Oats
Whole Oats, a estreia de Hall e Oates, consiste em grande parte em demos que eles lançaram anteriormente na coleção Past Times Behind, embora com um som mais animado que tocou nas influências de R&B da dupla . É um pouco frágil em alguns lugares, mas quando eles se soltam e trocam a melancolia sincera e folk das demos originais por um som mais bombástico, funciona brilhantemente. As guitarras funky e as trompas emocionantes de Fall in Philadelphia contrastam maravilhosamente com as raízes folk da música, enquanto em Goodnight and Goodmorning, os arranjos de cordas crescentes e a beleza discreta das harmonias se combinam para criar algo surpreendentemente belo. O fechamento melancólico, Lilly (Are You Happy), e a bela abertura I'm Sorry são igualmente deliciosos.
9. Along the Red Ledge
Ao longo da Red Ledge é um conto de dois lados. O lado dois é de longe o mais fraco dos dois, consistindo em uma coleção lamentável de longas e tediosas canções de rock arruinadas por instrumentais dissonantes e produção exagerada. Felizmente, as lindas canções influenciadas pelo R&B, performances maravilhosas e composições estelares no lado um são transcendentes o suficiente para manter o álbum à tona.
8. War Babies
Depois de construir uma base de fãs leais com sua alma de olhos azuis, Hall e Oates assumiram um risco enorme com seu terceiro álbum voltado para o rock, War Babies. As baladas bonitas e emocionantes e os arranjos exuberantes de R&B de seus dois álbuns anteriores foram lançados, e em seu lugar havia letras cínicas e teclados conflitantes. Quando funciona, é magistral, com o produtor Todd Rundgren adicionando muito cool subversivo a faixas como Beanie G and the Rose Tattoo e I'm Watching You (A Mutant Romance). Quando isso não acontece, a dupla parece pouco à vontade e desconfortável. Independentemente disso, deu a eles seu maior sucesso até aquele ponto, alcançando o número 86 na Billboard 200.
7. X-Static
Como observa o Medium , X-Static de 1979 pode ter sido o único álbum de Hall e Oates desde War Babies a não ganhar pelo menos ouro, mas é crucial para seu desenvolvimento artístico. Há um traço de sua habilidade habitual nos números mais lentos, mas este é um álbum caracterizado por sua nitidez, não sua suavidade. Mover-se para a arena do disco no auge da reação do Disco Sucks não foi a jogada mais sábia do ponto de vista comercial, mas mesmo que não tenha agradado o público na época, representa um trampolim vital no caminho da dupla para se tornar megaestrelas dos anos 80.
6. H2O
Em outubro de 1982, Hall e Oates lançaram o maior sucesso comercial de sua carreira, H2O, que vendeu platina. Além de subir para o número 3 na Billboard 200, o álbum gerou uma série de singles de sucesso, como o hit número 1, Maneater, e o profundamente sedutor One on One. Não é exatamente a conquista criativa épica que seu antecessor, Private Eyes, é, mas embora haja um pouco mais de enchimento do que o necessário, ainda há criatividade mais do que suficiente e as melhores músicas pop para justificar o status de Hall e Oates como um dos os maiores artistas pop da década.
5. Do It For Love
Marigold Sky, de 1997, foi um ótimo álbum, mas sutil demais para dar à dupla o retorno que eles almejavam. Seis anos depois, eles tentaram novamente com Do It For Love. Desta vez, funcionou. Como diz o All Music , não apenas o clima estava propício para uma reunião de Hall e Oates, mas Do It For Love também foi seu melhor álbum em 20 anos. Sonoramente, tem menos em comum com a fusão new wave/pop/soul de Private Eyes e H2O do que com álbuns como Abandoned Luncheonette e seu debut, em que a produção serviu como segundo violino para a composição. Pode não ser inovador, mas a composição exemplar e a consistência focada o tornam um dos álbuns mais agradáveis de seu catálogo.
4. Daryl Hall e John Oates
Após o ligeiramente irregular War Babies, Hall e Oates voltaram com um estrondo com Daryl Hall & John Oates. Há alguns pequenos erros (notavelmente o auto-indulgente Ennui on the Mountain e o reggae-inflected Soldering), mas fora isso, é um álbum extraordinariamente forte que retorna o grupo à alma pop de olhos azuis de seu primeiro álbum. dois álbuns. Faixas de destaque incluem Camellia, Alone Too Long e seu single inovador, Sara Smile, que se tornou seu primeiro single entre os dez primeiros em 1975.
3. Voices
Hall e Oates começaram os anos 80 em grande estilo com Voices. Se seu antecessor, X-Static, havia sugerido a nova direção da dupla, Voices foi o álbum que o revelou. Tornou-se seu maior avanço, chegando ao número 17 nas paradas durante uma estada de 100 semanas e alcançando o status de platina em dois anos. Qualquer vestígio do folk sincero de sua estreia foi obliterado, substituído por uma fusão melódica e altamente polida de pop e new wave que estava destinada ao sucesso mainstream. Anos depois, a onipresença de singles de sucesso como Everytime You Go Away, Kiss on My List e You Make My Dreams tornaria a dupla uma espécie de aborrecimento, mas as delícias ecléticas de Diddy Doo Wop (I Hear the Voices), Big Crianças e África são irresistíveis, mesmo agora.
2. Private Eyes
Um ano depois de atingir o grande momento com Voices, Hall e Oates estavam de volta com seu décimo álbum de estúdio, Private Eyes. Se Voices era grande, Private Eyes era gigantesco, com muitos vendo-o como o ápice criativo e comercial da dupla. Lançado em setembro de 1981, atingiu o número 5 na Billboard 200 e ganhou o status de platina logo depois. Embora a produção seja tipicamente dos anos 80, as performances vibrantes e exuberantes emprestam ao álbum energia cinética suficiente para impedi-lo de ofuscar as canções. As músicas em si são perfeitas - desde Tell Me What You Want, com toque de reggae, até a faixa-título impulsionada por palmas , não há um único fracasso a ser encontrado.
1. Abandoned Luncheonette
A estreia de Hall e Oates foi uma forte introdução ao grupo, mas foi em seu segundo álbum, Abandoned Luncheonette, que eles realmente estabeleceram suas credenciais de potência. Lançado em novembro de 1973, Abandoned Luncheonette falhou no lançamento da primeira vez, mas quando foi relançado três anos depois, tornou-se um sucesso, alcançando a posição 33 na Billboard 200. Como Oates explicou mais tarde ao Huff Postmuito de seu sucesso pode ser atribuído ao produtor Arif Mardin, que ajudou a dupla a se aprofundar em suas influências ecléticas para criar uma obra-prima pop/rock com influências de soul. “Gravar aquele álbum foi onde aprendemos como as músicas se tornam discos. Nosso produtor, o lendário Arif Mardin, elaborou cuidadosamente cada música, cada nuance, trazendo os músicos perfeitos para os momentos certos. E tudo funcionou junto como uma bela tapeçaria musical”, disse ele.
Existem palavras que são inconfundíveis e imediatamente associadas ao nome de um grupo. Os frontmen são a cara da banda e, na maioria dos casos, são eles que lhe conferem uma identidade com a sua persona pública. Às vezes acontece que o frontman decide fazer um projeto solo, cada um terá seus motivos, mas parece óbvio que o principal é a vontade de explorar outros territórios musicais que não podem ser explorados dentro de suas bandas. E é que existem vários frontmen em todos os gêneros musicais que optaram por realizar um projeto solo junto com seus grupos, alguns se tornam um tremendo sucesso e outros permanecem em vigor. Dentro das personalidades progressistas como Steven Wilson, Mariusz Duda e Ross Jenningsestão entre aqueles que optaram por álbuns solo. Desta vez é Einar Solberg quem se estreia como solista embora continue a ser vocalista nos Leprous.
O norueguês lançará seu primeiro álbum solo na próxima sexta-feira, 2 de junho, sob o título “16”. Ele já compartilhou 4 singles até agora, então se você ouviu todos eles, você tem sete músicas para ouvir em breve. O título leva o nome dos 16 anos de um período difícil na vida de Solberg, dito por ele mesmo: “«Chama-se '16' porque foi nessa idade que começaram a acontecer-me as primeiras coisas muito, muito más da vida. Foi quando perdi minha inocência e comecei a perceber que a vida é séria e coisas ruins podem acontecer. Mas este álbum não é apenas sobre as coisas ruins. É também sobre alguns dos momentos decisivos da minha carreira, como quando comecei a tocar com o Leprous e comecei a encontrar uma comunidade à qual pertencer. Emocionalmente sou um pouco de tudo, então abrange todo o espectro emocional!”
“16” começa com o som do violoncelo do canadense Raphael Browne-Weinroth junto com algumas toras queimando na lareira. Cada uma das notas e sua voz exalam melancolia pelos anos que se passaram. O violoncelista tornou-se um membro regular de turnês comLeprous , além de ter gravado com eles seus últimos álbuns. É a partir deste início que o ouvinte fica com uma ideia do quão pessoal é este trabalho.
“ Remember me” abre com sons eletrônicos bem ritmados e contém uma série de acompanhamento orquestral, sintetizadores, guitarra elétrica e algumas batidas de bateria. Este tema poderia se encaixar perfeitamente em um álbum de sua banda, pois tem uma fórmula semelhante a algumas de suas canções, especialmente dos dois últimos álbuns. Não que isso seja algo negativo, afinal, são pouco mais de duas décadas de Leprous e a influência na composição é perceptível.
“A beautiful life” é o segundo single que Solberg partilhou, e nas suas palavras o que talvez seja o mais acessível.Suponho que seja verdade o que ele diz, pois, à semelhança do seu antecessor, têm um tom mais positivo ao nível das letras e é mais digerível para qualquer tipo de público. Os sintetizadores, bateria e melodias vocais vão de discretos a intensos conforme a música avança. Este single tem um vídeo dirigido por Elena Sihida, que você pode ver abaixo.
“Where All The Twigs Broke ” um piano introduz-nos neste tema e é aqui que temos a primeira colaboração no álbum com StarofAsh, ou Heidi S Tveitan, irmã de Solberg. A cadência do piano e das cordas desenrola-se como uma subida numa escada em caracol, por vezes parece interminável e é exacerbada pela percussão, pela voz e pela orquestra. O piano volta e a descida começa no mesmo ritmo. Hipnótico e com um ar misterioso. 2
“ Metacognitivo”É a demonstração de como soa a experimentação com todos os elementos eletrônicos e ambientais, e embora a voz de Einar mantenha seu estilo particular, a contribuição do violoncelista Raphael lhe dá um toque diferenciado, mostrando uma faceta diferente do cantor. Os refrões e seu ritmo facilitam a diversão.
“ Home” leva essa experimentação que mencionei a territórios insuspeitos onde conhecemos o guitarrista americano Ben Levin que contribui com alguns versos de rap. Embora este seja o último single lançado há alguns dias, não posso dizer que fiquei muito animado com isso. E não porque contenha rap, garanto que tenho Hobo Johnson e Kid Cudi na minha playlist, é simplesmente que essa música veio quebrar com o esquema do álbum e com as expectativas que eu tinha depois da música anterior. Mas talvez seja disso que se trata: não entregar um produto que esperamos. E nisso, essa música entrega e entrega. O vídeo, também dirigido por Elena Sihida, mostra videoclipes do primeiro show de Solberg em 2000.
“ Blue Light” Uma grata surpresa foi ouvir Einar ao lado de Asger Mygind, vocalista da banda dinamarquesa VOLA . Facilmente um dos meus favoritos. As melodias vocais de ambos são um deleite relaxante e que juntamente com a instrumentação nos levam a uma progressão em que a intensidade do tema vai sendo construída gradualmente até atingir aqueles agudos tão clássicos de Solberg e regressar às vozes de ambos cantando em uníssono. Certamente muitos mais apreciarão esta joia e espero que não seja a única vez que esses dois colaboram.
"The Glass Is Empty" é a faixa mais longa de todo o álbum que conta com a guitarra do islandês Tóti Guðnason, compositor e guitarrista em Agent Fresco e também compositor da trilha sonora do filme "LAMB" . Destaco esse fato porque dá para perceber a bela teatralidade que é exposta nesse tópico. As mudanças rítmicas e a atmosfera de toda a música variam o suficiente para manter o ouvinte na expectativa do início ao fim, e é isso que essa música dura 11 minutos. Todos os elementos, desde a bateria à orquestra dramática e a contribuição do Coro Filarmônico de Praga(cuja faixa 9 também teve participação). À medida que se aproxima de seu ponto culminante, tudo aumenta para um crescendo com Solberg soltando um doloroso tom agudo dizendo “eu tenho que ir”. Para ser honesto, isso me deu arrepios. Foi de longe o tema que mais me emocionou. Queria que não acabasse abruptamente depois de toda aquela emoção, porém entendo perfeitamente porque é a última música que fecha esse primeiro trabalho solo.
Ninguém com nem um pouco de ouvido questiona os talentos vocais de Solberg, seu alcance é incrível e suas performances sempre me pareceram muito autênticas. Nesta estreia, prova mais uma vez os seus dotes como compositor e se há algo que vou destacar, para além da boa produção e da qualidade dos seus convidados, são as suas letras. Em um mundo onde a depressão e a ansiedade afetam diariamente nossa saúde mental e nossos medos internos nos paralisam, agradeço que haja alguém como ele que encontra uma maneira de compartilhar algo de sua história conosco e consegue colocar em palavras o que muitas pessoas provavelmente se calam porque não conseguem verbalizar seus pensamentos e sentimentos.
Quer sejam fãs da voz de Leprous e Solberg ou não, é um álbum que todos podem ouvir e encontrar pelo menos uma música do seu agrado, porque quando talento e criatividade se juntam, surge sempre algo interessante e inesperado, e como o mais aguardado álbum solo este ano, entrega e será muito bem recebido pelos fãs.
"16" será lançado em 2 de junho de 2023 pela gravadora InsideOut Music .
Músicas:
1. 16 (feat. Raphael Weinroth-Browne)
2. Remember Me
3. A Beautiful Life
4. Where All The Twigs Broke (feat. Star Of Ash)
5. Metacognitive (feat. Raphael Weinroth-Browne)
6. Home (feat. Ben Levin)
7. Blue Light (feat. Asger Mygind)
8. Grotto (feat. Magnus Børmark)
9. Splitting The Soul (feat. Ihsahn)
10. Over The Top11. The Glass Is Empty (feat. Tóti Guðnason)
Menos de um ano desde o confronto em quadrinhos de Czarface Meets Metal Face e Czarface está pronto para seu próximo super confronto - desta vez contra Wu-Tang Clansman Ghostface Killah. Este confronto será imortalizado nos anais das batalhas épicas de quadrinhos/rap da história?
Com dois membros do (in)famoso Wu-Tang Clan, Inspectah Deck e Ghostface Killah prontos para a batalha neste álbum, podemos quase com certeza ter um excelente álbum. Galvanize isso com a presença da dupla de hip-hop 7L e Esoteric ao lado de Inspectah Deck para criar Czarface (pense neles como um supergrupo de rap) e definitivamente deveríamos ser.
“Back At Ringside”, e os sinos estão literalmente começando esta faixa de abertura. Embalado com uma neblina de linha de baixo nebulosa e vocais grisalhos. A influência Wu-Tang da presença de Ghostface Killah é absolutamente inegável. Parece e age como a faixa de aquecimento que deveria. Arranhões leves e bateria simples ajudam a lançar o álbum de “Face Off”. O álbum continua a ideia muito legal do 'predecessor' do álbum, Czarface Meets Metal Face , onde Czarface lutou contra MF DOOM. A mesma arte de quadrinhos está presente na capa deste álbum e o mesmo drama épico de desenho animado nas manhãs de sábado ainda encharca todas as batidas deste álbum. Pode ser intitulado como uma reunião, mas se torna mais uma batalha quanto mais fundo você vai.
No momento em que “Iron Claw” começa corretamente, o álbum atingiu o ritmo. As batidas sujas de suas raízes no hip-hop da Costa Leste são uma maneira perfeita de criar o clima para esses titãs do rap cuspir barras (não disparar, como o tema cômico pode sugerir); ele ainda começa com uma nota de cliffhanger de sintetizador direto da série de desenhos animados da Marvel - o que mais você poderia querer ?! Se você quer mais dessa excelência de rap agressiva e nebulosa, basta pular para “Masked Superstars”. Cheio de drama, mudanças de velocidade da plataforma giratória e, claro, belas habilidades de rap. Com linhas de sintetizador desafinadas sobre linhas de baixo que poderiam sacudir o asfalto como Godzilla se movendo sob ele - a melodia de fundo pertence a um filme kaiju e os artistas imortalizados na glória dos quadrinhos.
Mas nem tudo são batidas lo-fi. Carregado com loops impressionantes e habilidades de amostragem sobre-humanas, também somos tratados com “Powers & Stuff”. Sim, esse é o nome da faixa, não uma revelação repentina de superpoderes... bem, além de suas habilidades de rap de qualquer maneira. Variando de amostras de flauta a risos infantis e mordidas vocais que varrem os canais de alto-falante, aparentemente vindo de todos os lugares.
Talvez na melhor faixa do álbum, “Morning Ritual”, Ghostface faz uma recontagem peça por peça de um dia ameaçador em seus sapatos. Facilmente o pinta como o supervilão da peça, e ele merece todo o crédito por ser o páreo para o trio heróico (de certa forma) na forma de Czarface. À medida que a faixa flui para “Super Soldier Serum”, há energia suficiente nesta faixa para nivelar um quarteirão da cidade tão facilmente quanto qualquer Vingador. Tirando fotos e comentando sobre qualquer coisa, desde Daniel Craig como Bond, até a natureza furtiva da cartilagem óssea, ainda é uma dupla emocionante de músicas por toda parte.
Voltando das faixas mais intimamente raivosas, no momento em que “The King Heard Voices” passa para “Listen to the Color”, estamos cheios de saltos mais rápidos entre os artistas enquanto eles preenchem a faixa com seus respectivos compassos, lutando pela supremacia (e o destino do mundo!). É complexo, de alguma forma sem esforço, como só a realeza do rap consegue e é inesquecível.
Não é o álbum mais convencional. Sim, a maioria conta uma espécie de história e foi cuidadosamente estruturada pelo produtor e pelos artistas. No entanto, quando você está basicamente fazendo rap em uma história em quadrinhos, e o produtor é o artista – pode realmente ser a narrativa que você deseja. O álbum é polido, insanamente bem projetado e facilmente se destaca em meio a um mercado tão lotado de rap.
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